Three Faces presenta THREEvial pursuit: una serie di articoli tra il serio e il faceto sulle tematiche più disparate! Attica libera, un articolo di C. Francioni || THREEvial Pursuit9 Giugno 2021Attica libera di Chiara Francioni “Il potere non deve togliere diritti alla gente, di qualsiasi razza, colore, religione o orientamento sessuale. Chi ha il potere deve assicurarsi che i diritti siano di tutti. Il vero potere non divide il popolo, e non lo unisce contro qualcuno, ma verso qualcosa: il futuro. Il vero potere non inventa un nemico, non governa con la paura. Un potere che governa con la paura ha paura. E di cosa? È semplice … ha paura del nuovo, e di come quel nuovo potrebbe farsi strada nella testa della gente” Attica è un’opera a fumetti in sei albi scritta e disegnata da Giacomo Bevilaqua, giovane (anzi giovanissimo, in quanto proveniente dai primi anni ’80 come la sottoscritta n.d.r.) fumettista italiano dal talento poliedrico e già autore di molteplici pubblicazioni con case editrici di tutto rispetto, quali Bao Publishing, Feltrinelli e – è proprio il caso dell’opera in questione – Sergio Bonelli Editore. Pubblicazioni che si traducono, ognuna a suo modo, in un approccio sensibile e critico alla società e alla condizione umana, che ne è inevitabile presupposto, aspetti privilegiati e protagonisti anche del graphic novel in questione. Una barriera necessaria per proteggere il posto più bello del mondo Attica, dicevamo, e se adesso state rovistando tra le vostre reminiscenze scolastiche nella speranza di contestualizzare, beh, significa che siete sulla strada giusta, perché proprio di quella Attica stiamo parlando: la regione ellenica in cui, in tempi ormai remoti, nacque la democrazia. Nell’immaginario di Bevilacqua la Attica del ventunesimo è una moderna città stato, resasi indipendente dall’Unione Europea e divenuta feticcio di tutti i leader sovranisti del mondo, nonché sogno proibito dei più, in quanto esempio di modernità e patria del benessere assoluto. Ma ad Attica non è facile entrare: circondata da alte mura e militarmente protetta, la città è fatta per i pochi ai quali è riconosciuto il privilegio di esserne cittadini, mentre per tutti gli altri restano solo l’amarezza del rifiuto e le sovraffollate favelas che si affastellano appena fuori le mura. E non è certo migliore il destino di coloro che tentano di entrare clandestinamente, giacché la legge di Attica non conosce pietà. Legge che altri non è se non la volontà incontrastata di un monarca assoluto, il temuto e adorato Presidente Ino. Gli abitanti di Attica venerano il loro governante come una divinità e lo sostengono ciecamente, in quanto autore del colpo di stato che ha donato alla città in cui vivono lo status di cui ora gode. Ino è infatti percepito come il garante della superiorità del popolo prescelto rispetto al resto del mondo, nonché unica forza in grado di fermare la minaccia rappresentata dall’odiato forestiero che, mosso da invidia, vorrebbe invadere la patria per usurpare ciò che, in base a una qualche forma di giusnaturalismo non meglio precisato, spetta di diritto ai cittadini di Attica. L’occhio, il marchio, il dono, la guida e l’arma Che il presidente Ino e il suo entourage rappresentino il male nella declinazione bevilacquiana dell’eterna lotta contro il bene (no, non iniziate a canticchiare il brano di Elio e le Storie Tese perché mi andare fuori strada) è ormai chiaro. E allora chi incarna la controparte luminosa e destinata a vincere? (Non mi si accusi di spacciare spolier, in quanto la morale edificante dell’opera non può che presupporre tale epilogo, seppur riservando qualche colpo di scena che terrò per me). Per rispondere alla domanda occorre introdurre il lato fantasy della storia. Attica, infatti, prima del colpo di stato ordito da Ino, era anche la patria dei Bordoscuro, minoranza di origine nomade e composta da esseri dotati di poteri sovrannaturali, finiti nelle mire del dittatore e, pertanto, vittime di un efferato genocidio. Alcuni superstiti sono però riusciti a lasciare il paese, grazie all’azione di un manipolo di resistenti capitanati dal misterioso Stromboli. Quest’ultimo, tessitore di piani e dei fili del destino altrui, riesce a condurre cinque giovani Bordoscuro verso l’oneroso, ma glorificante compito di rovesciare Ino e restituire ad Attica e al suo popolo la libertà. La storia segue quindi la quest cavalleresca dei cinque eroi (l’occhio, il marchio, il dono, la guida e l’arma), ciascuno alle prese con il proprio personale percorso di crescita e redenzione e perfetta espressione di quelli che dovrebbero essere i valori a cui informare una società sana ed evoluta: spirito critico, empatia, giustizia, tutela della diversità, sacrificio, solidarietà, consapevolezza. Il gruppo degli eroi Cilla, Kat, Aiden e Neto. Ne manca uno, ma la scelta non è casuale no spoiler Attica e il concetto di libertà Si possono dire molte cose di Attica, ma ho deciso di soffermarmi su un punto in particolare, lasciando poi a voi il piacere di leggere l’opera e scoprirne i vari aspetti. Così, riallacciandomi a quanto detto in chiusura del precedente paragrafo, mi pare di aver ragione nell’affermare che tra i valori che dovrebbero stare alla base di un sistema a misura d’uomo non può certo mancare il riconoscimento della libertà, che poi è anche il concetto su cui s’impernia l’intera sceneggiatura di Bevilacqua (al grido di #atticalibera). E infatti Attica è un’opera che ci vuole raccontare la bellezza della libertà, la sofferenza che deriva dalla sua negazione e la forza indomita che sostiene la lotta di chi, in nome di tale supremo valore, è disposto a sacrificarsi. La condanna delle condotte liberticide dei potenti è evidente, e Bevilacqua ce la mostra esasperando le conseguenze della deriva autoritaria che infesta Attica e il suo sistema di governo e che ha portato alla radicale soppressione delle libertà civili di coloro che non sono ammessi allo status di cittadino o che non ne sono più ritenuti degni. Si assiste quindi all’oppressione del diverso, all’abuso della forza contro il più debole, al dilagare di inappellabili sentenze di espatrio o di morte, decretate senza le garanzie offerte da un regolare contraddittorio. Ma la vaporizzazione della libertà interessa anche gli stessi cittadini di Attica, la cui autonomia risulta compromessa per effetto della strategia politica messa in atto dall’entourage di Ino. Il popolo, infatti, viene condizionato ed eterodiretto nello sviluppo del pensiero e, quindi, delle azioni, determinandosi così la polverizzazione dell’essenza stessa del principio di autodeterminazione. I mezzi a cui ricorre il potere per plasmare la mente e l’agire dei sudditi sono quelli canonici: imposizione dell’ideologia di massa fondata sull’esistenza di un nemico unico da temere – come minaccia di una libertà farlocca apparentemente garantita dallo stato – e odiare, manipolazione dei mezzi di comunicazione e informazione. Così il cittadino finisce per desiderare e fare ciò che il potere vuole che desideri e faccia. Sul piano della riaffermazione della libertà, invece, troviamo la lotta rivoluzionaria dei ribelli, coloro che, dinanzi all’impossibilità di intraprendere altra strada, decidono – non senza sofferenza – di percorrere la via della lotta di liberazione per annientare un potere usurpatore e dalle fondamenta marce, che si pone come ostacolo alla estrinsecazione sia delle libertà civili degli oppressi, sia della libertà di autodeterminazione dei cittadini del regno, ingabbiati in un’illusione liberticida. Aiden e Kat da piccoli tra le rovine che il colpo di stato di Ino si è lasciato dietro Attica e il suo autore Bevilacqua sceglie di trattare i temi, certamente non leggeri, appena illustrati adottando un approccio vincente, caratterizzato, da un lato, da un profilo riflessivo e impegnato e, dall’altro, da un registro ironico e irriverente. Dal punto di vista grafico, invece, si cimenta in un vero e proprio tributo al mondo dei manga, come lasciano bene intendere le dimensioni degli albi (che potremmo tranquillamente chiamare Tankōbon), lo stile carico di dettagli e rigorosamente in scala di grigi, nonché la struttura e i tagli delle vignette, che presentano caratteristiche tipiche del fumetto nipponico, quali l’assenza di riquadri e l’asimmetria. Bevilacqua sceglie poi di arricchire il tutto con numerosi e strategici richiami (che non vi rivelerò, ma che potrete trovare elencati al termine dell’ultimo volume) alla letteratura, cinematografia, pop-culture, oltre che con simpatiche autocitazioni (avete presente A Panda Piace? – per citarne una). Infine, vale la pena ricordare che, nel corso dell’edizione 2020 del Lucca Comics & Games (quella in modalità covid), Bevilacqua si è aggiudicato il Gran Giunigi per la miglior opera seriale dell’anno. Share Tweet Share... Read more...Riattivache?!?!? || Intervista a infinipi, riattivatore di Invader, di G. Silvestrelli || THREEvial Pursuit26 Maggio 2021Riattivache?!?!? Intervista a infinipi, riattivatore di Invader di Giorgio Silvestrelli Gli amanti di street art e dell’arte contemporanea avranno sicuramente sentito parlare di Invader. Questo noto artista francese realizza principalmente mosaici che attacca in giro per il mondo. Ma cosa succede quando queste opere vengono staccate? Con questa domanda in testa, dopo approfondite ricerche, sono venuto a conoscenza di una specie di “organizzazione segreta” che si fa carico di ricostruire questi mosaici e riportarli in strada. Sono i così detti “riattivatori”.Dopo lungo girovagare su internet, sono entrato in contatto con uno di loro. Anche lui street artist, il suo nome è infinipi. Ecco cosa ci ha raccontato. Giorgio Silvestrelli: Ciao come stai? Tutto bene, spero. Vuoi innanzi tutto raccontare ai lettori di Three Faces chi sei e cosa fai? infinipi: Ciao! Tutto bene, grazie mille. Il mio nome e cognome preferisco non rivelarli. Il mio nome d’artista invece è infinipi. Ho una quarantina d’anni e sono laureato in informatica e matematica. Sono nato a Roma. Madre francese. Padre italiano. Vivo a Miami da un bel po’ di tempo. Mmmh cos’altro, parlo molte lingue. Cosa faccio? Difficile da spiegare in poche parole, ma diciamo che sono un artista tradizionale e anche aziendale. Con il termine tradizionale intendo che lavoro con vari materiali come inchiostro, resina, pitture, legno, mosaici. Tutto quello che capita a tiro e che m’ispira!Ho anche una ditta di consulenza e sviluppo digitale dove, con il mio team, facciamo integrazione e creazione di applicazioni per web e mobile per diverse aziende. Sicuramente meno divertente, ma paga le bollette! (ride n.d.r.) GS: Ho voluto fortemente questa intervista per parlare di un argomento che, anche chi è nel mondo della street art da tempo, non conosce. Parlo dei riattivatori di Invader, di cui tu fai parte. Ma prima, mi sembra doveroso parlare di Invader. Vuoi fare una tua personale introduzione su questo street artist conosciuto in tutto il mondo? i: Certo. Invader è un artista francese “senza volto” che ha creato la sua fama a livello mondiale usando piastrelle di vetro e ceramica ricreando inizialmente personaggi di video giochi (Space Invader, Galaga, Super Mario Bros, Pac-Man ecc.) della nostra gioventù (anni ’70 e ’80 n.d.r.). Pian piano, ha creato i suoi “personali” alieni. I pezzi sono installati in posti sempre visibili ma incospicui. Spesso, infatti, sono davanti agli occhi di tutti ma, se non guardi in quel posto, non si vedono. Il 99% dei suoi lavori sono mosaici, ma ha fatto anche molte stampe, adesivi, abbigliamento e sculture. Oggi, con internet e le aste mondiali, il suo nome è spesso accostato a quello di Banksy e altri famosi street artist “senza volto”. Le opere di Invader sono vendute all’asta per migliaia se non milioni di dollari. Tutti i circa 4000 pezzi installati per le strade del mondo, in quelle che lo stesso Invader chiama “invasioni” hanno un clone, chiamato Alias. Spesso gli Alias sono esposti in gallerie oppure vengono venduti attraverso gallerie autorizzate. I mosaici alle più basse latitudini si trovano in mezzo al Golfo del Messico mentre il mosaico in più alto di tutti invece si trova nella Stazione Spaziale Internazionale ed è stato portato dall’astronauta italiana Samantha Cristoforetti. Sì, esatto, c’è un’opera di Invader in orbita nella stazione spaziale! GS: Ora che abbiamo parlato di questo grande street artist parliamo del termine “riattivazione”. Chi è e che cosa fa un riattivatore di Invader? i: Un riattivatore è una persona che si incarica di rimettere al proprio posto i mosaici di Invader che sono andati distrutti o rubati in giro per il mondo. Una riattivazione è una replica dell’originale montata da un riattivatore e non dall’artista. Ogni riattivazione deve essere richiesta e approvata da Invader in persona. Le mattonelle devono essere uguali a quelle originali (marca, modello colori, ecc.). L’opera riattivata deve essere nello stesso luogo dove era originariamente il pezzo, e va anche fotografato. Se ci sono ancora mattonelle vecchie o del vecchio cemento, tutto deve essere rimosso e pulito per assicurare una buona adesione della riattivazione. Le riattivazioni vanno fotografate ancora prima di essere installate per essere sicuri che il pezzo sia identico o il più simile possibile all’originale. Mattonelle giuste, tonalità giuste, che il pezzo sia ben “dritto” ecc. Una volta installato, il pezzo viene fotografato e la foto spedita ad Invader. Quando arriva la sua approvazione, la riattivazione può definirsi conclusa. L’obiettivo: che nessuno sappia se è l’originale o una riattivazione. Il valore reale della riattivazione: il costo delle mattonelle, della colla e del cemento. GS: Perché hai deciso di diventare un riattivatore? Come sei venuto a sapere di persone che riattivano le opere di Invader? Ti va di raccontarci tutti i passaggi di una riattivazione? i: Abito a Miami da molto tempo e avevo visto diversi pezzi di Invader in giro per la città. Mi piacevano molto ma, spesso, mi accorgevo che venivano rubati o distrutti. Erano già molti anni che seguivo questo artista su Instagram e un giorno lui postò una foto di un suo mosaico scattata da una fan francese. In quel momento mi è venuto in mente di seguire su questo social anche i suoi fan. Negli stessi giorni avevo anche scoperto che c’era un’applicazione per cellulari riguardante Invader. Poi ti spiegherò qualcosa in più su questa applicazione. Tornando a noi, seguendo questi fan mi sono reso conto che alcuni di loro postavano foto di pezzi che sembravano nuovi ma i nomi mi risultavano vecchi. Questo mi ricorda che non ho spiegato la storia dei nomi! Ogni pezzo di ogni città ha un nome. Normalmente le tre prime lettere sono la sigla della città e dopo viene il numero sequenziale dell’installazione nella medesima città. Per esempio a Miami ci sono 85 pezzi perciò tutti i pezzi si chiamano MIA_ (città) e il numero, ad esempio MIA_69. Tornando alla nostra storia, mi sono reso conto che i nuovi pezzi che Invader installava all’epoca erano tipo PA_1000 e questi fan stavano postando foto di PA_130 con cemento che sembrava ancora umido, cosa che dopo dieci anni non dovrebbe accadere. È in questo modo che ho scoperto la parola “riattivazione”. Negli stessi giorni in cui sono venuto a conoscenza delle riattivazioni, è stata lanciata una nuova versione di Flashinvaders, una app creata proprio da questo street artist. Si tratta di una specie di caccia al tesoro virtuale e reale. Il gioco consiste nel trovare i mosaici nella realtà, fargli una foto con l’applicazione e guadagnare punti per ogni pezzo trovato e fotografato. I punti vanno da 10 a 100. Il punteggio dipende da molti fattori: dalla complessità del pezzo, il luogo dove è installato il mosaico e la sua grandezza. Con l’aiuto di internet mi sono messo a cercare dov’erano i pezzi qui a Miami. Ho trovato online delle mappe e possedevo anche un libro pubblicato da Invader che riporta tutte le foto dei mosaici della mia città. Parecchi di loro non esistevano più, ciònonostante mi sono messo a giocare con i mosaici ancora esistenti. A quel punto ho provato ad entrare in contatto con Invader e il suo entourage per vedere se mi permettevano di riattivare dei pezzi qui a Miami. Ma i miei tentativi fallirono, nessuno mi rispondeva. Dopo circa un anno, ricevo all’improvviso un messaggio da un gruppo di riattivatori in Inghilterra. Non avevano risposto ai miei messaggi precedenti, quelli inviati con il mio profilo Instagram personale, ma rispondevano invece ad un account Instagram che avevo creato e chiamato ReactivationTeamUSA, dove avevo postato una foto qualsiasi di un mosaico che ero riuscito a trovare qui a Miami. Tramite questo account ho cominciato a seguire altri account di riattivatori europei. Non passarono neanche 24 ore che subito hanno cominciato a bombardarmi di messaggi chiedendomi chi fossi, da dove venissi e cosa volessi ma, soprattutto, mi domandavano chi pensassi di essere per postare quelle foto che non c’entravano nulla con le riattivazioni. Spiegai che cercavo di sapere come poter fare per “formalizzare” la mia accettazione nella “squadra” dei riattivatori e come fare per poter riattivare i pezzi a Miami. A quel punto mi chiesero se avessi parlato con i riattivatori di Los Angeles o di New York. Gli dissi che non sapevo assolutamente chi fossero e, cortesemente, chiesi che mi mettessero in contatto con loro. Poi ci fu il silenzio. Niente più risposte. Niente di niente. Per più di un anno ho seguito attentamente chi veniva a Miami tramite l’app, però erano poche le persone in confronto alle altre grandi città. Per puro caso, quella stessa estate, a Parigi, si tenne un simposio per tutti i fan dell’artista. L’idea mi piacque subito moltissimo ma ero impossibilitato ad andare. Poco dopo scoprii che un meeting di quel tipo era in programma a New York. Mandai subito un messaggio chiedendo di poter fare parte del comitato organizzativo così da poter fare un simposio qui a Miami. Incredibilmente accettarono! Non era una cosa direttamente legata all’artista, ma solo un raduno di fan per conoscersi e fare due chiacchiere sul nostro artista preferito. Colsi al volo l’opportunità di fare questo raduno con l’obiettivo di riuscire a stanare qualche altro fan qui nella mia città. Miami ha una scena di graffiti e street art abbastanza conosciuta, anche se principalmente a livello locale, ed è una delle quattro città negli USA che sono state “invase”. Ciò nonostante, le persone non hanno un grande interesse per queste cose. Il risultato è che al mio simposio qui in città non venne nessuno. Ricordo bene che un giorno, mentre pranzavo, ricevetti un messaggio da un tipo in Francia che sapevo essere un riattivatore. Mi chiese se conoscevo qualcuno che avrebbe potuto aiutarlo, dato che aveva intenzione di venire qui a Miami. Da lì ho cominciato a parlare con lui e siamo diventati amici. Per pura coincidenza, quell’estate sono andato a Parigi e ci siamo conosciuti di persona. Ad agosto fu lui a venire nella mia città con un altro riattivatore. Da quel momento in poi, dopo aver fatto la prima “ondata” di riattivazioni con loro, l’entourage di Invader ha cominciato a fare il mio nome agli altri riattivatori che venivano a Miami indicandomi come persona capace di aiutare nelle riattivazioni. Una volta ottenuti i contatti giusti, anche per avere le mattonelle, ho iniziato a riattivare pezzi anche da solo, naturalmente seguendo sempre tutti i protocolli di autorizzazione. GS: Il vostro gruppo da quante persone è composto? Vi conoscete tutti personalmente? Prendete decisioni insieme? Ti va di spiegarcene le dinamiche? i: A Miami siamo in due adesso. Sì, naturalmente conosco personalmente l’altro ragazzo che mi aiuta con le riattivazioni. Una persona che prima non conoscevo assolutamente. Tramite Instagram e il gioco, mi ero accorto che c’era qualcuno nella mia città molto appassionato di Invader. Quindi non ho perso tempo e l’ho contattato. È stata una bella scoperta! Tra di noi non abbiamo dinamiche molto formali. Semplicemente chiacchieriamo e vediamo quali sono i pezzi che ci interesserebbe riattivare. Analizziamo tutti i fattori: se il palazzo esiste ancora, se il mosaico potrebbe durare a lungo, se abbiamo tutte le mattonelle o se riusciamo a recuperarle in tempi brevi. Sembra una stupidaggine, ma trovare le mattonelle è molto, molto difficile! Spesso perché le ditte smettono di produrle, specialmente quelle piccole in vetro. In più, per noi che viviamo in America, le aziende che producono mattonelle sono diverse e quindi spesso dobbiamo comprare e farci spedire le mattonelle direttamente dall’Europa, principalmente dalla Francia. Puoi quindi immaginare i costi. GS: Quanti gruppi di riattivatori ci sono nel mondo? Che rapporti ci sono tra di voi? i: Non si sa esattamente. Però fra quelli che conosco e quelli di cui ho sentito parlare direi che siamo circa una ventina sparsi per il mondo. Molti di noi preferiscono che il pubblico non sappia nulla dei riattiavatori. Noi abbiamo tutti una cosa in comune: proviamo ad essere discreti. Solo pochi di noi, invece, sono più aperti e raccontano chi sono e cosa fanno. Qui negli USA, ad esempio, abbiamo una chat comune dove parliamo di tutto, i francesi invece usano principalmente Discord e altre piattaforme. Ogni volta che qualche riattivatore viene qui in America, creiamo una chat su Whatsapp per organizzarci con la logistica, la tempistica, ecc. Io ho il grande vantaggio di parlare molte lingue e questo mi permette di comunicare con tutti i riattivatori del mondo. GS: Che rapporto c’è tra voi riattivatori di Miami e Invader? V’interfacciate direttamente con lui? i: Il nostro rapporto è con l’entourage – che noi chiamiamo “studio” – di questo street artist e non direttamente con lui anche se, spesso, lo stesso Invader ci dà consigli su luoghi alternativi dove fare le riattivazioni oppure ci segnala le sostituzioni che dovrebbero/potrebbero essere fatte. Queste sue parole ci arrivano sempre tramite lo studio. Diciamo che lui deve darci la sua personale autorizzazione se, per caso, ci sono variazioni o difficoltà tecniche come, ad esempio, se c’è un muro che è stato demolito o una colonna che non esiste più ecc. Se non ci sono difficoltà, comunichiamo solamente con lo studio. Spesso, se ci mancano delle mattonelle specifiche o difficilmente reperibili, ce le inviano direttamente per aiutarci. GS: Tutti possono diventare riattivatori? i: Guarda, è una domanda difficile a cui rispondere, perché in realtà, qui in America, siamo abbastanza separati dalle attività della Francia dove la maggior parte dei riattivatori abitano e agiscono. Qui negli USA ci conosciamo tutti personalmente perché ogni volta che visitiamo una città “invasa” da Invader, ci ritroviamo anche solo per bere una birra insieme. Con la popolarità di Invader in continua crescita, ho sempre più gente che mi chiede, tramite Instagram, molte informazioni su noi ritattivatori. Spesso, però, mi rendo conto che ci sono ulteriori motivi. Allora, nello stesso modo in cui gli inglesi mi hanno reso molto difficile entrare in contatto con lo studio, io faccio lo stesso con queste persone che mi contattano. Voglio che mi mostrino interesse nel trovare le mattonelle giuste o a montare i pezzi per fare vedere che sono veramente interessati ad aiutarci con le riattivazioni. Lo studio ha anche avuto problemi con certi riattivatori che hanno preso troppo sul personale la cosa e che hanno letteralmente fatto a botte con altri riattivatori. Ci sono stati anche dei casi in cui dei riattivatori hanno venduto loro pezzi spacciandoli per originali e questo è inaccettabile, per me, per Invader e il suo studio. Oggi come oggi è diventato sempre più difficile fidarsi di qualsiasi persona. GS: Tu partecipi al gioco di Invader? Riattivi le sue opere per accumulare più punti (sto scherzando)? Ci vuoi spiegare un po’ meglio questa parte ludica del progetto di Invader? i: Sì, certo (ridendo), ci “gioco” anche io. No, non riattivo i pezzi per accumulare più punti. Qui a Miami ci sono dei mosaici posizionati non troppo in alto e che quindi sono facili da rubare. Questi pezzi li ho già rimessi quattro o cinque volte. Riattivo questi mosaici perché fondamentalmente a me piacciono molto. Però, devo essere sincero, ormai sto incominciando a stancarmi perché uso i miei soldi per le riattivazioni e sempre più spesso mi rendo conto che i mosaici che ho riattivato finiscono su internet per essere venduti e vengono spacciati per originali. Il bello di Flashinvaders, per me, è che io lo uso tipo un catalogo di avventure nel mondo. Giocando con questa app, ho avuto modo di conoscere parecchie città in modi che non avrei mai pensato. Per esempio, a Roma, ci sono parecchi pezzi in centro, nella zona del Colosseo o vicino Piazza Venezia, luoghi che non avrei mai visitato a piedi se non fosse stato per cercare questi mosaici. Lo stesso ho fatto a Lione, in Francia, o ad Amsterdam. È un altro modo di scoprire le città! Con Flashinvaders giocano anche i miei figli che spesso mi chiedono se un determinato mosaico è “uno dei miei” (ride). La logica alla base di questa app, oltre a vincere punti, è quella di provare a simulare il gioco originale Space Invaders nel mondo reale. Invece di cercare gli alieni sullo schermo e sparargli con un pulsante come facevamo negli anni ‘70 e ‘80, oggi i player cercano gli alieni in giro per il mondo e usano la macchina fotografica del telefonino per “sparargli”. Ogni nuova città che si visita è come un nuovo livello e puoi aumentare il tuo punteggio. In gergo, quando “spari” ad uno dei mosaici questa azione è definita “flash”. È tutto molto divertente e puoi vedere, in presa diretta, gente in tutto il mondo che sta usando il gioco e i pezzi che stanno “flashando”. Dimenticavo di dirti una cosa, puoi anche “flashare” la stazione spaziale quando vola sopra di te per uccidere lo Space_02 di cui parlavamo prima. Di recente ho anche richiesto allo studio che i player potessero avere la possibilità di flashare il luogo dove è ricaduto Space_01 (puoi vedere il video qui: Art4Space). GS: Vorrei naturalmente approfondire il tuo personale rapporto con la street art dato che anche tu sei uno street artist. Quando hai iniziato? i: Prima di iniziare in maniera “ufficiale” posso dirti che sono sempre stato un appassionato d’Arte. Sono abbastanza romantico su questo punto, nel senso che provo sempre a trovare un significato in tutto ciò che mi circonda. Prima usavo un coltellino per mettere le mie iniziali sul tronco degli alberi, poi ho iniziato ad attaccare adesivi in giro e mi rendevo conto sempre più spesso di una cosa: l’adrenalina che si genera nel fare un qualcosa di “non-tradizionale” mi dava sempre una sensazione di euforia pazzesca. Quasi come se avessi assunto degli stupefacenti, ma senza averlo fatto! Un paio di anni fa la mia vita personale era abbastanza sotto sopra a livello mentale, all’esterno cercavo di darmi un contegno, ma ero molto turbato. Mi tenevo tutto dentro. Un periodo pessimo, che mi ha rubato molti anni di vita, specialmente con i miei figli, dato che non ho potuto godere appieno della loro crescita perché avevo sempre la sensazione di non riuscire a concentrarmi su di loro come volevo. Insomma, è una storia lunga e penso che sia poco inerente alla tua domanda. Per farla breve, un giorno sono andato a fare delle analisi del sangue, risultò che avevo i trigliceridi a 555 (normalmente dovrebbero stare sotto i 130 n.d.r.). Sintetizzando, la dottoressa mi disse: « Non so cosa stai facendo ma SMETTILA altrimenti finisci in ospedale con la pancreatite e a quel punto non ci sarà più nulla che possa darti per far passare il dolore ». Così ho deciso di cambiare completamente strada. Ho smesso di bere tutti i giorni, di fumare, ho cominciato a fare attività fisica a fare meditazione quotidianamente. Diciamo che questo è stato l’inizio ufficiale di una nuova vita. Ho approfittato di questo cambiamento radicale usando la mia arte come valvola di sfogo e per provare a sciogliere dei nodi molto grandi che avevo dentro di me. Questo era un modo di urlare al mondo senza aprire la bocca. Anche oggi fare arte è, per me, una vera valvola di sfogo. Di tanto in tanto, facevo vedere i miei pezzi agli amici. Le reazioni, anche alle mie opere non finite, erano sempre più spesso un “Wow!” o un “Che bello!”.Le mie opere che non erano fatte per gli altri, all’improvviso, avevano un pubblico e piacevano. Nel corso degli anni, quasi involontariamente, ho cominciato a seguire e a capire un po’ meglio come ogni artista – possiamo chiamarli street artist o semplicemente artisti, tanto per me sono la stessa cosa – agiva ed è in quel momento che è nato il concetto di infinipi.infinipi è il nome della mia arte e il mio nome d’arte. Diciamo che è una specie di concetto matematico, ora ti spiego. Il Pi greco è una costante matematica composta da una serie di numeri che non si ripetono mai. Se una persona decidesse di creare un algoritmo per trasformare dei gruppi di numeri in lettere, dal Pi greco sarebbe possibile estrapolare tutte le parole del mondo. Tutti i nomi delle persone che ami e che hai amato e tutte le frasi che hai detto e che dirai nel corso di tutta la tua vita. Infinito invece è chiaro. Vuol dire per sempre. Riassumendo, in maniera forse un po’ banale: tutto ciò che un individuo può dire o fare per sempre. L’amore è molto importante nella mia vita e nella mia arte. Gli altri soggetti che spesso utilizzo nelle mie opere sono le carpe e/o i pesci e anche i simboli dei chakra, i centri di energia del corpo. GS: Cosa ti ha spinto a diventare uno street artist? i: Boh… Ad essere sinceri non è che un giorno mi sono svegliato e ho detto: « Voglio essere uno street artist! ». Negli anni ci sono state molte persone che mi dicevano che gli piaceva ciò che facevo. Mia madre, anche poco prima che venisse a mancare, mi spingeva a trovare il modo di guadagnare qualche soldo con la mia arte, con la mia passione e sosteneva che avrei dovuto continuare a svilupparla. Un po’ per questo motivo, un po’ per via delle mie vicissitudini di salute fisica e mentale, anni fa ho ultimato il disegno di una carpa che avevo in cantiere. La carpa significa guerriero, lottatore. Da allora mi sono dedicato agli sticker e ai miei personali mosaici. La maggior parte dei mosaici sono del Pi greco con il simbolo dell’Infinito oppure delle scritte. Tutti hanno una precisa simbologia, non sono altro che l’espressione della mia sofferenza, il mio modo per esporla al mondo. Ho dei mosaici sparsi per le città in America, in Europa, e anche ai Caraibi, ne ho installati più di un centinaio. Oggi ho anche dei pezzi esposti in alcune gallerie a Parigi, e qui a Miami. Ricevo commissioni per pezzi relativamente piccoli, ma una volta me ne hanno chiesto uno con più tredicimila mattonelle! Ho più di una ventina di sticker diversi che molte persone vedono nelle strade di Miami. Ho collaborato anche con molti artisti conosciuti. Sono solo io che decido cosa posso o non posso fare con la mia arte. Mi diverto, e qualche cosa ci guadagno anche! Per ora uso questi soldi sia per comprare altri materiali, sia per fare delle riattivazioni di Invader ma anche per produrre io stesso nuove opere. Ad esempio compro mattonelle francesi, dove la spedizione costa più delle stesse mattonelle, ma anche resine speciali o vernici cromate. Spero vivamente che un giorno potrò vivere solamente facendo arte. Il mio focus in questo momento è di creare una serie di opere, mosaici, pezzi in resina e anche qualche quadro per poter fare un solo show. Vorrei fare questa esposizione in concomitanza con la “stagione dell’arte” qui a Miami, quando si svolgono molti grandi eventi come Art Basel, Art Miami e altri. GS: I tuoi lavori prendono grande ispirazione da Invader, questo è evidente. Ci sono altri artisti (non solo street artist n.d.r.) che ti ispirano? i: Moltissimi! Invader m’ispira per la sua semplicità e per il concetto dentro la sua arte. Inoltre un mosaico ha molti vantaggi, specialmente nel piazzarlo. Ma, come ti raccontavo poco fa, produco anche molte opere che non sono mosaici. Tra gli street artist da cui traggo ispirazione vorrei citare: WRDSMTH, Kai, Shepard Fairey, ENX, Atomiko, The London Police, Clet Abraham, Mcn.spl, d*Face, Padhia (Unfuk Yourself), Ahol Sniffs Glue, Andre Saraiva, vhils, El Seed, MUEBON, El Pez, Bordalo II, Duel Diagnosis, Kraken, Roy Lichtenstein, Keith Haring, Merioone, e molti, molti altri!La cosa bella, per me, è scoprire come vedono il mondo questi artisti attraverso i loro lavori. Tra gli artisti più “tradizionali” vorrei citare Joan Miro, Van Gogh, Carlos Cruz Diez e Leonardo da Vinci. Naturalmente traggo ispirazione anche dalla musica, dai film e molte altre cose, ma in questa intervista voglio limitarmi solo all’arte visiva. GS: Illustraci cosa sta dietro alle tue creazioni. I: Penso aver già risposto a livello concettuale, comunque una cosa che mi accade spesso con i mosaici è che, mentre guido per la città, vedo un posto che mi sembra perfetto e me lo segno nel telefonino. A volte mi viene subito l’idea di un pezzo per quel preciso luogo, altre volte invece ci devo pensare un po’. La lista nel telefono sta diventando piuttosto lunga, piano piano proverò ad accorciarla. Quando lavoro con materiali diversi dalle mattonelle, faccio alcune prove che non sempre funzionano! L’ultima volta che ho provato a inventarmi una forma in silicone, il silicone si è attaccato all’originale che avevo fatto in DAS e resina, e l’ha rovinato. Più di dieci giorni di lavoro buttati via. Ma ho imparato la lezione! GS: La street art è un fenomeno globale. Sempre più persone s’interessano a questa forma d’arte. Tu cosa pensi al riguardo? La street art sta diventando sempre più mainstream? I: Senza dubbio! Il grande salto, da fenomeno underground a mainstrem, della street art è stato fatto grazie ai social network. Anni fa, uno passeggiava per la strada e vedeva un murale e la cosa finiva lì. Al massimo facevi una fotografia analogica. Magari, in ambito locale, un artista riusciva ad avere un certo seguito, ma erano comunque poche le persone rispetto ad oggi. Uno dei primi street artist ad avere una audience mondiale è stato Keith Haring. Ma all’epoca, la street art non era molto conosciuta. Oggi, con internet, un qualsiasi artista ha un palcoscenico mondiale attraverso il quale esporre i propri lavori. Dunque ogni opera può essere vista, anche solo virtualmente, da tutti e non importa dove vivi o ti trovi. In questo modo è diventato più facile vendere l’arte e guadagnarci qualcosa. Il problema, a mio modo di vedere, è che la popolarità porta a sopravvalutare l’arte al limite del ridicolo. Basti guardare le aste di Banksy, Invader e Basquiat, solo per citare qualche artista. Invader per esempio vendeva i suoi primi “Kit d’invasione” per 25 euro in edizioni di magari 100 pezzi. L’ultimo Invasion Kit, del 2018 costava circa 2.400 euro e, una edizione di 300 copie, andò sold out in un paio di minuti. Quei kit di 25 euro ora, all’asta, vengono battuti a 30 mila euro e quello del 2018 l’ho visto vendere a più di 10 mila euro. Un paradosso! È triste perché a me piace comprare opere d’arte. Acquisto pezzi di quasi tutti gli artisti che mi piacciono. Molti non li appendo nemmeno al muro, ma mi piace pensare che contribuisco a sostenere il loro lavoro. Il problema principale sono le aste e le gallerie che mettono prezzi astronomici solo per intascarsi le commissioni sulla vendita. Non è giusto, ma è il mercato. Faccio un appello: quando potete, comprate direttamente dall’artista! Come artista voglio vendere pezzi per guadagnarci e pagarmi da vivere. Come collezionista voglio prezzi accettabili per pezzi originali. Ora c’è anche l’arte digitale NFT che sta diventando sempre più di moda. Anche io farò opere NFT? Molto probabilmente sì, perché mi piace l’idea dell’animazione digitale di un dettaglio di una mia opera, ma la verità è che, per me, non ha lo stesso valore di un pezzo lavorato a mano, tangibile. Questo ha molto a che fare con la mia carriera professionale, anche se rispetto l’effimerità dei lavori digitali. Per esempio ho lavorato nove mesi intensamente per lanciare un sito internet. Disegno, programmazione, un sacco di fattori stressanti. Ho passato notti in bianco per integrare dei sistemi di prenotazione! Il sito, finalmente, viene lanciato e io ho vinto due premi per questo portale web. Ma fra due anni sarà già vecchio e obsoleto. Basterà schiacciare il tasto “delete” sulla tastiera e tutto quel lavoro, quella fatica, puff! Scomparirà per sempre. No, no! Io preferisco un oggetto fisico. GS: Vivendo negli USA posso chiederti come ti relazioni con la street art nostrana? La segui (se sì, dacci una tua opinione e, se no, spiegaci il perché)? i: Ogni volta che vado in una città che non conosco, mi rendo subito conto se la street art è presento oppure no. In Italia, devo ammettere che sono abbastanza limitato alla mia esperienza a Roma. Quello che mi fa ridere è che spesso la pubblicità è molto invasiva. Prodotti, politica, traslochi. Questo tipo di poster e adesivi sono dappertutto. Non mi viene in mente di un altro posto dove c’è una situazione analoga così! Poi ci sono le tag fatte sui muri di palazzi residenziali e pubblici un po’ ovunque. Le tag a me non piacciono affatto e lo considero vandalismo. Molti palazzi in Europa in genere sono coperti di materiali naturali come pietra o legno, materiali che considero nobili, e mi rattrista vedere come spesso un bel marmo è stato rovinato solo perché qualcuno ha deciso di farci uno scarabocchio solo per sporcarlo. Non ha senso! Purtroppo a Roma, che a mio parere è una delle città più belle del mondo, succede fin troppo spesso e questo la rende, secondo me, molto meno attraente. Cassonetti, cartelli, serrande, dipingete a volontà. Ma lasciate pulite almeno le pietre! Poi c’è l’arte. A Roma ci sono murales bellissimi, poster e sticker realizzati da artisti di tutto il mondo. Provo sempre a conoscere gli artisti di persona e anche a comprare pezzi loro. Il bello è che viaggiando, essendo sia artista che riattivatore, ho avuto la possibilità di conoscere molti artisti e, quando sono loro a viaggiare, provo a metterli in contatto con altri artisti del posto dove stanno andando. La stessa cosa che facciamo noi riattivatori! Ad esempio Fl.Mingo, uno street artist di Miami è andato a Roma e io l’ho messo in contatto con Merioone e Stoker. Un’altra volta SCRED, artista francese, è venuto nella mia città e subito l’ho messo in contatto con Atomiko, un mio amico con cui sono andato a dipingere muri molte volte. L’arte non ha lingua né paese. È universale. GS: Puoi darci una tua riflessione sulla street art negli USA? i: La street art è un mondo dinamico e posso parlare a proposito della mia personale esperienza e in base alla conoscenza di alcune grandi città tipo Miami, New York o Los Angeles. L’America, a differenza di Europa o Asia, è un paese molto giovane. Ha a malapena 200 anni di storia. I palazzi spesso sono in cartongesso, costruiti per essere buttati giù dopo pochi anni. Questa mentalità crea un ambiente molto dinamico e fluido, non come in Italia, dove l’età media dei palazzi è di secoli! Adesso, grazie alla popolarità dei grandi mural, alcune aree delle grandi città americane vengono ricostruite mantenendo però i murales. A Miami ci sono parecchie zone che chiamano “Arts District”, sicuramente ne avrai sentito parlare, e la più conosciuta si chiama Wynwood. Qui il nuovo sviluppo della città va di pari passo con gli artisti che realizzano murales. A New York c’è un mio amico che gestisce East Village Walls dove, tramite proprietari di palazzi e la città, offrono i muri agli street artist, proponendogli però un concept da sviluppare con la loro opera. Queste iniziative sono, per me, l’equivalente moderno degli affreschi fatti ai tempi dei romani. ll problema principale è la fragilità della vernice sul muro. A Parigi, ad esempio, c’è un muro, nel quartiere Oberkampf, dove ogni mural dura circa un mese. Può darsi che catalogare tutti questi capolavori e creare delle opere NFT potrebbe essere una buona idea! Usare il digitale per catalogare l’effimerità del mondo fisico. Concetto interessane, non trovi? Insomma, la cosa importante è sapere dove i murales sono accettati dalla gente e se ci sono progetti che si occupano di farli realizzare. Qui a Miami attacco i miei pezzi dove preferisco perché il mosaico in sé spesso non è considerato al pari dei graffiti perciò sopravvive molto più a lungo anche in quartieri dove i murales non durano più di un paio d’ore.GS: Sempre più di frequente, almeno qui in Italia, le istituzioni, i mass media e i brand si interessano al fenomeno. Avviene lo stesso anche negli States? i: Sì, avviene anche qui negli USA, ma adesso qua da noi sono state create delle leggi che proteggono gli artisti e le loro opere. Se, per esempio, un’azienda usa un mural come sottofondo per una campagna pubblicitaria senza chiedere all’artista, questi ha diritto ad un risarcimento. Anche se si tratta di arte pubblica, non può venire utilizzata da chi ha un chiaro scopo commerciale. GS: Puoi dirci la tua personale definizione di street art? Per te che cos’è? i: Per me la street art è arte all’aria aperta fatta per essere goduta da tutti. Non so come si traduce in italiano il detto inglese: “Beauty is in the eye of the beholder”. La Bellezza è nell’occhio di chi guarda, giusto? Questo è il problema dovuto al fatto che parlo molte lingue. Le frasi idiomatiche e i detti non so tradurli molto bene e può capitare che mi confondo con le parole. Mi succede spesso. GS: Legalità vs illegalità. Non potevo non affrontare il tema con te che preferisci non rivelare il tuo volto, il tuo nome e cognome. Che opinione ti sei fatto sui grandi murales autorizzati e su chi invece, come te, preferisce agire nell’ombra? i: Nel mio caso, non mostro la mia faccia per motivi personali, non per una questione di legalità. Quando posso, infatti, chiedo sempre il permesso. Questo, perché è molto più facile lavorare con calma e di giorno piuttosto che alle 5 del mattino, correndo per strada con una scala e del cemento in mano. Quando non ho nessuna autorizzazione, uso una specie di divisa che, in genere, mi permette di fissare i mosaici anche in pieno giorno senza far insospettire troppo le persone. Tutto ha a che fare su come funziona la mente umana. Non entro troppo nei dettagli, se permetti (ride)! Quando partecipo ad alcuni eventi di street art, semplicemente chiedo ai fotografi di oscurare o di non pubblicare foto della mia faccia. Oggi, con il COVID-19, è ancora più facile celare la mia vera identità, visto che tutti noi dobbiamo usare una mascherina. GS: Il mercato dell’arte contemporanea, ormai da diversi anni, ha preso ad interessarsi del fenomeno street art. Tu e gli altri riattivatori riportate in vita i lavori di Invader perché qualcuno li ha staccati, per le ragioni più disparate, ma spesso per venderli. Da quello che mi raccontavi, anche le riattivazioni vengono staccate, anche per entrare nel mercato dell’arte. Dunque, le vostre riattivazioni come possono definirsi? Copie di Invader o originali? i: Come ti spiegavo prima, ogni pezzo installato in strada ha un clone ufficiale che si chiama Alias. A livello di mosaici non esistono delle “serie” ad eccezione dei kit d’Invasione. Solo gli Alias sono firmati e hanno una scheda che spiega il luogo nel “mondo reale” dove è stato installato. Se qualcuno stacca un mosaico dalla strada, che sia originale o una riattivazione, in teoria non ha nessun valore perché è un pezzo senza firma e non è autenticabile. Esistono solo due tipi di mosaici di Invader che hanno veramente valore: quelli che possiamo definire Invasion Kit e gli Alias. Tutte le altre sono copie e nient’altro. Però, come ti raccontavo, il problema è che c’è un enorme numero di persone ignoranti in materia. Se una galleria incornicia un pezzo rubato o staccato, i possibili acquirenti pensano si tratti di un affarone dato il prezzo assai basso. Proprio qualche giorno fa, a Chicago, una galleria autorizzata ha venduto cinque Alias di Invader. Il prezzo più basso era di 32 mila euro. Quindi, come puoi ben capire, se facciamo un confronto tra 8 mila euro e 32 mila euro, è evidente che chi compra a 8 mila è certo di fare un super affare. In realtà, invece di spendere 8 mila euro, uno potrebbe facilmente andare in un negozio di mattonelle a Parigi, spendere 10 euro o 15, e farsi da se il pezzo, e risparmierebbe una montagna di soldi, perché non c’è nessuna differenza nel valore tra questi due pezzi. Dunque, per rispondere alla tua domanda, se le riattivazioni sono copie o originali, posso dire che sono copie “autentiche” dei pezzi originali. Ma, voglio sottolineare che anche il pezzo originale che si trova in strada non ha e non dovrebbe avere alcun valore. Gli unici pezzi ad avere valore sono gli Alias, perché sono autenticati dallo stesso Invader. Mi è capitato di trovare le mie riattivazioni in vendita su eBay per 25 mila dollari o su altri siti per 1000 o 5000. Questi sono tutti prezzi inventati perché le opere vengono spacciate per pezzi originali. Spesso, quando ho tempo e pazienza, scrivo direttamente alla persona che sta mettendo in vendita le mie riattivazioni raccontando tutta la storia e spiegando che le mattonelle mi appartengono. Spedisco anche foto dei miei mosaici in costruzione per far vedere che non sto inventando storie. Spero sempre che esista ancora un po’ di bontà nel mondo! Mi capita anche di offrire dei soldi per pagare i costi di spedizione così da riavere le mie mattonelle ma, come potrai immaginare, la maggior parte di queste persone o smette di rispondermi o mi manda a quel paese perché sono convinti di avere in mano un’opera originale di Invader. A quel punto faccio una denuncia di vendita di merce fraudolenta o per vendita di copie false. Tu, giustamente, mi dirai ma perché se sono approvate dallo studio? Perché non sono Alias, non sono firmate e non hanno nessun certificato di autenticità. Quando gli utenti o i siti di vendita online non tolgono l’annuncio, avverto lo studio e si occupano loro di farlo rimuovere. Questa settimana lo studio mi ha mandato una mail di qualcuno che stava provando a rivendere allo studio stesso un pezzo che era una mia riattivazione che avevo fatto nel 2019. Lo studio gli ha scritto che non si trattava dell’originale e che apparteneva a me. Questo soggetto ha continuato a rispondere dichiarando che era un originale e iniziando una feroce discussione con lo studio perché avrebbe voluto dei soldi dato che secondo lui, aveva “salvato” un Invader originale! GS: Tu e gli altri riattivatori quali mezzi utilizzate per provare a far fronte a questo fenomeno della rimozione di opere di Invader per la vendita? Ci vuoi raccontare meglio, dal tuo punto di vista, le complesse meccaniche di questo pazzo mercato della street art? i: Quello che stiamo facendo oggi è provare a mettere i mosaici in modo tale che si rompano il più possibile quando qualcuno prova a staccarli. Io personalmente scrivo sempre un messaggino sulla parte retro dicendo che è un pezzo rubato, perché già parecchie volte ho avuto negozi di cui conosco i proprietari che sanno che faccio riattivazioni e mi dicono che qualcuno aveva portato una riattivazione o mattonelle rotte a farle incorniciare. Oltre a questo, uso il mio account Instagram per mostrare i pezzi in vendita su internet dicendo che sono falsi. Facciamo tutto il possibile per svalutare questi pezzi non originali, provando anche a scoraggiare chi vuole comprare. Sempre più spesso, anche i partecipanti del gioco mandano dei messaggi a chi sta tentando di vendere pezzi non originali di Invader. Spediamo centinaia di messaggi al venditore o il sito in cui sta avvenendo la contrattazione fino a che uno dei due non decide di rimuovere l’annuncio. Come per qualsiasi altro mercato l’importante, specialmente per chi vuole acquistare, è essere ben informato e avere conoscenza della materia. Altrimenti è come andare a una bancarella dove qualcuno ha preso dei pennelli e scarabocchiato su un pezzo di carta un disegno che spaccia per un Mirò originale. E pretende di venderlo a una cifra esorbitante. GS: Siamo giunti alla fine (dirai: finalmente!) ultime domande. Sogni e progetti da realizzare? Ne hai? Raccontaci tutto. i: Poter fare ciò che mi piace, senza dover preoccuparmi più di tanto delle mie finanze. Non ho più venti anni e col tempo le priorità cambiano. Il lavoro, la famiglia. Sono tante le cose di cui occuparsi quotidianamente. Ciò che veramente sogno è la pace mentale. Non desidero guadagnare milioni di dollari, né sono interessato dalla fama. Vorrei trovare il modo di fare un lavoro che mi dia soddisfazione fino ad arrivare ad un punto tale che non è più un lavoro, ma un piacere. Un paio di anni fa è venuta a mancare mia madre e sempre più spesso mi rendo conto dell’importanza di avere un buon equilibrio mentale e fisico perché questi due aspetti hanno un forte impatto sulla nostre vite. Medito tutti i giorni, per almeno un quarto d’ora, da anni e questo mi aiuta a premere il pulsante “slow-motion” in un mondo dove diventa tutto sempre più “fast-forward”. Tenere tutto in perfetto equilibrio non è affatto facile, ma con grinta e passione si va avanti. Provando a creare nuove realtà. GS: Cosa vuoi dire ai lettori di Three Faces? i: Molto semplice (ride), ! E ho detto tutto! Scherzi a parte, se vi piace l’arte, entrate in contatto con l’artista, fateglielo sapere. Se potete, comprate dei suoi pezzi.Fare arte, anche se sembra banale dirlo, costa soldi e tempo. Quando un artista vende un pezzo, lo perde per sempre. Avere persone che stimano ciò che fai non ha prezzo! Grazie per il vostro tempo e spero che vi sia piaciuto ciò che ho condiviso con tutti voi. Grazie infinite e don’t stop reactivation! Photos by infinipi Share Tweet Share... Read more...Moai Press || Intervista a Matteo Bidini || THREEvial Pursuit12 Maggio 2021Moai Press: la nuova bussola nel mondo dell’arte urbana Intervista a Matteo Bidini di Three Faces Annunciata da appena una settimana, sembra già avere tutti i crismi per diventare un futuro punto di riferimento per il mondo dell’arte urbana: Moai Press. Acronimo di Mural and Other Art Issues, Moai Press vuole essere uno spazio digitale dedicato all’approfondimento e al confronto sull’arte nello spazio pubblico in Italia. Una bussola, fatta di raccolte, di ricerche, approfondimenti e testi critici curati da professionisti ed esperti del settore, utile ad orientarsi in un settore complicato e caratterizzato da molteplici approcci e punti di vista differenti.Abbiamo approfittato della zona gialla per prenderci una birra in zona Sant’Ambrogio con un vecchio amico, Matteo Bidini, uno dei fondatori e promotori del progetto. Un antipasto, diciamo, in attesa di ascoltare questa sera la presentazione ufficiale in streaming sul loro gruppo Facebook. Three Faces: Come e perché nasce questo progetto? MB: Moai Press è una piattaforma online che nasce con l’intento di creare un archivio di contenuti di qualità creati da artisti, curatori, critici, progettisti e da varie persone che negli anni hanno dimostrato un certo tipo di sensibilità rispetto ai temi dell’arte urbana, dell’arte che vive nello spazio urbano, nello spazio pubblico. Nasce un po’ da un senso di rifiuto nei confronti di una forma di comunicazione, o comunque un’immagine, che viene data della street art che riteniamo non corrisponda a verità. Nei nostri anni di esperienza, sia come curatori, come progettisti o come artisti, abbiamo sentito sempre più pesante e crescente questo vuoto che abbiamo in Italia, rispetto ad altri paesi dove è invece presente un’informazione su questo tema più corretta e adeguata. Abbiamo sentito che non si può sempre lasciare parlare solo persone, che tendenzialmente non fanno parte di questo mondo, di quello che la street art è o cosa dovrebbe essere. Anche perché ovviamente questo genera una serie di errori e bug interpretativi nell’opinione pubblica. Nasce principalmente con questa intenzione qua: dare voci e un punti di vista interni a questo mondo. Nella redazione siamo in sei persone: io, André dei Guerrilla Spam, Andrea Gianfanti, Francesca Melina, Gioele Bertin e Davide Gavioli. Tutti nella vita ci muoviamo a vario titolo in questo ambito. Ci occupiamo di cose differenti, siamo curatori, siamo progettisti, siamo artisti che poi come missione di vita hanno fondato questo progetto di Moai. Siamo arrivati al lancio di questa piattaforma dopo più di un anno di lavoro. Ci lavoriamo da marzo 2020, da quando è iniziata la pandemia ed eravamo tutti fermi a casa. Oltre a noi poi ci sono tante persone che hanno appoggiato il progetto, sia artisti che curatori, che ci hanno dato dei testi da pubblicare. In alcuni casi sono testi già pubblicati su cataloghi venduti in cento copie, che quindi hanno girato poco e hanno avuto poca visibilità. In questo senso siamo contenti che dei curatori abbiano creduto nel progetto a scatola chiusa dandoci del materiale ancora prima di partire. Ci sono poi stati svariati artisti che invece ci hanno donato delle grafiche da stampare per l’autofinanziamento per sostenere le spese vive del progetto. Questo perché appunto crediamo totalmente nell’autofinanziamento e vogliamo portare avanti questo progetto con le nostre forze. Per quanto riguarda le spese, sono inerenti al mantenere il sito on line, oltre che per dare un contributo, anche minimo o simbolico, a chi scrive per noi, che è una cosa che oggi non fa quasi nessuno. TF: Il portale è comunque aperto e munito di una sezione per proporre contributi, giusto? MB: Sì, sul sito c’è una sezione per inviare contributi aperta a tutti. Noi comunque, attraverso la rete che ci siamo costruiti negli anni, abbiamo contattato subito le persone che per noi erano fondamentali. Parlo di tutti quei curatori e tutti quegli artisti che per noi era fondamentale fossero inseriti da subito affinché il progetto avesse le levatura e la credibilità che volevamo dargli. Tolto questo sì, siamo apertissimi a collaborazioni. Oltre a questo c’è da dire che la nostra piattaforma non deve parlare solo di street art in senso stretto. Ad esempio, tra i primi contributi che abbiamo ricevuto ci sono anche scritti di un professore di sociologia, di un professore di semiotica, di antropologi. Quindi persone che tendenzialmente non si occupano di arte ma che però entrano incidentalmente a che fare con l’arte. Quando operi nello spazio pubblico non puoi non parlare di antropologia o sociologia, per intenderci. In quest’ottica è inevitabile quindi la necessità di collaborazioni esterne. Ovviamente tutti i contenuti vengono posti al vaglio della redazione per mantenere anzitutto uno standard di qualità, oltre che una certa direttiva etica e morale in quello che facciamo e che vogliamo comunicare. TF: Nasce anche come stimolatore di confronto e incontro. MB: Assolutamente sì, attraverso il canale Telegram. Noi abbiamo creato questa cosa proprio per creare confronto e dibattito. Al di là della piattaforma on line, che sarà il primo step, vogliamo innanzitutto essere promotori di conferenze, incontri, scontri… o comunque di tutta una serie di situazioni propedeutiche a fare divulgazione e a far comprendere ciò di cui si tratta, cioè l’arte urbana. TF: Avete in modo di sviluppare il progetto anche in altre direzioni? MB: Una cosa che a me in particolar modo piacerebbe portare avanti nel gruppo sarebbe quella di riuscire a creare tutta una serie di piccole produzioni editoriali, fanzine d’autore, roba seria. Poi un’altra cosa che mi piacerebbe particolarmente sarebbe il riuscire a creare delle produzioni anche multimediali, podcast, video. Ci sono molti artisti che non hanno mai collaborato insieme e che potenzialmente potrebbero farlo, avendo modo di creare qualcosa di bello che altrimenti non esisterebbe. A me piace molto il mondo dell’editoria d’autore, le fanzine con disegni particolari, i libri d’artista fatti in un certo modo. In questo senso mi piacerebbe molto sperimentare. Anche perché il fine deve essere principalmente questo. Deve essere motivo di sperimentazione e dare spazio a quelle che sono le nuove generazioni artistiche di domani, mettendole in condizione di fare un po’ meglio di noi quello che abbiamo fatto noi. Bene. Da parte di Three Faces non possiamo che augurare al progetto una lunga e stimolante vita, che aiuti a far chiarezza e a fornire un indirizzo al fenomeno dell’arte urbana. Per maggiori informazioni visitate il sito www.moaipress.it. Iscrivetevi al canale Telegram (→ https://t.me/joinchat/VCyKTEXim3nB516Y ) e al già citato gruppo Facebook (→ https://www.facebook.com/groups/158984785824721/). Share Tweet Share... Read more...Bulgaria: tutto e niente, un articolo di G. Levantini || THREEvial Pursuit28 Aprile 2021Bulgaria: tutto e niente di Gabriele Levantini Street art a Sofia – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) Correva l’anno 2017, avevo una gran voglia di viaggiare e pochi soldi per farlo. Così, dopo una ricerca online, decisi che la Bulgaria faceva al caso mio. Reclutai un amico e, zaino in spalla, partimmo. In questi giorni di ostinata pandemia, mi piace ricordare i viaggi che facevo in anni più facili, riviverli per evadere dal presente e sperare nel futuro. Attenzione ai carretti – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) La nostra prima meta è Sofia (София). È sorprendente che i principali monumenti di quest’antichissima città siano edifici religiosi relativamente recenti: la Moschea Banya Bashi, la Sinagoga, la Cattedrale di Sveta Nedelya, la Rotonda di Sveti Georgi, la Chiesa di Bojana e altre ancora. Dei resti dell’antica Serdica invece non rimane praticamente niente, se non nel Museo Archeologico, e il luogo simbolo della città è la Cattedrale Aleksander Nevski, costruita in stile russo alla fine dell’Ottocento, all’ombra delle cui imponenti cupole si svolge un pittoresco mercatino di icone. Non bello, ma certamente interessante da visitare, è il gigantesco monumento all’Armata Rossa, finora sopravvissuto alla furia iconoclasta che ha investito tutto l’Est Europa dopo gli anni ’90. Ci fermiamo due giorni, poi prendiamo un’auto a noleggio e ci avventuriamo in un road trip nel quale toccheremo le principali località del paese. Attraversiamo una periferia di palazzi fatiscenti e accampamenti zingari, che degrada rapidamente in un paesaggio rurale sospeso nel tempo. Lungo le strade si incrociano carretti trainati da cavalli, contadini pelle e ossa e minuscoli villaggi di case scalcinate. Il paesaggio pianeggiante e secco diventa via via più fresco mentre saliamo di quota, e i campi lasciano spazio alla foresta. Ci fermiamo nel piccolo paese di Kocherinovo (Кочериново) giusto il tempo di mangiare un panino con un qualche tipo di carne affumicata che un tizio cuoce sotto un albero e poi ripartiamo per il Monastero di Rila (Рилски Манастир), antica cittadella monastica patrimonio UNESCO dal 1983. Durante la nostra visita fraternizziamo con uno dei custodi che parla un italiano abbastanza buono iperché – ci racconta – aveva lavorato a Milano “in anni che vostro paese era ricco”. Ci lasciamo alle spalle l’antico monastero, attraversiamo il villaggio collinare di Stob (Стоб) alle cui spalle si sviluppano interessanti formazioni rocciose e facciamo rotta verso Plovdiv (Пловдив), che fu la Filippopoli macedone e la romana Trimontium, dove ci fermeremo per la notte. Del suo illustre passato rimane una grande area archeologica lungo la strada pedonale Kyniaz Aleksander, che loro sostengono essere la più lunga d’Europa e che porta a una collinetta che sovrasta il centro storico. La città è molto vivace e i vicoli del quartiere Kapana sono pieni di gioia e di street art. Immancabile, come in ogni città bulgara, la moschea ottomana, con tanto di caffè annesso, il grande parco alberato e un monumento “all’esercito sovietico liberatore“. Monastero di Rila – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) Il giorno seguente riprendiamo il nostro viaggio verso oriente, dove visiteremo la costa bulgara, divenuta celebre negli ultimi anni. Superiamo l’anonima cittadina di Karnobat (Карнобат) e ci dirigiamo verso la nostra prima meta: Sozopol (Созопол), un antico borgo marinaro purtroppo assediato da un abusivismo edilizio selvaggio. L’atmosfera troppo commerciale di questa località non ci aggrada e, dopo un breve giro, risaliamo in auto e ci dirigiamo a Burgas (Бургас), dove pernotteremo. Anch’essa è una sorta di Rimini dell’est, molto apprezzata dai turisti russi. Come per la Rimini originale, la spiaggia cittadina – Sunny Beach – non è niente di eccezionale. Alle spalle di questo carnaio per vacanzieri però si sviluppa un bellissimo parco urbano e alle spalle della città si trova un’immensa laguna salata che offre la possibilità di fare numerose escursioni. Il giorno seguente ci fermiamo qualche chilometro più a nord, nella desolata spiaggia di Dyuni (Дюни) e ci godiamo finalmente un po’ di mare, mentre in lontananza i grandi hotel incombono come mostri sulla costa. Visitiamo successivamente l’antichissimo villaggio di Nesebăr (Несебър), che sorge su un’isola collegata alla terraferma da un istmo artificiale. È un insieme di rovine, chiese, stretti vicoli, mulini e tipiche case in legno davvero interessante, ma anch’esso circondato da palazzoni e alberghi che qui spuntano ovunque come erbacce velenose. Dopo esserci fatti spennare in un ristorante iperturistico, andiamo a Varna (Варна), vivace località di mare chiamata con eccessiva enfasi “Perla del Mar Nero“. Campagna bulgara – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) Purtroppo, decidiamo di dare retta a una ragazza austriaca conosciuta in ostello, la quale ci raccomanda di saltare a piè pari la commercialissima spiaggia di Golden Sands e di dirigerci a nord. Risaliamo così la costa che diventa sempre più rocciosa, mentre il mare si fa più scuro, torbo e agitato. Il paesaggio è bellissimo, ma l’acqua fa schifo. Visitiamo il fotogenico faro di Shabla (Шабла) e proseguiamo fino ai villaggi di Krapets (Крапец) e Durankulak (Дуранкулак), addossati alla frontiera con la Romania, senza trovare mai una spiaggia decente. Alla fine, per disperazione, ci fermiamo nella spiaggia di quest’ultimo villaggio, che è veramente orribile. Con la delusione nel cuore per questa debacle marittima, facciamo volta a occidente e ci fermiamo a Ruse (Русе), cittadina in stile asburgico sulle sponde del Danubio. Le architetture raffinate degli edifici ci mostrano la passata importanza di questa località, ma il loro attuale stato ci dà la misura di quanto sia fugace la gloria del mondo. L’ultima tappa della giornata è Veliko Tarnovo (Велико Търново), città-fortezza che fu l’antica capitale del paese e che oggi è un borgo medievale sperduto sulle colline della Bulgaria centrale. Il nostro viaggio è concluso: non ci resta che tornare a Sofia per poi rientrare in Italia. Il tragitto che ci separa si snoda nel Parco Nazionale dei Balcani Centrali. Attraversiamo località piuttosto anonime, come Gabrovo (Габрово) e Kazanlak (Казанлък), ma anche alcuni punti di interesse, come Etar (Етър), un antico villaggio rurale bulgaro ricostruito, il Monastero di Sokolski (Габровско-Соколски манастир) e il panoramico Passo Shipka (Шипка), col grandioso monumento ai caduti della guerra turco-bulgara. Brutalismo sovietico a Sofia – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) Ricordo che tutto sommato, la Bulgaria mi deluse un po’. Se da un lato la sua natura rigogliosa e la sua quiete hanno un certo fascino, dall’altro i suoi paesaggi non sono certo in grado di suscitare quell’anelito dell’Assoluto che i poeti romanticisti chiamavano sehnsucht. E pure i monumenti, se si pensa alla storia plurimillenaria di quest’angolo di mondo, sono piuttosto deludenti. Forse la vera bellezza di questo piccolo paese è il suo essere tutto e niente allo stesso tempo: macedone, greco, turco, russo, mittleuropeo, cristiano, musulmano, socialista e liberista. In fondo è rassicurante sapere che nel mondo esiste almeno un luogo dove gruppi ed etnie che si sono massacrati a vicenda per secoli, hanno finalmente imparato a convivere insieme. Mercatino di icone a Sofia – Bulgaria, 2017 (Photo by Gabriele Levantini) Share Tweet Share... Read more...Partigiani e memoria divisa (v.2), un articolo di G. Bindi || THREEvial Pursuit24 Aprile 2021Partigiani e memoria divisa Dall’estate di sangue del 1944 all’occultamento dei colpevoli di Gianluca Bindi Questa è la versione ampliata del THREEvial Pursuit uscito lo scorso 25 Aprile 2020 e aggiornata dall’autore alla luce di nuovi studi effettuati (NdR) Ci risiamo. Ogni anno, per la festa della Liberazione, ci tocca sentire ogni genere di lordura sulla memoria dei partigiani che si sono sacrificati durante il periodo infernale dell’occupazione tedesca in Italia, tra la fine del ’43 e il 25 aprile 1945. Delle migliaia di morti causate dal passaggio delle truppe tedesche sulla penisola, solo in Toscana ci furono, in neanche tre mesi, tra le 4000 e le 5000 vittime civili1. Di chi è la colpa? La vox populi odierna sembra puntare il dito praticamente soltanto sui partigiani. Nelle migliori delle ipotesi, festeggiare la Liberazione dai nazifascisti e la conseguente fine della Seconda Guerra Mondiale è diventato divisivo. In questo articolo, il più brevemente e chiaramente possibile, descriverò come è stato possibile un tale trasferimento di colpe in poco più di 75 anni, provando a essere una guida contro le male voci e le fake news che tentano di cambiare la percezione della memoria di un evento complesso. I briganti È colpa dei partigiani se ci furono rappresaglie; se non avessero attaccato l’esercito tedesco quest’ultimo non avrebbe rastrellato e ucciso civili innocenti. Il feldmaresciallo Kesselring Ormai è diventato un ritornello ricorrente. E, anche se a volte c’è stata una diretta conseguenza causale fra uno scriteriato attacco partigiano ai tedeschi e la messa a ferro e fuoco di interi paesi, non è stato sempre così. Anzi. Riassumiamo brevemente la situazione aggiornata all’estate del 1944. L’Italia è divisa in due: a nord c’è la Repubblica Sociale italiana (stato fantoccio del Reich con a capo Mussolini), mentre a sud gli Alleati stanno liberando a mano a mano la penisola. Nel mezzo c’è l’esercito tedesco in ritirata con reparti delle SS che stanno inondando di sangue la popolazione civile. Perché? I tedeschi stanno attuando una strategia militare denominata ‘ritirata aggressiva’. Ufficialmente stanno impegnando l’esercito Alleato durante la risalita per guadagnare tempo e reperire manodopera schiava; infatti secondo il capo delle truppe, il feldmaresciallo Kesselring, l’unica speranza per la Germania per evitare la sconfitta è finire di costruire una linea corazzata di difesa sugli Appennini tosco-emiliani, denominata Linea Gotica. In pratica, però, non è altro che un’indiscriminata attuazione dei più efferati crimini di guerra su civili inermi. E c’entrano poco o niente gli attacchi dei partigiani. Per cominciare il 17 giugno 1944 Kesselring dipana un ordine a tutte le sue truppe, prendendo spunto dal cosiddetto ‘Foglietto di istruzioni’ o Merkblatt 69/1 in cui: Veniva cancellata la linea di demarcazione fra la popolazione civile e i partigiani; ergo tutti potenzialmente potevano essere partigiani, anche donne, vecchi e bambini.Totale arbitrarietà ai comandi locali su chi fiancheggiasse o appartenesse a bande di partigiani in una determinata zona;Infine, Kesselring in persona, garantiva quella che poi sarebbe passata alla storia come ‘cambiale in bianco’, ossia non solo la totale copertura a comandanti e soldati che avessero ecceduto nelle misure repressive contro la popolazione, ma anche esemplari punizioni a chiunque avesse esitato o avuto comprensione verso i ‘nemici’ civili2. Ma questo è solo il punto di partenza. Molti eccidi toscani sono stati attuati con gelida razionalità, al fine di liberare territori per la ritirata e, preventivamente, attaccare zone in cui si presumeva ci fossero (o fossero sostenute attivamente o passivamente) bande armate. Quindi, i massacri non avevano tanto lo scopo di reazione ad attacchi subiti, ma costituivano una vera e propria tattica logistica e militare. Provo a spiegare in maniera semplice. Dopo la conquista di Roma da parte degli Alleati (4 giugno 1944), “la Wehrmacht era in rotta completa (…). Il destino delle truppe tedesche in Italia pareva irrimediabilmente segnato”3. Sarebbe un’occasione d’oro per sferrare l’attacco decisivo e porre fine alla guerra (almeno in Italia), visto che “nell’estate del 1944, dopo lo sbarco in Normandia, ridotta a combattere su tre fronti, la Germania non aveva nessuna possibilità di arrivare almeno a un negoziato con i suoi nemici”4 e che, come ammette proprio un generale nazista: “Nel periodo dal 4 giugno, giorno della conquista di Roma, fino al 16 giugno, la 5a Armata Alleata aveva compiuto un’avanzata di centoquaranta chilometri. Era un ritmo corrispondente all’inseguimento di un avversario battuto.”5 L’esercito alleato fallisce l’opportunità di annientare i tedeschi nei pressi del lago di Bolsena, facendoli riorganizzare dietro una linea di difesa, denominata Albert, che partiva nei pressi di Grosseto, “passava a nord di Chiusi e Perugia e finiva sull’Adriatico a sud di Ancona”6. È chiamata anche Linea Trasimeno, proprio per lo sfruttamento del lago come difesa naturale. A questo punto il fronte è stabilizzato “anche grazie al modo dilettantesco con cui Alexander e Clark (i principali generali Alleati, rispettivamente al comando delle armate britanniche e americane, nda) conducevano le operazioni”7. Paolo Paoletti ci aiuta a fare il riepilogo della situazione: “il 23 giugno tutto l’esercito tedesco aveva completato lo schieramento dietro la Linea Albert. (…) Il 28 giugno, il XIII corpo britannico riuscì a sfondare la Linea Albert, per cui presto tutte le posizioni tedesche divennero indifendibili”8. Da qui in poi, come abbiamo visto prima, la lotta ai partigiani, o a tutti i civili considerati tali, si inasprisce in maniera sanguinosa poiché “il terrore di ogni ufficiale tedesco era che, ad un assalto frontale anglo-americano, potesse accoppiarsi una azione dal retro di formazioni ‘ribelli’, delle quali, spesse volte, si ignorava la forza o la si sopravvalutava”9. E sarà proprio questa fobia a sfociare in manovre cosiddette di ‘desertificazione delle retrovie’ e, di conseguenza, in veri e propri massacri di civili inermi. Infatti, prendendo a esempio il 29 giugno, ossia appena un giorno dopo lo sfondamento della Linea Albert, i tedeschi applicano la prima opera di desertificazione sistematica per rintanarsi dietro un’altra importante linea di difesa: la Linea Arezzo. Desertificazione che provoca ben tre eccidi in un giorno solo: Civitella della Chiana (Arezzo) 146 vittime. È uno degli episodi che rappresenta più propriamente il concetto di ‘memoria divisa’ in Toscana. Per anni è stata creduta strage di rappresaglia, visto che in uno scontro fra partigiani ed elementi dell’esercito tedesco del 18 giugno furono uccisi tre tedeschi. Gli abitanti fuggono temendo la vendetta, ma non succede niente, anzi, vengono rassicurati a rientrare. Ben 11 giorni dopo le pattuglie tedesche effettuano la strage in cui persero la vita anche 3 bambini e 29 donne. Le circostanze non sono ancora del tutto chiarite, ma di sicuro si può escludere la rappresaglia, anche perché altrimenti le vittime avrebbero dovuto attestarsi a 30 (10 uccisioni di uomini per ogni tedesco ucciso).10 San Pancrazio (frazione del comune di Bucine, in provincia di Arezzo) 58 vittime. In teoria questo episodio, considerato secondo me erroneamente rappresaglia, fa riferimento sempre all’uccisione dei tre tedeschi a Civitella della Chiana del 18 giugno, cosa alquanto strana, come detto sopra, sia per il tempo passato sia per il numero delle vittime.11 Guardistallo (Pisa) 55 vittime. La notte fra il 28 e 29 giugno un distaccamento di una locale banda partigiana cerca di dirigersi a sud per attraversare il fronte e andare incontro alle truppe Alleate. Nel farlo viene a contatto, alle prime luci dell’alba, con l’esercito tedesco in ritirata dietro la Linea Arezzo. Ne segue un conflitto a fuoco dove due partigiani perdono la vita e altri sono fatti prigionieri. Segue un rastrellamento nelle case vicine, dove civili innocenti vengono passati a colpi di mitra e lanci di bombe a mano. In tutto sono uccisi 9 partigiani e 46 civili. Lo scontro a fuoco pare non fosse premeditato, detto ciò, visto che altre fonti riportano zero vittime tedesche, anche qui è difficile parlare di rappresaglia. Una risposta a un attacco in una fase delicata per la Wehrmacht sì, degenerata in escalation anche per merito del Merkblatt 69/1 che, come si è visto, portava a non fare distinzione fra partigiani e popolazione civile.12 Le linee difensive e i luoghi degli eccidi perpetrati dai nazifascisti (by Brucio) Dalla Linea Arezzo in poi, l’esercito tedesco sfrutta abilmente il territorio del Chianti, costituito interamente da rilievi. È perfetto per la tattica della ‘ritirata aggressiva’: “Il Chianti, con il suo territorio ondulato, e con quel succedersi continuo di piccoli rilievi, significava per gli Alleati un altalenare su e giù per colli, vigneti, oliveti, e campi coltivati. Si capirà subito come questo terreno, trasformato in campo di battaglia, fosse estremamente pericoloso, specialmente per gli attaccanti (…).”13 Le linee difensive si intensificano e diventano piuttosto linee di arresto momentaneo. Ce ne sono molte, tutte dai nomi femminili, che ricoprono il territorio in fittissime tappe fino all’Arno (ovvero la Linea Heinrich, dove il fronte si arrestò per 40 giorni): Emma, Hilde, Irmgard, Nora, Karen, Olga “ed infine la lunga Lydia – Mädchen – Paula”14. E con la stessa logica, nei territori a ridosso o in concomitanza con queste linee, poco prima dell’arretramento delle truppe, l’esercito tedesco ha continuato a desertificare civili gridando al ‘partigiano’, sotto il riparo della ‘cambiale in bianco’ fornita da Kesselring. Per Biscarini, le zone a maggior rischio di stragi sono anche quelle di confine ‘orizzontale’ fra le diverse armate tedesche: “Il podere Palazzaccio di Arceno (teatro dell’eccidio di Castelnuovo Berardenga, Siena, 9 vittime15, nda) si trovava sulla linea di confine tra la 14a e la 10a Armata. Chi si occupa di storia militare sa che i limiti territoriali tra due unità sono settori delicatissimi. La zona era parte di una linea di arresto tedesca detta ‘Hilde’, che sbarrerà il passo agli Alleati fino al 15 luglio.”16 “Lo stesso 4 luglio, a Meleto e Castelnuovo dei Sabbioni17, in provincia di Arezzo, caddero massacrati rispettivamente 73 e 97 civili (…). Ma anche questi due paesi, seppure al momento dei fatti non fossero direttamente coinvolti, o vicini, a linee difensive tedesche, nell’immediato si trovarono prossimi alla posizione tedesca del monte S. Michele, sui monti del Chianti, i quali oltre a sbarrare per giorni l’avanzata dei sudafricani verso Firenze, delimitavano ancora una volta i settori tra le due armate germaniche.”18 Dunque a questo punto possiamo dire che la strategia della Wehrmacht è abbastanza chiara: non la dichiarata quanto folle volontà di massacrare la popolazione per distruggere le bande, ma soprattutto tattica militare che assolveva a un altro compito, ben più importante: ovvero la paralisi delle coscienze tramite lo spargimento di sangue senza senso, per arrivare a recidere a monte il cordone ombelicale fra popolazione civile e Resistenza (risultati maggiori e costi minori rispetto all’affrontare i partigiani). Massacri che comportarono soltanto l’intensificarsi della lotta perché, un uomo che ha perso parte o la totalità della sua famiglia per ritorsione, codardia, efferatezza, o a cui è stata bruciata la casa, non può far altro che continuare a combattere. E così via, in un circolo vizioso in cui i tedeschi si sentivano ancora più autorizzati a colpire a ogni contrattacco ricevuto e, contemporaneamente, vedevano confermata la loro tesi fasulla sulla colpa dei morti degli eccidi sui partigiani. “(…) Le colpe partigiane sono solo un pretesto che non giustifica le centinaia di vittime a fronte di qualche soldato tedesco ucciso e ferito (…). Nel corso dei mesi la ratio della rappresaglia subisce una serie di slittamenti progressivi verso qualcosa di sostanzialmente altro, evidenziando che la logica della terra bruciata non può essere giustificata all’infinito.”19 Un’ulteriore svalutazione della tesi iniziale viene direttamente dal fronte amico. Gli Alleati incoraggiavano le bande a interventi sia armati sia di sabotaggio tramite sovvenzioni, approvvigionamenti di armi e proclami direttamente dalle frequenze di Radio Londra; tanto che nel ’45 i processi ai tedeschi si preferì istituirli in corti militari britanniche perché i crimini contro i civili erano stati commessi per reazione ad attività incoraggiate dagli Alleati stessi.20 Infatti, il capo delle forze Alleate nel Mediterraneo Alexander (così come anche Badoglio21), già da maggio incitava “a uccidere in ogni occasione i tedeschi, incurante delle inevitabili conseguenze che sarebbero ricadute sulla popolazione civile”22. Un’altra pressione per l’intervento armato contro l’invasore sono i contadini. In quel frangente, subito dopo le vittime per la guerra, c’erano quelle per la fame. Quando la Wehrmacht transitava con tutti i suoi innumerevoli effettivi, saccheggiava bestiame, raccolti, cibo e ogni tipo di rifornimento alla popolazione locale, che già non sapeva come sfamarsi. Questa è una testimonianza presa da un’intervista riguardante l’eccidio di Fattoria del 6 luglio del 1944 (frazione di Ponte Buggianese, provincia di Pistoia)23, uno dei casi reali di rappresaglia, dove ci furono 5 vittime (alcune fonti dicono 8) a fronte di 2 uccisioni di soldati tedeschi (alcune fonti dicono 1, altre addirittura zero) per un confronto a fuoco coi partigiani del luogo. Confronto, però, scaturito da un ricatto: “Una ragazza che stava accanto proprio a me (…) e un’altra andavano a portare (ai loro familiari, nda) i panni per cambiarsi in padule, sulla sera. (…) Trovarono due tedeschi e le portarono via (…) al comando alla Casabianca. Poi intervenne (…) uno sfollato ungherese (…) e cercò di liberarle. Vollero 500 uova e 2 prosciutti e le liberarono. E lì (…) quando lei incominciò a gridare che la portavano via, questa ragazza incominciò a gridare e ci fu una sparatoria, con questi tre, quattro, cinque, sei che chiamavano partigiani.”24 Questa testimonianza invece è proprio a ridosso dell’eccidio del Padule di Fucecchio del 23 agosto 1944 (174 vittime civili)25: “Risulta perciò da testimonianze indubbie che i contadini del luogo, i quali avevano fornito viveri ai partigiani, insistettero onde ottenere il loro intervento”26. Così come il sacerdote del paese, Primo Egidio Magrini, che conferma le razzie tedesche e la mobilitazione contadina27. Ciò delinea ancor più chiaramente l’identità dei partigiani in questa prima fase di guerra civile: gente comune che fa una scelta, spinta sia dal rifiuto dell’ideologia nazifascista, sia soprattutto da motivazioni di sostentamento e di protezione dei legami familiari e della propria comunità (la famigerata questione privata). In quella situazione assurda e funesta, non si poteva non scegliere. Quindi, tornando alla tesi iniziale, non ci fu nessuna prova di una minaccia partigiana che giustificasse alcun tipo di strage da parte dell’esercito tedesco (semmai si possano giustificare) prima dello sfondamento della Linea Gotica. Anzi, ci sono molti indizi che portano a constatare che la brutalità degli eccidi, almeno fino a tutta la primavera del ’44, non ha avuto nessun rapporto con il pericolo effettivo rappresentato dai partigiani28. Solo dopo la strage di Monte Sole – Marzabotto (29 settembre-5 ottobre 1944, 770 vittime)29 si ebbe una svolta nel movimento; infatti, dall’autunno del ’44: “il movimento partigiano crebbe a tal punto che ormai si doveva parlare di una vera e propria guerra in cui i partigiani armati acquistarono sempre più, agli occhi della Wehrmacht, lo status di combattenti”30. Da carnefici a ‘povere’ vittime: i fascisti collaborazionisti Non preoccupatevi, il peggio deve ancora arrivare. Sì, perché la crudeltà dei nazisti va di pari passo con i loro complici fascisti. Anche qui breve ricapitolo. Il 10 luglio del 1943 viene effettuato lo sbarco Alleato in Sicilia. Mussolini vede il suo esercito disgregarsi e il consenso cadere a picco. Il 25 luglio il re e alcune massime cariche fasciste attuano un colpo di stato: il duce è imprigionato sul Gran Sasso. Il generale Badoglio, nuovo capo del governo, prima dichiara che l’Italia onorerà gli impegni di guerra presi a fianco della Germania; poi, invece, l’8 settembre firma l’armistizio e passa dalla parte degli Alleati. La popolazione italiana gioisce credendo che sia la fine della guerra, ma la situazione si presenta subito drammatica. Hitler è su tutte le furie: prima fa liberare Mussolini con un commando di paracadutisti (12 settembre) e lo mette a capo della Repubblica Sociale Italiana; poi schiera le sue armate sulla Linea Gustav (dal Lazio all’Abruzzo) per contrastare palmo su palmo l’avanzata Alleata. L’Italia è divisa in due. Il re e Badoglio fuggono da Roma e si rintanano a Brindisi, non dando alcuna indicazione all’esercito italiano impegnato sui vari fronti. I tedeschi cattureranno 600.000 soldati italiani allo sbando deportandoli nei campi di concentramento; molte migliaia invece furono fucilati sul posto. Altri riusciranno a tornare e a unirsi ai primi nuclei della Resistenza.31 Durante la ‘campagna d’Italia’ di Kesselring molti fascisti rimasti fedeli al duce e a Hitler fiancheggiano la Wehrmacht macchiandosi di crimini abominevoli32. Oltre allo spionaggio, i fascisti, conoscendo a menadito i luoghi dove erano nati e cresciuti, guidano i tedeschi in quasi tutti i massacri di civili. Non solo, lo fanno nella maniera più spregevole: si travestono da militari del Reich e si coprono il volto per non essere riconosciuti dai propri compaesani. Con i loro preziosi consigli procurano la morte di migliaia di uomini, donne, vecchi e bambini che parlano lo stesso dialetto e che appartengono alle loro stesse radici, senza nemmeno avere il coraggio di presentare la propria faccia. Sempre prendendo spunto da alcune testimonianze dell’eccidio del Padule: “Italiani camuffati al Pratogrande di sopra. Entrare in una corte, un mucchio di soldati a quella maniera e due bendati… del paese. Gente che si conosceva, sennò ‘un venivan bendati, è chiaro.”33 “«Entrarono in casa e cominciarono a mitragliare». Oreste Silvestri sente dire Scendete giù criminali, addirittura in accento toscano; anche poco dopo, quando è ferito e si finge morto, mentre lo rovesciano con un forcone sente in italiano: Sparategli ancora! (…) L’accento toscano è notato, specialmente a Pratogrande e alle case Simoni e Silvestri.”34 Ah, per ‘criminali’ il camerata intende civili supposti fiancheggiatori di partigiani, anche se varie fonti escludono la presenza di essi nella gronda della palude. Le vittime dell’eccidio sono state quasi esclusivamente donne, vecchi, bambini e sfollati totalmente innocenti e incapaci di difendersi (la vittima più giovane era di pochi mesi, mitragliata in culla, la più vecchia era di oltre novant’anni, cieca, fatta saltare con una granata messa in tasca del suo grembiule). Qui si va oltre l’ideologia di guerra, si va oltre anche la tesi (non perdonabile né tantomeno comprensibile a questi livelli) della vendetta dei tedeschi ‘traditi’ dal proprio alleato. Addirittura il duce in persona (in maniera tardiva visto che nel diario della 14a Armata tedesca viene riportata la sua approvazione ai massacri35) nell’agosto del ’44 protesta timidamente contro le stragi sistematiche sui civili, non venendo minimamente ascoltato36. Il destino della guerra era segnato già a giugno del ‘44 (gli Alleati erano sbarcati in Normandia e la Linea Gotica, ancora lontana dall’essere ultimata, sarebbe stata oltrepassata a settembre). Ma l’obiettivo dei coraggiosi e temerari fascisti, coscienti di non avere più speranze di vittoria, è quello di praticare uno sfregio sulla popolazione civile, una ferita sanguinosa e sfigurante sulla psiche della comunità che tutt’ora non si è rimarginata. Tanti collaborazionisti furono riconosciuti comunque e dopo la fine della guerra fuggirono, con famiglie al seguito, dai paesi che loro stessi avevano contribuito a massacrare. Altri fascisti furono uccisi sia da ex partigiani, sia da gente comune che non aveva dimenticato, in una scia di sangue che continuò in tutta Italia per almeno due anni e per la quale, ancora oggi, la stampa di destra diffonde la retorica dell’ingiusto trattamento che quei ‘valorosi’ uomini si sono visti infliggere dopo il cessate il fuoco.37 I carnefici si trasformano in vittime. Ancora oggi quasi tutti i nomi dei collaborazionisti dell’epoca rimangono ignoti. Ciò ha contribuito alla dislocazione delle colpe dei morti della Resistenza, ma non è l’unico motivo. Il fattore determinante, purtroppo, è il ruolo che ha avuto la giustizia italiana e internazionale nei processi del Dopoguerra. Proviamo a capire cosa è successo. La (in)giustizia del Dopoguerra Il processo a Kesselring fu istituito a Venezia e durò dal 10 febbraio al 6 maggio 1947. Fra tutti i crimini commessi sotto il suo comando (ricordo che fu feldmaresciallo delle truppe tedesche in Italia da settembre ’43 a fine ottobre ’44 e che tutti gli ordini dei massacri ai civili durante questo periodo erano stati emanati direttamente da lui), l’accusa gli contestò soltanto l’eccidio delle Fosse Ardeatine a Roma, e quello di Fucecchio. Le indagini che i gruppi di investigazione Alleati avevano svolto tra il ’44 e il ’46 mostrarono evidenti segni di squilibrio e molti eccidi furono archiviati con la motivazione della mancata certezza dei responsabili.38 La presa di coscienza delle stragi italiane non fu subito lampante, tanto che inizialmente si pensava che i crimini commessi facessero riferimento quasi totalmente contro militari e civili Alleati39. Infatti fra i capi di imputazione non figuravano addirittura gli eccidi di Marzabotto e di Sant’Anna di Stazzema (12 agosto ‘44, 391 vittime)40. Sul banco degli imputati, il feldmaresciallo “negò di aver saputo di atrocità commesse contro le popolazioni civili”41. Ciononostante Kesselring fu sentenziato colpevole e fu condannato a morte tramite fucilazione. A questo punto ci fu un colpo di scena inaspettato. Contro la sua condanna reagirono duramente Churchill e Alexander42, ossia il primo ministro inglese e il comandante delle forze Alleate nel Mediterraneo (quest’ultimo aveva combattuto contro di lui per mesi nella risalita della penisola). Le pressioni furono così forti che la condanna fu commutata in carcere a vita dal giudice militare Hardling43 e, ad ottobre del 1952, gli fu concessa la grazia44. Kesselring è morto da uomo libero nel 1960. Sant’Anna di Stazzema Il perché è da ricercare nelle scelte e nella politica internazionale dell’Italia nel Dopoguerra. Negli anni Cinquanta il nostro Paese si ritrovava di nuovo alleato della Germania (o di quello che ne rimaneva) assieme a Stati Uniti e Inghilterra, in un blocco atlantico teso a contrastare qualsiasi deriva di sinistra; anche se questo voleva dire non condannare un criminale nazista che le forze Alleate avevano combattuto a fianco fino all’ultimo giorno della Seconda Guerra Mondiale. “Alle forze moderate e conservatrici, che gestirono il potere nei decenni immediatamente successivi alla Liberazione, non è difficile attribuire la responsabilità di aver usato in chiave strumentale risentimenti, rancori, sentimenti di dolore autentico in funzione di crociata anticomunista, quindi antipartigiana”45. E ciò era stato tremendamente in linea con l’Amnistia Togliatti, vagliata dal governo italiano il 22 giugno del 1946 con l’obiettivo di acquietare gli strascichi della sanguinosa guerra civile. Un conto però è amnistiare, un altro è insabbiare. Infatti solo negli anni Novanta sono stati messi a disposizione gli archivi inglesi, americani e tedeschi sulle stragi in Italia, consentendo una maggiore e dignitosa ricerca storiografica.46 Nel 1994 a Roma addirittura fu rinvenuto dal procuratore militare Antonino Intelisano presso la Procura generale militare in via degli Acquasparta un armadio con le ante rivolte verso il muro, contenente 695 fascicoli di inchiesta sui reati e i crimini di guerra durante l’occupazione nazifascista e testimonianze dei superstiti raccolte dai servizi segreti britannici; fu denominato ‘Armadio della vergogna’47. Grazie al vaglio di questi documenti top secret la magistratura fu in grado di venire a conoscenza, processare e condannare (anche se tardivamente) molti criminali nazisti ancora a piede libero. Il contenuto dell’armadio è stato interamente desecretato nel 2016 ed è disponibile, tramite ordine, sul sito della Camera dei Deputati. Questo ‘oblio’ volontario è stato il fattore determinante per la nascita della cosiddetta memoria divisa, ossia la scissione fra i fatti avvenuti nel 1944 e la percezione antipartigiana diffusa oggi. Ciò che è arrivato ai familiari delle vittime e a tutte le comunità colpite dai vergognosi intrallazzi politici e insabbiamenti in clima guerra fredda, è stata l’assenza di condanne esemplari ai colpevoli nazifascisti; il che “equivaleva ad una implicita assoluzione”48. Questo ha portato a un corollario pericoloso: se nessuno paga, le migliaia di morti, oltre ad essere state insensate nei metodi, sono diventate anche senza movente. Perciò, se da una parte venivano amnistiati gli assassini, le memorie colpite hanno dovuto rintracciare un colpevole tramite cui comprendere i massacri: i partigiani. Se da una parte i nazifascisti hanno usato criminosamente le stragi come strumento di battaglia e non come rappresaglia non venendo condannati, i partigiani si sono ritrovati rei “non solo e non tanto per avere commesso qualche azione di guerra infelice o errata, ma per il fatto stesso di essere esistiti come patrioti e di avere combattuto”49. Oggi è venuto il tempo di far crollare questo castello di costrutti fasulli e far reintraprendere alla memoria una migrazione verso il proprio punto d’origine dal quale è stata sfrattata: la verità. Non perdiamo questa occasione. 1 U. Jona, Le rappresaglie nazifasciste sulle popolazioni toscane. Diario di diciassette mesi di sofferenze e di eroismi, ANFIM, Firenze 1992, elenco dei morti consultabile a questo link. 2 L. Klinkhammer, L’occupazione tedesca in Italia. 1943-1945, Bollati Boringhieri, Torino 1993, p. 333. 3 C. Biscarini, Morte in Padule, 23 agosto 1944: analisi di una strage, Edizioni dell’Erba, Fucecchio 2014, p. 11. 4 C. Biscarini, ivi, p.12. 5 Cfr. F. von Senger und Etterlin, Combattere senza paura e senza speranza, Longanesi, Milano 1968. 6 P. Paoletti, Il passaggio del fronte all’Impruneta, Associazione Intercomunale N.10 Area Fiorentina, Firenze 1985, p. 23. 7 C. Biscarini, Morte in Padule, cit., p. 18. 8 P. Paoletti, Il passaggio del fronte all’Impruneta, cit., p. 19. 9 C. Biscarini, Morte in Padule, cit., p.18. 10 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=3211. 11 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=3494. 12 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=4596. 13 P. Paoletti, Il passaggio del fronte all’Impruneta, cit., p. 24. 14 Cfr. P. Paoletti, ivi, pp. 25-27. 15 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=3996. 16 C. Biscarini, Morte in Padule, cit. p.22. 17 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=3181. 18 C. Biscarini, Morte in Padule, cit. p.22. 19 I. Tognarini, Kesselring e le stragi nazifasciste. 1944, estate di sangue in Toscana, Carocci, Roma 2002, Regione Toscana, Firenze 2002, pp. LXII-LXIII. 20 M. Battini e P. Pezzino, Guerra ai civili. Occupazione tedesca e politica del massacro. Toscana 1944, Marsilio, Venezia 1997, p. 200, che cita Record of a meeting held in Hobart House to discuss Minor War Criminal Trials, 20 agosto 1945, PRO WO 32/14566. 21 Cfr. R. Lamb, War in Italy 1943-45. A brutal story, Penguin Books, Londra 1993, pp. 92-93. 22 V. Ferretti, Kesselring, Mursia, Milano 2009, p. 224. 23 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=3676. 24 Intervista a Eugenio Chiappelli e Iliana Giuntoli del 18/06/2003, effettuata su incarico del comune di Ponte Buggianese da Gian Paolo Balli, registrate su videocassette miniDV e depositate presso l’Istituto storico della Resistenza e della società contemporanea di Pistoia, viale P. Petrocchi 159, Inventario n° 110 “Palude Fucecchio – parte 4, dal minuto 59.00 a 1.02.26”. 25 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=338&grande_strage=18. 26 Cfr. Relazione dell’attività formazione partigiani Silvano Fedi di Ponte Buggianese, 30 settembre 1944, ISRT, fascicolo Silvano Fedi n. 15. 27 P.E. Magrini, Barbarie e vittime. Memorie di tre giorni di ferocia tedesca a Ponte Buggianese nel 1944, Pescia 1945, ristampato in M. Bonanno (a cura di), Barbarie e vittime. Memorie di padre Primo Egidio Magrini, Editrice CRT, Coscienza, realtà, testimonianza, Pistoia 2004, pp. 5-9. 28 Cfr. Klinkhammer, L’occupazione tedesca, cit., p.338. 29 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=5705. 30 I. Tognarini, Kesselring e le stragi nazifasciste, cit., p. XLIII. 31 Cfr. A. M. Banti, L’età contemporanea. Dalla Grande Guerra a oggi, Editori Laterza, Bari 2009, pp. 236-239. 32 Cfr. Klinkhammer in L’occupazione tedesca (op. cit.), pp. 430-433. L’autore fa riferimento a dati ufficiali della repressione congiunta nazista e fascista che si attesta a 120.000 morti soltanto fra i civili in 20 mesi di occupazione, ma le stime sono decisamente al ribasso. 33 Intervista del 12 giugno 1997 a Eugenio Cappelli e Iliana Giuntoli, in M. Folin (a cura di), Popolo se m’ascolti… Per le vittime dell’eccidio del Padule di Fucecchio. 23 agosto 1944, Diabasis, Reggio Emilia 2005. 34 Testimonianza di Oreste Silvestri, Special Investigation Branch (SIB), 15 febbraio 1945, in L. Baiada, Raccontami la storia del Padule. La strage di Fucecchio del 23 agosto 1944: i fatti, la giustizia, le memorie, Ombre Corte, Verona 2016, p. 106. 35 “Il comandante in capo del Gruppo di Armate afferma che il duce acconsente ormai a provvedimenti più duri e che, di conseguenza, la proposta dell’Armata di fucilare, in caso di assalto delle bande, 10 uomini atti alle armi fra la popolazione locale per ogni soldato tedesco ucciso risulta attuabile”. KTB n°4, AOK 14, microfilm T. 312, roll 491, National Archives Washington, in C. Biscarini, Morte in Padule, cit., p.15. 36 Cfr. V. Ferretti, La Resistenza nel pistoiese e nell’area tosco-emiliana (1943-1945), Consiglio regionale della Toscana, Firenze 2018, pp. 44-45. 37 Rispetto per tutti i morti tranne per quelli usati in malafede per coprirne altri. 38 Cfr. I. Tognarini, ivi, pp. XXVII-XXVIII. 39 Ibidem. 40 Atlante delle stragi naziste e fasciste in Italia, http://www.straginazifasciste.it/?page_id=38&id_strage=4908 . 41 I. Tognarini, ivi, p. XXIX. 42 War Office 32/15490, 11A. 43 Cfr. I. Tognarini, ivi, p. XXX. 44 Cfr. I. Tognarini, ivi, p. LXXIV. 45 I. Tognarini, ivi, p. XLVII. 46 Cfr. I. Tognarini, ivi, p. LXXXVI. 47 F. Giustolisi, L’Armadio della Vergogna, l’Espresso, 9 novembre 2000. 48 I. Tognarini, ivi, p. LXXIV. 49 Ibidem. Share Tweet Share... Read more...I superflui di Dante Arfelli, un articolo di R. Cannarsa || THREEvial Pursuit14 Aprile 2021I superflui di Dante Arfelli di Rocco Cannarsa Copertina di una delle prime edizioni del romanzo d’esordio di Dante Arfelli, I superflui “Quella sera Lidia non uscì. Seduta accanto alla stufa, ora spenta, gli occhi a terra, pareva che pensasse a qualche cosa. Luca la guardava, le guardava il ventre dove era cresciuto un altro pezzo di carne, una vita, che a un certo momento sarebbe venuto fuori all’aria e sarebbe stato un uomo, come lui, Luca, o una donna o un altro essere in più, inutile, superfluo”. Eccedente i limiti della necessità. Romanzo d’esordio di Dante Arfelli, I superflui nel mondo editoriale è stato ritenuto tale per ventisette anni ( l’ultima a pubblicarlo fu Marsilio nel ‘94, dopo Rizzoli nel ‘49 e Vallecchi nel ‘54). Oggi il romanzo è tornato alla luce con la giovane casa editrice RFB. «Non è un libro per addetti ai lavori», lo dicono in troppi e come dargli torto: «il libro ha venduto bene, è arrivato oltreoceano, pubblicato da “Scribner”, lo stesso editore di Hemingway, vendendo quasi un milione di copie».Perché è scomparso? Perché non lo ha ripubblicato nessuno? Perché il mercato editoriale pare punti sugli “sporchi, maledetti e subito” e sempre meno sulla qualità?Oppure (forse ancor di più) perché dobbiamo sentire la necessità di riesumare cadaveri? È la letteratura contemporanea che è avvilente o lo sguardo con cui ci si approccia?Perché l’uomo si illude che lasciando un’opera al mondo l’abbia scampata all’ineluttabilità della morte?Non ne ho idea. L’unica certezza, come mi ha sempre detto un amico, è che «Il successo è solo il participio passato di succedere». Quindi, fatti i convenevoli, vediamo di cosa parla il libro. Dante Arfelli e Gino Montesanto Il romanzo segue un topic piuttosto classico: un giovane provinciale, Luca, fugge dal proprio paesino di nascita alla volta della città, che in questo caso è Roma. Questa trama resta sempre garanzia di sventure, delusioni, profonde riflessioni sulla precarietà dell’esistenza e, alle volte, di rimpianto.La ripetitività-ricorrenza-tipicità rende il romanzo come genere letterario morto? Siamo fermi all’800? Ha ragione chi parla di Giovani Indiana Jones? Forse. Ma se camminiamo su strade già battute da altri, e la vita è un ciclo senza altro scopo che ripetersi, io non me la prenderei più di tanto se è stato già detto tutto. Poi un giorno arriverà il genio che invece di dipingerci sulla tela, la squarcia. Appunto. Il progresso osservato con occhi cinici e noncuranti. Gli occhi dei poveri. Il quadro dell’Italia del Dopoguerra è dipinto con eccezionale maestria, e il colore non si è ancora asciugato. Le antiche speranze di un tempo migliore soccombono schiacciate da quella piaga immortale che è la miseria, come se il presente fosse la bomba che la guerra aveva lasciato inesplosa. L’attualità delle sensazioni, delle aspettative e dell’aria che viene fuori dalle pagine è terribilmente spaventosa. Non voglio dire certo che le cose non siano cambiate. Prendiamo la scena iniziale: Luca è diretto a Roma, in tasca ha la lettera di raccomandazione del prete del suo paese, don Aldo, da consegnare al suo aggancio, un certo Monsignore. I viaggiatori con cui divide lo scompartimento lodano la donna-oggetto (meglio se italiana), una Svizzera che probabilmente non hanno mai visitato e non vedono l’ora di tornare a Milano per fuggire da questi terroni di merda che sono animali, non persone, tanto che: «Bisognerebbe fare una linea sotto Ancona e segare l’Italia lì». Sceso dal treno incontra Lidia, una prostituta. Ci va? Non ci va? Non importa, quello che importa è che finisce per condividere con lei un appartamento. Grande spazio Arfelli lo dà all’osservazione dell’incapacità di pensarla donna, prima che prostituta. Anche sulla pelle di Luca, l’incertezza e il disagio, la repulsione verso quella parola, ostacolano l’avvento di una conoscenza, di una amicizia. Queste dinamiche sono rese con una analisi talmente spicciola e brusca da risultare brillante, tanto da evocare Stigma, del sociologo Erving Goffman (“ noi normali riteniamo che una persona con uno stigma non sia del tutto umana. Partendo da questa premessa mettiamo in atto una varietà di discriminazioni, grazie alle quali di fatto, , gli riduciamo le possibilità di vita” – Stigma, Goffman). Ma poi le confidenze arrivano, e così la condivisione di un destino che era già intaccato dalla tristezza o soltanto dal tentare di vivere, giorno per giorno, sentendo i tonfi dello sgretolarsi dei propri sogni. Dante Arfelli (Immagine d’archivio) E c’è una vecchia, l’appartamento è il suo, lo affitta da quando il marito ferroviere è morto, e riscuote con avida prepotenza l’affitto ogni ultimo del mese, nonché qualche spicciolo per chiudere un occhio sull’attività svolta in casa da Lidia. E insiste sul volere il prete, ché ormai è anziana: corna e bicorna che non succede, ma se succede vuole il prete perché, nonostante tutto, è cattolica. I giorni Luca li passa bussando alle porte per un impiego, perché sebbene il Monsignore ora sia Eccellenza, purtroppo non può fare nulla, ma se avesse potuto… e questa tiritera si ripete con politici, avvocati, e chi più ne ha più ne metta. Il punto è che Luca è un giovane buono e il lavoro, che in città ce n’è per tutti, manca a questa categoria, che si rivela poco audace, poco furba, come gli verrà rimproverato più volte dal suo futuro “amico” Alberto. Non manca neanche la politica, perché Luca, quando guarda chi ha di fronte, cerca di collocarlo di là o di qua, anche se nota che il birraio, l’artigiano e il tessitore contano solo sotto campagna elettorale. Il problema di fondo resta sempre lo stesso: «Io dico che se gli uomini fossero tutti buoni non ci sarebbe più da lamentarsi». «Ma non lo saranno mai». «E allora tutto il resto non conta niente. Però, anche se non lo potranno diventare, dovrebbero cercare di provarci». Ed è per questo che «È inutile dire: “Buttiamo tutto per aria e rifacciamo”. Si rifà come prima, perché siamo sempre noi».(Dialogo di Luca e Lidia, I superflui) «Io mi son chiesto spesso che cosa sono al mondo a fare. Quando ero più ragazzo ci pensavo delle ore intere, fino a farmi male alla testa. Diventando grande ci penso sempre di meno perché ci sono tante altre cose». «E ancora non lo sai che cosa sei venuto a fare?» «No. C’è chi dice che ognuno di noi ha da fare una parte: come uno in un paese fa il fornaio, un altro il falegname, e ci vogliono tutti i mestieri, così dicono che ci vogliono anche i poveri e gli stupidi».(Dialogo di Luca e Lidia, I superflui) L’abbattimento dei toni, che sembra una resa alla vita, e la pacatezza della narrazione rendono lo stile crudo. E l’umiltà con cui Arfelli scandaglia la tragedia dell’esistenza rende il flusso narrativo nobilmente audace o, più tristemente, consapevole. Ciò rende I Superflui tutt’altro che una lettura noiosa. Le profonde riflessioni confluiscono in quella che si illude di essere catarsi, ma non è che felicità nella tristezza. È proprio sapere che se le cose si mettono male è facile mettere a tutto la parola fine che porta i personaggi a vivere il proprio presente con spensieratezza. Dante Arfelli nel suo studio Leggere Arfelli mi ha insegnato che sì, siamo tutti superflui, ma ci siamo, ed è solo esistendo che si può fare la differenza in un mondo che non ha bisogno di noi. Sul web si leggevano strazianti appelli per non dimenticare questo scrittore (a marzo c’è stato il centenario dalla nascita). Sono anni che molti intellettuali spingono per ripubblicarlo. Il problema però non è solo lui, sono tanti gli autori che stanno scomparendo dai cataloghi editoriali, dagli scaffali delle librerie, dalle biblioteche. Ma se questa è una tendenza deve essere indagata davvero, perché la colpa non può essere soltanto degli editori, contro i quali è troppo facile accanirsi. Come scrive Gian Carlo Ferretti nel suo saggio Siamo spiacenti, in un autore per quanto il valore estetico sia una qualità importante, “ una durata più o meno lunga può non esserne condizionata del tutto. Fondamentale resta che un libro continui a essere letto”. “I Superflui” è sparito per ventisette anni. Ok, ma ora è ricomparso. Lo rileggeremo? O questa pubblicazione sarà la riprova di una condanna? Share Tweet Share... Read more...1 + 1 fa sempre uno || Intervista ad ACHE77 || THREEvial Pursuit31 Marzo 20211 + 1 fa sempre uno Intervista ad ACHE77 di Niccolò D’Innocenti e Simone Piccinni ACHE77 at work Cari Threevialisti,questa settimana vi (ri)proponiamo l’intervista ad ACHE77, uscita in cartaceo lo scorso Dicembre sul numero #18 di StreetBook Magazine. Ecco qui la versione completa. Buona lettura! Sono un po’ emozionato. È venerdì, sono sul treno, sto tornando da lavoro e devo andare a fare un’intervista. Ma non è come le altre volte: vado ad intervistare un’artista a cui voglio bene come ad un fratello, oltre ad essere una persona che stimo infinitamente. E, ad essere sinceri, dovessi dare una voce alla mia coscienza probabilmente assomiglierebbe alla sua. Quindi sì, sono un po’ teso. Ci troviamo nella sua nuova galleria che, insieme all’associazione ARTiglieria, ha tirato su durante quest’ultimo anno. Non potrei chiedere di meglio: l’odore di vernice, l’atmosfera da work in progress e la birra di fronte a noi mi fanno rilassare. Poi basta uno sguardo ad ACHE77 per capire che non mi devo preoccupare: se non trovassi le parole per andare avanti sicuramente le troverebbe lui. Io devo solo stare attento che non mi si spenga il registratore (cosa che succederà, ovviamente). Three Faces: Cominciamo dall’inizio: cosa ha portato ACHE77 a Firenze dalla Romania? ACHE77: È una domanda corta che necessita di una risposta forse molto lunga. Firenze l’avevo visitata nel passato. Se sei appassionato d’arte questa città ha un certo richiamo e magnetismo: ha una lunga tradizione e una storia che gira intorno all’arte. Volevo fare l’artista da grande, quindi appena ne ho avuto la possibilità, una volta arrivato agli studi magistrali in scultura, ho deciso di richiedere una borsa Erasmus per venire qua. Di provare la fortuna insomma. Mi sembrava la sfida suprema: riuscire a formarmi a Firenze facendo arte. Poi, avendo un bel giro di turisti – venti milioni circa di visitatori l’anno – mi sembrava un ottimo hotspot da cui diffondere un messaggio a tutto il mondo. Almeno, quando si poteva viaggiare… Poi, quando sono arrivato qua, avevo il pensiero fisso di trovare una realtà, un’associazione o una galleria, in cui fare il tirocinio. Sono arrivato a Firenze nel novembre 2015. Ho conosciuto la Progeas Family con il progetto Inseminazione Artistica, la mostra disobbediente organizzata da Matteo Bidini. Attraverso di lui ho conosciuto Zeus Oczb e con lui è partita l’esperienza Street Levels Gallery, la cui prima mostra per la galleria è stata Unity Wanted. Questo, quello di unità, è un concetto a cui sono molto vicino da sempre: l’idea di unità, è da lì che deriva la forza. In giro ci sono molti nuclei sparsi che, se s’incontrano, hanno un altro peso. Questo era il nome della mostra, vogliamo unità, cerchiamo un’unità. A quei tempi la situazione nel mondo della street art fiorentina era diversa, era il periodo in cui gli Angeli del Bello coprivano tutti, nel 2016. Ci sono stati arresti e indagini, alcuni dei nostri colleghi sono “caduti” in quel periodo. Sentivamo il dovere di “uscire da sotto il cappuccio”, di spiegare cosa stavamo vivendo, cosa stavamo facendo. Non cosa è, ma cosa potrebbe essere: l’arte urbana come mezzo di espressione. Ci siamo (im)posti l’obiettivo di diventare un punto di diffusione dell’informazione, di divulgare, di fare cultura. Abbiamo curato una biblioteca incentrata sulla street art, con un sacco di libri di riferimento. Abbiamo fatto attività in giro, ci siamo dati tanto da fare per il movimento. Con questo sono arrivato un po’ alla fine della domanda, sono arrivato con uno zaino di sogni e una valigia di bombolette, e un altro zaino di libri. Firenze – ACHE77 TF: A proposito di questa tuo “binario” Firenze-Romania, ti volevamo chiedere del progetto “Hubrica”, che è un progetto molto interessante. Ecco, come è nato, cosa ti ha lasciato, cosa ha significato portare l’esperienza maturata a Firenze nella tua terra d’origine? ACHE77: È stato un piacere ed un onore, un ottimo modo di arricchimento di conoscenze di contatti, rapporti umani, esperienze. Provare piano piano a trasformare i sogni in realtà. Il progetto Hubrica era partito a maggio 2016 quando ero qua a Firenze, un progetto che non si sarebbe potuto svolgere senza il mio mentore ai tempi, Alexandru Paicu, un community builder visionario. In Romania esistono tantissimi siti industriali, quasi abbandonati, e sono come delle ferite aperte nelle città che ricordano i tempi del Comunismo e che adesso sono in rovina. Vicino a Iași, una grande città universitaria, c’era un complesso industriale di capannoni dismessi, che si sviluppava in 14 km². Abbiamo preso un piano di un palazzo intero, un palazzo di progettistica. E abbiamo cominciato a ricercare quell’unità di cui parlavamo prima. Ai suoi tempi d’oro erano presenti quaranta studi diversi, fra architetti, scultori, pittori, organizzatori di eventi, gioiellieri, orafi… se eri un creativo, eri là, e se non eri là volevi esserlo. Mi sembrava un’opportunità grandissima per poter far uno scambio d’esperienza, per creare dei ponti culturali tra gente che più o meno fa le stesse ricerche ma vive in posti diversi. Mi affascina la ricerca. Tanti chilometri quadrati di capannoni significano anche tanti muri che erano quasi di nessuno, avevano un proprietario ma erano abbandonati. Abbiamo bonificato la zona e poi abbiamo organizzato il primo festival serio di street art in quella regione. Prima si dipingeva a eventi sparsi ma mai su muro, si dipingeva su pannelli o altri supporti. Cazzo finalmente abbiamo dei muri! Abbiamo creato il primo festival di street art, l’abbiamo approcciato in maniera differente. Non abbiamo chiamato solo i nomi grossi ma abbiamo chiamato tutti, veramente tutti. Chi voleva venire bastava che ce lo comunicasse e avrebbe trovato tutto il necessario per dipingere lì. In questo modo abbiamo dato possibilità di partecipare anche agli studenti d’arte delle varie scuole, che hanno potuto confrontarsi con artisti da tutta la Romania e non solo. Alla fine, ho portato, diciamo, circa sedici tra artisti e realtà creative come No Dump, per esempio. Hanno dipinto anche loro là con l’intento di iniziare uno scambio culturale, cosa che è successa. È stato bellissimo veder dipingere artisti affermati accanto a quelli che si approcciavano per la prima volta a un muro e che avevano la possibilità di poter imparare guardando gli altri. Se prima volevi fare l’artista di strada, andavi per conto tuo, provavi da solo, senza supporto di nessuno. Invece, in questo modo abbiamo provato ad accorciare i tempi, dando la possibilità di creare un contesto di divulgazione di conoscenze, ed è stato bellissimo, perché grazie a quel festival sono nati tanti artisti che hanno fatto il loro primo pezzo proprio lì! Artisti che hanno continuato e alcuni di loro sono anche diventati bravi. Il festival si chiamava The Gathering, il raduno. Abbiamo fatto due edizioni e poi niente, nel 2019 l’hub creativo ha chiuso come spazio fisico ma è rimasto come concetto e modo di essere. Peraltro, avevamo preso lo spazio a un euro al metro quadro e quando ce ne siamo andati ne valeva undici. Comunque, lì ho capito cosa volesse dire “processo di gentrificazione”. Avendolo fatto in pieno, senza rendercene conto, ha insegnato a noi sognatori ad essere più pragmatici agli approcci di vita. E poi mi piaceva moltissimo che potessi portare là quello che facevo qua e viceversa. Per me è molto importante capire e sapere, il resto deriva da questo. Se hai capito, puoi svolgere in piena consapevolezza quello che stai facendo, anche se spesso capisci mentre stai facendo. Ritratti dell’infanzia negata – ACHE77 TF: Parlando invece di un altro progetto, come è nata l’idea che dalla scenografia del Copula Mundi ha portato poi alla copertina che hai realizzato per noi, quella alla base del progetto Ritratti dell’infanzia negata? ACHE77: È stata una follia, è stato magico quello che è successo. La proposta mi era arrivata da un bel po’: provare a pensare ad un allestimento di una mega struttura, quella dove si è svolto l’ultimo Copula Mundi. Quel marzo ero a Follonica, dove ho dipinto il mio primo muro di grandi dimensioni, durante l’Urban Art City. Ho fatto quel lavoro sulla facciata del museo Magma, e durante la ricerca per creare il bozzetto ho visitato sia il museo che i suoi archivi. Lì ho trovato una mostra di fotografie di alcuni anni fa che aveva un qualcosa (schiocca le dita). Sono andato a ricercare il fotografo, il caro Pino Bertelli, che è di Piombino, una città vicina a Follonica e sono andato a cercare su internet informazioni su di lui. Il museo mi ha dato il suo numero, l’ho contattato e ho scoperto che quelle fotografie esposte al museo facevano parte di un progetto più ampio. Pino mi ha anche invitato a casa sua. Quindi l’ho incontrato e mi ha fatto vedere tutto il suo archivio fotografico: è stato amore, amore al primo scatto. Ci trovavamo sulla stessa linea, le nostre ricerche erano complementari, usavamo soltanto medium diversi per realizzarle ed esporle. Ho avuto vari incontri con lui, è un fotografo straordinario e un uomo di un certo spessore. Mi ha fatto vedere le fotografie di un album che stava per pubblicare. L’album si chiama Contro la guerra, ritratti dell’infanzia negata. In pratica ha visitato tutti i teatri di guerra a livello mondiale, scattando soprattutto foto di bimbi, ritrattistica di bambini, mettendo l’accento sul loro sguardo. Ma tornando alla genesi del progetto per la scenografia: il Copula Mundi si sarebbe svolto nel Parco delle Cascine e in una riunione plenaria eravamo arrivati alla conclusione che quello era un po’ “il posto degli ultimi”, pusher, prostitute, ecc. ecc… Inizialmente volevo concentrarmi su quell’aspetto lì, quindi ho provato ad entrare in contatto con queste persone. È stato facile parlare con gli spacciatori, ma con le prostitute non è stato possibile… Ho provato, ma difficilmente escono dal loro film, dal loro ruolo… Quindi ho abbandonato quel progetto, per il momento, e mi sono concentrato sugli stimoli di Pino Bertelli. Poi, ti dirò la verità, sono entrato in quel capannone (lo spazio in cui abbiamo realizzato le scenografie, un capannone di Lastra a Signa. NdR) con due soli ritratti pronti. Ma avevo con me il libro di Pino. La scenografia nella sua interezza è nata lì, in quel capannone. Ed è stato incredibile. Penso che non potrò mai ringraziare abbastanza tutti voi che siete stati lì. Dovevamo fare questa scenografia in una settimana e il modo più efficiente per riuscirci era tramite un processo di arte partecipativa. Avevo bisogno di una mano per riuscire a rendere il risultato finale di un certo impatto… e sono stato più che felicemente sorpreso quando ho proposto questo progetto e la mia idea, la mia follia, e ho trovato altri pazzi che mi hanno affiancato. Il resto è storia. È stato bellissimo: così tante persone disposte a sacrificare il loro tempo e a dare una mano per fare qualcosa più grande di loro. Tutto questo nonostante le condizioni che vivevamo in quei giorni, con il cantiere attivo alle Cascine e la gente che veniva, dopo tutto una giornata di lavoro a installare tubi e montare strutture, per dare due spennellate, per stare in compagnia e dare forza a quelli che erano lì… è stato incredibile. Per me è stato come un rito di iniziazione: mi ha cambiato in tanti aspetti che non posso esprimere a parole. Il fatto che adesso siamo in questo spazio (ARTiglieria) è grazie a quell’esperienza che mi ha fatto rendere conto dell’importanza di avere uno spazio, delle persone e lo stare insieme. Riuscire a parlare davanti a tutti in quel capannone, poi, per proporre la mia idea, coordinare, riuscire a spiegarmi e farmi capire in una lingua che non è la mia, un anno fa, è stato incredibile. Non avevo mai svelato prima di allora il mio processo creativo. I rapporti con tante persone si sono consolidati durante quel festival, permettendomi di conoscerle nella loro vulnerabilità e umanità, nei loro scazzi, nei loro sbagli e difetti. Scopri te stesso attraverso gli altri. Quest’anno è stato stranissimo, nessun cantiere, nessun festival… Dal concorso #LaFirenzeCheCrea – StreetBook Magazine 2 – ACHE77 TF: Infatti… come lo hai vissuto quest’anno? ACHE77: L’ho vissuto un po’ strano… è volato. Potrei parlare a lungo di questo argomento: partendo dal lockdown, ovviamente mi dispiace per chi è stato male fisicamente o per la mancanza di certe risorse, ma personalmente avevo bisogno di una pandemia per riposarmi per bene, per dormire senza sentirmi in colpa nel togliere tempo a qualcosa a cui dovrei dedicarne. Mi dispiace, certo. Sono stati però mesi fondamentali per ritrovare il concetto di tempo e dargli anche un’altra misura di valore, non per forza basata su quanti task hai compiuto in un giorno. Onestamente, per quanto sia stato strano navigare nell’ignoto, aspettando di giorno in giorno l’uscita di informazioni, a parte lo shock iniziale, quando ho preso consapevolezza per bene della situazione che si prospettava ho preso tutto il materiale possibile e ho spostato lo studio a casa. Mi sono detto che se potevamo essere sicuri di una cosa che non sarebbe mancata, quella era il tempo. Che poi è la cosa che normalmente manca di più nella nostra epoca. Questa furia perpetua nel compiere più cose possibile, mettere più bandierine possibile, vincere più possibile… è stata rallentata. Il presente è il come lo vivi. Spero che questa situazione sia diventata un campanello d’allarme per la coscienza di tutti: un piccolo reminder che certi paradigmi non funzionano, che forse stiamo idealizzando troppo tutto e ci rifiutiamo di accettare la realtà oggettiva solo perché non corrisponde a quella proiezione idealistica che ci siamo fatti nel tempo. “Aspetta un attimo, adesso abbiamo un sacco di tempo: cosa volevo fare da tanto?”. Dall’altra parte è venuto meno il lato sociale e collaborativo: pensare che quest’anno non ci siano stati festival ed eventi ti fa anche pensare a quante connessioni non sono nate. Ma spero che oltre a quello che abbiamo perso ci sia anche qualcosa che abbiamo guadagnato a livello umano: spero davvero che la gente abbia un po’ rivalutato la propria esistenza, le proprie priorità e valori. Guardando un po’ fuori, al momento, sembrerebbe che non è successo un cazzo, ma mi piace sperarlo. Anzi durante il lockdown, quando mi sentivo rinchiuso, come tanti altri, ho provato a decorare la mia gabbia per farla un po’ più confortevole e accettabile… e da lì ho pensato che magari siamo tutti dei bruchi che adesso hanno la possibilità di avviare una metamorfosi e uscire come farfalle da questa esperienza. Altrimenti, se rimaniamo bruchi, rimarremo schiacciati da quello che verrà. Voglio sperare che sia stata un’occasione per una possibile metamorfosi. Cazzo, è palese che il mondo non può andare avanti così, Era solo questione di tempo perché il vecchio paradigma crollasse. Poi vabè… è strano quello che sta succedendo a livello più serio (l’intervista è di novembre, ma sembra si possa più che sottoscrivere anche ora questa affermazione, ndr). Quest’estate siamo tornati a fare quello che facevamo prima pur sapendo che novembre stava per arrivare, Winter is coming. Ho seguito un po’ la situazione della Romania, dove il politico medio è stato molto più concentrato su fare campagna elettorale e sulle elezioni rispetto alla sanità. È uscito anche lo slogan la “pandemia non ammazza la democrazia”: ma dove cazzo è la democrazia quando mi chiudi in casa? Non siamo sempre in democrazia anche li? Mi sembra che il sistema politico, in genrale, sia solo un meccanismo che non si concentra sugli obiettivi sui quali dovrebbe teoricamente concentrarsi, come sulla rappresentanza e la protezione del suo popolo, ma su come frodare, rubare denaro pubblico, su come non fare il proprio lavoro. Se pensi agli ospedali, a tutti i piani mai aggiornati nel corso degli anni, su tutti quelli che non hanno fatto quello che avrebbero dovuto, non eravamo in questa situazione. Non importa chi ha sbagliato se la situazione è uniformemente disastrosa. TF: La pandemia ha anche portato allo spazio in cui siamo adesso (ARTiglieria). Ne vuoi parlare? ACHE77: Dopo l’esperienza del Copula Mundi mi è rimasta l’idea fissa di spostare lo studio in uno spazio più ampio. Così mi sono messo a cercare locali e a ricercare di nuovo un’unità (1+1 fa sempre uno). Ho sparso la voce con tutti quelli che conoscevo su quanto sarebbe stato fico avere un luogo di lavoro un po’ più grande e a gennaio siamo riusciti a firmare il contratto. Abbiamo organizzato i nostri studi artistici e, se non fosse stato per il covid, questo spazio sarebbe già stato pronto e funzionale, con uno studio fotografico e una galleria di arte contemporanea. Per gestirlo abbiamo fondato un’associazione che si chiama ARTiglieria. Abbiamo anche pensato a uno spazio per gli associati con un piccolo bar, ma vedremo più avanti. Dal concorso #LaFirenzeCheCrea – StreetBook Magazine 2 – ACHE77 Comunque, il punto è che a Firenze sono pochissimi gli artisti emergenti, perché non vengono considerati come artisti e come giovani e qui o hai un peso o nessuno ti caga, ma per crearti quel peso hai bisogno delle palestre. Questa sarà una di quelle palestre. L’intento con cui nasce questa associazione quindi, la Galleria ARTiglieria, è quello di essere un canale per la promozione dell’arte contemporanea. Alla Street Levels avevamo un sacco di proposte da artisti validi, ma che non erano in sintonia con la nostra scelta stilistica incentrata soprattutto sulla street art. Pur essendo molto validi non potevamo ospitarli lì, e non avevano alternative in zona. Qui invece accogliamo qualsiasi tipo di arte, dalle performance alla fotografia, alla letteratura, pittura, scultura e qualsiasi medium di espressione. Oltre ad essere una galleria sarà uno spazio di laboratori, workshop e conferenze. Ovviamente se il nuovo paradigma sociale post pandemia ce lo permetterà. In questo momento penso che la caratteristica più importante sia l’adattabilità: se non puoi cantare danza, se non puoi danzare fischia. Basta non compiacersi nel non fare nulla, una soluzione la troverai. Consapevolezza. Qui siamo in cinque artisti e due promotori culturali. Siamo Exit-Enter, Nian, Gaia Altucci, Martina Rotels, una pittrice straordinaria, Niccolò Vanucchi, uno scultore molto bravo, Caterina Milli, una futura antropologa della Madonna e Sofia Bonacchi che fa parte anche dell’associazione “A testa alta” e del collettivo Street Levels Gallery, ed è lei che tiene le fila un po’ di tutto. TF: Cambiando argomento: come mai la scelta dei tuoi soggetti spesso gira intorno ai volti? ACHE77: Se ci pensi un po’ in tutte le storie, miti e leggende, le opere del mondo spesso ruotano intorno all’essere umano. I volti li uso perché voglio parlare agli altri, voglio comunicare, nonostante un po’ di sociopatia. Non è solo il volto a essere speciale, ma anche la microespressione, quello che il volto trasmette. Mi sono buttato in una comunicazione non verbale, senza parole, senza porre limiti: rapportati alla mia opera, a quello che stai vedendo, senza questi limiti, questa parola e questa chiave di lettura. Uno sguardo può comunicare quello che non posso descrivere a parole. All’inizio l’ho fatto istintivamente, senza una strategia o una scelta a priori. L’arte per me è catartica, una disciplina, una forma di meditazione in movimento. È partito tutto come uno studio fenomenologico: “vediamo cosa succede se…”, “vediamo cosa potrebbero pensare se…”. E sono arrivate varie risposte alle mie opere. È strano: ogni persona si raffronta in maniera diversa ai miei lavori. Per me è molto importante riflettere, rimettere in discussione, rivalutare periodicamente non dico tutto, ma quasi. Stiamo vivendo la cosidetta società liquida, che cambia costantemente la sua forma, il suo contenuto e il suo significato, anche se le radici dovrebbero rimanere le stesse. Poi io sogno tanto e spesso mi sveglio con delle figure o con delle espressioni in mente, o cerco di comunicare con me stesso attraverso quello che sto facendo, riscoprendomi. Guarda quel secchio lì in alto (indica il tappo di un secchio di vernice con un volto disegnato), quella è un’espressione di godimento ma anche di sofferenza, l’ho fatta durante il lockdown: una sweet agony, una dolce sofferenza… perché me la godevo per quanto ne soffrissi. Alcuni sono più bravi a trasmettere quella espressività in un tratto di pennello anche in una forma astratta, per me la figura umana è soprattutto quello che non viene detto però viene comunque comunicato. Tendo a vedere più di quanto viene comunicato, e vorrei comunicare quello che vedo ma non posso o non riesco a dire. Quello che però posso dire a voi di Three Faces è che vi ringrazio di esistere e di portare avanti la vostra attività nonostante i tempi che stiamo vivendo. Tenete duro. Uno dei “volti” più celebri di ACHE77 Grazie a te ACHE77, teniamo duro! Share Tweet Share... Read more...Il Gioco dell’Oca (a grandezza naturale) || THREEvial Pursuit17 Marzo 2021Il Gioco dell’Oca (a grandezza naturale) di Three Faces Oggi, cari lettori, vi proponiamo un THREEvial diverso dal solito: un classico articolo di taglio prettamente giornalistico. Sì, lo sappiamo che non siete abituati, ma del resto dopo tanti THREEvial sperimentali, per noi diventa sperimentale anche scrivere un pezzo del genere. La realtà però è che lo facciamo anche per raccontarvi, nella maniera più oggettiva e distaccata possibile, di un progetto che secondo noi meritava rilievo. E so cosa state per chiederci, ma la risposta è no, non ci stanno pagando per questo, anche perché tecnicamente saremmo noi a dover dare dei soldi a loro e il motivo lo capirete a breve. Ad ogni modo, tornando alla ragion d’essere di questo THREEvial, vi diremo che semplicemente, essendo un nucleo molto ben assortita di artistoidi con declinazioni generalmente tendenti alla sana follia, l’idea di un Gioco dell’Oca a grandezza naturale realizzata con scarti di argilla, non poteva che farci impazzire e quindi dovevamo farci un articolo. Avete letto bene. A Montelupo Fiorentino, nota città della ceramica, sorgerà il primo Gioco dell’Oca a grandezza naturale realizzato con argilla di recupero. Ogni casella racconterà la storia di Montelupo, i suoi luoghi, le sue curiosità, i suoi aneddoti, i suoi personaggi, le sue peculiarità. L’opera di rigenerazione urbana a marchio MoMi (/mòn.do mi.gliò.re/), che si basa su un innovativo metodo di riutilizzo della ceramica, punta infatti a divenire un marchio certificato, simbolo di sostenibilità ambientale e artigianale. Infatti, secondo alcune ricerche e test effettuati da Mina Bartolini dell’ITS di Faenza presso lo Studio Ceramico Giusti-Pelli e in collaborazione con il Prof. Claudio Lubello del Dipartimento di Ingegneria Civile e Ambientale dell’Università di Firenze, una possibile combinazione di argilla e smalto arriverebbe a creare un materiale secondo con ottime prestazioni di resistenza, specialmente agli agenti atmosferici. Questo nuovo materiale può essere utilizzato per oggetti di arredo urbano, rivestimenti o pavimentazioni e si presta a essere realizzato in semplici moduli standardizzati. I risultati delle ricerche e le procedure dell’innovativo metodo di riduzione dei rifiuti prodotti dai laboratori di ceramica saranno trascritte nel Quotidiano Ceramico Sostenibile. La pubblicazione, realizzata dai ceramisti di Arte della Ceramica con la supervisione dell’Università di Firenze, spiegherà nel dettaglio come riutilizzare le materie prime avanzate nel laboratorio (argille e smalti vari). Per questo verranno coinvolti artigiani ceramisti, scuole, aziende, associazioni e tutti coloro che con l’argilla e la ceramica ci lavorano quotidianamente, affinché rigenerare i materiali possa diventare una pratica di impatto sociale replicabile oltre che di impatto ambientale. Dietro al progetto, ci sono Le Cocciute. Un nome particolarmente indicativo quell del team formato da: Camilla Meciani, architetto; Carlotta Antichi, designer; Isotta Caria, operatore sociale; infine Lia Montagni, tecnico restauratore. Sono state loro a pensare al progetto di riqualificazione urbana, affiancando poi l’Associazione La Fierucola nell’ideazione e nell’elaborazione grafica e concettuale del progetto. Per portare a termine il progetto, come anticipato burlescamente poco sopra, è stata organizzata una campagna di crowdfunding intitolata C’è sempre tempo per giocare e ideata dall’Associazione La Fierucola, dedita alla promozione del consumo consapevole e sostenibile. Il crowdfounding sarà ancora attivo ancora per 19 giorni (e quindi se non abbiamo fatto male i calcoli fino a domenica 4 Aprile) sulla piattaforma Eppela e vi lasciamo pure il link se volete dare un’occhiata (www.eppela.com/momi). La campagna nasce con lo scopo di sensibilizzare sul tema della rigenerazione: sia ambientale, con un’opera realizzata interamente con scarti di argilla; sia sociale, poiché grazie al progetto si assisterà alla riqualificazione di un luogo di incontro per i più piccoli. Il progetto è realizzato all’interno dell’iniziativa Social Innovation Jam 2 di FondazioneCR Firenze all’interno di Siamosolidali, in collaborazione con Impact Hub Firenze e Feel Crowd. L’iniziativa è patrocinata dal Comune di Montelupo Fiorentino, con la partnership di Arte della Ceramica. A supporto del progetto anche Sammontana, Pro Loco di Montelupo, Auser Montelupo, Foto Lupo e Sezione Soci Coop di Empoli. A dimostrazione che quando si vuole, un modo per fare le cose si trova. In conclusione. Per realizzare il progetto servono 6.000 €, mentre in un secondo momento la Fondazione CR Firenze raddoppierà il budget, il quale servirà per finanziare: la realizzazione del Gioco dell’Oca di Montelupo con gli avanzi recuperati dell’argilla e la stampa del Quotidiano Ceramico Sostenibile da diffondere a professionisti, hobbisti della ceramica, scuole e aziende. Non solo. Il finanziamento servirà anche per la registrazione e il lancio del marchio MoMi. Verranno inoltre organizzati corsi di formazione per gli addetti ai lavori, grazie ai quali gli artigiani potranno utilizzare il marchio per certificare le proprie opere. Fra le ricompense messe a disposizione sulla piattaforma Eppela, per chi sosterrà il progetto, anche pezzi unici in ceramica realizzati dai Maestri artigiani, il Quotidiano Ceramico Sostenibile, visite guidate nella città della ceramica di Montelupo ed esperienze e laboratori di ceramica. In bocca al lupo! (Non a voi lettori, al progetto. Voi lettori pensate a fare un salto su eppela.com/momi… Ecco ci avete fatto sbilanciare. Doveva essere un articolo classico, di quelli belli imparziali e invece niente, c’avete fatto scivolare sul finale. Però oh, quanno ce vo, ce vo). Share Tweet Share... Read more...Intervista a Guerrilla Spam, di G. Silvestrelli || THREEvial Pursuit3 Marzo 2021Intervista a Guerrilla Spam 10 anni di Guerrilla urbana di Giorgio Silvestrelli Compiti per Casa – Venezia, 2017 (Photo by Guerrilla Spam) Guerrilla Spam è un misterioso ed enigmatico collettivo artistico che ha da poco festeggiato i suoi primi dieci anni di attività. Tra murales, performance, poster e molto altro abbiamo deciso di incontrarli per farci raccontare il loro primo decennio nel mondo dell’arte. Volto coperto e su il cappuccio. Si comincia. Giorgio Silvestrelli: Guerrilla Spam che piacere avervi qui. Grazie per aver accettato questa intervista. So bene quanto siete impegnati! Volete presentarvi? Diteci chi siete e cosa fate. Guerrilla Spam: Ciao Giorgio. Grazie a te. Iniziamo male però (ridono, ndr)!Abbiamo risposto molte volte a questa domanda e non ci piace ripeterci. Semplicemente basta andare su internet, scrivere il nostro nome e vedere quello che facciamo… Usiamo questa intervista per approfondire altro… Dunque, prossima domanda. GS: Scusate ragazzi. Errore mio. Vediamo se riesco a “recuperare” con le prossime domande (tutti ridono, ndr). Come nasce Guerrilla Spam? Qual è stato l’evento scatenante? Guerrilla Spam: Come spesso raccontiamo, non abbiamo mai progettato Guerrilla Spam a tavolino. Era il 2010 e casualmente, in modo molto naturale e spontaneo, alcuni amici che frequentavano il primo anno dell’Accademia di Belle Arti di Firenze hanno fotocopiato dei nostri disegni e, con qualche tentativo improvvisato, li hanno attaccati in giro per la città. I disegni non erano firmati. Il nome Guerrilla Spam, insieme alla consapevolezza di quel che stavamo facendo, è nato successivamente. GS: Siete tra i pochi ad avere un manifesto artistico. Ce ne volete parlare? Guerrilla Spam: Il nostro manifesto è stato scritto di getto nei primi mesi del 2011 per chiarire, innanzitutto a noi stessi, cosa fosse Guerrilla Spam, o perlomeno quali fossero i nostri motivi d’esistenza. Non crediamo nelle cose che restano fisse; al contrario ci piace mutare, adattarci, trasformarci in base ai vari contesti e ai tempi. Paradossalmente però, quei punti del manifesto scritti ormai quasi dieci anni fa, sono rimasti dei nodi saldi: l’anonimato, l’essere autonomi e liberi, agire nello spazio pubblico in modo non invasivo (anche se incisivo) e, soprattutto, avere lo scopo di comunicare con gli altri. Ecco, negli anni abbiamo cambiato tecniche, stili, contenuti, ma questo estremo trasformismo ha avuto sempre una sua coerenza. GS: Da quanti membri è composto attualmente il vostro collettivo? Ci sono dei membri (fondatori e non) che sono andati via dal gruppo e altri membri che si sono uniti nel corso del tempo? Guerrilla Spam: È sempre difficile rispondere alla domanda “quanti siete?” proprio perché Guerrilla Spam non è un classico collettivo artistico, ma più che altro un gruppo organico che nel tempo si allarga e si restringe. Esiste un nocciolo di due o tre persone che si confrontano costantemente su ogni scelta, e poi tante altre che negli anni hanno dato il loro contributo con modi e con intensità differenti. Potremmo chiamarla Spam family, ed è composta da chiunque abbia vissuto con noi, abbia dato idee o spunti, consigli di letture, aiuto negli attacchinaggi, nei blitz non autorizzati, nei laboratori. Insomma, genera la curiosità di tutti sapere quanti siamo e chi siamo esattamente, ma potremmo dire che non è un’informazione essenziale alla comprensione di Guerrilla Spam. Figure a pezzi (Personaggi meticci tra arte etrusca e africana) – Pratovecchio-Stia, 2018 (Foto by Alessandra Cinquemani) GS: Avete appena varcato il traguardo dei vostri primi dieci (ma spero che ce ne saranno molti altri) anni di attività. Volete/potete fare un bilancio? Guerrilla Spam: Ci sentiamo all’inizio di un percorso. Finalmente, dopo dieci anni, abbiamo raggiunto un livello di libertà artistica che ci permette di fare tutto quello che vogliamo senza l’ansia di non essere coerenti. E soprattutto, abbiamo un poco imparato a disegnare (ridono, ndr). Quindi, tutto deve ancora accadere. GS: A vostro parere com’è cambiata la street art dal 2010 ad oggi? Guerrilla Spam: È diventata più nota senza però essere meglio conosciuta. Tutti pronunciano il termine “street art” buttandoci dentro quello che hanno visto: dallo stencil realizzato da una bambina al murale di Che Guevara, fino ai lavori di quegli artisti famosi alla Banksy e alla Obey, quando va bene, o alla Jorit e alla Maupal, quando va male. Insomma, un gran minestrone.Questo fenomeno eterogeneo, amato dal ragazzino come dall’assessore, ovviamente per motivi molto differenti, inizialmente era conosciuto in modo approfondito da una ristretta cerchia di addetti ai lavori, un po’ nerd, se vogliamo. Oggi è conosciuto da tutti in modo superficiale. GS: La street art, a mio modo di vedere, non ha una definizione precisa. Ogni singolo individuo e ogni singolo artista ha la sua personale idea. Cosa è quindi per voi la street art? Spam: Non ci siamo mai interrogati su questo. Diciamo che è un termine che non usiamo spesso. Lasciamo la patata bollente agli esegeti del caso che sicuramente, prima o poi, ci diranno cosa la street art è e cosa non è. Il fallimento dell’occidente – Sarajevo, 2019 (Photo by Guerrilla Spam) GS: Ci sono degli artisti a cui vi ispirate? E artisti che hanno influenzato il vostro modo di fare arte? Guerrilla Spam: Questa domanda potrebbe aprire un vaso di Pandora; sono tantissimi i riferimenti artistici, e non, che da sempre abbiamo e che con il tempo si sono stratificati uno sull’altro creando una Babele di spunti e conoscenze dalla quale attingiamo.Facciamo dei nomi: Bosch, Brueghel e tutti i pittori fiamminghi, così densi di metafore e allegorie, il simbolismo delle immagini medievali, le pitture e incisioni rupestri, le maschere e la statuaria africana. Anche Goya, Pontormo, Beccafumi, Otto Dix, Grosz, i muralisti messicani, Picasso, Dubuffet e, ovviamente, Pasolini sono una costante fonte di ispirazione. Molti nomi sono stati tralasciati ma questa sintetica lista mostra già un’eterogeneità di fonti che per noi è essenziale. Oltre a tutti questi “celebri defunti” guardiamo anche a qualche “vivo”, soprattutto giovani artisti con i quali cerchiamo di confrontarci, parlare, lavorare insieme, per imparare cose che il passato non ci può dare e di cui, comunque, sentiamo di aver bisogno. GS: Visto che siete un collettivo, immagino che prendiate delle decisioni di comune accordo. Ci volete raccontare come si svolgono le vostre riunioni? Guerrilla Spam: I disegni spesso sono realizzati da un’unica mano, i muri da due, i laboratori o gli attacchinaggi da molte mani.La chiave della longevità ed eterogeneità di stile di Guerrilla Spam risiede in un rapporto di amicizia e stima tra varie persone che negli anni hanno coltivato interessi e percorsi differenti ma che sono rimasti comunque molto legati. Ogni lavoro, anche il più marginale, nasce sempre da un confronto tra minimo due persone; questa creazione prende così strade e forme differenti da quelle che avrebbe avuto se fosse nata solo dalla mente di un singolo soggetto. Per fare questo è necessario retrocedere sulle proprie convinzioni e fidarsi sempre degli altri. GS: Voi siete degli artisti senza volto e le vostre vere identità restano un mistero. Quali sono gli aspetti positivi e negativi del non voler rivelare il vostro vero nome e cognome? Guerrilla Spam: L’anonimato serve a dare visibilità a ciò che facciamo e non a chi siamo. Ci interessa che abbiano la priorità i disegni e i messaggi rispetto ai dati anagrafici o all’aspetto fisico. Ovviamente non è un anonimato intransigente e purista: nelle scuole andiamo a parlare a volto scoperto, non incappucciati; allo stesso modo partecipiamo a conferenze, lezioni, progetti con associazioni e festival. Ma se qualcuno cerca sul web Guerrilla Spam non trova i nostri volti. In questo senso, quindi, tale anonimato parziale soddisfa il suo scopo. GS: Raccontateci attraverso dieci delle vostre opere su strada i vostri primi dieci anni di attività. Non necessariamente una per ogni anno della vostra storia. Guerrilla Spam: Ci stai facendo studiare per questa intervista (ridono, ndr)!Allora, dieci forse sono un po’ troppe, ci limitiamo a raccontare solo una a cui teniamo molto e che sta ai margini rispetto ai grandi dipinti o alle grandi mostre nei musei. Si chiama The Game ed è, in sostanza, un viaggio a tappe autoprodotto e organizzato senza committenza intrapreso dalla Grecia alla Serbia, ripercorrendo la vecchia rotta balcanica dei migranti. Questo percorso, fino alla costruzione del muro tra Serbia e Ungheria voluto da Orban nel 2016, è stato compiuto da circa 650.000 migranti che hanno subito maltrattamenti, abusi e respingimenti, oltre alle quotidiane fatiche del viaggio; molti di loro non sono mai arrivati in Europa. Gli stessi viaggiatori hanno rinominato la strada “The Game” perché, in sostanza, “vince il gioco” chi sopravvive e arriva a destinazione. Prima di partire abbiamo raccolto delle vere testimonianze di migranti sulle quali sono stati realizzati i disegni da attaccare come poster, in modo non autorizzato, in Grecia, Bulgaria, Macedonia e Serbia. Questo viaggio che abbiamo intrapreso voleva ribadire che, ancora oggi, il diritto alla mobilità non è universale ma un privilegio di pochi. The game (la rotta balcanica dei migranti) – Sofia, Bulgaria, 2019 (Photo by Guerrilla Spam) GS: Guerrilla Spam non è solo poster e murales, ma anche installazioni, performance e videoclip. Nel corso degli anni vi siete confrontati con diversi modi di comunicare le vostre idee. Come mai questa scelta? Cosa vi ha spinto a diversificare e sperimentare così tanto? Guerrilla Spam: Se ripensiamo ai primi anni fiorentini (2010-2013, ndr), oltre ai numerosi attacchinaggi di poster facevamo blitz e azioni nello spazio pubblico. Dal nascondere dei disegni dentro i libri delle biblioteche al mettere dei finti santini di Pasolini nelle chiese. Oppure lanciare acetati con scheletri di sardine dentro a una fontana o attaccare cartelli ‘Vendesi’ sui monumenti. Ecco queste sono tutte azioni molto particolari e differenti tra loro, unite da una matrice non autorizzata del gesto, che poco avevano a che fare con i poster e i dipinti che oggi chiamiamo street art. Quindi, quella di diversificare i mezzi, gli strumenti e le azioni a seconda del contesto è un cosa che facciamo da sempre e che ci viene spontanea. Forse abbiamo addosso questa etichetta della “street art” in modo un po’ casuale ma questo pensiamo possa valere anche per tanti altri colleghi e amici perché, a pensarci bene, abbiamo sempre fatto altro. GS: Tra tutte queste forme espressive, quali preferite e perché? Guerrilla Spam: Fare un poster vale come scrivere un libro, fare un laboratorio, una performance, un’installazione o un dipinto. Ogni tecnica e ogni metodo ha i suoi punti di forza che vanno sfruttati in base al contesto e al pubblico con il quale si interagisce.Facciamo un esempio culinario: la polenta è molto buona ma forse è più adatta se mangiata a dicembre invece che ad agosto. Conoscere più ingredienti possibili aiuta a preparare il piatto più adatto a seconda delle occasioni. GS: Parliamo dei laboratori che di tanto in tanto organizzate. Quanto è importante questa parte didattica per voi? Guerrilla Spam: Andare nelle scuole e parlare con i ragazzi è certamente la cosa più soddisfacente nel nostro lavoro. Molto più che dipingere un muro o attaccare un poster. È un modo per avere un confronto reale con altre persone, per capire la lontananza che può esserci tra noi, cercando magari di colmarla. Nelle scuole cerchiamo di portare la nostra esperienza e di far conoscere altri mondi; come diciamo spesso, anche gente tremenda come Salvini ha fatto la scuola media, quindi andare nelle scuole significa trovare chiunque, chi la pensa come te e chi no, ed è qui che pensiamo si possa fare la differenza. Le presentazioni, gli incontri o le conferenze con i tuoi fan servono a molto meno, perché sai già che tutti ti faranno i complimenti e gli applausi. GS: Si può dunque “insegnare” la street art? Guerrilla Spam: No, come non si può insegnare lo skate e come non si possono insegnare tante altre cose. Si possono raccontare storie ed esperienze dalle quali ognuno poi potrà trarre i propri insegnamenti. Nelle nostre lezioni raccontiamo ai ragazzi storie di antichi viaggiatori, d’incontri e contaminazioni del passato, finalizzate a riflettere sul presente. Se ti accorgi che metà degli oggetti che usi, dei cibi che mangi, delle parole che conosci, appartengono ad altre culture, magari comprendi che non ha senso gridare “prima gli italiani”.Ma questa consapevolezza ognuno la trova da sé, non la si può insegnare. Organismo – Pratovecchio-Stia, Stand Up for Africam 2017, a cura di Serena Becagli e Rita Duina (Photo by Alessandra Cinquemani) GS: Tra le ultime vostre fatiche, anche un bel libro autoprodotto dal titolo Il Bestiario. Ce ne volete parlare? Avete altre pubblicazioni all’attivo oltre al Bestiario. A quale pubblico vi rivolgete? Guerrilla Spam: L’ultimo libro che abbiamo prodotto è un bestiario che riflette sul rapporto uomo-animale e su quanto, alle volte, certe bestie abbiano caratteristiche umane e certi uomini bestiali. Insomma, un gioco di specchi che serve, in fondo, a riflettere su certi nostri comportamenti.Di norma non pensiamo a quale pubblico rivolgerci ma al senso della pubblicazione: i libri nascono per raccontare qualcosa in modo più approfondito e documentato, che sia questo un dipinto come una mostra o un progetto. Il libro ti permette di descrivere meglio il tutto, svelare i retroscena, le fonti iconografiche, gli spunti e mostrare dei dettagli. In generale crediamo nell’approfondimento e le nostre pubblicazioni tentano di fare proprio questo. GS: Quanto è importante ancora oggi, nel 2021, realizzare un libro non digitale? Guerrilla Spam: Molto. È la vecchia storia della perdita del sapere che il digitale, alle volte, può comportare. Vecchia storia ma pur sempre valida. Esempio: in questi dieci anni di attività abbiamo più volte perduto documenti e immagini del nostro lavoro con la cancellazione di diversi hard disk, ma conserviamo ancora tutti i disegni, gli appunti e bozzetti cartacei prodotti dal 2010 ad oggi, in vari raccoglitori.Ora, è vero che un’inondazione o un bombardamento potrebbero distruggere questo archivio proprio come è accaduto allo studio berlinese di Otto Dix, con tutti i suoi dipinti dentro, ma sono queste pur sempre delle opzioni remote rispetto a un hard disk che si frigge. Quindi la carta, che sia quella dove è stato fatto un disegno o quella di un libro, è un mezzo di salvataggio e trasmissione del sapere che ha ancora il suo valore. GS: Che rapporto avete con i vostri fan e supporter? Fateci un identikit, se possibile, del fan tipo di Guerilla Spam. Guerrilla Spam: Un rapporto di reciproco rispetto. Cerchiamo da sempre di rispondere a chiunque ci scriva, dal ragazzino del liceo al direttore del museo; anzi, con il ragazzino usiamo una premura e un impegno nel rispondere che, spesso, è maggiore. Questo perché anche noi abbiamo, a suo tempo, scritto ad artisti che stimavamo, con quel tipico timore reverenziale, senza aver ricevuto risposte. Quindi, consapevoli che quanto ci è successo non sia stato bello, ci sforziamo di fare il contrario. In fondo rispondere a qualche mail, o messaggio social o intervista per qualche tesi o dottorato (anche se negli anni sono un bel po’ aumentate…) non è un grande sforzo.Per quanto riguarda l’identikit del fan è difficile da tratteggiare; ce ne sono di ogni tipo, da quello riservato e timido che ti segue da sempre e che sa tutto ma che si palesa magari solo dopo anni, a quello che settimanalmente ti scrive ponendo domande molto specifiche in modalità stalker (ridono, ndr).In generale, tutti quanti loro sanno sempre più cose di Guerrilla Spam di quante noi stessi ne ricordiamo. Il dromedario di Sulmona – Sulmona, 2020 (Photo by Luca Del Monaco) GS: Abbandoniamo momentaneamente il mondo fisico e parliamo del digitale. Che rapporto avete con i social network? Guerrilla Spam: Cerchiamo di usare i social per veicolare i nostri lavori, e magari approfondirli, senza vederci nessuna contraddizione con la fruizione di chi osserva quei lavori in strada. Come la zappa di Caino, che può essere usata per arare un campo o per uccidere un uomo, allo stesso modo i social, e internet in generale, possono essere utili quanto distruttivi. GS: Pensate che internet abbia modificato la percezione della street art? E se sì, in che modo? Guerrilla Spam: Tutti tengono in mano ogni giorno queste “tavolette” ricevendo centinaia di input visivi che, in modo superficiale e istantaneo, formano e condizionano il gusto, lo stile e i desideri estetici o concettuali di una persona. Tale condizione vale anche in campo artistico sia per i creatori che per i fruitori, con una tendenza scontata che va verso l’omologazione. Questo fatto non può essere annullato; non ha senso estraniarsi, decidere di non usare il web, i social e non guardare come va il mondo. Alle volte occorre vedere proprio i programmi trash o ascoltare i trapper mainstream che i quindicenni seguono. In questa società “eliminare” non ha efficacia, quindi, l’unica soluzione rimane “aggiungere” altro rispetto agli input omologanti che ogni giorni riceviamo.Per tornare alla sfera artistica, se tutti i giovani artisti in Italia oggi sono condizionati da quello che scrollano su Instagram chi è che alla fine riesce ad avere una ricerca più personale e autonoma? Quelli che, oltre a scrollare Instagram, sfogliano libri, vanno alle mostre, parlano con gli amici e così via. Se questa società ci impone una formazione omologante non possiamo far altro che sovrastarla con una nuova formazione autonoma, diversificata, sbandata. GS: La street art ormai è un fenomeno sdoganato a livello planetario. Non solo grazie ai social network, ma sempre più spesso i media generalisti si interessano al fenomeno. Dunque la street art fa notizia. Secondo voi perché? Guerrilla Spam: Per tanti motivi, soprattutto perché può essere veicolata in modo superficiale, istantaneo, con pochi sforzi e massimi risultati. Dipingere un murale costa meno che far imbiancare la facciata da un’impresa ma il risultato d’immagine è inverso. Giornalisti e tv locali accorrono a documentare l’avvenimento, gli assessori gridano al miracolo riqualificante del quartiere, promettono una vita migliore, tutti sono contenti, più belli e più buoni. Un dipinto murale può fare tutto questo.Ovviamente il risultato è momentaneo; dopo due anni quella facciata crolla a pezzi e i giornalisti non tornano più nel quartiere, gli abitanti sono abbandonati a loro stessi con i disagi di sempre. Quindi la street art fa notizia e va di moda semplicemente perché è un fenomeno per i pigri e per i furbi, che entrambi abbondano nei nostri tempi. GS: Secondo voi cosa spinge le persone ad appassionarsi alla street art? Guerrilla Spam: La facilità di entrarci in contatto. La street art funziona perché è facile e semplice, c’è poco da capire. Basta fotografarla, postarla sui social per qualche settimana e già si è degli esperti del settore. Il grande pubblico non conosce i nomi dell’arte concettuale o della performance art, fatta eccezione dell’Abramovich ma solo perché ha fatto un film. Al contrario sa bene chi sia Bansky e simili, perché c’è poco sforzo da fare. Le immagini sono chiare, fruibili e con messaggi che ci fanno stare bene come ad esempio: “Abbasso la guerra – Viva la pace”, facendoci credere di essere ribelli. GS: Dove sta andando Guerrilla Spam? Cosa dobbiamo aspettarci per il futuro? Guerrilla Spam: Dovete aspettarvi che Guerrilla Spam cambierà. Cambierà com’è già cambiato in questi dieci anni; mutare non significa rinnegare o tradire, ma adattarsi e ampliarsi. Sappiamo di andare in questa direzione ma, ovviamente, non abbiamo idea di quali forme assumeremo.Poco tempo fa un signore ci ha detto: «Ah, Guerrilla Spam non è più quello di una volta!» Esatto, è proprio vero! Grazie infinite Guerrilla Spam per la vostra disponibilità e pazienza. Alla prossima e speriamo di vederci in strada da qualche parte. Frutti di mare comune – Civitanovamarche, 2017 (Phot by Guerrilla Spam) Figure a pezzi (Personaggi meticci tra arte etrusca e africana), Pratovecchio-Stia, 2018 (Photo by Alessandra Cinquemani)Organismo – Pratovecchio-Stia, Stand Up for Africam 2017, a cura di Serena Becagli e Rita Duina (Photo by Alessandra Cinquemani)The game – Balkan migrant route, Atene, 2019 (Photo by Guerrilla Spam) Share Tweet Share... Read more...La seconda tiratura di Waltzing Matilda, romanzo d’esordio di G. Bindi || THREEvial Pursuit24 Febbraio 2021Waltzing Matilda È così facile che sembra difficile di Gianluca Bindi L’immagine di copertina di Waltzing Matilda nella sua interezza. Opera di Bue2530 Ci siamo… Dopo il successo della prima tiratura di Waltzing Matilda – È così facile che sembra difficile, romanzo d’esordio di Gianluca Bindi – e di Three Faces -, che ha visto volatilizzare le sue 110 copie numerate in meno di tre settimane dal lancio, eccoci ad annunciare l’arrivo delle copie della seconda tiratura!Le nuove copie sono disponibili sul nostro e-commerce riservato ai soci – le password sono in arrivo entro domani, giovedì 25/02: se sei socio e non vedi la mail controlla nelle cartelle ‘Spam’ o ‘Promozioni’ -, ma anche se non sei tesserato puoi averne una: ti basterà mandarci una mail a threefacespublish@gmail.com per ricevere le varie informazioni per l’acquisto. Le novità Come nella prima tiratura ad accompagnare le avventure di Gianluca ci saranno le super illustrazioni di Bue2530. Ma non finisce qui. Per aiutarti a seguire l’itinerario del nostro amico abbiamo deciso di inserire una mappa della Tasmania con i vari luoghi citati nel libro. E ovviamente mica potevamo fare una cosa a tirar via: la mappa è disegnata a mano dal nostro altrettanto super Brucio!Oltre a questo abbiamo creato anche una playlist Spotify con tutte le canzoni che troverai come colonna sonora dei vari capitoli del romanzo – ti avevamo detto che la musica è un elemento centrale quasi quanto i luoghi e le esperienze narrate da Gianluca? No? Bene, ora lo sai! -. Waltzing Matilda e le scarpe con cui Gianluca ha attraversato la Tasmania Il romanzo: la sinossi Ventitré anni, l’università che non va, la bussola che tentenna e la voglia di vivere di più, conoscere il mondo, se stesso e gli altri. L’incontro con la meraviglia di un primo amore, giovane e fresco.Ecco le premesse di questo romanzo di viaggio che segue le orme dell’autore Gianluca Bindi nelle sue avventure in Tasmania.Un contemporaneo waltzing matilda – il tipico lavoratore nomade australiano munito solo di zaino e materassino – che a poco a poco si spoglia delle aspettative, dei progetti che ci richiede oggi la società e così si libera di timori, pregiudizi e schemi scoprendo che la sincera ospitalità verso un estraneo non è poi così difficile se si ha fiducia nell’altro.Fra camminate in montagna, bevute, concerti, nuove amicizie e percorsi mistici, la cifra che tiene tutto insieme sono la musica e gli occhi di Gianluca, uno sguardo profondo e interrogante ma che riesce a prendere la vita anche con leggerezza, con un tono quasi canzonatorio. “Un inno alla libertà intesa non tanto come perpetuo vagabondaggio da un posto all’altro, ma piuttosto come vita priva di qualsiasi tipo di attaccamento o proprietà. Una vita fatta per godere di piccoli e semplici piaceri, dal sentire addosso la brezza che muove gli eucalipti all’udire il canto degli uccelli al risveglio. Una vita in cui l’unica preoccupazione è il pasto successivo, e non la costruzione di una carriera.” Dunque… Bene, ora che hai tutte le informazioni non ti resta che acquistare la tua copia del romanzo d’esordio di Gianluca Bindi. Così facendo, oltre a regalarti un’esperienza di lettura notevole, ci aiuterai ad affrontare questo nuovo anno pieno di difficoltà e insidie! Visita lo shop! Share Tweet Share... Read more...Dystopian Blues, un articolo di C. Francioni || THREEvial Pursuit10 Febbraio 2021Dystopian Blues di Chiara Francioni Dystopian Blues – 1984 di Michael Radford – 1984 Vorrei poter dire che questo folle e sconcertante periodo che ci troviamo a vivere mi ha insegnato molto, ma ho delle grandi riserve. Tuttavia una verità è stata messa ben in evidenza, giacché i social hanno rivelato un massiccio ricorso dei propri utenti al modello orwelliano (ovviamente parlo di 1984) come minaccia incombente senza però centrare il punto. In altre parole, per dirla come se magna: ho visto una gran quantità di citazioni fatte, come suggeriva il vate René Ferretti, alla cazzo di cane. E allora mi sono chiesta: cosa non è chiaro? Nel mio vano tentativo di trovare risposta, ho finito per immergermi in un profondo oceano di congetture su quello che il genere distopico ha cercato di dirci negli anni, su quali fossero i moniti che gli autori sentivano di dover lanciare. E così, abbandonando la domanda originaria, ho finito con il farmi un po’ di seghe mentali (si può scrivere?) sui significati reconditi, e non solo, dei grandi film distopici, meritevoli di aver cercato di smascherare il contesto sociale di riferimento, mettendone in mostra le debolezze e i timori. E, siccome il regresso all’infinito è sconsigliabile, ho deciso di far cominciare la mia indagine dagli anni Ottanta, scegliendo una pellicola per decennio e giungendo così agli anni dieci del nuovo millennio. Perché? Ma è semplice, sono gli anni in cui la sottoscritta, ormai decisamente vintage, ha camminato su questa terra. Anni ’80: Brazil (1985) Dystopian Blues – Brazil di Terry Gilliam – 1985 So benissimo che quando si accosta il termine distopia agli 80’s il titolo che balza in mente è Blade Runner, ecco perché vi parlerò di Brazil, indimenticabile opera dell’ex Monty Python, Terry Gilliam. “Da qualche parte nel Ventunesimo secolo“, troviamo Sam Lowry (un ottimo Jonathan Pryce), grigio impiegato del Dipartimento di Informazione di una non meglio precisata nazione governata dalla burocrazia. Sam, che incarna alla perfezione l’archetipo dell’inetto, sopravvive rifiutando ogni responsabilità e conservando gelosamente il proprio status quo, in un mondo dove l’ossessione per i processi formali ha plasmato ogni aspetto della vita civile. Tuttavia ogni notte un sogno ricorrente si intromette nella sua piatta routine, mostrandogli una versione cavalleresca di sé stesso intenta a salvare una giovane donna. Sarà proprio la scoperta dell’amore, tormentato e impossibile, e l’incontro con un idraulico oppositore del sistema (Robert De Niro) a trasformare Sam in un perfetto Winston Smith, con il quale tuttavia dovrà condividere il triste destino, finendo per essere reso innocuo dal sistema che egli stesso avrebbe voluto sovvertire. Terry Gilliam, nel suo omaggio – non troppo celato – a 1984 di George Orwell, indaga i timori di una società, quella occidentale di fine Ventesimo secolo, costretta a fare i conti con la crescente perdita di libertà dell’uomo medio, sempre più incastrato in una ripetitiva routine dettata dai ritmi serrati imposti dalla costante ricerca della massimizzazione dei profitti e del benessere. Neanche la forza dei sentimenti, ci ammonisce Gillian, è in grado di sovvertire l’ordine sociale, condannando il singolo all’eterna scelta tra l’essere una parte indistinta dell’ingranaggio o soccombere, tentando invano di liberarsi. Il linguaggio scelto dal regista è senz’altro funzionale all’obiettivo, giacché si spazia dal grottesco – utile a estremizzare i tratti del contesto sociale – all’assurdo di chiara matrice pythonesca e il drammatico, mai evidente durante lo svolgimento, ma che si manifesta, inesorabile, nell’amaro retrogusto che resta in bocca al termine della visione. Un tragicomico che spiazza. Anni ’90: Matrix (1999) Dystopian Blues – Matrix di Lana & Lilly Wachowski – 1999 Sì, lo so cosa state pensando. Prima ho fatto la figa scegliendo un film meno scontato e ora vi propino l’apoteosi della prevedibilità. Eppure proprio Matrix, sebbene sopraggiunga in zona Cesarini, è il film distopico simbolo del decennio, in quanto incarna le incertezze destate dalle conseguenze, sempre più evidenti, dell’assoluta automatizzazione e informatizzazione. La rivoluzione telematica, infatti, è ormai iniziata quando le sorelle Wachowski, ci regalano una favola sci-fi imbottita di metafore (anche bibliche) che ruota intorno al confronto tra l’essere umano, fatto di carne e irrimediabilmente imperfetto, e l’intelligenza artificiale, sterile e apparentemente infallibile. La storia dovrebbe essere nota ai più: abbiamo Thomas T. Anderson (un Keanu Reevs nel fiore dei suoi anni), alias Neo, che vive la sua doppia vita inconsapevole di essere intrappolato in una realtà simulata (la matrice) creata per lui e per i suoi simili dalle macchine. Quest’ultime, avendo sconfitto i propri creatori in una sanguinosa guerra, adesso dominano il mondo e sfruttano gli umani, intrappolati in un sogno senza fine, come risorsa energetica. Neo viene liberato e arruolato nella resistenza da Trinity (Carrie-Anne Moss) e Morpheus (Laurence Fishburne), i quali credono fermamente che lui sia The One (Neo is The One… surprise!), ossia colui che, secondo una profezia nota tra i ribelli, libererà il genere umano dalla inconsapevole schiavitù. Senza analizzare gli stilemi proposti dai registi (tutti apprezzatissimi, come le famose pillole blu e rossa, il cucchiaio non esiste, l’introduzione del bullet time che ha cambiato per sempre l’approccio agli effetti speciali, la figaggine di Keanu, no scusate sto diventando ridondante), vorrei passare subito alla ciccia: la metafora. A tale proposito citerò un aneddoto. Il mio professore di filosofia delle superiori utilizzò Matrix come esempio per farci capire Schopenhauer. In altre parole, diceva il docente, Neo sarebbe colui che, liberatosi dal Velo di Maya, riesce a superare la realtà fenomenica e a ricongiungersi con il noumeno. In verità le Wachowski e Arthur Schopenauer non dicono proprio la stessa cosa, lo so. Tuttavia ho sempre pensato che, stiracchiando un po’ il pensiero dell’illustre esistenzialista, si potesse davvero scovare un trait d’union e che, quindi, la trovata del Prof. non fosse solo un espediente geniale per attirare la nostra attenzione. Infatti, le menti dietro Matrix ci mostrano quello che la realtà potrebbe diventare se lasciata in balia dei soli desideri umani, governarti dalla bramosia, tipica dell’uomo moderno, di ottenere tutto ciò che percepisce, spesso erroneamente, come a portata di mano, inclusa – ed ecco la metafora – la creazione di macchine senzienti che dovrebbero servirlo come il più ricco dei signori. Soltanto che il cammino intrapreso condurrà l’inconsapevole essere umano a scambiare la propria libertà con un mondo/finzione in cui tutti gli obiettivi sembrano raggiunti, nonostante il totale annientamento dell’individuo. E allora è giusto porsi delle domande, fermarci finché siamo in tempo, abbandonare l’ingordigia ossessionante, concentrandoci su quella che è la nostra vera natura, così da far prevalere il noumeno sul fenomeno (e magari in una chiave più ottimistica di quella proposta da Shopenauer). Riportare l’uomo e le sue libertà al centro di tutto. Insomma, vi sto proponendo di leggere Matrix come il manifesto di un moderno umanesimo reduce della presa di coscienza del più analitico degli esistenzialismi. A voi che pare? Per me funziona. Ah, i sequel? No, non esistono. Punto. Anni 2000: Children of Men (2006) Dystopian Blues – Children of Men di Alfonso Cuarón – 2006 Alfonso Cuarón santo subito! Già perché questo – almeno per quanto mi riguarda – è il miglior film di fantascienza del decennio e ora vi spiegherò perché. Siamo nel 2027, in un futuro sconvolto dalla piaga dell’infertilità femminile: non nascono più bambini da almeno diciotto anni. Intanto il Regno Unito, la nostra location, è diventato un vero e proprio stato di polizia a causa delle difficoltà incontrate dall’establishment nel gestire il problema dell’immigrazione, che viene quindi affrontato ricorrendo alla totale negazione dei diritti dei migranti, imprigionati e ghettizzati senza ritegno (sono toccanti le scene delle gabbie di contenimento, soprattutto se ripensate oggi, all’indomani della vicenda messicana voluta da Donald Trump). Il protagonista è Theo Faron (Clive Owen), ex attivista disilluso e ormai rassegnato alla brutalità del sistema che si trova, a causa di una complessa sequenza di fatti, a dover proteggere una giovane immigrata. La ragazza deve riuscire a imbarcarsi sulla Tomorrow, nave-miraggio del Project Human, organizzazione che si batte per i diritti dei rinnegati, al fine di salvarsi dalle persecuzioni del sistema e dal campo profughi, dove viceversa dovrebbe rimanere internata. La giovane donna è incinta e ciò la rende, allo stesso tempo, un inaspettato miracolo e un boccone appetitoso per le forze impegnate nei truci giochi di potere che fanno da sfondo al viaggio di Theo. Viaggio che non sarà solo geografico ma anche interiore, portando il protagonista ad approdare nuovamente sulle sponde della speranza per il futuro del genere umano. Non c’è bisogno di aggiungere che le tematiche affrontate sono incredibilmente attuali, al punto che non è possibile non fare parallelismi tra la pellicola (tratta dall’omonimo romanzo di P.D. James) e l’emergenza umanitaria che sta affliggendo il nostro presente: criminalizzazione dell’immigrazione, negazione delle cause dell’emorragia di profughi, denigrazione delle organizzazioni che, riempiendo i gravi vuoti istituzionali, cercano di arginare la crisi in atto. Senza contare la minaccia della sostituzione etnica, sventolata da certe correnti politiche, che nel film è rafforzata dalla brusca interruzione della crescita demografica. Theo, nel suo percorso evolutivo, rappresenta due facce ben distinte dell’opinione pubblica: dapprima incarna coloro che, voltandosi dall’altra parte, fingono che il problema non esista, trincerandosi sovente dietro un preteso cinismo fecondo di fatalistiche considerazioni del tipo “non può che essere così”. Successivamente, abbraccia l’istanza attivista secondo cui limitarsi a tollerare equivale a concorrere con i persecutori, accettando l’assunto che l’intervento attivo è l’unica scelta responsabile. Questa seconda visione del personaggio, certamente positiva, è quella che Cuarón promuove con un narrato drammatico, intenso e introspettivo, volto a mettere in luce non solo le debolezze delle istituzioni, ma anche dei movimenti che le contrastano, spingendo lo spettatore a confrontarsi con la propria coscienza. Con ciò non sto ovviamente suggerendo che ognuno di noi dovrebbe unirsi ad una ONG per rendersi davvero utile, sto semplicemente dicendo che dovremmo guardarci dentro e chiederci, con estrema franchezza, se c’è qualcosa che possiamo fare, in concreto, per migliorare una realtà che non intendiamo più accettare. Riflessione facilmente mutabile anche in altri contesti, come quello che mi accingo ad affrontare. Anni 2010: Snow Piercer (2013) Dystopian Blues – Snowpiercer di Bong Joon-Ho – 2013 Siamo giunti al termine di questo excursus e chiaramente l’approdo non può che essere quello ecologico, giacché la più grande paura (eccezion fatta per i negazionisti, i quali meriterebbero un discorso a parte) con cui dobbiamo – o dovremmo – fare i conti oggi è il disastro ambientale che, salvo brusche virate di rotta del sistema economico-politico, sembra sempre più inevitabile. In altre parole, siamo giunti al mostro finale, letale e con potenzialità distruttive illimitate. Il film in questione è la prima opera hollywoodiana del coreano Bong-Joon Ho (regista di Parasite e Memories of a Murderer), che ispirandosi alla graphic novel Le Transperceneige, affronta in modo peculiare la tematica ambientalista. Nel 2031 l’umanità subisce le conseguenze del suo più grande fallimento: per cercare di contrastare il global warming, ormai inarrestabile, è stato infatti tentato un disperato esperimento volto a raffreddare l’atmosfera, il cui esito disastroso ha però condotto la terra in una nuova era glaciale. Gli unici sopravvissuti sono i passeggeri dello Snowpiercer, un treno appositamente congegnato per restare eternamente in movimento e sfrecciare tra i ghiacci che ormai avvolgono il mondo. All’interno del convoglio gli schemi sociali sono ridotti all’osso: i più poveri vivono nelle ultime carrozze e vengono avidamente sfruttati, mentre i più ricchi occupano la vetta del veicolo, godendo di qualsiasi comfort ci si possa aspettare. In altre parole, i poveri subiscono le conseguenze peggiori del disastro ambientale mentre i ricchi, riuscendo a gestire quel che resta delle risorse, conducono un’esistenza – nei limiti del possibile – agiata. Le tensioni sono inevitabili e si arriva ben presto a una vera e propria lotta di classe, incentrata sulle istanze rivoluzionarie e sovversive dei disagiati (capitanati da Curtis, alias Chriss Evans), da un lato, e quelle conservatrici dei benestanti (supportate da Mason, alias Tilda Swinton), dall’altro. La satira sociale, rafforzata dalla rappresentazione grottesca dei personaggi e dei loro rapporti, è volta a lanciare un monito, che avrebbe poi incontrato quello di Greta Thunberg e del movimento Friday for The Future: il pianeta sta soffrendo, vittima delle logiche efferate di un capitalismo sempre più spinto, e arriverà il momento in cui non ci sarà più un rimedio opzionabile, nonostante le disponibilità economiche da schierare in campo. Nel mondo di Snowpiercer si assiste alla rivolta delle classi operaie che, spodestando quel che resta dei capitalisti, riescono a recuperare il controllo di una realtà compromessa e a fermare quel treno in corsa, scendendo dal quale, si rendono conto che i ghiacci hanno cominciato a ritirarsi e che forse un nuovo inizio, con nuove regole sociali ed economiche, è possibile. Potremmo leggere tutto questo come un invito alla presa di coscienza da parte della base sociale, che unendo le proprie forze potrebbe raggiungere la potenza necessaria a mettere alle strette le classi dirigenti e i magnati che governano il mondo, così da inaugurare un nuovo percorso, più consapevole e sostenibile, che dia speranza al genere umano. Viceversa, non dimentichiamoci mai che il pianeta Terra sopravvivrà anche senza di noi, riadattandosi, mentre l’uomo non sarà che un ricordo sbiadito di cui forse, nessuno, avrà memoria. Curiosità: il generale ottimismo che regnava durante gli anni del boom economico, spinse la Universal a pretendere da Gilliam la riscrittura del finale che doveva essere, a tutti i costi, un happy ending. Esiste, infatti, una versione alternativa del girato dove Sam riesce a coronare il suo sogno d’amore e fuggire, sano salvo, dai suoi oppressori. Gilliam ha però combattuto e ottenuto che il finale ufficiale fosse quello che tutti conosciamo, per fortuna (N.d.R). Share Tweet Share... Read more...Jugoslavia ovvero la morte del sogno (Pt. 2), un articolo di Cartavelina || THREEvial Pursuit4 Febbraio 2021Jugoslavia ovvero la morte del sogno (Pt. 2) Risoluzione 757 di Cartavelina La grande Jugoslavia 22 giugno, ore 20 e 15, Stadio di Ullevi, Göteborg. Il momento degli inni nazionali, San non se lo godette come al solito. Fremeva per arrivare alla fine di quello strazio, in cuor suo sperava nella vittoria ma il cervello, dannato pompiere di emozioni, gli ricordò subito cosa diceva il nonno. “Umrijeti u ljepoti”. Fischio d’inizio. Il Brasile d’Europa sembrava un po’ meno spavaldo del solito. Savićević fece due o tre errori non da lui, Prosinečki non riusciva a togliersi di dosso Rijkaard e Van Basten là davanti stava creando più di un grattacapo alla retroguardia slava. L’unico che sembrava a suo agio era Boban, biondo, sicuro. San si aggrappò, idealmente, a lui e credette che lo stessero facendo tutti i tifosi jugoslavi perché al quinto minuto lasciò partire una bordata che si incastrò perfettamente nell’angolino alto alla sinistra di Hans van Breukelen. Ora si cominciava a ragionare, pensò. San, sicuro che tutto ormai sarebbe andato per il verso giusto, si distrasse. Guardava il tramonto nella sua Sarajevo, il sole si perdeva dietro il Monte Trebević. Si pentì amaramente per quella disattenzione. Perché al ventitreesimo minuto Bergkamp segnò il gol del pareggio. Il Brasile d’Europa frastornato ma non domo si riversò nella metà campo avversaria in cerca del nuovo vantaggio. Avevano perso però la grazia e la leggerezza che li aveva sempre contraddistinti. Erano una furia, cieca, passionale ma pur sempre una furia e loro non sapevano giocare in quel modo. Al trentatreesimo minuto un pallone mal rinviato dal centrale olandese Jan Wouters capitò nel posto giusto al momento giusto, cioè dove sostava con le mani sui fianchi Darko Pančev. Perché con Darko era sempre così, non dava l’idea di essere lui a cercare il pallone ma che il pallone casualmente si recasse dove si trovava il macedone. Come per un’attrazione non voluta ma inevitabile. E Darko fece quello che sapeva fare meglio, segnò. Sentì dei colpi provenire dalla strada, si sparava per la gioia nelle vie della sua Sarajevo. I suoi eroi, riconquistato il meritato vantaggio, ritrovarono la leggiadria che li caratterizzava e tornarono a giocare ballando, con un pizzico di quella sfacciataggine slava che non guasta mai. Sprecarono plurime occasioni per chiudere definitivamente la partita. Una volta toccò a Savićević, arrivato davanti al portiere dopo una serpentina soave, sprecare tutto cercando di segnare di tacco. Prosinečki era immarcabile, però non sembrava prestare attenzione al terzo occhio e cercava di entrare in porta con la palla. Mihajlović tirava saette da ogni dove che lambivano, come respinte da una forza ignota, la porta olandese. Solo Boban sembrava concentrato su quello che stava accadendo e solo lui sembrava ricordarsi che stavano vincendo solo di un gol. E all’ottantatreesimo minuto successe l’impensabile, Frank Rijkaard segnò per gli olandesi. Tomislav Ivković, ovvero il portiere della Jugoslavia San cercò subito con lo sguardo Boban, primus inter pares, sperando di incrociare i suoi occhi fieri e invece lo trovò con le mani nei capelli e lo sguardo perso. Arrivare a un passo dalla gloria e non avere niente. Si andò ai supplementari ma le due squadre preferirono aspettare i calci di rigore, per stanchezza o per paura, questo San non lo poteva sapere. Lui sentiva solo il cuore accelerare i battiti e poi rallentarli bruscamente, se avesse avuto più di sessant’anni sarebbe stato un principio d’infarto ma il braccio non doleva. Era solo il centro emozionale del suo corpo che non era capace di gestire tutto quello. Quel mix di timore, ebbrezza, gioventù che strabordava impaziente da quel corpo ancora non cresciuto. Una vocina prese campo nel suo cervello, prima flebile e poi via via sempre più tonante, fino a diventare un urlo folle e disperato. “Sarebbe stato un bel morire, perdere ai calci di rigore? Semmai con un errore del suo idolo Boban?” quello sarebbe stato troppo. “E se avesse sbagliato Savićević? Oppure se Prosinečki, troppo sicuro di sé, avesse sparato alto con il portiere già sdraiato a mangiar ciuffi d’erba sconditi?” Non doveva far altro che aspettare. L’arbitro, lo spagnolo Soriano Aledrén, si avvicinò ai due portieri e fece le raccomandazioni di rito. Il primo a parare sarebbe stato il portiere jugoslavo Ivković e a tirare, per gli Orange, il difensore, con vizio del gol, Koeman. Palla da una parte, Ivković dall’altra. Poi fu il turno di Hans van Breukelen, davanti a lui Pančev. Pančev affrontò quel rigore come noi affrontiamo una fila alla cassa del supermercato, con fastidio. Aveva l’aria di chi era in ritardo per qualcosa. Tirò e si voltò con le braccia al cielo, la palla non era ancora entrata. Lui sapeva già. Olanda uno, Jugoslavia uno. Ivković tornò tra i pali e gli si parò davanti Van Basten, il cigno di Utrecht. Un duello con Van Basten aveva uno sconfitto certo, il portiere. Ivković forse si ricordò delle plastiche parate del gatto Beara, portiere jugoslavo degli anni Cinquanta, talmente forte che Jašin, unico portiere nella storia a vincere il pallone d’oro, lo definì più forte perfino di lui, o forse le correnti ascensionali sprigionate da tutti i cuori in sospeso per quel rigore arrivarono fino a lì, perché Ivković si lanciò e rimase in aria per un tempo che a San parve eterno. Non scendeva, sempre orizzontale, e con la punta della mano destra pizzicò la palla quanto bastava per farle cambiare traiettoria. A San si strozzò un grido in gola, la bocca si aprì ma non uscì niente. Mihajilović si presentò sul dischetto. E tirò una delle sue saette. Olanda uno, Jugoslavia due. Fu il turno di Bergkamp e Ivković tornò a essere Ivković. Gol olandese. Tirò Prosinečki e segnò, perché troppo forte per sbagliare. Per gli olandesi fu il turno di Rijkaard e non sbagliò. La tensione iniziava a essere troppa per il piccolo San. Inscenò una danza propiziatoria davanti al televisore, erano più spasmi del corpo che lo portarono a creare un’ellisse imperfetta sul tappeto. Si ridestò quando apparve il volto serio e fiero di Boban, il suo eroe. E Boban segnò, facendo tirare un sospiro di sollievo a San. Per gli Orange fu il turno di Witschge: non l’aveva mai sentito nominare prima di quel giorno. Sperò nell’errore, sapendo che l’ultimo rigore l’avrebbe tirato Savićević e Dejan avrebbe potuto far sprofondare un intero paese nella più profonda tristezza. Ivković aveva perso la sapienza del volo e si accartocciò goffo dalla parte opposta alla palla. Dejan Savićević, semplicemente il Genio San istintivamente si coprì gli occhi con le mani, non riusciva a toglierle, erano magneticamente attratte dal suo volto. Dopo due minuti, che furono interminabili, c’era qualcosa che non tornava. Sentiva la voce del telecronista dire: “Dov’è Savićević? Non si trova Savićević! Ah, eccolo! Savićević sta serenamente bevendo da una bottiglietta vicino alla sua panchina, gambe incrociate, spalle alla porta. Sembra un capo pellerossa che riflette sulla migrazione dei bisonti, più che un giocatore che sta per tirare il rigore più importante della storia di un’intera nazione”. Boban lo andò a richiamare e Dejan lo guardò come a voler dire: “Dimmi? Ah, il rigore! Sì sì, arrivo!” Boban rise, lo conosceva, era buon segno. Savićević prese la palla dalle mani dell’arbitro, la sistemò sul dischetto. Intanto Van Breukelen, portierone olandese, faceva dei saltelli laterali, prima a destra poi a sinistra, per provare a distrarre lo slavo. Il destino però non può essere distratto. Savićević prese una breve rincorsa guardando sempre negli occhi l’olandese e quando notò lo spostamento del peso sulla gamba destra, accarezzò il pallone con disinvoltura. Ne nacque una palombella sbilenca che entrò in porta. Olanda quattro, Jugoslavia cinque. Ivković corse ad abbracciare Savićević e furono sommersi dagli altri compagni che arrivavano dal centrocampo, da dove avevano assistito al rigore tirato da Dejan. C’era da aspettare il 26 giugno, giorno della finale. E il fatidico giorno arrivò. Se volevano vivere, anche solo un momento, nella bellezza, i ragazzi in blu, il Brasile d’Europa, avrebbero dovuto battere la Germania, campione del mondo in carica.Fischio d’inizio, ore 20 e 15.Prima gli inni nazionali, dopo la commozione per “Ehj, Slaveni”, fu il turno di “Lied der Deutschen”. E gli stonarono subito le prime parole, “Deutschland, Deutschland, über alles, über alles in der Welt…”, “Germania, Germania, al di sopra di tutto, al di sopra di tutto nel mondo…”Era sempre più convinto che il nonno avesse ragione, non c’era da scherzare con questi tedeschi. Fu il momento del calcio, quello giocato. Dopo una decina di minuti di predominio tedesco, più fisico, in realtà, che tecnico, uscì fuori lo spirito slavo. Erano tutti con il fuoco agli occhi e la poesia nei piedi. E al diciottesimo minuto, il boato. Boban aprì alla ceca per Prosinečki, questi superò lo spaesato “über alles” di turno e passò la palla in area a Savićević che le si fece incontro e all’ultimo istante stupì tutti allargando le gambe. La palla lo superò e si diresse, come sempre, da Pančev. San era già con le braccia tese verso le stelle, sapeva già cosa sarebbe accaduto. Quando abbassò lo sguardo il macedone aveva già tirato e Bodo Illgner, portiere tedesco, era già con il culo per terra. E ora chi era “…in der Welt…?” Si calmò subito. C’era ancora tanto, troppo tempo per poter essere così ebbri. La Germania provò a riorganizzarsi, provò a mettere la sfida sulla fisicità per limitare le scorribande di Boban e soci. Però, come si usa dire in ambito calcistico, non c’era o forse il Brasile d’Europa era solamente troppo forte, finalmente. Al settantottesimo minuto, contropiede micidiale dei ragazzi in blu. Mihajilović sradicò il pallone dal tedesco che si dirigeva verso di lui. Dopo due lunghe falcate lo cedette a Jugović, che era all’interno del cerchio di centrocampo. Jugović non si perse in inutili finte e allargò il gioco sulla fascia opposta. Sempre da Prosinečki andavano, era lui il giocoliere esperto in numeri d’alta scuola. Fece scomparire e riapparire il pallone e arrivato al limite dell’area, lo cedette a Pančev. Stranamente Darko era uscito dalla sua zona di competenza, i dieci metri davanti alla linea di porta, ed era venuto a vedere che aria tirasse da altre parti, come un orso che si risveglia da un lungo letargo. Non sembrava per niente a disagio a dover gestire il pallone, pensò San. Questo lo fece sorridere, non era mancanza di destrezza pedatoria a tenerlo a ridosso del portiere avversario, era pigrizia. Pančev, con la sfera tra i piedi, si voltò per affrontare il centrale difensivo, poi, come richiamato da canti antichi, si fermò e cedette il pallone all’indietro, di tacco. La telecamera inquadrò una chioma selvaggia che arrivava a tutta velocità. Era Mihajilović che, fatta partire quell’azione selvaggia e perfetta, era sopraggiunto per concluderla. L’apoteosi. Gli ultimi dodici minuti furono una passerella. I tedeschi non ci credevano e i suoi eroi si divertivano. Fischio finale. Il celebre calcio di Zvonomir Boban a un poliziotto durante gli scontri in Dinamo Zagabria-Stella Rossa Belgrado il 13 Maggio 1990 per molti un simbolo dell’inizio della Guerra jugoslava Mucchio selvaggio su Mihajilović, che era stato il mattatore della partita. Nel momento della premiazione, San si trovò ebbro di gioia, che sfociava in lacrime e tornava gioia. Montagne russe emotive. La telecamera inquadrò Lennart Johansson, il Presidente dell’UEFA, con la coppa in mano, in attesa che arrivassero i giocatori jugoslavi e soprattutto Boban, per poterla cedere in più sicure mani. Ma Boban non si vedeva, la telecamera dopo una ricerca di qualche minuto lo scovò in disparte, prono sul terreno di gioco. I compagni corsero da lui e lo alzarono, gli occhi erano lucidi, il guerriero piangeva. San sentì le sue lacrime meno solitarie. Lennart riuscì finalmente a liberarsi della coppa e si dileguò, poco interessato ai festeggiamenti slavi. Stavolta non erano “Umrijeti u ljepoti”, morti nella bellezza, semmai avevano “Živeti u ljepoti”, vissuto nella bellezza. Nella notte dalla collina alle porte di Sarajevo una batteria di artiglieria fece fuoco verso la città. Una bomba vigliacca colpì la casa di San Pokvaren. San rimase nel sogno e non poté vivere i quattro anni di assedio, il dover camminare con la paura dei cecchini. Però grazie a lui il Brasile d’Europa esisterà sempre, avrà vinto una coppa e non si sarà lasciato morire nella bellezza. L’assedio di Sarajevo iniziò il 5 aprile 1992 e terminò il 29 febbraio 1996. Si stima che ci furono più di dodicimila morti e oltre cinquantamila feriti. Il 1° giugno 1992 un fax della Uefa comunicò a Belgrado che la Nazionale Jugoslava non avrebbe potuto partecipare agli Europei svedesi. La comunicazione della Uefa seguiva la “risoluzione 757 del Consiglio di Sicurezza Onu” del giorno precedente. A onor del vero, i croati, già dal maggio dell’anno prima, non giocavano più nella nazionale jugoslava. Però questo è un sogno e il bello dei sogni è che le regole e i dogmi non hanno potere. I censori e i probiviri delle nostre emozioni non hanno le chiavi di accesso, semmai il trauma è sempre il risveglio. Ci manca il paracadute per planare nell’ordinario. Cartavelina Share Tweet Share... Read more...Jugoslavia ovvero la morte del sogno (Pt. 1), un articolo di Cartavelina || THREEvial Pursuit3 Febbraio 2021Jugoslavia ovvero la morte del sogno (Pt. 1) Risoluzione 757 di Cartavelina La grande Jugoslavia “San è ora di andare a letto”, disse Majka con un po’ di apprensione.Sarajevo era assediata ormai da circa un mese.“Sì mamma ora vado”, rispose assorto il piccoletto, senza alcuna apprensione, lui. A sei anni tutto è roseo, gli bastava poter ancora andare, dopo scuola, a inseguire un pallone. La felicità era tutta lì, una sfera di cuoio e il sogno di emulare i suoi idoli. Un giorno provava a essere svogliato e celestiale come Savićević, un altro a calciare saette infuocate come Mihajilović, certi giorni si sentiva, con scarsi risultati, letale come Darko Pančev o Davor Šuker, il suo preferito però era Boban, guerriero dalla classe cristallina. Stava sfogliando una rivista che gli aveva regalato il nonno, con le foto dei giocatori che avrebbero partecipato, un mese dopo, al Campionato Europeo di Svezia 1992. Nel girone di qualificazione la Jugoslavia, il Brasile d’Europa, era arrivata prima davanti alla Danimarca. Quindi slavi a giocare la coppa e danesi liberi di andare in vacanza al mare o dove avrebbero preferito. Una mano gli tolse, con dolce risolutezza, la rivista da sotto gli occhi. L’ultima immagine che vide fu la faccia guascona di Savićević che sorrideva. La mano arrotolò il cartiglio su cui stava fantasticando e lo calò, seguendo una ritualità da investitura cavalleresca, sulla sua spalla. San alzò lo sguardo e vide la madre sopra di lui che lo guardava, fintamente adirata. Corse in bagno, si lavò con celerità i pochi denti che non avevano ceduto alla forza di gravità e tornò, sempre correndo, in camera dove l’aspettava Majka. Si infilò nel letto, si prese un bel bacio sulla fronte e con lo spegnimento della luce fu sopraffatto da un sonno profondo. Era seduto davanti alla televisione, 11 giugno 1992, pronto per vedere i ragazzi slavi che in terra svedese provavano a essere, oltre che belli, vincenti. Malmö Stadion, Jugoslavia – Inghilterra. Risuonavano le note di “Ehj, Slaveni”, il petto gli si riempì d’orgoglio. La telecamera fece un rapido passaggio su suoi eroi schierati davanti alla tribuna, aveva buone sensazioni. Gli occhi di Pančev erano quelli di una tigre sorniona pronta ad azzannare; Savićević aveva quel mezzo sorriso da contrabbandiere di sigarette stampato in faccia, buon segno; Prosinečki si guardava intorno fintamente spaesato; Mihajilović aveva l’aria di chi era pronto ad andare in guerra per la patria, la famiglia, un grande amore o qualsiasi altra causa avesse l’onore di essere da lui difesa; e Boban era Boban, biondo, fiero. Poi fu la volta di “God save the queen”.“God save our gracious Queen! Long live our noble Queen, God save the Queen! Send her victorious, happy and glorious, long to reign over us, God save the Queen!O Lord, our God, arise, scatter her enemies, and make them fall, Confound their politics, frustrate their knavish tricks, on Thee our hopes we fix, God save us all.Thy choicest gifts in store on her be pleased to pour, long may she reign!May she defend our laws, and ever give us cause to sing with hearth and voice, God save the Queen!” Siniša Mihajilović, ovvero il mancino più temibile di Jugoslavia, d’Europa e forse del mondo La partita iniziò e fu un dominio slavo, le maglie blu erano ovunque. Savićević era in quelle serate in cui sembrava capace di controllare non solo i movimenti del pallone, come se avesse intorno al piede una propria forza di gravità, ma anche maree, venti e battiti di cuore. I sudditi di sua maestà erano impotenti. Ma il gol non arrivava. Ci provarono in ordine sparso Boban, Pančev, Jugović e Prosinečki. All’ultimo minuto punizione per i moschettieri slavi due metri fuori dall’area di rigore dei sudditi di sua maestà. Tutti guardarono Mihajilović, Mihajilović guardò il portiere, il portiere inglese guardò il cielo. Sembrava la sceneggiatura perfetta per permettere a San di liberare l’urlo di gioia che troppe volte, in quei novanta minuti, aveva dovuto trattenere. Mihajilović prese una lunga rincorsa, mentre correva studiava il portiere, il portiere, occhi spalancati e braccia larghe, aspettava l’inevitabile epilogo. Il pallone colpito di mezzo collo esterno prese a librarsi in aria curvando all’improvviso, era palese che il portiere non ci sarebbe mai potuto arrivare. La sfera di cuoio, seguendo le istruzioni del piede di Mihajilović, si dirigeva sicura verso l’incrocio dei pali.La gola di San si contrasse, i polmoni presero aria pronti a esplodere in un fragoroso urlo ma accadde l’imponderabile, la palla si stampò sui legni che segnavano il limitare della porta inglese e tornò quasi a centrocampo. San incredulo cercò subito l’arbitro e vide che metteva il fischietto in bocca e arrivarono quei tre maledetti fischi. La partita finì 0 a 0. Se fosse stato pugilato, la Jugoslavia avrebbe vinto ai punti, ma il calcio prevede che si gonfi la rete, sennò si prende un punto a testa e si va a casa a recriminare sulle occasioni perse.Non si dette troppo affanno comunque, c’erano ancora due partite da giocare, una con i padroni di casa della Svezia e l’altra con gli spocchiosi francesi. I suoi eroi avrebbero fatto quattro punti e si sarebbero qualificati alle fasi successive. 14 giugno 1992, Stadio Råsunda di Solna, arbitrava il tedesco Schmidhuber, il nonno gli aveva detto che non c’era da fidarsi dei tedeschi. Il nonno c’era quando erano passati da quelle parti, si sentiva di dare credito alle sue parole. Svezia e Jugoslavia erano schierate da rito e ascoltavano i rispettivi inni nazionali. Dopo cinquanta minuti il Brasile d’Europa aveva creato, deliziato, si era crogiolato nella sua bellezza e nel piccolo San stava crescendo la paura. Gli venne in mente cosa gli diceva sempre suo nonno quando lui chiedeva spiegazioni sul perché, se le nazionali jugoslave erano state sempre così forti, non avessero mai vinto niente. “Umrijeti u ljepoti”, morire nella bellezza. Era sempre sopraffatto da una sensazione di smarrimento quando sentiva quelle parole. Come poteva essere associato il concetto di morte con quello di bellezza, la cosa lo turbava. All’improvviso Brolin, un biondone con una discreta tecnica, segnò il gol dell’uno a zero per gli scandinavi.I suoi eroi non si scomposero più di tanto per il gol subito, consci della loro superiorità. Continuarono a fare quello che sapevano fare meglio, deliziare e assecondare i sensi propri e altrui.Ennesimo dominio slavo, come contro gli inglesi nella partita precedente. Anche stavolta non servì per vincere e anche stavolta San non poté urlare al cielo la sua gioia. Il tutto si concluse con gli avversari, nello specifico ragazzoni svedesi, con le braccia al cielo. San Pokvaren, anche se aveva solo sei anni, sapeva che dovevano vincere l’ultima partita del girone per sperare che il sogno proseguisse. Robert Prosinečki, ovvero il destro più imprevedibile di Jugoslavia d’Europa e quasi certamente del mondo Di nuovo Malmö Stadion, risuonava la Marsigliese con tutta la sua storia, la sua boria, la sua infinita bellezza. San, per un secondo avrebbe voluto essere francese, per poter cantare a squarciagola, “Allons enfants de la patrie, le jour de gloire est arrivé!Contre nous de la tyrannie, l’étendard sanglant est levé!L’étendard sanglat est levé! L’étendard sanglat est levé!Entendez-vous dans les campagnes, Mugir ces féroces soldats? Ils viennent jusque dans nos bras,Egorger nos fils et nos compagnes! Aux armes, citoyens! Formez vos bataillons! Marchons! Marchons! Qu’un sang impur, Abreuve nos sillons! Que veut cette horde d’esclaves, De traîtres, de rois conjurés?Pour qui ces ingobles entraves, Ces fers dès longtemps préparés? Ces fers dès longtemps préparés?Français, pour nous, ah! Quel outrage! Quels transports il doit exciter! C’est nous qu’on ose méditer,De rendre à l’antique esclavage! Quoi! Ces cohortes étrangères, Feraient la loi dans nos foyers!Quoi! Ces phalanges mercenaires, Terrasseraient nos fiers guerriers! Terrasseraient nos fiers guerriers!Grand Dieu! Par des mains enchaînées, Nos fronts sous le joug se ploieraient! De vils despotes deviendraient, Les maîtres de nos destinées! Tremblez, tyrans et vous perfides, L’opprobre de tous les partis, Tremblez! Vos projets parricides, Vont enfin recevoir leurs prix! Vont enfin recevoir leurs prix!Tout est soldat pour vous combattre, S’ils tombent, nos jeunes héros, La terre en produit de nouveaux, Contre vous tout prêts à se battre! Français, en guerriers magnanimes, Portez ou retenez vos coups!Epargnez ces tristes victimes, A regret s’armant contre nous. A regret s’armant contre nous.Mais ces despotes sanguinaires, Mais ces complices de Bouillé, Tous ces tigres qui, sans pitié,Déchirent le sein de leur mère! Amour sacré de la Patrie, Conduis, soutiens nos bras vengeurs!Liberté, Liberté chérie, Combats avec tes défenseurs! Combats avec tes défenseurs!Sous nos drapeaux, que la victoire, Accoure à tes mâles accents! Que tes ennemis expirantsVoient ton triomphe et notre gloire!Nous entrerons dans la carrière, Quand nos aînés n’y seront plus; Nous y trouverons leur poussière,Et la trace de leurs vertus. Et la trace de leurs vertus. Bien moins jaloux de leur survivreQue de partager leur cercueil, Nous aurons le sublime orgueil, De les venger ou de les suivre!” Poi iniziarono le note di “Ehj, Slaveni”,“O slavi, dei nostri avi la parola viva è ancora, mentre nei loro figli per il popolo batte il cuor. Viva, viva l’anima slava: vivrai nei secoli! Niente è il fuoco della saetta, niente l’abisso dell’inferno. E persino se adesso sopra di noi tutto sconvolge la bufera, che spacca le pietre e rompe gli alberi e fa tremare la terra, noi rimaniamo in piedi, fermi come le altre gole del fiume. Che sian dannati, della propria patria, i traditori!” Due infantili e orgogliose lacrime rigarono le guance, troppo soffici perché potessero coglierne davvero il significato. Però si ricordava il brillare degli occhi del nonno quando ascoltava quelle parole, quegli occhi non mentivano, gli occhi non mentono mai. E le urlò, però nella sua lingua,“Hej, Sloveni, jošte živi, reč naših dedova, dok za narod srce bije njihovih sinova. Živi, živi, duh slovenski. Živećeš vekorma. Zalud preti ponor pakla, zalud vatra groma. Nek se sada i nad nama, burom sve raznese, stena puca, dub se lama, zemlja nek se trese. Mi stojimo postojano, kano klisurine. Proklet bio izdajica svoje domovine!” La partita poi cominciò e il Brasile d’Europa fece il Brasile d’Europa: rabone, tunnel, tacchi. Tutto quello che il panorama calcistico prevedeva fu palesato su quel campo di calcio. In Svezia non avevano mai visto niente di simile dal 1958, quando Pelé e Garrincha, insieme a Vavá-Didi-Zagallo, avevano mostrato al mondo che si può giocare e danzare allo stesso tempo. Ora il testimone dello stupore era passato nei piedi di Savićević, Boban, Prosinečki e compagnia. Non ci poteva essere passaggio migliore. Darko Pančev, ovvero la punta più svogliata di Jugoslavia, d’Europa e in assoluto del mondo Andarono in vantaggio con un pallonetto di Savićević che, imbucato da Boban, scartò il primo transalpino che gli si parò davanti e come vide il portiere farsi sotto lo umiliò con un tocco beffardo, la palla sfiorata quanto bastava perché entrasse in porta. Anche il pallone, quando veniva toccato da Dejan, sembrava svogliato di rotolare tra i ciuffi d’erba, come se fosse in ritardo per un appuntamento e volesse sbrigare il suo compito controvoglia. Poi gli jugoslavi continuarono a muoversi per il campo e a divertirsi come se fossero al campetto dell’oratorio e non a giocare una sfida decisiva, di quelle da dentro o fuori. La Francia, molto più pratica, pareggiò con Papin al sessantesimo minuto. San sprofondò in una tristezza inspiegabile, gli era salita su alla destra del cuore, spintonando e prevaricando ogni tessuto che aveva trovato per arrivare al cervello. Si sentiva mancare, non era possibile. Un’altra volta belli e dannatamente perdenti. Poi quando mancavano, circa, dieci minuti alla fine, Prosinečki fece Prosinečki.Saltò il primo francese, saltò il secondo francese, saltò il terzo francese e anche il quarto e quando non trovò più francesi da frastornare nel suo errante cammino vide con il terzo occhio, quello degli eletti, Darko Pančev, il macedone, che bighellonava in area di rigore. I difensori lo controllavano con non troppa apprensione, Darko aveva l’aria di chi beve molto, fuma tanto e ama tutti i vizi che sono stati inventati, qualcuno l’avrà di sicuro inventato lui, per aumentare il proprio repertorio. Prosinečki mise in area una palla tagliata, una palla slava, indecifrabile ma non per Darko che si fece trovare sul secondo palo e di piatto, mai sforzarsi troppo, la regalò alla porta difesa dall’estremo difensore francese e al cuore di tutti i San che seguivano con apprensione quella che sembrava l’ennesima “morte nella bellezza”. Francia uno, Jugoslavia due. Gli ultimi dieci minuti passarono senza altri sussulti. Secondo posto nel girone e sfida in semifinale contro l’Olanda di Van Basten, Koeman, Gullit, Rijkaard e Bergkamp. Che questa fosse la volta buona? La Jugoslavia sarebbe riuscita a posizionarsi sulla mappa del calcio? San credeva di meritarselo, credeva che se lo meritavano. Per un personale senso di giustizia calcistica e per quell’infantile non accettazione della fine del sogno. Continua… Share Tweet Share... Read more...Memoria tesa al presente, un articolo di A. Polverosi || THREEvial Pursuit27 Gennaio 2021Memoria tesa al presente di Andrea Polverosi Questo articolo nasce in collaborazione col gruppo del Servizio Civile Nazionale 2020/2021 della Biblioteca di Scandicci che si è occupato del progetto di informazione e sensibilizzazione “La Settimana delle Memoria”. Dal 20 al 27 gennaio, ogni giorno, sono stati dati consigli e approfondimenti su libri e film riguardanti la Shoah ed eventi storici, sociali e politici affini. Per leggere tutti gli approfondimenti in versione integrale, potete andare sul blog della Biblioteca di Scandicci: https://labibliotecadiscandicci.wordpress.com/2021/01/19/giornata-della-memoria-2021/ Memoria tesa al presente Il Giorno della Memoria è un momento fondamentale per conoscere e ricordare il genocidio degli ebrei e la morte di tutte le altre persone perseguitate nei campi di concentramento. Questa memoria, però, dev’essere tesa non solo al passato ma soprattutto al presente: conoscere ciò che è successo per far sì che non accada nuovamente. La Shoah è stata terribile nella sua unicità e pochi eventi vi si possono paragonare. Purtroppo, però, ci sono tanti fenomeni affini che condividono con essa il tentato annichilimento dell’umanità altrui: considerare una persona una non-persona e per questo arrogarsi qualunque diritto su di essa. È per tale motivo che oltre a occuparci del genocidio degli ebrei abbiamo deciso di considerare anche altri eventi. Tracciando una linea di congiunzione fra le tre direttrici di migrazione-razzismo-genocidio abbiamo individuato fenomeni sia passati che presenti di cui riteniamo sia importante essere consapevoli. In particolare, la volontà è quella di riportare l’attenzione su fenomeni a noi più vicini come l’immigrazione in Italia, questione attualissima per cui purtroppo si è tornati in questi anni a parlare di razzismo e dei campi di tortura presenti in Libia. Spostandoci a est, emerge l’urgenza di conoscere meglio cosa sta accadendo in Cina sulla minoranza turco-islamica degli uiguri, popolazione repressa dal governo centrale cinese e vittima da anni di genocidio culturale. Infine, non potevamo evitare la spinosa questione del forte ritorno del suprematismo bianco negli Stati Uniti d’America, l’estrema destra che torna a macchiarsi pesantemente di slogan e atti violenti di razzismo e antisemitismo. Essere donne nei lager La deportazione delle donne nei campi di concentramento è stata vissuta in maniera specifica. Nei lager nazisti, la loro identità morale e fisica fu sin dall’inizio messa a dura prova: l’ispezione della testa, delle ascelle, del pube e la rasatura totale rappresentano la prima violazione dell’intimità fisica, un’offesa fatta alle donne, lacerate dal dolore di queste pratiche. Prima di distruggere psicologicamente e moralmente le detenute, i nazisti si impegnavano ad annullare ogni peculiarità che potesse individualizzarle. La «bruttezza» del corpo, inevitabile nelle condizioni di vita nei campi, la denutrizione e il lavoro massacrante sono anch’essi vissuti in maniera specifica dalle donne, che sopportano più difficilmente rispetto agli uomini le loro membra scarne e deformi. Non ci sono più donne anziane o giovani, donne belle o brutte: le loro caratteristiche non si rivelano più attraverso la loro femminilità o le loro particolarità fisiche. Esse si sentono di giorno in giorno meno umane. Un’altra caratteristica specifica della deportazione femminile è data dagli esami ginecologici, molto spesso inutili e proprio per questo sadici, come ulteriore violazione della femminilità. Sempre alla donna toccò la prova più sconvolgente: affrontare la maternità nel lager. Partorire significava andare contro il principio base del luogo, ossia morire. La donna e il suo corpo nei campi di concentramento è il tema fondamentale della raccolta di racconti Il fumo di Birkenau di Liana Millu pubblicata nel 1947. L’antologia è composta da sei storie che si snodano intorno agli aspetti più specificamente femminili della vita minimale e disperata delle prigioniere. Queste storie vedono come protagoniste le compagne di Birkenau di Millu: dalla narrazione riemerge la loro individualità negata e il tentativo di ognuna di lottare per la propria identità femminile. L’immigrazione in Italia Come un uomo sulla terra è un documentario di Andrea Segre e Dagmawi Yimer che svela le responsabilità dell’Europa e del nostro paese in merito alla creazione dei campi di detenzione libici per frenare l’onda di migranti provenienti dall’altra sponda del Mediterraneo e chiarisce l’inefficacia delle politiche che abbiamo applicato, fatte di slogan vuoti e approssimativi che fanno dell’immigrazione solo una questione di sicurezza. L’Europa e i governi italiani che si sono avvicendati, sia di destra che di sinistra, hanno preferito guardare altrove, distogliendo lo sguardo dagli atti di privazione dei diritti umani che avvengono in Africa, quegli stessi diritti umani inviolabili che dicono di voler difendere e salvaguardare. Il governo italiano nel corso degli anni ha siglato accordi con la Libia che prevedevano ingenti somme di denaro, con le quali si sono costituite milizie e centri di detenzione. La verità è che non si è mai messo al centro i diritti inviolabili dell’umanità, ma si è preferito spendere fiumi di denaro affinché il problema rimanesse il più lontano possibile, seguendo il detto “occhio non vede, cuore non duole”. Il documentario contiene interviste di chi quella tratta l’ha percorsa, pagando caro il trasporto con il poco che possedeva; i soprusi e gli atti di violenza fanno tremare le vene dei polsi, le condizioni dei viaggi dipingono una situazione talmente indegna da essere a malapena immaginabili. Questo film è sicuramente un’ottima risorsa per capire la storia che si trova dietro a un argomento di forte attualità e che sarà importante continuare a trattare anche in futuro. La Cina e la repressione contro gli uiguri La guerriera gentile è la testimonianza della vita di quella che in molti definiscono la più nota dissidente della Cina. Rebiya Kadeer in questa autobiografia ricostruisce la sua vita e quella della sua gente, raccontando la spietatezza di un regime – quello cinese di Mao – la repressione, le fughe, l’incertezza, le paure, ma anche le speranze e il cambiamento, il riscatto e una nuova prospettiva. Le terre della popolazione di etnia uigura sono quelle del Turkestan orientale, oggi Xinjiang. Lì vi abitano uomini che da secoli condividono usi e costumi totalmente diversi dalle altre regioni cinesi. Originari della penisola dell’Anatolia e musulmani, gli uiguri sono riusciti a vivere in quella parte di Cina insieme alle altre etnie presenti in pace, rispettando la propria terra. Ma negli anni ’50 tutto cambia, e inizia quella che sarà una battaglia che dura tutt’oggi: da una parte la Cina, dall’altra gli uiguri. La politica aggressiva di Mao Zedong nella regione settentrionale ha un doppio risvolto. La Cina proletaria avvia prima di tutto un prepotente programma di inserimento di cinesi han (il gruppo etnico maggiormente presente nel paese) per andare a sostituire – o “riformare” – la popolazione e l’élite musulmana dello Xinjiang, mentre nel frattempo sfrutta le risorse energetiche della zona. Da meno di 300 mila che erano, gli han si ritrovano a essere la maggioranza nello Xinjiang, superando le 8 milioni di unità. Malgrado sia proprio Mao a parlare pubblicamente del diritto dei popoli all’autodeterminazione, quando nel 1955 dichiara la “regione autonoma uigura dello Xinjiang”, di fatto ha finito di estirpare ogni traccia di identità degli uiguri da quella terra. L’ingordigia del governo di Pechino non ha fine, e colpisce in seconda battuta i possidenti terrieri uiguri, grandi o piccoli essi siano. Derubati delle loro proprietà, vengono tacciati di essere traditori, borghesi e ostili allo stato: in pochi casi viene risparmiata loro la vita. A questo si aggiunge la Rivoluzione culturale di Mao nel decennio che va fino al 1977, che è prima di tutto una caccia al nemico e che sugli uiguri stringe una tenaglia sanguinosa fatta di soprusi e ingiustizie. La Rivoluzione culturale, infatti, ha un prezzo: la cultura altrui. Quella degli uiguri viene dilaniata, vilipesa, rinnegata. Vengono torturati e scherniti pubblicamente molti intellettuali che trovano la pace solo nel suicidio. In questo contesto terribile inizia l’azione controcorrente di Rebiya, che con le sue armi si batte per la sua gente esponendosi in prima linea contro il terrore di Pechino. Combatte, viene tradita, viene considerata pericolosa per la stabilità del paese, viene incarcerata, ma, nonostante ciò, riesce a rialzarsi e a ripartire per cercare di ritrovare la dignità sua e del suo popolo. L’America e il ritorno del suprematismo bianco Oggi si ha a volte la sensazione che gli avvenimenti accaduti durante i regimi nazifascisti ci riguardino meno, che siano ormai fatti del passato, che abbiamo imparato la lezioncina e che sia impossibile riaccadano. Tutt’al più se succede qualcosa di simile, non è da noi, non nella nostra presunta civiltà ma in qualche povero paese sparso nel mondo. La verità è un’altra. La verità è che in Occidente il razzismo è dilagante. Il 2020 ha riportato alla luce tutto ciò: la morte di George Floyd e di tanti altri afroamericani uccisi dalle forze dell’ordine testimoniano un odio razziale pressoché sistematico. Le rivolte di Black Lives Matter hanno risvegliato le nostre coscienze, ma è evidente che il problema non sia stato risolto. Il 6 gennaio 2021 centinaia di militanti di estrema destra, sostenitori di Trump, hanno invaso e occupato il Congresso americano costringendo alla fuga i parlamentari, gravità che solitamente si accompagna ai colpi di stato. Non dobbiamo minimizzare ciò che è accaduto: quelle persone non erano dei burloni da bar, dei semplici grulli che vanno dietro alle fake news. Come ci mostrano i simboli da loro usati, c’erano tanti militanti di estrema destra, ossia razzisti, neonazisti, nativisti e suprematisti bianchi. In una parola, fascisti. E questo è successo a Washington, negli Stati Uniti d’America, e ciò che succede là ha eco in tutto il mondo. Per questo motivo non dobbiamo sottovalutare il ritorno forte dell’estrema destra in Occidente. Alt-America. L’ascesa della destra radicale nell’era di Trump è un saggio di David Neiwert, giornalista e massimo esperto del fenomeno. L’alt-America è l’universo parallelo fatto di fake news, complottismi, teorie razziste ed eliminativiste in cui vivono gli estremisti di destra. Un mondo di fantasia che fino a poco fa credevamo di pochi invasati e che invece negli ultimi anni, a partire dal 2015/2016 con le primarie repubblicane vinte da Trump, è emerso dalla sua caverna. Partendo dagli anni Novanta, l’autore descrive i gruppi neonazisti di allora che formavano milizie armate e che rivendicavano il loro potere in quanto “cittadini sovrani”, ovvero non sottoposti alle leggi federali degli Stati Uniti. Riportando alla mente alcuni pesanti scontri e stragi avvenute fra questi gruppi e le forze dell’ordine, Neiwert introduce una delle questioni più sottovalutate negli ultimi decenni in America: il terrorismo interno, portato avanti dai bianchi contro i non-bianchi. Questo movimento venne rinfocolato dagli eventi dell’11 settembre, che hanno favorito una retorica militaristica legittimando l’emergere di un forte sentimento contro tutti i musulmani. È anche da qui che le credenze sbagliate dei gruppi suprematisti e neonazisti si sono spostate, passando dall’essere relegate a un mondo oscuro e minoritario a diventare forza politica prevalente infiltrandosi nei ranghi del Partito Repubblicano, fra i conservatori moderati. Questo cambiamento, però, è avvenuto in primis con due novità: la prima è internet. In questo immenso spazio fatto di siti e blog anonimi, gli estremisti di destra hanno potuto accedere a uno strumento di diffusione mai avuto prima. Coloro che propagandavano idee razziste hanno raccolto intorno a sé sempre più persone, in particolare giovani, bianchi, maschi, celibi e disoccupati. È da qui che la normalità ha iniziato gradualmente a mutare: da questi canali sono emerse alcune delle più aberranti teorie del complotto come il Pizzagate e l’idea per cui Barack Obama fosse in realtà un musulmano pronto a imporre una dittatura religiosa in America. L’idea di fondo che muove queste persone è che siano loro ad essere sotto attacco, come se ci fosse qualcuno pronto a togliere le posizioni di comando che finora i bianchi hanno avuto, imponendo un governo anti-bianchi che li deporterà tutti in campi di concentramento. In breve, ribaltano completamente il discorso: sono razzisti, suprematisti e neonazisti proprio perché un fantomatico Nuovo Ordine Mondiale è pronto a prendere il controllo e a sterminarli tutti. Per difendersi, saranno loro a sterminare tutti gli altri. È da questo mondo che poi vengono fuori carnefici che davvero compiono stragi ammazzando in sinagoghe e moschee. La seconda novità: un leader carismatico capace di riunirli tutti e di diffondere queste idee nel mondo istituzionale. Trump. Secondo l’autore del libro, Trump non è fascista ma un narcisista populista di destra, pronto ad appoggiare qualunque idea che lo faccia vincere e che col suo governo ha favorito l’emergere di una situazione di proto-fascismo. Trump non ha mai condannato le parole e gli atti dei militanti di estrema destra che lo appoggiavano. Con un balletto da contorsionista si è sempre difeso dalle domande e critiche dei liberali e progressisti ammiccando, favorendo e persino condividendo la retorica e la violenza dei suprematisti. Proprio come ha fatto il 6 gennaio quando, continuando a sostenere la teoria complottista per cui le elezioni in cui ha perso fossero state truccate, ha incitato e rigettato allo stesso tempo gli atti violenti dei suoi sostenitori. Trump oggi non è più al potere e forse non lo sarà nemmeno in futuro, ma l’alt-America, il mondo fascista a cui ha aperto le porte, è ancora lì e tutti noi dobbiamo fare attenzione. Share Tweet Share... Read more...5 superpoteri da viaggio, un articolo di G. Bindi || THREEvial Pursuit20 Gennaio 20215 superpoteri da viaggio di Gianluca Bindi Iran 2019, photo by Daniele Lombardi Viaggiare, oltre a soddisfare un’innata curiosità per il diverso e il lontano, ha sempre avuto un’importanza decisiva per la mia salute psicofisica. Soprattutto negli ultimi dieci anni, quando le mie scelte di vita andavano sempre più a sedentarizzarmi davanti a libri e a file word su computer portatili. È da lì che la voglia si è trasformata in bisogno: di sfogo nevrastenico, di fare scorte di ispirazione e avventure, di passare dal tempo-senza-spazio al mirabile spazio-senza-tempo dei CSI. Il viaggio trasforma, fa rendere consapevoli dei limiti e delle potenzialità della tua persona. A volte mi ha fatto acquisire veri e propri superpoteri che, purtroppo, non ho potuto utilizzare in questo 2020 di chiusure e zone colorate. Di seguito, in ordine cronologico, vi racconterò di come, quando e dove sono venuto a contatto con la mia parte marvelliana. Spagna 2010, photo by Gianluca Bindi Invisibilità Nel 2010 intrapresi con testardaggine e molta disorganizzazione il mio primo viaggio in solitaria: il Cammino di Santiago. Ero così disorganizzato che mi ero accorto soltanto dopo una settimana che non avevo comprato la guida giusta, non capacitandomi di come mai i percorsi scritti mi portassero spesso e volentieri in sentieri impossibili per la bicicletta, alternando fasi di ingiustificato odio per l’autore con fasi di incaponimento, trascinando a mano il mio mezzo di trasporto con zaino su salite fatte di ghiaia e al 20% di pendenza media. Dopo una crisi sui Pirenei e un masso preso in pieno in discesa da un’altura che mi ha quasi scaraventato nel letto di un fiume, ho iniziato a stare attento e non seguire la guida alla lettera: ovviamente in un primo momento ipercompensando, e finendo sull’autostrada che porta a Pamplona. Dopo due settimane di relativa tranquillità in cui mi stavo godendo il viaggio senza tanti intoppi, arrivai in Galizia, l’ultima regione prima del traguardo. Scendendo con eleganza dal monte O’Cebreiro, ormai pregustando la vista dell’oceano dopo quasi mille chilometri di fatiche, svoltai a destra prematuramente in una viottola in superdiscesa. Dopo cinque minuti buoni di curvoni a ottanta all’ora, con il tarlo del dubbio e la preoccupazione di rifarla eventualmente tutta all’incontrario, il cuore mi saltò in gola e strozzai i freni fino a fermarmi. Una mandria di tori lasciati così alla cazzo di cane sulla strada procedeva verso di me. Mi ero portato soltanto tre maglie per il viaggio ma sì, oltre che a sbagliare strada dovevo indossare la rossa proprio quel giorno, ovviamente. Mi paralizzai, certo della mia fine. Poi sentii il pastore chiamarmi. Mi fece cenno di raggiungerlo. Riluttante cedetti e attraversai la mandria, lentamente; le cose erano due: o io ero diventato invisibile o i tori erano daltonici. Raggiunsi il vecchietto, chiedendo subito indicazioni per Triacastela nel mio neonato ma degno spagnolo. Lui però mi rispose in galiziano, che praticamente è portoghese, e tanto per cambiare non capii niente, tranne una cosa: dovevo rifare tutta la strada a ritroso, stavolta in supersalita. Pirobazia Australia 2013, photo by Gianluca Bindi Ebbi l’occasione di sperimentare l’antico superpotere di camminare su qualcosa di simile ai carboni ardenti nel 2013 in Australia, più precisamente nel Far (o Forgotten) Northern Queensland. Dopo una selezione che neanche Masterchef, X-Factor e gli Avengers messi insieme, vinsi il primo colloquio della mia vita per diventare compagno di viaggio, insieme ad altre due persone, di un ragazzo tedesco dotato di macchinone 4×4, sbaragliando la concorrenza di altre trenta persone (sì, lui aveva fatto la interview a tutti). L’annuncio prevedeva dalle sei alle otto settimane di strade sterrate e accampamenti lungo le migliaia di chilometri nello sperduto Nordest australiano, raggiungendo Cape York (punto più settentrionale del continente) per poi entrare nei Northern Territories e virare a sud verso Uluru/Ayers Rock. Il tutto senza ricezione telefonica, con piccoli centri abitati a volte distanti quattro giorni di guida e con una natura alquanto ostile: questa regione è denominata Croc Country, fate voi i calcoli. Durante la risalita della York Peninsula ci fermammo in un posto meraviglioso chiamato Cape Melville; e dico letteralmente visto che avevamo impantanato il gippone nelle sabbie mobili. Un tizio che viveva là (primo essere umano incontrato dopo due giorni) ci tirò fuori. Ci disse anche di non avvicinarci tanto alla riva perché era pieno di coccodrilli e che un mese prima aveva sparato a uno che aveva azzannato il braccio di una ragazza. La mattina dopo, consci di queste raccomandazioni, ci incamminammo sulla morbida spiaggia verso il relitto di un aereo alleato della Seconda Guerra Mondiale. Verso le 11 iniziammo a fare ritorno alla base per rimetterci in viaggio ma c’era un problema grosso: la sabbia vicino all’Equatore scottava, incredibile! Cercammo di ripararci all’ombra dei pochissimi alberi, ma il percorso era ancora lungo. A un certo punto Chris, Robin e Marco cedettero alla tentazione di andarsi a sciacquare un attimo i piedi a riva. Lo vidi subito, un missile sottomarino che dalla lontananza puntò subito sui miei compagni di viaggio. Tirai un urlo che squarciò l’aria, loro si misero subito a correre. Il coccodrillo rimase sott’acqua, tradito. In seguito decidemmo di prendere la via più alta, con più alberi. Dalla nostra postazione riuscimmo a vederne altri due, esattamente dove eravamo passati all’andata, cosa che ci fece venire sinistramente in mente le parole di un aborigeno che avevamo incontrato qualche giorno prima: «Ricordate, quando vedete un coccodrillo vuol dire che lui vi ha già visto tre volte. Occhi aperti». La sabbia era incandescente, ma ce la facemmo a tornare. Tutti coi piedi semiustionati, io invece stavo bene. Superpotere? No, infradito. Cinomanzia Georgia 2015, photo by Gianluca Bindi Il 2015 fu l’anno di un altro superpotere, ossia quello della divinazione incentrata sul comportamento, i movimenti e i latrati dei cani (esiste veramente). Questa volta ero appena arrivato in Georgia, assieme al mio amico Davide. Avevamo prenotato l’ostello soltanto per le prime due notti a Tbilisi, consci del fatto che, in un mese di permanenza, ci saremmo organizzati giorno per giorno a seconda di dove ci avrebbe portato il viaggio. L’aereo, però, fece un ritardo mostruoso. Alle 5 di mattina riuscimmo a uscire dall’aeroporto e a prendere un taxi. Scritte strane si avvicendavano sui cartelli. Dopo una ventina di minuti l’autista si fermò lasciandoci a თავისუფლების მოედანი, che secondo la cartina scrutata dai nostri occhi assonnati doveva corrispondere a una sorta di Piazza della Libertà. Era buio, c’era silenzio. Ubriachi sporadici rientravano da un venerdì sera impegnativo. Ci avviammo per una stradina non illuminata del quartiere di Sololaki, in cerca dell’ostello. L’indirizzo ci portò di fronte a un piccolo androne senza porta, male illuminato, con fili elettrici esposti e una scala dai gradini grigi e sbriciolati. Nessuna insegna o cartello che indicasse qualcosa di simile a un ostello. Guardai Davide interrogativamente proponendo un «Che si fa?», subito ricompensato da un sincero «Io non entro». Provai ad avventurarmi per un piano – che, col senno di poi, vista la situazione non valeva proprio la pena per gli appena 3 euro di acconto che avevamo versato – ma niente. Decidemmo di aspettare su una panchina della piazza, giocando a carte: «Se è veramente un ostello prima o poi aprirà». La luce dell’alba fece apparire il contesto meno spaventoso, ma dell’ostello nessuna traccia. Verso le 7 di mattina un cane randagio ci approcciò alla panchina. Era sporco e aveva qualcosa di simile a una gomma da masticare appiccicata al pelo. Era affettuoso e ci rimase subito simpatico, tanto che gli demmo il nome Laki, visto il posto dove eravamo. Alla fine fece per andarsene, ma dopo qualche metro ci abbaiò. Noi lo seguimmo per dieci minuti buoni, non sapendo bene il perché. Entrò in un altro androne di un’abitazione e noi dietro, senza remore, forse per il sonno bestia. Era un ostello. Niente, non avevano posto. Quindi lui ripartì e noi sempre dietro come degli automi. Entrammo in un altro sottoscala, questa volta di legno, con una miriade di panni stesi. Lui montò le scale, noi pure. Al secondo piano abbaiò, noi suonammo, la receptionist di un altro ostello ci aprì. Avevamo un posto dove dormire. Ci disse che non potevamo portare il cane, noi ci guardammo intorno ma lui era già sparito. Provammo a raccontare a tutti l’accaduto, dubitando della nostra versione e facendoci dubitare del fatto che fosse soltanto un’allucinazione dovuta alla privazione del sonno. Ma alla fine del viaggio, qualche giorno prima di rientrare in Italia, di nuovo a Tbilisi seduti a un bar del centro, Laki si ripresentò per salutarci. E noi avemmo l’occasione finalmente per ringraziarlo. Xenoglossia Turchia 2018, Photo by Gianluca Bindi Questa parola strana indica la capacità paranormale di parlare fluentemente una lingua mai imparata. Mi rendo conto che qui si entra in contesto religioso, visto che in molti abbiamo in mente persone possedute da Satana che iniziano a sciorinare un B2 di aramaico o il passo del Nuovo Testamento dove lo Spirito Santo fa magicamente capire fra di loro “Parti, Medi, Elamiti e abitanti della Mesopotamia, della Giudea e della Cappadocia, del Ponto e dell’Asia, della Frigia e della Panfilia, dell’Egitto e delle parti della Libia che sono di fronte a Cirene e noi residenti di passaggio da Roma, Giudei e proseliti, Cretesi ed Arabi”, e chi più ne ha più ne metta. Ma vi anticipo subito che nel mio caso non è proprio andata così, anche se ci sono andato vicino. Era il 2018, ed ero in Turchia, famosa fra le altre cose per la sua lingua molto ostica e la difficoltà di trovare qualcuno che sappia uno straccio di inglese. Durante il mio soggiorno a Istanbul ero ospite di un ragazzo molto gentile anche se il problema linguistico era una barriera quasi invalicabile. Negli anni la tecnologia aveva fatto passi da gigante, quindi era già buono riuscire a comunicare tramite gli audio di Google traduttore. Nondimeno dopo un paio di giorni decise chiamare una sua amica dell’università che aveva studiato l’italiano a Perugia per qualche tempo, in modo da farle fare da traduttrice simultanea fra noi due. Facemmo subito amicizia e, nei giorni seguenti, Ceyhan mi portò prima a visitare la città e poi direttamente a dormire dai suoi nonni in periferia, per poter raggiungere con più facilità un’isola dell’Egeo l’indomani. Fui letteralmente travolto dall’ospitalità della nonna, una signora rotonda e molto materna. Ci preparò sia la cena che il pranzo al sacco per il viaggio. Poi io e lei ci spostammo sulla terrazza. Iniziammo a parlare. Io in italiano, lei in curdo. Non mi ricordo nemmeno di cosa, ma ricordo che ci capivamo, e che lei aveva una risata stupenda. Dopo un po’ ci raggiunse Ceyhan e, alquanto destabilizzata, constatò che effettivamente quel dialogo aveva un senso logico. Magari non so con lo Spirito Santo, ma con il cuore aperto si può comunicare con chiunque. Kairotecnia Iran 2019, photo by Daniele Lombardi Dio dell’opportunità, nonché ultimo figlio di Zeus, Kairos è stato declinato in molte discipline dello scibile umano. Nella Retorica, Aristotele lo definiva come tempo e luogo giusto per trattare certe questioni, mentre per Freud era il momento adatto, durante la psicoterapia, in cui dire al paziente quello che prima non era pronto a sentirsi dire (pena la ‘fuga’ dal processo di guarigione). Ho coniato questo penoso neologismo perché durante le mie ricerche non ho trovato quella sorta di “abilità di essere nel luogo giusto al momento giusto” che secondo me è, per distacco, il superpotere dei superpoteri. Forse semplicemente perché in gergo viene chiamato ‘culo’, ma oltre a essere troppo vago mi sembrava anche poco raffinato. Nel 2019 col mio amico Daniele, prendemmo la bellissima decisione di passare due settimane in Iran. Il nostro piano di viaggio era chiaro almeno fino al giro di boa, poi avremmo dovuto improvvisare. Arrivati al momento fatidico, davanti a un tè allo zafferano, cercammo in tutte le maniere di far coincidere giorni rimanenti, maggior numero di cose da vedere e il minimo sindacale di ore di sonno. Optammo per il sud, per Hormuz, un’isola del Golfo Persico e i suoi 50°C a ottobre. Prendemmo un pullman notturno, molto alla cazzo di cane, senza sapere dove avremmo dormito la notte dopo e soprattutto senza più soldi locali (in Iran non è possibile ritirare dai bancomat con carte straniere). Dopo una notte passata insonne, con l’aria condizionata in modalità Lapponia, approdammo nella città costiera di Bandar Abbas dove alle 6 di mattina c’erano già 38°C già belli umidi, ma soprattutto consci che avremmo dovuto cercare un posto che cambiasse i nostri euro e quello dove prendere il traghetto in appena un paio d’ore. Miracolosamente riuscimmo a far tutto in tempo e cademmo in un oblio di sonno appena il traghetto si mosse. Attraccati, uno sciame di risciò ci assalì nel bollore. Ci facemmo caricare da uno a caso ma noi non sapevamo dove andare. «Hostel» avemmo soltanto la forza di dire. Lui non capiva, ma alla fine fece come ritenne giusto, imboccando una delle tante strade sterrate. Incuranti della situazione, ballonzolavamo nel rimorchio del risciò sudando copiosamente, quando la motoretta si fermò davanti a un blocco di cemento armato circondato da una ringhiera malandata. «Hostel» ci fece lui, e noi sperammo subito che non intendesse il film horror di qualche anno fa. Invece ci aprì un ragazzo che ci fece accomodare nell’unica stanza, con appena tre letti a castello. Il soggiorno era ampio, con tappeti morbidi e un tavolino basso. Non facemmo in tempo a mettere su un tè che lui ci offrì una canna. I buoni propositi sullo stare alla larga da tentazioni che in questo Paese possono voler dire svariati anni di galera svanirono all’improvviso. Ci mettemmo tutti attorno al tavolo a fumare: noi, lui, un tizio che poi scoprimmo spacciatore (ci avrebbe accompagnato nei tour in risciò dell’isola con la merce da piazzare) e un altro tizio che dormiva sotto al divano, probabilmente già sotto oppiacei. Parlammo e ridemmo. Il titolare accese la musica e mise il mio album preferito, Lateralus dei Tool. Gli feci vedere il tatuaggio sul mio braccio e lui tirò su il pollicione. Finimmo io a cantare e il tossico a mugolare da accompagnamento. Ero felice, consapevole che, non sapendo come, ero nel posto giusto al momento giusto. Grazie al Kairos. Share Tweet Share... Read more...La prossima innovazione, un articolo di D. Petrelli || THREEvial Pursuit13 Gennaio 2021La prossima innovazione di Dario Petrelli La prossima innovazione che dobbiamo apportare nella nostra società non è tecnologica. Non ha a che fare con una grande invenzione che ci consentirà di teletrasportarci, o di conquistare Marte, o di generare grandi quantità di acqua dal nulla (ok, quello magari aiuterebbe, ma non è questo il punto). La prossima innovazione deve essere filosofica, etica, sociale. Deve riguardare il nostro modo di pensare: a noi stessi, alle nostre relazioni, al mondo che ci circonda. Ce lo diciamo già da tempo: solo un cambiamento radicale nel nostro modo di ragionare può aiutarci a trasformare in misura significativa il nostro modo di vivere. Non sarà il prossimo I-Phone a salvare la Terra – anzi, è molto probabile che il prossimo I-Phone contribuirà a peggiorarle. Ma quale potrebbe essere questa nuova idea, in grado di aiutarci a vivere meglio? Non lo so, ma sparo un esempio: il dare nuova, autentica importanza alla pausa. Sì, la pausa, intesa come mancanza di fretta, ansia, di voler fare, di voler avere, di essere sempre i numeri e le numeri uno. Mancanza di profonda, intensa avidità. La pausa, come nel gioco di Zidane, quando dopo un dribbling a metà campo si ferma e guadagna secondi aspettando la sovrapposizione del terzino sulla fascia, per poi servirlo sulla corsa. Senza ansia, senza voler accelerare il ritmo a tutti i costi, aspettando che i tempi coincidano. La pausa, come l’agricoltrice che evita di spruzzare pesticidi e veleni su ogni centimetro quadrato del suo campo per velocizzare il processo di crescita e maturazione dei suoi ortaggi, delle sue vigne, dei suoi alberi. La contadina che concede alla vita le condizioni migliori per venire a formarsi. La pausa, come quella delle città che scoraggiano l’utilizzo dell’automobile nelle proprie strade. Esistono davvero queste città, no? Magari non sono così diffuse, non in Italia almeno, ma esistono. Fatevi una camminata, gente. Non abbiate fretta. La pausa, come quella che esisterebbe in un mondo ideale dove non c’è l’obiettivo del profitto costante, il plus a ogni secondo che passa. Il plus che finisce per soffocarci tutti quanti: generando traguardi ogni volta più irraggiungibili nei nostri lavori; saturando i nostri smartphone di roba che ci martella e ci confonde; riempiendo gli scaffali dei supermercati e i nostri frigoriferi di cibo incommestibile basta che si compri. Cazzo, a volte mi sento come incastrato nella home di Netflix, dove scorrendo dall’alto verso il basso finisci per perderti nell’oceano di serie tv che continuano incessanti a sbucare fuori dal nulla, e sono tutte uguali e ogni volta che ne inizio una nuova mi sento subito preso per il culo perché dai, siamo seri, cos’ha veramente di nuovo questa nuova serie tv? L’innovazione di cui potremmo aver bisogno, insomma, è una rinuncia alle innovazioni. Perlomeno a quelle a cui ci siamo abituati così tanto da pensare che il nostro orizzonte debba essere sempre costellato dall’arrivo di nuovi prodotti, aggiornamenti, scoperte, esperienze, cose. Troppe cose, forse ce ne vorrebbero meno, forse sarebbe il caso che tutti provassimo a rallentare per un po’. [E so bene che in questo momento storico un concetto simile non può che riportare alla mente il lockdown, ma quello in fondo non ha davvero a che fare con la pausa per come ne ho parlato fin qui: è piuttosto uno stop forzato nel tentativo di salvare il salvabile e far diminuire le morti. Non è il calciatore che si ferma col pallone tra i piedi per far salire la squadra, è il calciatore che viene espulso dopo un brutto fallo e abbandona la partita. Certo, avremmo potuto sfruttarlo come un’occasione per ragionare a fondo su tematiche importanti e su come prevenire disastri futuri. Di solito nei film (o nei libri o in qualsiasi tipo di racconto), la pausa serve anche a preparare lo spettatore a cambiamenti inattesi nello svolgimento della trama. Dopo il primo lockdown invece abbiamo scoperto che non era cambiato nulla, e non è un caso se siamo ancora intrappolati in una situazione molto simile a quella in cui eravamo finiti a marzo]. La realtà è che la nostra è una società che va a mille all’ora sotto tutti i punti di vista. Si è già schiantata più volte ma ciononostante non accenna a frenare – sembra non sapere come si fa, a frenare. Sembra ansiosa di andare incontro allo schianto definitivo. La svolta, allora, potrebbe consistere nell’imparare a decelerare. Cambiare velocità, ma verso il basso – e non sempre e solo verso l’alto come ci siamo condannati da soli a fare. Magari non funziona, o magari invece potrebbe piacerci. Il cambio di ritmo, del resto, aiuta a rendere la fruizione di un’esperienza meno monotona. Insomma, avete afferrato il concetto, no? Niente di nuovo in fondo, se ne parla da tempo e risale agli anni ’90 il motto di Alexander Langer – personalità poliedrica i cui contenuti paiono farsi più urgenti a ogni anno che passa – “lentius, profundius, suavius”, che tradotto significa: diamoci una calmata. Capito, piattaforme di streaming? Datevi una calmata anche voi. Sul serio, c’è troppa roba su quella home e non si riesce mai a capire cosa scegliere: è un labirinto notturno pieno di potenziali scelte sbagliate e video che partono in autoplay per farti smarrire la via. Forse è meglio prendersi una pausa, anche dalle serie tv. Share Tweet Share... Read more...Intervista a Mathieu Romeo aka Trota, di G. Silvestrelli || THREEvial Pursuit23 Dicembre 2020Intervista a Mathieu Romeo aka Trota Nelle acque profonde del writing romano di Giorgio Silvestrelli TROTA, all’anagrafe Mathieu Romeo, è un writer di Roma. Non uno qualsiasi. Da sempre è considerato come un pilastro della scena del writing romano e non solo. Abbiamo deciso di incontrarlo e di fare una bella chiacchierata con lui dato che, insieme con Lorenzo D’Ambra, ha da poco dato alle stampe un libro dal titolo quanto mai emblematico: Roma Subway Art. Giorgio Silvestrelli: Ciao Mathieu, presentati al pubblico di Three Faces. Raccontaci chi sei e quali sono le tue passioni. Trota: Ciao, sono Mathieu, meglio conosciuto come TROTA.Le mie passioni sono la pesca con la mosca e i viaggi, mentre la cultura a cui appartengo è il graffiti writing. GS: Come ti sei avvicinato al writing e qual è il tuo primo ricordo legato ai graffiti? T: Mi bocciarono e dunque cambiai scuola, continuando nonostante tutto a fare politica. Entrai, così, a far parte di un collettivo dove, tra gli altri, c’era HIOM che qualche mese dopo mi chiese di andare a fare il palo a lui ed alcuni amici mentre dipingevano un treno. Una volta che ebbero finito, scrissi FUCK THE SYSTEM con uno spray giallo! GS: Raccontaci l’origine del tuo tag: Trota. T: Erano i primi giorni di scuola dopo Pasqua e stavamo facendo ricreazione quando i miei compagni mi dissero che la prof avrebbe interrogato così. Visto che come al solito non avevo studiato, appena rientrati in classe iniziai a raccontare di come qualche giorno prima, mentre mi trovavo dai miei zii in Francia, avevo pescato un piccolo pesce con dei puntini rossi lungo i fianchi: una trota.Doveva essere la seconda media, e da quel giorno tutti gli amici mi chiamano così. Da allora, per tutti, io sono TROTA GS: Ci sono stati dei writer in particolare che ti hanno ispirato? Parlo sia in riferimento alla scena romana, ma anche a quella americana. T: A Roma ci sono due writers che mi sono sempre piaciuti più di altri, e parlo di STAND e PANE, ma non mi hanno ispirato, anche se mi sarebbe piaciuto.In giro per il mondo ce ne sono stati tanti di writers che mi hanno colpito, su tutti ricordo SICK e MELLIE oltre ai tanti della scena di New York. Ho però un solo mito: DONDIGS: Cosa ne pensi dell’attuale scena romana di graffiti? T: Internet ha appiattito tutto e, purtroppo, la bella e particolare scena romana di una volta non c’è più. Così come manca il rispetto, sia sui muri che sui treni. Ormai le nuove generazioni, in larga parte, fanno le cose tanto per farle, senza capire bene di cosa realmente si tratti.GS: Come è cambiato, a tuo modo di vedere, il mondo del writing a Roma e, più in generale, nel mondo? T: C’è una generale regressione dello stile, si sta tornando alle origini di New York, al paleolitico del writing. Insomma, stiamo vivendo i veri graffiti! (ride, ndr). GS: A proposito di tempo che scorre inesorabile, parlaci del tuo libro Roma Subway Art, capace di raccontare 30 anni di graffiti nella Città Eterna. T: ROMA SUBWAY ART è un progetto nato dall’idea di Lorenzo, a cui avevo dato le mie foto affinché le scansionasse. Dopo una settimana che ci lavorava incessantemente, mi propose di fare un libro. E dopo oltre tre anni eccolo qui: Il libro. La metro.I graffiti.La storia.432 pagine, oltre 800 foto e 90 tra testi e interviste di alcuni dei writers più prolifici.GS: Questa è la prima volta che ti cimenti con un libro? T: Sì, questo è il mio primo libro. Già verso la fine degli anni ’90, insieme a DALE, avevamo dato vita a MACCARONI, che fu la prima fanzine di writing romano e della quale uscirono quattro numeri. Poi alzammo il tiro e a noi si aggiunse VELA, con il quale facemmo il primo video di writing in Italia, si chiamava STARTRASH. Chissà cos’altro mi riserverà la vita. Sicuramente per me questo libro è un punto di arrivo, un gesto d’amore verso il mio mondo, i miei amici, i nemici, la mia vita. GS: Quali sono state le maggiori difficoltà che hai incontrato nel realizzarlo? T: La parte più difficile, inizialmente, è stata quella di convincere le persone a partecipare, a scrivere un testo e a darci delle belle foto. Dopo un po’ che la voce ha iniziato a girare, devo dire che anche i più restii hanno voluto far parte del progetto. GS: Con quali criteri tu e Lorenzo avete selezionato le foto e i tantissimi writer che hanno preso parte alla realizzazione del libro? T: Il criterio è uno ed è molto semplice: se sei stato parte di questa storia, stai nel libro!A livello di testi, volevamo che tutte le crew importanti fossero rappresentate il più possibile, e credo che ci siamo riusciti. GS: Nel libro c’è una foto o un testo che più di ogni altro ti ha emozionato? T: L’emozione più grande l’ho avuta dai vari complimenti che mi sono arrivati dalle persone che hanno partecipato al progetto. GS: Perché era importante oggi, nel 2020, realizzare un libro sui graffiti? T: Non era tanto importante farlo uscire nel 2020, ma era fondamentale che Roma avesse un libro che raccontasse la storia del writing prima che se ne annebbiasse il ricordo. Alcuni writer sono morti, altri sono spariti nel nulla, altri ancora hanno ricordi vaghi. Mettiamoci anche che i vari traslochi hanno fatto sì che tante foto siano andate perse. Io e Lorenzo abbiamo scritto un libro di storia dell’arte di un qualcosa che, pur essendo effimero, è destinato a rimanere, custodito nelle librerie vicino a libri come SPRAYCAN ART e SUBWAY ART. GS: Vorrei parlare con te di street art. Per te, cos’è la street art? T: La street art è la necessità di artisti comuni di farsi pubblicità per poter poi vendere le loro piccole opere nelle gallerie. GS: Il writing può essere definito street art? Quali sono le differenze, se ci sono? T: Il writing fa parte della street art perché, nell’accezione del termine, è fatto per strada e ad alcuni cittadini piacciono i graffiti. Ma la verità è che il writing è una cultura, la street art, o come diavolo la si voglia chiamare, no. E, a mio personale modo di vedere la cosa, non lo sarà mai.GS: Street art vs. Urban Art. Illegale contro legale. Tu che opinione ti sei fatto? E i graffiti che ruolo hanno in tutto questo? T: Io credo che ognuno debba fare ciò che vuole e, soprattutto, ciò che lo fa stare bene. Quindi non importa che sia legale o illegale, l’importante è essere liberi di esprimersi ed essere felici del risultato. GS: Cosa pensi in generale del mercato dell’arte? Mi spiego meglio: sempre più spesso gli street artist, ma anche molti writer, trovano mercato tramite le gallerie che, ormai da diversi anni, hanno messo gli occhi sull’arte di strada. Tu cosa pensi al riguardo? T: È normale che il mercato dell’arte guardi alla street art poiché, come ti ho detto prima, è arte comune, che piace più o meno a tutti. La cosa interessante è la ricerca (da parte di pochi) di pezzi di writing, dove il collezionista è intenzionato a comprare la cultura e il mondo che c’è dietro a quei segni. Quando c’è una richiesta, c’è sempre anche un’offerta e dunque sì, sono a favore della mercificazione del writing anche se trovo che molti, troppi, si svendano.GS: Quanto resta oggi dello “spirito originario” del writing? T: Cosa rimane oggi? Come dice Frah Quintale in una sua canzone, solo “15 secondi di gloria su Insta”! GS: Roma, ad oggi, può ancora essere considerata come uno dei luoghi di culto italiani del writing? T: Non Roma. Il vero luogo di culto del writing mondiale, è la metro di Roma.Dove da 30 anni almeno un graffito al giorno ha sempre girato su una delle varie linee. GS: Personalmente cosa ti dà maggiore soddisfazione? Dipingere un muro o un treno? T: Dipingere treni è un’emozione unica. L’adrenalina è indescrivibile e l’idea che il mio pezzo si fermasse davanti agli occhi di qualcuno che non poteva far altro che ammirarlo, mi faceva sentire invincibile. Poi, però, gli anni passano, gli acciacchi aumentano e capisci che devi accontentarti di scrivere il tuo nome sui muri perché non sei più un ragazzino. GS: Che rapporto hai con i social network? Pensi che i social abbiano cambiato il modo di percepire e fare graffiti? T: Come dicevo prima, le nuove generazioni vivono di istanti (e distanti) sui social. Io preferisco ancora la carta stampata, una foto cartacea o ancora meglio un libro, nonostante, per lavoro, io stesso abbia dovuto mettermi al passo coi tempi.GS: C’è qualche cosa che vorresti raccontarci ma che nessuno ha mai osato chiederti? T: Vorrei tanto raccontarti il mio giro del mondo. Ma sarebbe una storia troppo lunga. GS: Hai un sogno nel cassetto? T: Li ho realizzati tutti.GS: Hai un messaggio per i lettori di Three Faces? T: Non so se il writing sia arte o vandalismo, però, che vi piaccia o meno, una scritta su un muro non ha mai fatto del male a nessuno. Grazie Mathieu e a presto Foto tratte da Roma Subway Art photos di Lorenzo D’Ambra / Foto graffiti di Mathieu Romeo aka TROTA Share Tweet Share... Read more...Labirinti notturni, di C. Durden || THREEvial Pursuit16 Dicembre 2020Labirinti notturni di Corto Durden Labirinti Notturni La scorsa notte stavo leggendo il libro che ho ordinato da Amazon, L’invenzione di Morel di Bioy Casares. Leggo sempre a letto prima di dormire, perché trovo che la calma della notte favorisca l’immersione nelle atmosfere di un racconto; il viaggio nei luoghi e nei tempi di una storia, inoltre, ha l’effetto di abbassare le mie difese e mi prepara ad arrendermi al sonno. Mentre leggevo Casares ed ero preso dai tentativi del protagonista di suscitare una reazione nella donna che guarda impassibile il tramonto dalla scogliera, curioso di scoprire come mai quella non gli prestasse la minima attenzione, sono passato da una pagina all’altra – senza voltarle, erano due pagine adiacenti – e mi sono accorto che l’inizio della seconda non aveva nulla a che fare con la fine della prima. C’era una rottura del flow in atto, il senso della frase che avevo iniziato non proseguiva affatto nel foglio successivo. “Che diavolo sta succedendo?” Ho cercato la risposta laddove ci si reca subito in questi casi, e cioè nei numeri delle pagine, e lì ho visto confermati i miei timori: da pagina 32 si passava direttamente a pagina 81. “Ma che cazzo”, mi son detto. Ho sfogliato il libro controllando la disposizione delle altre pagine, per scoprire che da quel punto in poi era semplicemente un casino: alcune stampate più volte, e altre totalmente mancanti (come le pagine da 33 a 80, chiaramente). Mi sono arreso. “Per stanotte è andata così”, ho pensato. “Domani contatto il servizio clienti, ora non resta che dormire”. Ho spento la luce, ma ero incazzato nero. Ci tenevo a leggere questo libro, l’ho ordinato perché mi incuriosiva parecchio e mi stava anche piacendo. Volevo proseguire l’esplorazione di quella cazzo di isola surreale su cui si trova il protagonista, e invece no. Te l’abbiamo stampato coi piedi, ah! Prendila in culo. Grazie. Non è nemmeno la prima volta che mi succede una cosa del genere. Un paio d’anni fa ho preso L’autunno del patriarca di Marquez in prestito dalla biblioteca comunale. Qualche notte dopo, mentre sono più o meno a metà del romanzo, assorto e bello comodo nel mio letto, volto pagina – stavolta la sorpresa attendeva che fossi io ad andarle incontro, come nei film horror – e trovo qualcosa che mi lascia di stucco: un mucchio di peli neri (pubici, temo) incastrati nella piega del libro, al centro fra le due pagine. Li guardo inorridito per qualche secondo, chiudo il libro, lo poggio per terra, vado a lavarmi le mani, dormo, il giorno dopo lo riconsegno alla biblioteca così com’è senza dire nulla. Ecco, magari è stato il karma: avrei dovuto interrompere quel sadico scherzo perpetrato dallo stronzo che aveva messo i peli nel libro, perlomeno avvisando le bibliotecarie mentre lo riconsegnavo (non so perché non lo feci, forse per imbarazzo, forse perché sono uno stronzo anch’io). O magari si tratta di una sorta di maledizione che mi colpisce quando leggo gli autori sudamericani del realismo magico, chi lo sa. Non c’era nulla di magico però in quei peli. Ad ogni modo, la scorsa notte non sono riuscito a prendere sonno come speravo. Sarà stato perché ho interrotto la lettura prima che le mie palpebre iniziassero a calare, sarà stato il nervosismo per la sfiga di aver beccato il libro rotto tra tutte le copie che potevano capitarmi, fatto sta che ero ben sveglio e mi sono ritrovato in balìa dei miei pensieri. Pensieri che si sono presto annodati in una spirale di negatività e riflessioni paranoiche. È qualcosa che mi succede alle volte nelle notti in cui non riesco a dormire, più o meno da sempre. Per fortuna da qualche tempo il sonno mi cattura quasi subito non appena chiudo gli occhi, ma se la mente è ancora arzilla quando spengo la luce, beh, la paranoia è dietro l’angolo. Sarà capitato a tutti almeno una volta nella vita, basta un attimo: seguendo il filo dei tuoi ragionamenti potresti intraprendere una direzione pericolosa e ritrovarti nel posto sbagliato, in un labirinto nero dalle pareti opprimenti, un groviglio di sentieri bui da cui non si riesce a venir fuori. È la notte stessa a farsi opprimente, seppure immobile, e il soffitto è più basso, come se venisse a cercarti. Dopo un po’ inizia anche a salire la temperatura, nonostante sia pieno inverno. Fa caldo per effetto dei tuoi movimenti continui, della nervosa ricerca di un riparo dai fantasmi nella tua testa. Le coperte diventano solo un peso, tu sudi, le scosti, ma passano i minuti e fa di nuovo freddo – sai com’è, è pieno inverno. Ti attivi sempre di più per cercare sollievo e il sonno continua ad allontanarsi. Ecco, è questo il tipo di trappola in cui mi sono incastrato la scorsa notte. Beh, ma pensa ad altro, potrebbe dirmi chi è abituato a dormire senza problemi. Eh, fosse facile. In nottate simili le tue angosce ti inseguono, ti si attaccano addosso e stringono la presa. Trovo anche inutile rivelare i motivi ricorrenti delle mie paranoie, perché non ci sono veri e propri motivi ricorrenti: l’ansia molto spesso se ne frega delle ragioni che l’hanno scatenata. Una volta innescata si nutre di tutto ciò che trova, e ci sono stati casi in cui ho finito per dimenticare come mai fossi ansioso. (Il casus belli, si sa, è solo un pretesto: la guerra si espande e si autoalimenta per amore della devastazione). Allora mi dico qualcosa per calmarmi: “pff, tra poche ore tutti questi pensieri non conteranno nulla. Ti sveglierai e sarà un altro giorno, come sempre”. Ci vuole un po’ di tempo perché questo mantra attecchisca, me lo ripeto. “Tanto alla fine ti addormenti sempre, sia pure per poche ore, ma il tuo cervello si arrende perché ne ha bisogno”. Aspetto. Guardo la mia compagna che dorme accanto a me – lei sì e alla grande – beata lei. Siamo vicini e su due pianeti diversi allo stesso momento. Mi piace guardarla nel buio, ma devo chiudere gli occhi. Mi rilasso, ci siamo quasi. “Domani è un altro giorno”. Sento i piani del mio pensiero slittare una prima volta, scivolano, la mia mente si è inclinata verso l’oblio. Ci siamo. Stamattina mi sono svegliato ed era un altro giorno, come sempre. Il sole riempiva la stanza dove avrei lavorato in smart working – un sole freddo e infiacchito dalle nuvole, ma pur sempre il sole. Notti così possono portarsi dietro degli strascichi durante la mattinata ma il fatto di averle superate – di aver dormito nonostante ti sentissi condannato a restare sveglio e in compagnia delle tue paure – dà come uno sprint iniziale alla giornata, ti fa partire più carico. È un periodo del cazzo, che ci fa sentire tutti fragili e in bilico. Lo stress sta mettendo a dura prova tantissima gente in tutto il mondo, e mi chiedo dove stiano trovando la forza di non impazzire le persone più indifese e che hanno meno strumenti per resistere alla pressione. Passerà ‘a nuttata? Saremo di nuovo carichi alla vista del sole che riempie le nostre stanze? Boh. Io per ora sto facendo il massimo, come tutti, per pensare positivo. Per conservare la fiducia nel fatto che sì, la notte è passeggera, e le paure che la abitano non trovano posto nel giorno che segue. “Non guardare dentro l’abisso”, mi dico. “Lo sai, quello poi guarda dentro di te e sono cazzi”. Ok, siamo d’accordo. Ma io che cazzo leggo stanotte? Share Tweet Share... Read more...Sentieri Leggendari, un articolo di R. Dell’Ali || THREEvial Pursuit9 Dicembre 2020Sentieri Leggendari Un libro per viaggiare altrove di Roberta Dell’Ali Copertina di Sentieri leggendari – L’arte di camminare fra storia, avventura e paesaggio, a cura di C. Honan, R. Klaten e A. Kouznetsova. A voi cosa manca dell’ante-Covid? A me viaggiare, mi manca un botto ed è per questo che oggi cedo la parola a luoghi magici e cammini lontani, raccontati in un bellissimo volume: Sentieri leggendari – L’arte di camminare fra storia, avventura e paesaggio, edito da Rizzoli, a cura di C. Honan, R. Klaten e A. Kouznetsova. Un libro prezioso, che due amici che non abbraccio da mesi e mesi e mesi mi hanno regalato tempo addietro. La dedica recita: Perché tra tutte le arti quella di camminare è quella che ti rende più libera In questo tempo sospeso che stiamo vivendo, le pagine di questo volume sanno portar lontano e, a volte, sembra persino di sentire i piedi affondare nella terra brulla dell’altrove, di cui il buon Calvino seppe dare la miglior definizione di sempre: Uno specchio in negativo Il viaggiatore riconosce il poco che è suo, scoprendo il molto che non ha avuto e non avrà Facciamo un salto nell’altrove dei miei sogni quindi, vi va? Il circuito del Toubkal: montagne alte, villaggi berberi e boschetti di ginepro Vetta della Jbel Toubkal, Marocco, uno dei Sentieri leggendari Il circuito del Toubkal è un cammino semi-ostico che si srotola per circa settanta chilometri tra le montagne dell’Alto Atlante, la catena montuosa che attraversa diagonalmente il Marocco (dall’Atlantico a ovest all’Algeria a est). I nativi della regione chiamano le cime dell’Alto Atlante Idraren Draren, “montagne delle montagne”. Il circuito di Toubkal inizia e finisce nel pittoresco villaggio di Imlil e pare essere uno dei migliori trekking del continente africano. Un percorso che si sviluppa tra sentieri che sono stati battuti per millenni dai locali; luoghi dove si avvera una mescolanza strabiliante di valichi nascosti, vallate che sembrano oasi, vette innevate e creste panoramiche. Le vallate si succedono lungo il cammino, tutte diverse: alcune rigogliose e coltivate, altre sterili e spezzate dal vento. Bramo di percorrere i sentieri del Toubkal, di perdermici dentro (solo spiritualmente, questo è ovvio) e di imbattermi nel color smeraldo splendente del lago Ifni, appena a ovest del villaggio di Amsouzert. E poi, i berberi delle montagne: case fatte di mattoni di fango che sbucano dai fianchi pendenti delle montagne alte, le tajine, il tè alla menta e la tradizione berbera, preservata dal favore dell’aridità e delle fortificazioni. Il Wadi Rum: “Vasto, echeggiante e simile a una divinità” Il sentiero leggendario del Wadi Rum, GIordania, (Photo by Andrea Biagioni) Così T.E. Lawrence definì il Wadi Rum: “vasto, echeggiante e simile a una divinità”. Parliamo di un ghirigori profondo nella Giordania meridionale, scavato nei millenni da un corso fluviale. La chiamano anche ‘Valle della Luna’: un susseguirsi elegante e maestoso di vallate che scendono fino all’Arabia Saudita, un lungo intreccio di gole, archi, pilastri e sabbie color cremisi. Il Wadi Rum è molto simile a Marte, il pianeta rosso, solo con qualche forma di vita a noi nota che scorrazza qua e là: cammelli, qualche uccello. Stambecchi e capre di montagna. La notte, poi, si fanno avanti gatti delle sabbie e volpi del deserto. Ma vi immaginate che cosa indecente deve essere osservare l’intorno stando sulla cima del Jebel Um Adaami? Lì, sulla vetta più alta della Giordania, a 1839 metri sul livello del mare, immersa in una distesa di roccia infuocata. Dicono che il cielo del Wadi Rum sia impareggiabile: di notte, quando si raggruma di nero e le stelle lo tagliano con scie nette e limose; ma anche all’alba o nel tardo pomeriggio quando i raggi del sole infuocato creano sulla roccia un caleidoscopio rosso e arancione che dà senso alle parole del vecchio Lawrence, che il Wadi Rum lo conosceva bene. Quando tutto questo sarà finito io andrò in questi posti. Voi, invece, dove volete andare? Share Tweet Share... Read more...Voglia di droplets, un articolo di B. Bendinelli || THREEvial Pursuit2 Dicembre 2020Voglia di droplets di Benedetta Bendinelli In Peaky Blinders non rispettano la distanza di sicurezza Non so più cosa dire, scrivere o pensare riguardo questo Covid. Non so più cosa pensare di tutti noi, zitti e fermi nell’attesa che il nuovo anno cambi rotta – come se esistesse davvero un calendario con gli impegni del destino – mentre i colletti bianchi giocano a strega comanda colore. L’intrattenimento crudele della pandemia ha monopolizzato la sofferenza, la frustrazione, la noia e la solitudine, lasciando tutto il resto – i nostri soliti e piagnucolosi dolori da giovani Werther – in secondo piano: tutto fermo in un cassetto polveroso dove non ci sono sogni ma deboli realtà (semi cit.). Come questo pezzo che sto cercando di scrivere, e che vorrei fosse sano, privo dei sintomi di una malattia epocale, libero; e invece no, anche la scrittura è stata infettata dalla peste fredda: non la vediamo ma lei vede noi, ovunque siamo ci segue e ci rompe i coglioni; in silenzio sì, ma ce li spacca. Proprio l’altra sera, mentre cercavo di non pensare al Covid, ecco che mi trovo inaspettatamente a pensare al Covid. Stavo guardando un film e all’improvviso – dopo essermi chiesta per l’ennesima volta come mai gli attori non indossano le mascherine, per poi rendermi conto che la mia mente è già stata riprogrammata con i plug-in Covid – mi domando: cosa ne sarà degli sputi sul set? Gli attori saranno ancora a loro agio quando nel copione della sceneggiatura leggeranno: interno, casaMartin sputa in faccia a Henry più volte e poi esce di scena sbattendo la porta. Sebbene sia oramai un fatto certo che salteranno fuori vaccini e centinaia di altri metodi precauzionali per raggirare la malattia, bisogna sempre tenere a mente che sputare oggi non è soltanto un gesto spregevole e disgustoso, ma è anche la primaria azione veicolante del virus. Vi ricordate quando da piccoli leccavamo la merenda per non farcela fregare dal compagno di banco? Bene, pensate che d’ora in poi il principio di quella tattica primordiale sarà una regola fissa, che lo vogliamo o no saremo per sempre spaventati dalla saliva altrui. Quindi mi chiedo nuovamente: con che coraggio gli attori si faranno sputare in faccia? Se tutto va bene il 2021 sarà un anno salvifico e come per magia torneremo tutti a fare la vita di un tempo, ci abbracceremo, ci baceremo, scoperemo e torneremo anche a offenderci a colpi di sputi. Se tutto va bene non ci penseremo più. Se tutto va male arriverà un momento in cui faremo comunque ciò che ho elencato di sopra, ma probabilmente non assisteremo più a quegli intensi e patiti dialoghi tra le star di Hollywood che tanto ci garbano ed emozionano. Volendomi preparare al peggio – immaginando un mondo triste dove i dialoghi arrabbiati e sudati avranno bisogno di effetti speciali per ricreare i droplets – ho selezionato una classifica delle migliori scene di film o serie televisive dove partono sputacchi come piogge di stelle, alcuni dei momenti più memorabili della storia del cinema dove non ci sono regole di distanziamento e la saliva ha tutto un altro sapore. 10. L’allenatore nel pallone Un classico della commedia italiana anni ’80 dove schiaffoni, calci in culo e palpate erano archetipi estetici di un’epoca leggera in via d’estinzione (per fortuna, direi). Lino Banfi recita la parte di Oronzo Canà, un allenatore pugliese di serie B con grandi ambizioni calcistiche. Presto detto: in visita a Rio De Janeiro alla ricerca di un fuoriclasse per la sua squadra, Oronzo finisce in sala operatoria per un’appendicite. In una breve scena in coppia con Andrea Roncato, Lino nazionale prova a sputarsi in faccia da solo – soltanto dopo aver colpito anche il collega – in un gesto di auto umiliazione a seguito della sfortunata visita in Brasile. Grazie Lino, ma ‘sta roba non ci mancherà. Oronzo Canà (Lino Banfi) sputa in faccia ad Andrea Bergonzoni (Roncato). E poi sputa in faccia a sé stesso. 9. Il Petroliere Senza dubbio uno dei film più belli di Paul Thomas Anderson che in ognuna delle sue pellicole si preoccupa di fornire la giusta quantità di lacrime (Magnolia), sperma (Boogie Nights) e alcool (The Master). Nel lungometraggio che ho selezionato per questa classifica troviamo una delle scene più intense della cinematografia hollywoodiana, un dialogo ricco di pathos, dramma e senza dubbio saliva. Nel finale del film uno straordinario Daniel Day-Lewis si scaglia contro il collega in scena (il cucciolotto Paul Dano) e lo massacra di rabbia e parole, con una furia violenta che terminerà in un bagno di sangue, e non solo. Plainview (Daniel Day-Lewis) riempie di droplets il povero Sunday (Paul Dano) 8. Fight Club Memorabile per centinaia di ragioni: le botte prima di tutto, il fisico di Brad Pitt, le saponette; ma anche per la dura critica al sistema consumistico e a una società superficiale e materialista. Ma dove sono gli sputi? Durante la fase di reclutamento dei membri del fight club, Edward Norton si occupa di selezionare gli uomini del gruppo i quali, per avere accesso alla squadra, dovranno passare un lungo test d’ammissione che consiste semplicemente nell’attesa. Sul porticato della casa fatiscente di Tyler Durden & Co. volano sputacchi a distanze ravvicinate, in un contesto che ricorda un po’ Full Metal Jacket e soldato Palla di lardo. Già, adesso che ci penso… Il test d”ammissione al fight club di Edward Norton e Brad Pitt 7. L’odio – La Haine Qua urlano tutti e in faccia: più che sputi, volano pistole.Vinz, Hubert e Saïd si ritrovano in un bagno pubblico a farneticare di vendetta e porci d’ammazzare quando all’improvviso salta fuori un ometto canuto che li zittisce raccontandogli un vecchio aneddoto. Questo è un momento importante nella trama del film, non soltanto per l’intensità dei dialoghi ma anche per i loro contenuti. Il mio consiglio è quello di vedere il film oppure cercare su YouTube L’Odio ~ La predica di Grumvalski, dove proprio in questa scena convivono dense salivazioni e insegnamenti di vita. Un Vinz Cassel in vena di droplets ne L’odio 6. Friends, dall’episodio The One with Monica and Chandler’s Wedding (Part I) Niente di speciale in questo sketch se non la presenza edenica di Gary Oldman (per me, e per sempre, l’unico grande Dracula). È bello pensare che una volta attori del suo calibro trovavano il tempo per farsi sputare in faccia da dilettanti allo sbaraglio come Matt Le Blanc. In uno degli ultimi episodi della serie tv più famosa al mondo, Joey riesce ad avere una parte in un film di guerra e nella scena del confronto con un suo superiore entrambi gli attori enfatizzano la pronuncia delle parole con la P fino a spruzzare dalla bocca come fontane. Nulla di che, ma tanta saliva. Gary Oldman in Friends. Sì, è successo veramente ed è stato bellissimo. Pioggia di droplets a parte. 5. Kill Bill Vol.II Qua le cose si mettono male. Quentin Tarantino è noto per non risparmiare mai i suoi attori sul set. La sua filosofia è un po’ della serie “se devono rompersi una gamba, che se la rompano”. Ultimamente è stato criticato anche per l’eccessivo zelo adoperato durante le riprese di Kill Bill Vol.II nella scena di guida pericolosa di Uma Thurman. La macchina era vecchia e a quanto pare in pessimo stato, inoltre non venne utilizzata una controfigura e l’attrice fu obbligata a guidare ad alta velocità fino poi a scontrarsi (per davvero) con una palma. Con questi presupposti è ben chiaro che con Tarantino, quando si parla di sputi, non ci sono trucchi di scena. Beatrix viene messa a tappeto da Budd e il regista chiede a Michael Madsen di sputarle in faccia una miscela che somiglia a un mix di tabacco, whisky e fango. Voci di corridoio sostengono che Madsen da vero gentiluomo si sia rifiutato e così il buon vecchio Quentin si è trovato costretto a produrre personalmente l’orrendo fiotto melmoso.Uno degli sputacchi più brutti mai visti, vedere per credere. Lo sputazzo di Budd (Michael Madsen) prepara un mega-droplets per Beatrix (Uma Thurman) – che poi era di Tarantino. 4. Revolutionary Road Prima o poi a Di Caprio gli scoppia un embolo.Molte delle sue parti prevedono scene di incontrollabile rabbia, arricchite da indomabili vene gonfie che gli squarciano il collo e la testa. Potrei elencarne decine e decine, partendo da Buon Compleanno Mr.Grape fino agli anni maturi de Il Grande Gatsby, ma il mio “momento saliva” preferito si trova in un bellissimo e intenso scontro tra Leo e Kate Winslet in Revolutionary Road. A un certo punto urlano tutti, lei un po’ di più, e per questo motivo la prossima volta stileremo una classifica delle migliori grida sul set.Non è vero. L’evidente embolo di Leonardo Di Caprio in Revolutionary Road 3. Full Metal Jacket Non c’è bisogno di introduzione. Ha preso più schizzi soldato Palla di lardo che uno scoglio al molo di Viareggio. Semplicemente il droplets del sergente Hartman (Ronald Lee Ermey) per il soldato Lawrence (Vincent D’Onofrio). Che altro dovremmo dire? 2. Marriage Story Al secondo posto voglio celebrare una performance ingiustamente sottovalutata nel carosello dei premi hollywoodiani. Scarlett Johansson e Adam Driver nell’ultima pellicola di Baumbach, ci regalano un alto momento di recitazione nella cliccatissima scena del litigio. Il film è uscito nel 2019, e soltanto un anno dopo il mondo delle star – e di noi altri comuni mortali – si è ritrovato in un dramma degno dei più architettonici film di fantascienza. Scarlett e Adam ancora non lo sapevano, ma quella sarebbe stata una delle ultime scene in cui gli attori potevano affrontarsi con così tanta libertà fisica. La colonia di droplets nella bocca di Adam Driver 1. Peaky Blinders nell’episodio 6 della terza stagione Tommy Shelby e Alfie Solomons, interpretati da Cillian Murphy e Tom Hardy, sono probabilmente la rappresentazione più azzeccata, in una serie televisiva, dell’eroe negativo e il suo rivale in affari. Il loro rapporto di rispetto e odio è perfettamente narrato in una scrittura ricca e incalzante, degna delle più grandi opere cinematografiche. Ma oltre a brillare per regia e sceneggiatura, Peaky Blinders è il maggior portatore sano (boh) di saliva sul set.In questa scena da pelle d’oca si perde il conto dei droplets, ed è subito virus. Bene, cosa ci ha insegnato questa riflessione sugli sputi? Probabilmente niente. Oppure ci ha insegnato qualcosa di molto importante, a non dare nulla per scontato, a non sottovalutare l’importanza dei dettagli, perché sono proprio i dettagli i primi a sacrificarsi quando esplode una bomba come questa, che ci è scoppiata tra le mani senza preavviso e senza timer. Quindi amici, mi auguro di tornare presto agli abbracci e alle carezze, ma soprattutto auguro a tutti noi un mondo libero, dove finalmente potremo ricominciare a sputarsi in faccia. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial Off: Lockdown 2.0. Un articolo di A. Di Raimondo25 Novembre 2020QuaranThreevial Off: Lockdown 2.0 La solitudine di chi rimane di Anna Di Raimondo Lockdown di Bladi Tra i film che mi fanno piangere come una fontana, c’è Air Bud, una storia d’amicizia tra il piccolo Josh, un giocatore di basket alle prime armi, e Bud, un cane che – incredibile ma vero – sa giocare a basket. Tutto molto tenero. Ma c’è un intoppo: Bud appartiene a Norman, un clown cattivo e particolarmente inquietante che vedendo le prodezze di Bud in tv, decide di riprenderselo per farci una marea di soldi. Il momento che mi fa versare litri di lacrime è quello in cui Josh decide di abbandonare Bud nel mezzo del nulla per evitare che finisca nelle grinfie del clown. Nella scena, Josh cerca in tutto modi di allontanare Bud: gli dà un budino per distrarlo (Bud è un eccezionale estimatore di budini), gli dice che non lo sopporta più, gli urla di andarsene, ma Bud rimane lì scodinzolante e con la lingua di fuori. Alla fine, l’unico modo è quello di fingere di voler giocare a basket. Così Josh gli lancia il pallone e, mentre il cane gli corre dietro, scappa via. Una scena straziante, ve lo garantisco. Per un motivo o per un altro, tutti i miei cinque coinquilini sono tornati dalle loro famiglie lasciandomi sola a Milano. Il giorno in cui una di loro se n’è andata mi ha ricordato moltissimo la scena di Air Bud. La conversazione è andata più o meno così: Io: «Quando torni?»Coinquilina: «Non lo so, devo ancora organizzarmi».Io: «Ma torni?»Coinquilina: «Certo che torno».Io: «Non è vero. Chiuderanno tutto e io rimarrò qua da sola».Coinquilina: «Ma smettila…»Io: «Anche a marzo dovevi stare via qualche giorno e non sei più potuta tornare. Resta!»Coinquilina: «Non posso! Devo farmi pesare dal dietologo».Io: «Ti peso io».Coinquilina: «Senti, ti ho lasciato uno yogurt e una ricottina in frigo!»Io: «Non mi compri con uno yogurt e una ricottina!»Coinquilina: «Ma scadono…»Io: «Non mi interessa!» Alla fine, mi sono addormentata verso le tre per un pisolino e quando mi sono svegliata c’era un biglietto sul tavolo che diceva: A presto! Promesso.P.S. Non buttare lo yogurt e la ricottina Ho così capito cosa ha provato Bud quando, tornando indietro con il pallone, non ha trovato nessuno. Giorno dopo giorno, ho osservato rassegnata i miei coinquilini andarsene. E adesso eccomi qui. A Milano, in smart working e senza amici. Un commento a caldo? Le prime 48 ore sono filate lisce come l’olio. Ho mangiato senza dover lavare subito i piatti, ho occupato il posto a tavola che più mi piaceva, ho messo la musica a tutto volume e ho guardato in tv quello che volevo, senza dovermi sorbire una partita di calcio o un documentario di tre ore su qualche omicidio ancora irrisolto. Poi ho iniziato a cedere. Dopo due giorni trascorsi a non fare nulla, domenica pomeriggio – sdraiata a letto sotto il plaid, con il computer sulla pancia e un pacco di triangolini di mais vuoto – ho iniziato a desiderare che fosse lunedì per poter lavorare e vedere, anche se attraverso un computer, i miei colleghi. Di fronte a quel desiderio, così lontano dalla scansafatiche che sono sempre stata, ho capito che le settimane successive sarebbero state molto dure. Quando a febbraio il virus è arrivato in Italia, si è iniziato anche a parlare della possibilità di chiudere tutto, ma era un’idea così lontana dalla realtà alla quale eravamo abituati che quando è successo non sapevamo che sentimenti provare. Adesso sappiamo cosa si prova. Il mio lockdown, però, è stato diverso. Sono rimasta chiusa in casa tre mesi con il ragazzo che mi piaceva e a cui, si è scoperto poi, piacevo pure io. È stata una convivenza forzata e difficile. Quando si litiga, quando si sente il bisogno di stare soli non ci sono molti posti dove andare se non la propria camera da letto. Ma quelle quattro mura non bastano quando sai che dall’altra parte della porta c’è la sua stupida e irritante faccia. Avete presente i primi mesi di una relazione? Quando tutto è perfetto ed entrambi sembrate usciti dalla copertina di un giornale di moda? Sempre ben vestiti, capelli in ordine, truccati e profumati? Ecco, in lockdown non esiste: c’è il pigiama stropicciato, le calze bucate, il viso pieno di brufoli, i peli che crescono, i rutti dopo cena, il mal di pancia per aver mangiato troppo, le ascelle che puzzano e nessuna voglia di fare la doccia. Non è esattamente una favola, ma ti ci abitui. È come saltare uno step e arrivare direttamente a quella fase della relazione dove non ci si vergogna più di niente. E un po’ ti senti fortunato nell’aver trovato qualcuno che ti infastidisce facendo finta di avere un puntatore laser solo perché hai un brufolo rosso e gigante sulla fronte, ma che ti abbraccia e ti consola quando ne hai bisogno. E io ne ho avuto di bisogno. Il 19 marzo, Festa del Papà, ho scoperto che mio padre aveva un tumore al quarto stadio ai polmoni con metastasi cerebrali. Con una videochiamata mamma ci ha dato la notizia. Io e mia sorella piangevamo ma papà rideva, dicendo di non fare sceneggiate: scherzava sui capelli che aveva sempre avuto in disordine e che ora avrebbe perso. Diceva che sarebbe andato tutto bene. Il dottore era positivo: papà era giovane, 58 anni appena compiuti, era forte e vigoroso e poteva sopportare la chemio e la radio. In un anno, diceva, si sarebbe ripreso. È morto il 28 luglio, dopo cinque mesi di una malattia che lo ha distrutto fisicamente e mentalmente. Non riusciva più a camminare da solo, non parlava o scherzava più. Era depresso perché aveva dovuto lasciare la sua casa, non riuscendo più a sopportare i quattro piani di scale necessari per raggiungerla. Ma era anche stanco e soprattutto preoccupato. “Vi lascio in mezzo alle pene”, ha detto a mia madre il giorno prima di andarsene, come se sentisse l’arrivo della fine. Io sono riuscita a tornare a casa il 27 giugno, solo dopo essermi accertata con test sierologici e quarantene di non essere un pericolo per mio padre. Siamo stati insieme un mese. In quel mese abbiamo mangiato tanti gelati gusto fragola e limone.Io, mia madre e mia sorella abbiamo parlato pomeriggi interi del nulla.L’ho visto ridere, con difficoltà, grazie ai racconti indecenti di suo fratello.È tornato a essere un figlio che necessita delle cure di sua madre.E poi è finito tutto. Con la sua scomparsa sono cambiate tante cose. Nel mio cuore, ad esempio, in quell’angolo riservato a mio padre, adesso c’è vuoto enorme. Chi ha vissuto un lutto dice che lo riempirò di ricordi, ma che il dolore non passerà mai. E non vedo neanche io come possa passare. Quasi tre mesi dopo, provo una rabbia che non so verso chi indirizzare, uno stupore continuo nel constatare che non c’è più e un immenso amore per mio padre, per l’uomo che è stato. Fantasioso, brillante, dispensatore di consigli, curioso e soprattutto un gran lavoratore, un marito e un padre meraviglioso. La scoperta di un sentimento combinata con la preoccupazione e l’ansia per mio padre non mi hanno fatto rendere conto nulla: non ho sentito il peso dello stare chiusa in casa perché ero troppo occupata nel fare o nel pensare ad altro. Come interessarsi a quello che succede intorno a te quando tuo padre dice che non ce la fa più? Come tenere a debita distanza un’amica che ti vuole abbracciare al funerale di tuo padre? Ma adesso ci sono solo io. Ora posso concentrare l’attenzione su una situazione della quale prendo veramente atto solo ora. Inizio anche io a guardare il telegiornale, a leggere i bollettini giornalieri, ad aspettare le conferenze del Presidente Conte. Mi informo su scenari futuri, sui vaccini, leggo i post di conoscenti negazionisti su Facebook e sono tentata di commentare. Sono di nuovo tornata a far parte del mondo, dopo una pausa di nove mesi in cui del mondo non me ne fregava proprio niente. Mentre scrivo sono passati cinque giorni dalla partenza dei miei coinquilini. La solitudine che provo è strana. Mi sento sola in modi diversi. Mi sento sola perché la casa è vuota.Mi sento sola perché lui, quello che mi prende in giro per i brufoli, è tornato a casa.Mi sento sola perché mio padre non c’è più.Mi sento sola, ma butto giù questi pensieri.Mi sento sola, ma mi alzo e cerco di cucinare degli hamburger vegetariani con discreto successo.Mi sento sola, ma pulisco casa.Mi sento sola, ma indosso qualcosa di decente e vado a fare un giro. Chiudo la porta di casa, ma torno indietro dopo cinque passi. Ho dimenticato la mascherina. Perché la solitudine di chi rimane non ha fine, ma il mondo deve continuare a girare. E io con esso. Share Tweet Share... Read more...Islanda: isola di fuoco e ghiaccio (pt. 3), un articolo di G. Levantini || THREEvial Pursuit20 Novembre 2020Islanda: isola di fuoco e ghiaccio Reykjavík e l’Ovest di Gabriele Levantini Reykjavík (Islanda 2016) Lasciata la bella Akureyri, la Capitale del Nord, proseguiamo l’esplorazione dei fiordi settentrionali e muoviamo verso ovest. Superiamo il vecchio porto commerciale di Hofsós, dal quale partivano per l’America gli emigranti islandesi all’inizio del secolo scorso, e poi la chiesa di torba di Grafarkirkia, la più antica d’Islanda. Ovviamente ricostruita. Giungiamo a Hólar, sito storico dove un tempo sorgeva un’antichissima cattedrale di cui purtroppo non resta molto. Al suo posto sorge un luogo di culto relativamente moderno, con delle belle decorazioni lignee. Un’interessante anomalia è che le chiese islandesi, quasi tutte di confessione luterana, presentino spesso delle decorazioni tipicamente cattoliche.: testimonianze sopravvissute all’iconoclastia della Riforma, diversamente da quanto avvenuto negli altri paesi protestanti. Proseguiamo attraverso il villaggio di Varmahlíð, in mezzo a un’area rurale di campi e serre, vicino al quale si è conservata l’antica fattoria di torba di Glaumbær, e la vecchia chiesa di torba di Viðimýrarkirkja. Ci rechiamo in seguito nel villaggio di Blönduós, dove ci fermiamo a mangiare. È un paese piuttosto anonimo al cui centro campeggia una fotogenica chiesa moderna. In un locale decorato con foto di foche pucciose dai grandi occhioni neri che giocano sugli scogli, troviamo nel menù “bistecca di foca”. Un po’ increduli rileggiamo: “grilluð selsteik – grilled seal”: ok, è proprio “bistecca di foca”. Sappiamo che la foca comune non corre alcun rischio di estinzione e che viene cacciata e consumata in vari paesi, sebbene sia un piatto un po’ inconsueto. Tuttavia, le foto sul muro ci mettono un po’ a disagio. Il vecchio tabù culturale per cui certi animali sono carini e vanno rispettati, mentre altri si meritano di finire in forno inevitabilmente è radicato anche in noi. Alla fine però la nostra curiosità ha la meglio e cediamo: la fredda razionalità trionfa sulle emozioni. Mentre ordiniamo, ci sembra che gli occhioni che ci osservano diventino più tristi. Ci sentiamo in colpa, ma il piatto è buono. Un forte gusto di selvaggina, complesso e deciso, ma gradevole. Vicino al paese troviamo Þingeyrakirkja, la prima chiesa in pietra d’Islanda. Da qui proseguiamo per la località di Hvammstangi, da dove cerchiamo di avvistare le foche. Purtroppo, forse a causa di quello che avevamo appena fatto, non si sono fatte vedere da noi. Ci aspetta a questo punto una lunga strada fino a Borgarnes, villaggio alle porte del Parco Nazionale di Snæfellsnes e finalmente un po’ di meritato riposo all’hotel Rjúkandi. Il sole sorge presto e va a dormire molto tardi, un po’ come noi. Ormai rimangono solo due giorni e cominciamo a sentire il tempo stringerci addosso: vorremmo restare di più, vedere di più, continuare ad attraversare questi paesaggi inviolati, ma purtroppo non è possibile. Chiesa con suonatore di alphorn (Islanda, 2016) Cominciamo la giornata da Staðarstaður, piccolo insediamento disperso nel niente, ed entriamo nella Riserva Naturale di Búðahraun. A Snæfellsbær nei pressi di Búðir, un borgo stretto tra il mare e i campi di lava, troviamo una chiesetta di legno nero davvero cinematografica. Il tutto è reso ancor più surreale da un tizio, forse il prete, che suona un grande alphorn nel prato davanti al luogo di culto. Poco dopo, nei pressi di Arnarstapi, ci imbattiamo in una colossale statua di pietre sovrapposte che raffigura Bárður Snæfellsás, leggendaria figura mezzo uomo e mezzo troll che avrebbe vissuto da queste parti. Ci facciamo una passeggiata sulla scogliera di basalto colonnare e poi proseguiamo verso Hellnar. Ogni tanto in mezzo ai prati compare qualche fattoria o qualche chiesetta, come la malmessa Hellnakjrkia. Oltrepassiamo Laugarbrekka, luogo dove nacque Guðríðr Þorbjarnardóttir, la più grande esploratrice vichinga e la prima donna europea a far nascere un figlio in America, nell’odierno Canada, che allora si chiamava Vinland. Visitiamo la bella spiaggia di Djúpalónssandur e l’adiacente cala di Dritvík composta da ciottoli lavici perfettamente sferici. Difficile immaginare che questi luoghi desolati furono un tempo, non troppo lontano, la base di una grande flotta peschereccia e di un villaggio di pescatori. Più avanti ci aspetta un’altra spiaggia di sabbia dorata attraversata da mille rigoli d’acqua: Skarðsvík. Passiamo l’insediamento rurale di Hellissandur, con una piccola chiesa bianca dal tetto rosso davanti alla quale hanno posto due grandi rocce molto scenografiche, poi il villaggio costiero di Rif dove incontriamo un altro giardino di ossa di balena, e il piccolo porto di Ólafsvík sul quale svetta una pretenziosa chiesa moderna. Da qua si comincia a vedere l’indistinguibile sagoma piramidale del monte Kirkjufell, uno dei monumenti naturali più fotografati d’Islanda. Ci dirigiamo alle sue pendici, dove si trova la cascata Kirkjufellsfoss, per scattare una foto di rito da bravi turisti. La bellezza del luogo è indiscutibile, ma c’è un po’ troppo affollamento, così non ci fermiamo molto e attraversiamo il villaggio di Grundarfjörður per andare alla scogliera di Gerðuberg, che con le sue ordinate colonne di basalto cinge il fianco occidentale della valle di Hnappadalur. La chiesa di torba di Grafarkirkia (Islanda, 2016) Ritorniamo sulla costa e ci imbattiamo in un’altra chiesa moderna altrettanto pretenziosa della precedente, che guarda dall’alto il minuscolo borgo di pescatori di Stykkishólmur. Al nostro arrivo troviamo la bassa marea, che ci offre lo spettacolo delle barche in secca su un improbabile prato di alghe. La nostra giornata volge ormai al termine. Sorpassiamo l’antico insediamento di Borg á Mýrum, che ci lascia in testimonianza una solitaria chiesetta di campagna, e siamo di nuovo a Borgarnes. Purtroppo, qui abbiamo la pessima idea di visitare il Museo della Colonizzazione, che è in realtà un percorso didattico per bambini. Comunque, impariamo un sacco di cose sulle saghe islandesi grazie a pupazzetti di legno e diorami, e alla caffetteria proviamo la mysa, siero di latte acido che piaceva ai vichinghi. Anche questa volta tratteniamo a stento l’istinto di rigettare. Decidiamo di fare una mezza follia e allungare la strada e andare a mangiare a Reykjavík. Alla fine – pensiamo – grazie alla galleria di Hvalfjörðu, è solo un’altra ora di viaggio. Arriviamo invece distrutti, e non riusciamo a goderci la città quanto vorremmo, però capiamo subito come sia una città piena di vita, con una movida che non ci saremmo aspettati e che ci godremo il giorno seguente. Premiamo comunque la nostra determinazione mangiando in un ristorante di livello, il Sjavargrillid, specializzato in cucina new nordic. Anche qui proviamo un piatto insolito: il marangone, un uccello marino simile al cormorano dal sapore deciso. Il nostro cameriere è molto felice di incontrarci perché, ci racconta, il suo italiano –imparato durante la sua lunga permanenza a Roma – è un po’ arrugginito. L’ultimo giorno siamo davvero tristi di dover abbandonare questo paese che ci ha rapito il cuore. Siamo determinati a non sprecare neanche un momento e visitiamo ancora alcune cose nell’area del Cerchio d’Oro, dalla quale siamo partiti quasi due settimana fa. Visitiamo il villaggio Reykholt, dove si trova anche il famoso laghetto termale Snorralaug, e proseguiamo per la piccola ma potente cascata di Barnafoss, che significa Cascata dei Bambini, a causa della storia popolare che racconta di due bambini caduti nel fiume. Poco più a valle visitiamo la cascata di Hraunfossar, generata da acque termali che escono dal sottosuolo gettandosi nel vertiginoso canyon del fiume Hvítá. Poco dopo arriviamo a Húsafell, dove percorriamo un sentiero storico che incrocia, tra le varie cose, un ovile in pietre a secco dove Snorri, antico poeta islandese, ha rinchiuso diciotto fantasmi. La cascata di Hraunfossar (Islanda, 2016) Il nostro viaggio continua con la visita di Surtshellir, grotta lavica sul cui fondo abbiamo trovato il ghiaccio, e infine il villaggio di Akranes alle porte della capitale. Qua, con nostro sommo sbigottimento, vediamo persone fare il bagno sulla spiaggia di Langisandur, contrassegnata dalla bandiera blu. Scopriamo poi che in prossimità della spiaggia, un piccolo corso d’acqua termale mitiga leggermente la temperatura del mare, che comunque difficilmente supera gli undici gradi. Il resto della giornata è dedicato all’esplorazione e alla scoperta della capitale Reykjavík, unica vera e propria città in Islanda. Dopo tanto vagare per lande desolate, non ci dispiace entrare in un centro abitato con strade a più corsie e alti palazzi in cemento, sebbene anche qui – come nel resto del paese – la maggior parte delle case siano di lamiera d’acciaio colorata. L’unico museo islandese degno di questo titolo, perlomeno per gli standard italiani, si trova qui: il Þjóðminjasafn Íslands, il Museo Nazionale d’Islanda. Visitiamo quindi i monumenti della capitale, a partire dalla splendida Hallgrímskirkja, l’iconica chiesa in cemento alta oltre settanta metri che domina il centro cittadino da ogni angolazione. Poi le vivaci strade Laugavegur, Austurstraeti, Lækjargata e Skólavörðustígur che brulicano di gente e di negozi. Vanno per la maggiore quelli di abbigliamento tecnico, con eccellenti marche locali quali 66° North o Ice Wear che purtroppo non possiamo permetterci, ma anche quelli che vendono lopapeysa, gli splendidi maglioni tradizionali di lana islandese, o ancora – da bravi nordici – quelli di design. Ciò che accomuna tutti questi negozi è la presenza di animali impagliati, pelli, pellicce e corna, sia in esposizione che in vendita. Evidentemente qui vanno ancora di moda. Ci sorprende il persistente odore d’erba che si respira in prossimità di molti locali frequentati. Non è legale, ma molti islandesi sono soliti passare week end di shopping nel vicino e tollerante Canada, e forse non acquistano solo vestiti. Strada centrale a Reykjavík (Islanda, 2016) La vecchia Reykjavik si sviluppa tra edifici pittoreschi e giardini intorno al laghetto Tjörnin sul quale si riflette il Ráðhús Reykjavíkur, il bel municipio moderno. Poco lontano si trova la vecchia cattedrale luterana Dómkirkjan e, a dimostrazione del cosmopolitismo della città, quella cattolica di Dómkirkjan Krists Konungs, la Cattedrale di Cristo Re, dal gusto vagamente inglese. Il lungomare e l’area del porto lasciano senza parole: l’ampia e fumosa baia è dominata da Sólfar, il Viaggiatore del Sole, una scultura in acciaio che rappresenta una nave vichinga stilizzata, e dalle moderne forme di vetro dell’Harpa Concert Hall. Ci rendiamo conto però che la sua bellezza non è data tanto da essi, quanto dall’atmosfera che qui si respira. La sensazione di relax che dà il sapere di trovarsi ai confini del mondo. Tra i palazzi moderni coperti di graffiti che si alternano agli edifici del vecchio porto, ci fermiamo a mangiare un pylsur, un hot dog di pecora al famosissimo chiosco Bæjarins Beztu Pylsur, pretenzioso nome che significa “Il miglior hot dog della città”. E pensare che ci avevano detto che Reykjavík non meritava una visita: niente di più falso. Però ci rendiamo conto che la bellezza di questa città non è dovuta ai suoi scorci e monumenti, quanto all’atmosfera che si respira qui. La rilassante sensazione di trovarsi lontano da tutto, ai confini del mondo. Ormai il viaggio è finito, domani prenderemo l’aereo che ci riporterà in Italia. Avremo solo il tempo di fermarci lungo la strada a vedere – e vedere soltanto – la Blaa lónið, cioè la Laguna Blu, il più famoso impianto termale d’Islanda che si trova vicinissimo all’aeroporto. Non vogliamo che domani arrivi, e questo sole che non vuol tramontare sembra capirci. Ci piace la sensazione di trovarci sospesi, in bilico su un’isola di fuoco e ghiaccio, a un passo dal Polo nord, con la terra che ribolle sotto i nostri piedi. In un luogo in cui l’uomo è sempre ospite, e non ancora padrone. Casa con il tipico tetto in erbaCase di torbaChiesa moderna a BlönduósGiardino con ossa di balenaStatua dell’Uomo-troll ad ArnarstapiIl luogo dove Snorri ha rinchiuso i 18 fantasmiIl Viaggiatore del Sole a ReykjavíkPelli e pellicceMonumento alla disobbedienza civile a ReykjavíkLa scogliera di GerðubergPesce steso ad essiccareSpiaggia di DjúpalónssandurSpiaggia di SkarðsvíkUn cartello invita i turisti a non mangiare la carne di balenaSpiaggia bandiera blu di LangisandurHallgrímskirkja a ReykjavíkIl monte KirkjufellStreet art nell’area del porto di ReykjavíkStrada con pecore islandesi All photos by Gabriele Levantini (Islanda, 2016) Share Tweet Share... Read more...Islanda: isola di fuoco e ghiaccio (pt. 2), un articolo di G. Levantini || THREEvial Pursuit18 Novembre 2020Islanda: isola di fuoco e ghiaccio Il grande Nord di Gabriele Levantini Sole di mezzanotte ad Akureyri (Islanda, 2016) Sono giorni che percorriamo centinaia di chilometri, approfittando di un sole che sembra non voler tramontare mai, ma ci alziamo comunque di buon’ora, mangiamo le solite aringhe, lo skyr e il pane nero. Beviamo un caffè lungo, anzi lunghissimo, e partiamo. La bellezza di ciò che ci circonda è un potente integratore vitaminico che corrobora le nostre forze: appena fuori dall’albergo ci sentiamo subito rigenerati. Non amo guidare, ma in questi paesaggi così maestosi e solitari è diverso. La guida qui ha qualcosa di romantico ed epico, è per me una specie di conquista del Far West. Non mi pesa affatto, anzi. Iniziamo dall’entroterra di Egilsstaðir, con le belle cascate gemelle di Hengifoss e Litlanesfoss. La prima salta giù da una parete di roccia a strati di diversi colori, che si alternano geometricamente come in una maglietta marinara. La seconda invece si tuffa da un trampolino di mille colonne di basalto, che sembrano una foresta pietrificata. Superiamo la piccolissima chiesa di torba di Geirsstadir, ricostruzione di un’originale medievale posta all’interno di un’area rurale dove si allevano pecore, e ci dirigiamo a nord. La prima sosta è la penisola di Borgarfjarðarhöfn, santuario naturalistico nei pressi del villaggio di Bakkagerði sul fiordo Borgarfjörður eystri dove le pulcinelle di mare nidificano. Questo uccello, chiamato anche puffin, è a rischio di estinzione in buona parte del suo antico areale, che si estendeva fino alle coste scozzesi e irlandesi, ma è invece relativamente comune in Islanda, tanto che in alcune regioni viene cacciato ed è servito abitualmente nei ristoranti di tutto il paese. La sua carne è tra più buone che abbia mai assaggiato. La caccia a questo animale si faceva tradizionalmente usando dei lunghi retini per catturare gli uccelli quando si lanciano dalle scogliere, ma al giorno d’oggi i fucili hanno sostituito le reti. Dopo un po’ di pazienza, riusciamo finalmente a vedere questi animali marini così buffi, col loro grande becco da pappagallo e il corpo da gabbiano, e – per quanto siano appetitosi – devo ammettere che osservarli è decisamente più emozionante che mangiarli. Poco lontano dal fiordo, visitiamo Álfaborg, una sorprendente formazione geologica di rocce nere e affilate, che sembra un set cinematografico di un film fantasy più che un luogo reale. È la famosa Città degli Elfi, capitale del Popolo Nascosto. In tutto il paese, e specialmente nel nord, la fede islandese nell’esistenza di entità misteriose che vivono tra le rocce e negli sconfinati paesaggi artici è testimoniata dalla presenza in molti giardini di piccole casine, messe lì come segno d’amicizia per queste creature gentili. Purtroppo nonostante i nostri sforzi, forse a causa della nostra poca fede, noi invece non siamo riusciti a scorgere neppure un elfo. Caratteristiche casette degli elfi davanti a un palazzo (Islanda, 2016) Ripartiamo facendo nuovamente rotta verso sud, per visitare una serie di fiordi e di incantevoli paesini marinari, dove pescherecci color arancio fluorescente sfidano un mare minaccioso nel quale si riflettono montagne impervie dalle cime bianche. Prima tappa Fáskrúðsfjörður (chiamata anche Buðir), con le indicazioni stradali in doppia lingua a memoria dei tempi – non molto lontani – nei quali era una colonia di marinai francesi, che dall’adiacente porto di Skrúður partivano alla ricerca di aringhe e merluzzi. Poi Eskifjörður e Neskaupstaður, dove ci fermiamo per una rigenerante passeggiata sulla scogliera e per visitare una grotta marina. Col mare sotto di noi, camminiamo su un terreno di torba intriso d’acqua, che si abbassa ad ogni nostro passo. Di tanto in tanto profonde spaccature sul suolo ci ricordano che di questa terra è bene non fidarsi troppo. Tuttavia, c’è una grande pace tra le verdi piante subartiche che fioriscono rigogliose nella breve e fredda estate islandese. Respiriamo a fondo l’umida brezza marina che porta in volo puffin e cormorani, consapevoli che stiamo vivendo un’esperienza unica. Scendiamo con attenzione alla grotta, lambita dalle onde. Dalla volta davanti all’ingresso scende una specie di rada cascatella, che dobbiamo oltrepassare per visitarne l’interno. Gli unici rumori che sentiamo sono i respiri della natura: l’acqua che cade, il mare si schianta con rabbia sui sassi neri davanti alla grotta coperti da alghe incredibilmente grandi, il canto degli uccelli marini. L’ultima tappa della giornata è il villaggio di Reyðarfjörður, sul cui lungomare si trova una mina oceanica inesplosa, testimonianza di come la follia della guerra si sia spinta fino ai confini del mondo. Rincasiamo infine a Egilsstaðir. È stata una giornata infinita, come il numero dei luoghi che vorremmo visitare. Collassiamo felici in albergo, nel crepuscolo quasi interminabile della notte ormai tarda. Dettifoss (Islanda, 2016) Il giorno seguente lasciamo definitivamente Egilsstaðir facendo rotta verso Dettifoss, la cascata più grande d’Europa, al cui cospetto ci sentiamo insignificanti. Non molto lontano si trova il canyon Ásbyrgi, che significa Rifugio degli Dei, il quale ha un’insolita struttura a ferro di cavallo. Questo non sorprendere, dal momento che è stato originato dal tocco di uno degli otto zoccoli di Sleipnir, il cavallo volante di Odino. All’interno di questo anfiteatro naturale troviamo una rara foresta di betulle e un lago verde che ricorda quelli delle nostre Alpi. Dopo aver visitato il luogo in cui gli dèi si rifugiarono una volta cacciati via dai cristiani, andiamo a cercare il luogo dove si manifestano tuttora ai loro moderni seguaci neopagani: Raufarhöfn, il punto più a nord dell’Islanda continentale. Questo gelido villaggio si trova a soli tre chilometri dal Circolo Polare Artico: più su di così c’è solo l’isola di Grímsey e poi ghiaccio e mare fino al Polo. Il villaggio è totalmente deserto e ha un aspetto desolato, il che contribuisce ad ammantarlo di un’aura poetica. C’è un piccolo cortile dove grandi vertebre di balena sono sparse a mo’ di seggiole; casette di legno e lamiera colorate e un albergo malmesso con una rete da basket all’esterno. Vista la temperatura, anche ora che è agosto, ci stupiamo di come qualcuno abbia avuto tanto coraggio da aprire un albergo qui. Sulla collina chiamata Melrakkaás, che significa Colle delle Volpi, è invece stato costruito l’Heimskautsgerðið o Artic Henge, una sorta di tempio (un henge per l’appunto) che dovrebbe interagire con l’energia delle luci nordiche nei vari periodi dell’anno. Facciamo una passeggiata sulla spiaggia poco fuori il villaggio, ma il vento che soffia implacabile dal Polo fino a qui non ci consente di resistere a lungo. Ripartiamo per Húsavík, delizioso vecchio borgo baleniero totalmente convertito al whale watching e all’ecosostenibilità, tanto da essere uno dei pochi luoghi in Islanda dove al ristorante non si trova carne di balena. Qua e là sono pubblicizzati menù vegetariani e addirittura vegan. Visitiamo il Museo della Balena, molto didattico. Proviamo ammirazione per il coraggio eroico degli antichi balenieri e senso di colpa per il comportamento di quelli moderni. Nei pressi del porto ci danno pure un volantino che spiega in inglese perché non avremmo dovuto mangiare carne di balena in Islanda. Giusto, ma anche questo un po’ di parte, visto che qui per fare bei soldi hanno bisogno che le balene si sentano tanto tranquille e sicure de entrare nella baia Skjálfandi. In ogni caso, oggi mangiamo degli ottimi pesce lupo e salmerino artico, pesci locali assai più “politicamente corretti” delle balene “sostenibili”. Ci allontaniamo un po’ dal mare per visitare le antiche case di torba di Grenjaðarstaður e attraversiamo ampie campagne dove corrono i cavalli islandesi, fino ad arrivare a Narfastaðir Guesthouse dove dormiremo. Prima del nostro arrivo il cielo, in un tramonto arancione come mai prima d’ora, ci regala il raro spettacolo di un doppio arcobaleno. Il vulcano spento Hverfjall (Islanda, 2016) Il giorno dopo lo dedichiamo all’area geotermica di Námafjall Hverir, e al lago Mývatn. Visitiamo il famoso sito di Grjótagjá, cavità lavica al cui interno una fonte termale forma un lago azzurrissimo, e poi attraversiamo un’ampia pianura fumante dove incrociamo fumarole, pozze calde, immensi impianti geotermici e doccia in mezzo al niente dalla quale esce acqua termale gratis. Facciamo un breve trekking fino alla cresta del vulcano spento Hverfjall e poi proseguiamo per Dimmuborgir, il cui nome significa Fortezza Oscura: un labirinto di formazioni laviche posto sulla sponda orientale del lago. Questo luogo è una specie di portale, una connessione tra il nostro mondo e gli inferi. Superfluo specificare che, sebbene sfuggano alla vista dei più, è densamente popolato di elfi e troll. Arriviamo infine al Lago Mývatn, che significa Lago dei Moscerini, a causa della fastidiosa presenza di questi animali, pressoché assenti nel resto del paese. Specchi d’acqua sono intervallati da pseudocrateri, particolarmente spettacolari a Skútustaðir. Sembrano il risultato di un pesante bombardamento a tappeto, ma sono in realtà il frutto del brusco raffreddamento di antiche colate laviche. Grazie al terreno vulcanico, le acque del lago sono estremamente ricche di nutrienti, perciò la vegetazione è piuttosto rigogliosa. L’intensa attività geotermica della zona ci consente di farci un bagnetto rilassante al Mývatn Nature Baths, uno degli stabilimenti termali più famosi d’Islanda. Interessante come qui sia obbligatorio fare una doccia integralmente nudi prima di poter accedere alle vasche, e come questo sia vissuto senza imbarazzo. Giriamo intorno al lago e nelle sue vicinanze incontriamo Goðafoss, la Cascata degli Dei, così chiamata da quando gli islandesi, appena convertitosi dal paganesimo al cristianesimo, decisero di buttare qui tutte le statue delle loro ex divinità. Goðafoss, la Cascata degli Dei (Islanda, 2016) Torniamo nuovamente verso nord e attraversiamo il villaggio di Reykjahlid ed il minuscolo e anonimo paesino di Laugar, prima di fare il nostro ingresso ad Akureyri, seconda area urbana del paese, con ben trentamila abitanti e capoluogo della regione Norðurland eystra. In Italia sarebbe un paese, qua è una metropoli. L’ingresso in città è costituito da un ponte dal quale si gode un panorama incredibile del fiordo Eyjafjörður, uno dei più lunghi d’Islanda. La vista del mare che si insinua tra alte catene montuose, alla cui base dorme questa città piena di luci, è talmente bella che torniamo indietro per poter attraversare due volte il ponte. L’atmosfera che si respira in centro è piacevole e vivace. Anche se la temperatura non si può definire mite, la gente mangia ai tavoli disseminati lungo le strade davanti ai locali, sotto i funghi riscaldanti e con i plaid addosso, ma all’aperto. Le stradine sono piene di negozi, immancabilmente addobbati con animali impagliati, che evidentemente trovano eleganti. Spesso questi oggetti sono anche in vendita, unitamente ai documenti necessari a esportarli legalmente fuori dal paese. Per la prima volta dal nostro arrivo, vediamo anche qua i segni della globalizzazione, che si manifesta prima in un ristorante indiano realizzato in una piccola chiesetta sconsacrata e poi in una simpatica ragazza italiana che lavora al chiosco degli hot dog e che ha fatto di questo paese così remoto la sua nuova casa. Dopo una gradevole passeggiata sul lungofiordo, andiamo a mangiare e questa volta proviamo l’uria, un uccello marino locale il cui gusto ricorda vagamente il nostro piccione. L’intera giornata successiva la spendiamo visitando questo grande fiordo: visitiamo i villaggi di Grenivík e Hauganes, che giacciono uno davanti all’altro sulle due sponde, e i resti del villaggio vichingo di Gásir, come al solito più da immaginare che da vedere. Ma il piatto forte del giorno è la visita all’isola di Hrísey, nel centro del fiordo. Doccia termale gratuita a Grjótagjá (Islanda, 2016) Partiamo dal minuscolo porto di Árskógssandur su un traghetto che sembra più un peschereccio dismesso che un’imbarcazione di linea e in breve tempo ci accorgiamo che il mare sotto di noi, pur essendo scuro, è anche inaspettatamente trasparente e lascia intravedere distese di lunghissime alghe verde-marrone e un’infinità di meduse eteree che si muovono lente come nuvole d’estate. Sull’isola vivono stabilmente pochissime persone, principalmente dedite al turismo, alla pesca e alla lavorazione del pescato, come suggerisce la stazione di essiccatura dell’hákarl – il tradizionale squalo fermentato – vicino al villaggio. Questo antico piatto nacque dalla necessità dei vichinghi di mangiare lo squalo groenlandese, fonte proteica abbondante a queste latitudini, ma purtroppo per loro non commestibile. L’animale, infatti, è privo di apparato urinario, cosa che fa sì che nelle sue carni sia accumulano tossine, tra le quali la trimetilammina-N-ossido, velenosa per l’uomo. In qualche modo però si accorsero che se lo squalo veniva fatto fermentare e marcire sottoterra e poi affumicato ed essiccato, diventava commestibile. Naturalmente non possiamo resistere al fascino di un piatto simile e decidiamo di provarlo anche noi: la carne bianca e gommosa non assomiglia a pesce, ma a qualcosa di sintetico. Ha l’odore di un secchio di piscio di cane lasciato al sole in agosto, mentre in bocca sembra di avere dell’ammoniaca. A un passo dal vomitare, decidiamo che un solo assaggio è sufficiente. D’altra parte, se anche il mitico Andrew Zimmern di Orrori da Gustare l’ha definito il cibo peggiore da lui provato, vorrà pur dire qualcosa. Tradizionalmente piccole porzioni di questo piatto devono accompagnarsi a generose dosi di brennivín, la potente acquavite islandese nota anche come Morte Nera (e pensare che per ottant’anni, fino al 1989, l’alcol è stato completamente proibito in questo paese!) Ne capiamo perfettamente il motivo. Ma l’hákarl non è l’unica attrattiva di quest’isola. Seguiamo il sentiero che dal porticciolo ci conduce sulla sommità della collina, dalla quale godiamo di un panorama unico. Una volta arrivati in vetta, dei cartelli ci avvertono che in questo luogo convergono i flussi di energia cosmica che attraversano il globo e che pertanto stare qui fa molto bene, e dona pace. Sul fatto che questo santuario naturale sia rilassante, mi sento di confermare, ma sulle sue presunte proprietà salutari temo che influisca negativamente il vento gelido che sferza la collina e che dopo un po’ ci costringe a scendere. Ritorniamo sulla terraferma e concludiamo la giornata con una sosta all’antica fattoria di torba di Laufás e godendoci il resto della serata ad Akureyri, che domani dovremo salutare. AkureyriCaratteristiche case islandesi in legno e lamieraSegnavia di pietreCentrale geotermicaDimmuborgir, la Fortezza OscuraForesta di betulle ad ÁsbyrgiGrjótagjáIl canyon ÁsbyrgiIl chiosco di hot dog ad Akureyri Il luogo della fontana di energia sull’isola di HríseyL’area geotermica di Námafjall HverirModerno arpione per balene al Museo di HúsavíkReparto gomitoli di lana in una stazione di servizioStrutture per essiccare il pesce a HríseyUno pseudocratere al lago MývatnHengifossPuffin a BorgarfjarðarhöfnLitlanesfossDoppio arcobalenoVecchie case ad Akureyri All photos by Gabriele Levantini (Islanda, 2016) Share Tweet Share... Read more...Islanda: isola di fuoco e ghiaccio (pt. 1), un articolo di G. Levantini || THREEvial Pursuit16 Novembre 2020Islanda: isola di fuoco e ghiaccio Il Cerchio d’Oro di Gabriele Levantini Quando ero piccolo sognavo di poter vedere tutto il mondo. Forse a causa dei racconti di vita di navigazione che mi faceva mio nonno, marittimo d lungo corso, o forse perché amavo leggere e guardare documentari in televisione. Tra i luoghi che più di altri mi hanno affascinato da sempre c’è l’Islanda. Ebbene, nel 2016 ho avuto la fortuna di poter visitare questo splendido paese in un viaggio di poco meno di due settimane, insieme ad Anna, la mia compagna di quei tempi. Il nostro fu un viaggio on the road di 4.213 km, lungo la mitica Þjóðvegur, la Circular Road che percorre l’intera isola artica. È una fredda e piovosa notte d’agosto quando, dopo un tremolante sorvolo del Mare del Nord e dell’Atlantico Settentrionale, atterriamo all’aeroporto di Keflavík. Il vento porta dal mare fini goccioline d’acqua gelida. Nonostante le nuvole, il cielo mostra un pallore simile a quello che assume da noi poco prima dell’alba: è buio, ma non un buio profondo come uno s’aspetterebbe a quell’ora. Questo è il nostro primo impatto con le luci e il meteo islandesi, che non smetteranno di stupirci per tutto il viaggio. Ritiriamo il fuoristrada che avevamo noleggiato e per un attimo ci sembra di aver sbagliato aereo e di essere finiti in America: stradine con villette a schiera in legno e giardini d’erba rasata senza recinzioni, con grandi pick-up parcheggiati. Riflettendoci bene però tutto torna: siamo più vicini al Canada che all’Europa e geograficamente ci troviamo sulla placca continentale americana. Non senza fatica, troviamo la strada e arriviamo finalmente al nostro albergo. In Islanda c’è un modo di dire: “se non ti piace il tempo, aspetta cinque minuti”. È vero: si passa dal piumino alla t-shirt nel giro di decine di minuti e dalla pioggia gelata al sole battente in uno schiocco di dita. Tundra (Islanda, 2016) La mattina seguente, infatti, il paesaggio ha assunto tutto un altro aspetto: il sole splende forte sul mare scuro in lontananza. I gabbiani volano in cielo lentamente e il vento è più gentile e meno freddo. Il nostro primo impatto con la vita in questa terra selvaggia e remota ha il sapore di una colazione a base di skyr, salmone e aringa. Difficile, ma se vogliamo, di una semplicità a suo modo poetica. Devo confessare che il mio istintivo rifiuto latino per questa alimentazione nordica finirà in pochissimi giorni. Anzi: al mio rientro in Italia, forse per nostalgia, proverò a lungo a cercare gli ingredienti giusti per riprodurre quei sapori. Purtroppo senza successo. Partiamo di buon’ora, verso sud-est, seguendo il più classico dei percorsi: percorreremo la Þjóðvegur in senso antiorario, cominciando dal cosiddetto Gullni hringurinn, il Cerchio d’Oro: l’area di più antico popolamento e di maggior richiamo turistico, nella parte meridionale dell’isola. L’itinerario della giornata si snoda tra la penisola di Reykjanes (regione del Suðurnes) e la regione di Suðurland. In breve tempo rimpiangiamo la cartellonistica stradale italiana che, sebbene inutilmente complessa e ridondante, è chiara e minimalista rispetto a quella islandese che ci costringe in più d’un occasione a fermarci per cercare di interpretare i cartelli. Nonostante questo, viaggiamo senza problemi godendoci i paesaggi grandiosi dove l’impatto antropico è minimo e la scarsità di altri esseri umani in giro. La nostra prima sosta è Hveragerði, paesino di poche anime noto come “Villaggio dei Fiori”, sito in mezzo a un’area geotermica. Potrebbe benissimo essere scambiato per un angolo di remota provincia agricola americana se non fosse per la terra scura che fumae e dentro la quale tradizionalmente viene preparato il hverabrauð, o lava bread, un pane nero molto aromatico. In quest’area la natura è come una chioccia benevola che riscalda col suo ventre le proprie creature: anche le serre dove nascono i pomodori islandesi, molto presenti in questa zona, sono riscaldate con il calore del suolo. Un’eccezione di abbondanza per un paese dall’inverno lungo e buio, in cui gelate e carestie erano le prime cause di morte fino a pochi decenni fa. Proseguiamo attraversando Selfoss, villaggio sulle turbolente rive del fiume Ölfusá, uno dei principali del paese. Ci fermiamo brevemente ad ammirare l’acqua scura che gorgheggia nelle anse del suo percorso, lambendo la chiesa del paese prima di ripartire per il mare. Piano cottura geotermico per preparare il hverabrauð (lava bread) ad Hveragerði (Islanda, 2016) Ripartiamo alla volta del Parco Nazionale di Þingvellir. Parcheggiamo in un ampio sterrato e, dopo un’area boscosa, troviamo una pianura attraversata da rigoli d’acqua. La attraversiamo giungendo a una salita che si insinua tra le rocce. Piano piano si delineano due pareti che formano una sorta di canyon, e che non sono altro che il punto di frattura tra la placca continentale americana e quella euroasiatica. In questo luogo magico, ricco di grotte, profonde spaccature che si aprono nel suolo all’improvviso e rocce acuminate che ti osservano dall’alto, si riuniva un tempo l’Alþingi, antico parlamento vichingo. La vista da quassù è mozzafiato, ma dobbiamo proseguire. Tornati in auto, attraversiamo un’ampia zona agricola e poi entriamo nella valle di Þjórsárdalur. Il terreno è coperto da spessi muschi e licheni e attraversato da fiumi che si dividevano in mille rigoli, col vulcano Hekla a incombere in lontananza. Proseguendo, incontriamo Skálholt, antichissima sede episcopale, tanto ricca di storia quanto povera di reperti originali, caratteristica che –scopriremo – accomuna un po’ tutti i siti storici d’Islanda. D’altra parte, non si viene in questo paese per l’arte e per la storia, ma per una natura tra le più pure e primordiali di tutto l’emisfero settentrionale. Più avanti sulla strada, ci fermiamo ad ammirare Gullfoss, il cui nome significa “Cascata d’Oro”. È uno dei più spettacolari monumenti naturali del Cerchio d’Oro per la sua dimensione e perché costituita da ben due salti. Successivamente visitiamo l’area geotermale di Haukadalur, con i mitici geysers di Geysir (da cui deriva il termine stesso di geyser) e Strokkur. Lo spettacolo di questi mostri ruggenti ci mostra la forza terribile che ribolle e fuma sotto i nostri piedi. In questa località ci fermiamo in un ristorante, intenzionati ad assaggiare un po’ di cucina locale. Nel menù non mancano piatti insoliti per noi, introvabili a casa, ma inutile dire che il più particolare di tutti è senza dubbio la carne di balena. Prima di partire ci eravamo documentati bene su questo argomento così controverso e avevamo scoperto che il problema è molto più complesso di come viene rappresentato. Diversamente dagli altri “paesi balenieri”, come si può leggere sul sito del governo, l’Islanda pesca solo due tipologie di balena, che non sono minacciate di estinzione – la balenottera comune (hvalur) e la balenottera minore (hrefna) – in quantità molto limitata e quindi, a parer loro, sostenibile. Questa attività risale al tempo dei Vichinghi e non è mai cessata: il paese, infatti, si è sempre rifiutato di firmare la moratoria internazionale, forte della sua storia millenaria, diversamente ad esempio dal Giappone. La loro idea si può riassumere più o meno così: “Che siano gli altri a fermare l’attività, quelli che sono arrivati dopo e l’hanno praticata in modo indiscriminato rendendola insostenibile, non noi che la eseguiamo con misura ed equilibrio in modo sostenibile da un millennio!” Il geyser Strokkur in eruzione (Islanda 2016) Non tutti, naturalmente, la pensano così e, nonostante la carne di balena sia facilmente reperibile nei supermercati e nei negozi, viene mangiata dagli islandesi sempre meno spesso. Esiste però una cosa capace di mettere d’accordo sia i sostenitori che detrattori di questa pratica: la profonda convinzione che si tratti di un argomento esclusivamente nazionale, nel quale gli stranieri non devono intromettersi per nessun motivo, indipendentemente da come la pensino. Ad ogni modo, decidiamo di fidarci del governo islandese e ordiniamo una bistecca di balena “sostenibile”. È al sangue e sembra manzo, ma con un leggero retrogusto di tonno: la trovo buonissima. La nostra giornata termina infine, dopo un buon tratto di strada, a Laugarvatn, paesino sulle rive di un lago nel quale sgorga una sorgente termale bollente. Dormiamo in un Edda hotel, un’altra stranezza di questo paese: una scuola che d’estate, quando gli studenti tornano ai loro villaggi, diventa albergo. La mattina seguente facciamo colazione nell’ampio refettorio insieme ad altri turisti provenienti da ogni parte del mondo. Ci colpisce l’esiguo numero di nostri connazionali, che forse preferiscono mete più confortevoli di questa. Ripartiamo di buon’ora fermandoci al primo distributore di carburante: non sono molti, perciò è bene approfittarne quando si incontrano. In Islanda non esiste più il lavoro di benzinaio perché le pompe di carburante sono esclusivamente automatiche, ma ognuna di loro ha un piccolo emporio-ristorante. Vendono immancabilmente zuppe calde squisite, hot dog di pecora, snack confezionati, articoli per il camping, libri e gomitoli di lana. Il loro inventario è un ottimo indicatore della vita sociale di questa solitaria e rilassata isola artica. In un supermercato acquistiamo anche il súr hvalur, tradizionale grasso di balena marinato nel latte acido, che conquista subito il titolo di cibo più cattivo mai provato. Per il momento almeno, perché il titolo sarà riassegnato prima che il viaggio finisca. Attraversiamo ampie aree dove non si incontrano i segni deleteri degli esseri umani, fermandoci ogni tanto per osservare da qualche punto panoramico. Passiamo il villaggio di Hella e l’insediamento di Keldur con le sue interessanti torfbæir, le case di torba e legno, col tetto coperto di erba. Questo materiale naturale, qui abbondante, era un eccellente isolante e consentiva di risparmiare prezioso legname. Infatti, l’Islanda è quasi priva di alberi fin dall’XI secolo, quando fu disboscata dai Vichinghi al fine di sfruttarne il legno. Ignoravano che a queste latitudini la ricrescita delle foreste sarebbe stata molto più lenta e difficile che in Norvegia. Negli ultimi anni il governo sta conducendo grandi sforzi per tentare di rimboschire il paese, e anche se oggi qualche rara foresta si trova, la strada per tornare alle coperture originali è ancora molto lunga. Gullfoss, la Cascata d’Oro (Islanda 2016) Scendiamo fino al porticciolo di Landeyjahöfn, dal quale abbiamo una bellissima vista sulle isole Vestmannaeyjar, dal quale iniziò la colonizzazione del paese. Davvero incredibile pensare che nel 1627 i corsari saraceni arrivarono fino qui, mettendo a ferro e fuoco queste isole. Ci rimettiamo in marcia, la prossima tappa è la cascata di Skógafoss: un immenso muro d’acqua che salta giù ruggendo da una montagna, avvolgendosi d’una fitta nebbia d’arcobaleni e di sottilissima pioggia. Questa volta il paesaggio cambia in fretta perché poco dopo troviamo l’estrema punta meridionale del ghiacciaio Sólheimajökull, dal quale spira un vento gelido e carico di nevischio. Proviamo ad avvicinarci a piedi, ma il meteo non è dei migliori perciò a un certo punto decidiamo di tornare indietro. Ci aspetta quella che sarà una delle più belle tappe di questo viaggio: Vík í Mýrdal, minuscolo villaggio con una bella chiesetta di legno che sulla sua sommità protegge le case e la spiaggia nera di Reynisfjara ai suoi piedi. Qui grandi faraglioni di roccia affilata sembrano guerrieri fantasy nel mare tempestoso. La spiaggia è circondata da un’alta scogliera di colonne basaltiche, che sfumano in un promontorio di arenaria. Una fitta vegetazione fiorita copre il suolo interrompendosi a un certo punto per far spazio a una sabbia fine e nerissima. I faraglioni sono sferzati da onde potenti, mentre un vento freddo mescola insieme i profumi dei fiori e quello del mare e sostiene il volo degli uccelli marini. Adesso ci aspetta un bel pezzo di strada desertica attraverso il Laufskalavarda, una distesa di detriti lavici che si alternano alla tundra. Lungo la strada ci fermiamo a vedere le Colonne di Kirkjugólf, nei pressi del villaggio di Kirkjubæjarklaustur, una formazione geologica che sembra il pavimento d’una chiesa. La campagna circostante è piena di formazioni rocciose, antichissimi tumuli e tradizionali segnavia: di fronte a un paesaggio del genere non stupisce affatto che metà degli islandesi creda negli Elfi. La sera ci fermiamo al Fosshotel Nupar, una costruzione in container nel bel mezzo della tundra. La pace e il silenzio dell’interminabile crepuscolo di mezzanotte, mentre siamo seduti sulla distesa di morbidi licheni davanti all’hotel completamente immersi nel nulla, è un’immagine che porterò sempre nel mio cuore. Il giorno seguente attraversiamo la vasta distesa dello Skeiðarársandur dove incontriamo gli imponenti resti di un grande ponte in acciaio distrutto dalla furia di un’inondazione nel 1996. Il deserto di sabbia e rocce (sandur) dove ci troviamo è il frutto della forza dei fiumi glaciali che nel corso dei secoli ogni primavera puntualmente sono scesi giù dai ghiacciai con cieca furia. È questa la regione più inospitale, pericolosa e disastrata del paese, dove la natura mostra la sua faccia cattiva: le alluvioni si susseguono e nell’ampio deserto umido sono talvolta presenti le sabbie mobili. La prima tappa della giornata è Svartifoss, una scenografica cascata che salta giù da un monte fatto di colonne di basalto, che sembrano canne d’organo di una immensa cattedrale. Per arrivare ad ammirarla dobbiamo attraversare un breve tratto di foresta, una piacevole anomalia nel paesaggio brullo. Ci rimettiamo in marcia, i ghiacciai ci osservano da lontano ormai da decine di chilometri, e ci dirigiamo verso la laguna glaciale di Fjallsárlón. È poco prima della più grande e nota laguna Jökulsárlon, che abbiamo deciso di scartare perché troppo frequentata. La Spiaggia dei Diamanti (Islanda 2016) Fermiamo l’auto nel parcheggio sterrato e ci rechiamo alla tenda che fa da “reception”, dove prenotiamo il giro del lago. Fuori è un freddo cane, ma dentro c’è un bel teporino e tè e caffè caldi in omaggio. Un ragazzo ci spiega i rischi di navigare in queste acque piene di piccoli iceberg e poi ci consegna una giacca termica pesantissima: servirà a farci galleggiare e a mantenerci vivi per un po’ se dovessimo cadere nelle acque gelide. Il tour in motoscafo è un’esperienza incredibile: ci sentiamo un po’ James Bond e un po’ McClure. Mostri di ghiaccio bianchi e azzurri galleggiano silenziosi sull’acqua torbida, gli passiamo vicino dirigendoci verso il fronte del ghiacciaio. Ed è qui che godiamo dello spettacolo solenne e terribile della bianca scogliera che brontola e scricchiola minacciosamente. Prima di tornare a riva, stacchiamo un pezzo di giaccio da succhiare: è l’acqua più pura mai assaggiata. Una volta sulla terraferma, ci spostiamo pochi chilometri a est per visitare la celebre Spiaggia dei Diamanti: una splendida distesa di sabbia nera dove il mare restituisce il ghiaccio che gli arriva dalle lagune glaciali. Dopo aver attraversato Höfn, cittadina portuale senza grandi attrazioni, ci dirigiamo verso l’interno, prima di cominciare l’esplorazione dei Fiordi Orientali, l’Austfirðir. Lungo la strada avvistiamo un piccolo branco di renne, comuni in questa regione, dove furono introdotte in passato. Il primo villaggio dei fiordi orientali che visitiamo è Djúpivogur,sulla frastagliata punta meridionale del fiordo Berufjörður. Vicino all’abitato si trova una laguna sula quale si sviluppa la bellissima spiaggia di Úlfseyjarsandur. Il secondo dove ci fermiamo è Seyðisfjörður, che è anche l’ultima sosta della giornata, e uno dei più bei paesini di tutta la regione. Infatti, qui si trova l’iconica chiesetta azzurra alla quale si arriva da un sentiero arcobaleno, e le casette di legno e lamiera affacciate sul mare sono spesso coperte da bei lavori di street art che non ti aspetteresti. Infine, stremati, arriviamo a Egilsstaðir, città industriale costruita negli anni ’40 sulle sponde del lago Lagarfljót, dove vive il mostro Lagarfljótsormur, variante locale di Nessie. In Islanda il folklore e le leggende sono argomenti serissimi e molto sentiti, e infatti il governo ha ritenuto di doversi pronunciare (positivamente) sull’esistenza del mostro. La cittadina non offre molto da vedere, ma è piuttosto viva per gli standard islandesi. Conta oltre duemila abitanti perciò, dopo giorni di scarsi contatti con gli altri esseri umani, ci sembra di essere giunti in una metropoli. C’è una festa popolare e, nonostante la grande stanchezza, ci uniamo volentieri ai locali che applaudono alle canzoni country in islandese. Area archeologica a SkálholtCampanelle all’ingresso del villaggio di DjúpivogurCarne di balena al supermercatoFesta a EgilsstaðirIl Fosshotel Nupar, struttura di container nella tundraIl luogo dove si riuniva l’Alþingi, il Parlamento vichingoPonte distrutto nel pericoloso Skeiðarársandur e in lontananza il fronte di un ghiacciaioLa cascata di SkógafossLa cascata di SvartifossLa laguna glaciale di FjallsárlónLa spiaggia di Úlfseyjarsandur, a DjúpivogurLa spiaggia nera di ReynisfjaraLaufskalavarda, distesa lavica coperta di licheniLe Colonne di KirkjugólfL’iconica chiesetta azzurra nel villaggio di SeyðisfjörðurPanorama del Parco Nazionale di ÞingvellirPecore islandesiRenne vicino a HöfnIl tremendo súr hvalurUna torfbæir (casa di torba) a Keldur All photos by Gabriele Levantini (Islanda, 2016) Share Tweet Share... Read more...Fishes Invasion || Intervista a Merioone, di G. Silvestrelli || THREEvial Pursuit11 Novembre 2020Fishes Invasion Branchie, sticker, pinne e poster. Intervista a Merioone di Giorgio Silvestrelli Fishes Invasion – Merioone (Roma, 2020) Nel mare magnum della street art, da diversi anni, è presente Merioone e il suo progetto artistico Fishes Invasion. Dopo una lunga ed estenuante battuta di pesca ha abboccato al nostro amo. Una volta liberato, non poteva fare altro che rispondere alle nostre domande. Cosa accadrebbe se il Mondo fosse totalmente invaso dai pesci? Una domanda curiosa, ce ne rendiamo conto, ma nelle strade di sempre più città di tutto il pianeta stanno comparendo stickers e posters, dove dei buffi pesci ci ammoniscono al grido di “Don’t Sleep!” Abbiamo quindi intercettato lo street artist responsabile di quella che lui stesso definisce Fishes Invasion e che risponde al nome di Merioone. Caduto nella nostra rete ecco quello che ci ha raccontato in questa intervista esclusiva. Giorgio Silvestrelli: Merio ciao, che piacere conoscerti! Vuoi presentarti e dirci cosa fai? Merioone: Ciao! Piacere mio! Sono Merio, Merio One o Merioone. Potete chiamarmi come preferite. Ho smesso di incollare figurine sugli album nel 2011, per poi iniziare nel 2015, per strada, con un pesce. GS: Iniziamo subito con le domande importanti: hai un acquario in casa o in studio? M: Sì, da ormai tre settimane ho un nuovo amico, un pesce rosso di nome Boris. Lui è diventato la nuova mascotte, e il nome è stato scelto dai miei follower di Instagram. Anche quando ero piccolo ho avuto dei pesciolini, ma purtroppo li ho uccisi tutti dandogli troppo da mangiare. Pensavo fossero come me… Ora, però, con Boris sto cercando di non commettere gli stessi errori. Fishes Invasion – Merioone (Berlino, 2020) GS: Mangi pesce? Qual è il tuo piatto preferito? M: Diciamo che non sono amante del pesce. Mangio solo crostacei e molluschi, soprattutto gamberi e cozze. Se devo scegliere cosa mangiare preferisco latte e cereali o supplì. GS: Ho voluto rompere il ghiaccio in questo modo perché, adesso, puoi spiegarci meglio cos’è Fishes Invasion. M: Fishes Invasion, tradotto in italiano, è un’invasione di pesci, nel mio caso, soprattutto sotto forma di adesivi o poster. Ti direi che ormai, è come una malattia, un qualcosa che fa parte di me, incurabile, che mi spinge ad andare in giro attaccando pesci. GS: Il pesce che realizzi ha un nome? Raccontaci la genesi di questo soggetto che ormai è diventato il tuo “partner in crime”. M: Il mio “partner in crime” ha il passaporto americano, nato a New York nel 2015. Beato lui, aggiungo! Non gli ho mai dato un nome, forse avrei dovuto farlo quando ho disegnato il primo. Ma in realtà, per me, non è un solo pesce, sono tanti pesci. Ogni adesivo, ogni poster, ogni applicazione dà vita a un pesce nuovo. È come se fossero tutti figli miei, alcuni li rivedrai, altri andranno a vivere in altre città del mondo, e non avrai più loro notizie. Mi piace pensarla così, e sarebbero troppi i nomi da non riuscire a ricordarli!Spesso sono le persone a dargli un nome: “il pesce incazzato”, “il pesce che balla”, ”il pesce con i labbroni”. Preferisco così, è divertente. GS: Quando ti sei avvicinato alla street art? M: Guarda, non so se io mi ci sia mai avvicinato realmente. Ho iniziato non conoscendo molto il “settore”, e il mondo degli sticker e poster. Ho sempre visto il mio modo di pensare e di portare avanti questo progetto più vicino al mondo dei graffiti che sono stati “il mio primo amore”. Ancora oggi mi fa più effetto trovarmi davanti una serranda, una vagone della metro, o qualsiasi altra cosa coperta di tag o throw up che un muro enorme dipinto su commissione, per intenderci.In ogni caso, inevitabilmente, quello che faccio fa parte di un ramo della street art, anche se non amo avere un’etichetta, quindi ti dirò che ho cominciato ad avvicinarmi, o meglio, a capire che questo faceva parte della street art, solo un anno dopo aver attaccato il mio primo sticker. Mentre con i graffiti ho iniziato più o meno a 13 anni. GS: La definizione di street art è abbastanza “liquida” e spesso viene interpretata da persona a persona in maniera molto differente. Quindi, per te, che cos’è la street art? M: Per me la street art è tutto quello che sta per strada, senza permessi, senza nulla. GS: Da dove prendi ispirazione per i tuoi lavori? M: L’ispirazione per me può venire da tutto. Qualsiasi cosa mi trovo davanti durante il giorno mi regala nuove idee. Alcune le elaboro subito, altre le immagazzino.Sicuramente viaggiare è al primo posto. Vedere nuovi luoghi, scoprire culture è la cosa migliore per cercare ispirazione. Non c’è mai stato un viaggio che non mi abbia dato indietro qualcosa. Questo è un momento un po’ complicato per farlo quindi entra in gioco quello di cui ti parlavo prima. Mi piace osservare di tutto, dallo sport alla moda. Fishes Invasion – Merioone (Hong Kong, 2018) GS: Ci sono degli artisti che hanno influenzato in maniera determinante il tuo percorso? M: Senza alcun dubbio Keith Haring! Più per il suo pensiero e per il modo di fare che per le sue opere. Lui da sempre, prima anche di iniziare a pensare che avrei fatto qualcosa per strada.Ci sono poi delle influenze che ho avuto durante questi cinque anni di “invasioni”. Mi piace rivedere altri sticker artist in ogni posto in cui vado. La loro attitudine mi stimola a fare ancora meglio. È come se fosse una competizione, ma nel senso positivo del termine. Ci tengo a nominare la città di Madrid, che reputo uno step importante per il mio percorso. Una metropoli che mi ha dato una visione diversa. Della serie: “posso volare”. Per “volare” intendo attaccare più in alto di quanto facessi prima di andare in Spagna. Ecco, questo è un luogo che consiglio a chiunque ami fare sticker e poster art. Se sei in compagnia delle persone giuste è sicuramente come andare a “scuola”. GS: Gli sticker che vediamo in molte parti del mondo li hai attaccati tu stesso oppure, come spesso succede per altri sticker artist, sono i tuoi fan e amici che lo fanno al posto tuo? M: È molto raro che io dia i miei adesivi a qualcuno per farmeli attaccare. Quando lo faccio è sicuramente dopo aver dato mille raccomandazioni. Ho una visione tutta mia su questo argomento. Non mi interessa avere due o tre adesivi in una città, sarebbe come non averne! Se devo essere presente, devo esserlo veramente. Rispetto chiunque per strada, e questa è una cosa a cui tengo particolarmente.Se facessi attaccare i miei sticker ad altri quasi sicuramente ci sarebbe il rischio che il mio adesivo copra un altro artista, un tag, uno stencil o qualsiasi altra cosa… Quindi preferisco fare da solo. Fishes Invasion – Merioone (Rio de Janiero, 2020) GS: La tua identità resta celata nel mistero. Perché? Quali sono i punti di forza e di debolezza nel non voler rivelare il proprio nome e cognome? M: In realtà non c’è un vero motivo, o meglio, è per il fatto che ciò che faccio è reputato illegale. Non ho iniziato pensando alla mia identità e a tutto il resto, l’ho fatto non pensando proprio. Ho incominciato tutto aprendo semplicemente un profilo Instagram con le mie foto. Queste domande poi me le sono fatte ma dopo.Quando sono per strada sono Merioone e, una volta finito, ritorno alla mia vera identità, tipo i supereroi. Con l’unica differenza che io non salvo nessuno. GS: Cosa pensi della street art legale (murales, festival, ecc.) e della sua parte illegale (poster, stencil, ecc.)? M: Ben venga la street art legale, e i rispettivi festival, se organizzati in un certo modo, e con la voglia di portare qualcosa di nuovo. Secondo me però le nottate, l’adrenalina e tutto quello che ti può dare l’azione “illegale” sono un’altra cosa. GS: Tu hai sempre lavorato in maniera illegale oppure no? M: Tranne pochi casi, sì. Non per una mia decisione “etica”. Sono aperto a tutto, o meglio, a tutto quello che mi piace e trovo interessante. GS: Dopo cinque anni di attività era il momento di festeggiare. Ci vuoi raccontare come lo hai fatto? Parlaci di Fishes Invasion – Fish Market Pop Up Store. M: Stiamo diventando vecchi… Cercherò di essere breve, anche se è un progetto che ha richiesto molto tempo e grandi sforzi, visto anche il difficile periodo in cui viviamo.Tutto parte dalla voglia di fare qualcosa a Roma, e da una delle tantissime telefonate che ho avuto con un mio grande amico, Davide Rossi Doria (artista e designer, ndr). L’idea originale è nata molto tempo prima. Questa, come tantissime altre, non sono mai state abbandonate ma semplicemente messe in stand by.Dopo averne vagliato le possibilità e la fattibilità abbiamo deciso quale idea ripescare. Dopo di che abbiamo iniziato a sfornare altre idee a raffica che bene si adattassero al concept. Credo che alla fine siamo riusciti a immaginare qualcosa di originale. Spesso non è facile lavorare su un progetto quando è troppo personale oppure non ci sei dentro a pieno. Devo ammettere che Davide è forse l’unica persona con cui riesco a collaborare. Credo che sia l’unico a cui direi: «Tieni, questo è il pesce. Fanne quello che vuoi». Penso che il rapporto che abbiamo sia stato fondamentale per portare a termine questo progetto nel migliore dei modi.L’obiettivo di Fish Market era quello di aprire un pop up store, ma con un’idea di fondo. La pescheria, visto il soggetto dei miei sticker, era il modo più giusto per poter “vendere il pesce”. Ho preso spunti girando in varie pescherie e sfruttando le mie ultime invasioni in città marinare come Genova e Catania. Abbiamo cercato di curare tutto nei minimi particolari, cercando di dare l’experience da vera pescheria, compreso l’odore di pesce all’interno dello store.Lo studio del concept prevedeva non sono l’allestimento del posto, ma anche i design delle t-shirt e degli altri gadget, partendo dal packaging fino al motivo che ci spingeva nel realizzare quell’oggetto.Alla fine sono molto soddisfatto della riuscita di Fish Market. Abbiamo raggiunto i 300 ingressi, e la cosa più importante è stata avere un contatto con la città e con persone che ti supportano da sempre. Colgo l’occasione per ringraziare tutti ancora una volta! GS: Sempre più spesso la street art entra nei luoghi istituzionalizzati (musei, gallerie, ecc…) tu che ne pensi al riguardo? M: Sono favorevole ma l’importante è che resti anche fuori da questi luoghi. Naturalmente qualcosa che non mi convince a riguardo c’è. Ma, basandosi sulla mia piccola esperienza personale, ti dico che con le gallerie con cui ho collaborato ho avuto solo esperienze positive. GS: Pur essendo una persona che ama viaggiare sembri molto legato alla tua città natale, Roma. Che rapporto hai con la Città Eterna? M: Roma è sempre Roma. Potrei stare un mese in giro per il Sud America, ma poi sentirei la necessità di tornare lì almeno per due settimane. Di Roma cambierei tante cose. Sicuramente è una città dove, almeno io, ogni tanto mi sento “soffocare”. È la città più bella del mondo sotto alcuni punti di vista, parlo sul serio, e sarebbe bello se lo fosse anche per molti altri motivi. Fishes Invasion – Merioone (New York, 2016) GS: Quale città tra quelle in cui ancora non sei stato ti piacerebbe visitare? E perché? M: Eh, La lista è ancora lunga. Forse ci vorrebbero tre vite per vedere tutte le città che ho nella mia testa. Sicuramente vorrei continuare a visitare l’Asia, soprattutto conoscere meglio il Giappone. Però credo che, appena sarà possibile, andrò in California e a Miami. Questi due luoghi sono un chiodo fisso da qualche anno e penso siano “tappe fondamentali”. GS: Che rapporto hai con i social network? Sempre più spesso la street art viaggia sulla rete. Tu cosa ne pensi? Che idea ti sei fatto? M: Amo i social network! Credo che chiunque, e ti parlo solo del mondo “artistico”, non usi i social ai giorni d’oggi, sbagli. Esistono varie modalità di utilizzo e, se si sceglie quella corretta, possono essere un mezzo potentissimo. Restando nel mondo della street art, non sopporto quelli che definisco “star da Instagram”. Diecimila, ventimila o cinquantamila follower, ma poi per strada il nulla. Sto parlando di street art legale e illegale. Credo che i social dovrebbero essere un plus e un supporto a quello che è la produzione di ogni artista. Io la vedo così. GS: Hai un sogno nel cassetto? M: Per ora, nel cassetto, ho solo gli adesivi. GS: C’è qualche cosa che vorresti raccontarci ma che nessuno ti ha mai chiesto? M: Un giorno mi piacerebbe parlare dei miei viaggi in giro per il mondo e delle mie esperienze personali. Senza essere considerato “fico” perché attacco pesci in giro. Vorrei che le persone capissero, attraverso i miei racconti, quanto viaggiare ti possa arricchire e regalare esperienze uniche. Credo che ne uscirebbe qualcosa d’interessante. GS: Hai un messaggio per i nostri lettori? M: Ci vediamo per strada!Grazie infinite Marioone. La redazione ricorda che nessun pesce o street artist è stato maltrattato nella realizzazione di questa intervista. Fishes Invasion – Merioone (Budapest, 2019) Fishes Invasion – Merioone (Catania, 2020)Fishes Invasion – Merioone (Dublino, 2019)Fishes Invasion – Merioone (Lima, 2019)Fishes Invasion – Merioone (Praga, 2019) All photos by Merione Share Tweet Share... Read more...L’infinito viaggiare, un articolo di R. Cipro || THREEvial Pursuit4 Novembre 2020L’infinito viaggiare di Rossella Cipro La livraria Lello di Porto, descritta ne L’infinito viaggiare di Claudio Magris Non vedevo l’ora. Finalmente posso tirar fuori la valigia e partire. Si fa per dire, intendiamoci. Esistono diversi modi per viaggiare e uno di questi è mettersi comodi, aprire un libro e iniziare a leggere. Si può contenere il mondo intero poggiandolo ordinatamente sugli scaffali di una biblioteca, museo del tempo e dello spazio. Basta scegliere un titolo per finire con Giona nel ventre della balena o a far compagnia al dottor Faustus. C’è qualcosa nel viaggiare che lega e attrae da tempo immemore i sogni e i desideri degli uomini. Dall’Iliade di Omero al Milione di Marco Polo, dalla Divina Commedia di Dante al Viaggio al Centro della Terra di Jules Verne, da I viaggi di Gulliver di Swiftai Viaggi in Portogallo di Saramago. Libri di storie, storie di viaggi, viaggi pieni di avventure, imprevisti e dure prove da affrontare; pieni di svolte, cambiamenti e ritorni. Un infinito viaggiare. È questo il titolo a cui volevo arrivare e sul quale mi voglio soffermare: L’infinito viaggiare di Claudio Magris. Soffermarsi, sostare, è parte dello spostarsi, ma non tutti gli spostamenti sono viaggiare. Etimologicamente parlando, la parola viaggiare (dal provenzale viatge, a sua volta dal latino viaticum, it. viatico, viaggio) non definiva una direzione geografica, mastava a designare l’insieme degli oggetti che ci si portava dietro quando si andava da qualche parte: cibo, vestiti e soldi. Ergo il viaggio, così come lo intendiamo oggi non può prescindere da un bagaglio, sia esso fisico o mentale e quindi composto di memorie, attimi, scoperte, sensazioni ed esperienze, ma anche di oggetti, luoghi, incontri con l’altro e, quando il viaggio avviene in un certo modo, con se stessi. La valigia è l’oggetto essenziale a chi per un motivo o per un altro sceglie di partire. Solo il viaggiatore può sapere il perché della sua decisione, del suo andare da un luogo all’altro, ma spesso egli lo conosce appena. È solo alla fine, dopo tanto errare, che la ragione di questo viaggio diventa chiara, lampante, adamantina. Per questo gli serve la valigia, perché durante il percorso egli non può evitare di raccogliere tracce, portarsi via oggetti, comporre un puzzle, il quale si delinea sempre meglio man mano che il viaggio vi aggiunge pezzi ogni volta diversi di luoghi e momenti distanti e distinti. L’attenta deduzione lo porta finalmente alla rivelazione, all’incontro con se stesso. Ma come? Non si era mai incontrato? Magari sì, ma non si era mai visto davvero. Spesso l’attenzione e la cura che riserviamo a noi stessi si limita alla superficie, alla parte che mettiamo a disposizione per gli altri, a una di quelle centomila sfumature della nostra persona che sentiamo convergere in nessuna e così si finisce per credere di non esistere se non attraverso gli occhi di chi ci osserva. Ritrovarsi è sempre una nuova scoperta, soprattutto perché il viaggiatore aveva dato per scontato che si sarebbe perso. Invece, è lì che si restituisce lo sguardo attraverso lo specchio sporco di quel vagone barcollante che lo riporta, infine, verso casa. Una fine che è sempre un nuovo inizio. Perdonerete questo preambolo poiché in fondo, come scrive Magris nella Prefazione al suo L’infinito viaggiare, “il viaggio – nel mondo e sulla carta – è di per sé un continuo preambolo, un preludio a qualcosa che deve sempre ancora venire e sta sempre ancora dietro l’angolo. La prefazione è una specie di valigia (…) e quest’ultima fa parte del viaggio”. Se uno ci pensa, viaggiare è un po’ come scrivere; è attraversare luoghi della memoria, prossima o lontana; è incontrare volti e gesti e oggetti. Scrivere di un viaggio è scrivere di un particolare momento nel tempo, in un particolare posto del mondo, di un posto che resta e di un momento che è fugace, che mentre viene vissuto è già passato. La scrittura di viaggio è allora scrittura del tempo, del ricordo, della rielaborazione di quelle memorie che si sono guadagnate un posto nell’archivio a lungo termine della nostra rete di connessioni sinaptiche. Ma allo stesso tempo viaggiare è riscrivere le proprie convinzioni, ridipingere una parete, aggiungere alla propria vita un quadro, un libro, una storia, una lingua che è una cultura. Viaggiare crea immagini e ricordi, visioni e vividi scorci di paesaggi lontani, istantanee vissute e sviluppate sotto forma di storia, romanzo, racconto. La scrittura fissa l’accaduto e lo conserva. “Questo libro”, scrive Magris sempre nella Prefazione, “è fatto di pagine legate al momento in cui è avvenuto il viaggio, in cui si è attraversata una frontiera o uno Stato che magari non esistono più”. Pagine fresche di sensazioni e rilassata immediatezza. Il viaggio e la scrittura camminano fianco a fianco, l’uno pausa dell’altra, si contengono e si sostengono, riuscendo a creare in chi legge la sensazione di essere trasportati senza peso in quel luogo e in quel momento. Questi viaggi, vissuti e scritti fra il 1981 e il 2002, sono percorsi dell’anima, sentieri intricati di vite e racconti, esperienze e resoconti. Basta saltare in groppa al fedele Ronzinante e lasciarsi guidare sui passi di Don Chisciotte attraverso la Mancha, per poi risalire fino a Londra e scendere verso l’Istria, o puntare ad Est per immergersi nella Mitteleuropa, da Berlino ai sorbi di Lusazia passando ancora per il nord con una sosta al Cimitero nella foresta di Stoccolma. E da lì di nuovo verso oriente, dalla Cina al Vietnam e poi giù fino alla meta: il Grande Sud, la selvaggia, lontana e misteriosa Australia. Un viaggio che è fatto di attimi, musica, museo di possibilità. Il Cimitero nella foresta a Stoccolma, uno dei luoghi visitati da Magris ne L’infinito viaggiare Arriva un momento lungo il percorso in cui bisogna afferrare saldamente le briglie, tenere le redini e districarsi tra i futuri abortiti della storia – come li chiama Ernestina Pellegrini – quei futuri possibili che però non si sono realizzati. “Cecoslovacco o Ceco-slovacco?” ci si chiedeva negli anni ’90. Oggi sappiamo com’è andata, che si è optato per la scissione, ma ci sono variabili che avrebbero potuto cambiare il corso di quella vicenda e la sua soluzione. È di queste variabili che Magris fa tesoro perché sono queste che aiutano a leggere e comprendere un dato momento nella Storia, magari un momento di stallo, d’indecisione, di svolta, progresso o inversione. Ma non si può comprendere un certo evento storico se non attraverso gli occhi di un personaggio che ne ha fatto parte o del luogo in cui quella storia ha avuto origine. Quindi ecco che Magris ci presenta la croce di “Ludwig, l’infelice e impossibile sovrano di Baviera”, annegato in circostanze misteriose il 13 Giugno 1886 nel lago di Stanberg, vicino Monaco, insieme al suo medico, dottor Bernhard von Gudden; ci accompagna quindi nella stanza di Schönberg, rifugio del musicista in fuga dal nazismo, luogo armonioso come l’uomo che ci visse; ci invita a passeggiare tra l’equilibrio di natura e morte del Cimitero nella foresta dove la morte è uguaglianza, è superamento di ogni smarrimento. Ronzinante vacilla ma il viaggiatore non demorde, pensa però che la povera cavalcatura abbia bisogno di una pausa e quale luogo migliore di Jyväskylä, nel cuore dei laghi finlandesi, per fermarsi? Ma qui insieme alla libertà aleggia l’inquietudine, perché siamo nel 1990 e la storia della Finlandia arde ancora come un tizzone che fatica a esaurirsi, alimentato di qua dall’interesse europeo e di là dal richiamo sovietico. Non è questo il luogo per una lezione di storia della Finlandia, in cui entrerebbero in ballo troppe altre storie: dalla prima alla seconda guerra mondiale, e ancora indietro, troppo indietro, fino alla guerra russo-svedese del 1741 (e io vi consiglio di farvela raccontare da Alessandro Barbero che di storia militare ne sa sicuramente più di me). Ripartiamo e arriviamo a Nesset, sulla costa ovest della Norvegia, dopo aver ascoltato le storie dei giocattoli di Hoffman. Cambiamo rotta e siamo in Iran, avanziamo verso est: la grande Cina, il Vietnam e, infine, la meta. Il penitenziario di Port Arthur, Tasmania, descritto ne L’infinito viaggiare di Magris Ci lasciamo qui, sulle rive di Port Arthur, in Tasmania. No, non adesso. Siamo nel 1998, è di Giugno, l’oceano è bellissimo. In realtà Magris ci saluta a Hobart Town, la capitale della Tasmania, ma io voglio congedarmi da qui, da questo luogo che conserva memorie atroci, paradiso in terra testimone di morte e sofferenza. Il penitenziario di Port Arthur è ancora qui, testimone appunto di deportazioni forzate, di condanne crudeli, di torture, suicidi e morti d’innocenti. Qualsiasi reato, per quanto lieve, aveva una sola pena. “L’isola dei morti”, qui accanto, accoglie tutti quegli sfortunati “romanzi condensati di vite incredibili, turpi, violente” ma che hanno saputo resistere a situazioni che noi non possiamo neanche lontanamente immaginare. Perché qui? Perché su quest’altura di Port Arthur l’oceano s’infrange potente e da qui corre senza barriere fino all’Antartide. Non c’è assolutamente nulla in mezzo. La fine del mondo che conosciamo, l’inizio di un nuovo viaggio per il quale Ronzinante è ormai troppo stanco, meglio lasciarlo riposare. Share Tweet Share... Read more...Il Giardino delle parole, un articolo di C. Francioni || THREEvial Pursuit28 Ottobre 2020Il Giardino delle parole Non so più camminareUn racconto ispirato da Makoto Shinkai di Chiara Francioni Yukari e Takao sotto il gazebo nel parco di Shinjuku Gyoen (Il Giardino delle Parole, 2013) Le strade di Tokyo brulicano di passanti protetti da ombrelli lucidi e grondanti. Il cielo è per lo più grigio ma, di tanto in tanto, sbucano timidi raggi di sole facendo risplendere le pozzanghere. È giugno ed è appena iniziata la stagione delle piogge o, come la chiamiamo in Giappone, tsuyu. Il nome è curioso, ma non senza ragione, infatti le piogge si abbattono sul paese fino a luglio, dando il benvenuto all’estate e accompagnando la fase di maturazione delle prugne (anche se in realtà si tratta di una variante di albicocche). L’aria è umida, ma non fa freddo e non è raro imbattersi in fugaci arcobaleni e bambole teru teru bōzu appese alla grondaia da qualche bambino speranzoso, nel vano tentativo di scacciare il maltempo. Ci sono giorni, come oggi, in cui l’acqua cade ininterrottamente, inzuppa le scarpe, leviga le strade e scivola silenziosa tra i pensieri degli abitanti di questa città. Lo ammetto, non è il periodo dell’anno più indicato per trascorrere il tempo all’aperto oziando nei parchi puliti e curati della capitale. Eppure sono seduta qui, su una panchina del giardino di Shinjuku Gyoen riparata da questo enorme gazebo all’ombra di un pino imponente, e mi guardo intorno, cercando di capire che effetto abbia tutta questa pioggia su di me. A pochi metri si estende un laghetto che cattura nel suo riflesso i colori del mondo. Le fronde dei sempreverdi, appesantite dall’acqua piovana, ne accarezzano la superficie, mentre cerchi concentrici si formano allo stesso ritmo con cui cadono le gocce dal cielo. Tsuyu, o pioggia di prugne (Il Giardino delle Parole, 2013) Una volta amavo i giorni di pioggia, al punto da dimenticarmi l’ombrello ovunque andassi: a casa, a scuola, sui mezzi. L’idea di bagnarmi non mi preoccupava, perché avevo la convinzione che per quanta acqua potesse scivolarmi addosso, non avrei mai mostrato più di quello che tutti potevano già vedere. Erano gli anni in cui camminavo a testa alta, sorretta dalla forza dei sogni. Fin da ragazza non ho desiderato altro che diventare insegnante. Mi sembrava la professione giusta per chi, come me, amava la letteratura e la poesia. Il desiderio di trasmettere ai giovani il senso di appagamento che provavo nel perdermi tra parole forgiate dal sacro fuoco dell’arte era un impulso irresistibile. Per questo sono venuta fino a Tokyo, per questo ho studiato senza distrazioni. Quando ho cominciato la carriera di docente i ciliegi erano in fiore e il cortile dell’istituto, dove insegno tuttora, sembrava ai miei occhi ancora inesperti un passaggio fatato verso il regno della realizzazione. La brezza primaverile accarezzava i petali sgargianti e scompigliava gentilmente i miei capelli: mi sentivo leggera e carica di aspettative. Quel giorno decisi di cominciare la lezione, la mia prima lezione, leggendo i versi di un tanka a me molto caro fin dai tempi in cui io stessa ero una liceale e studiavo sullo libro di testo che i miei studenti avevano, adesso, appoggiato sui loro banchi. “Rombi di tuonoecheggiano tra le nuvolechissà, forse pioverà.Tu resterai con me?” Quella volta ho volutamente omesso l’epilogo del componimento, perché volevo che ognuno dei miei studenti avesse un’impressione personale della poesia e sviluppasse un’idea propria di quella che poteva esserne la conclusione. Tuttavia, nessuno di loro prese l’iniziativa, nessuno alzò la mano, nessuno dimostrò interesse per quelle parole che mi avevano, anni prima, trasformato in una adolescente sognante. Loro, i miei studenti, rimasero immobili e in silenzio. È alquanto strano starsene seduta qui senza sentire il cinguettio degli uccelli. Nei giorni di sole, il loro canto è incessante. Anche quando Hiroshi, che aveva sempre vissuti a Tokyo, mi portò al parco per la prima volta, quella melodia era lì a fare da sottofondo alle nostre effusioni impacciate. “Shinjuku Gyoen è un luogo magico” aveva detto lui, probabilmente per fare colpo, “qui la natura si riprende i suoi spazi e si trova la pace”. Però aveva ragione e suppongo sia questo il motivo per cui oggi sono venuta qui, anche se piove e gli uccelli se ne stanno zitti. Per cercare la pace. Non saprei dire quando ho iniziato ad avere paura. Semplicemente è successo. Quando ho realizzato quello che mi stava accadendo, ormai il processo era già cominciato da tempo: ogni nuovo giorno era peggio di quello precedente e la tendenza sembrava irreversibile. Avevo smesso di dimenticare l’ombrello perché la pioggia era diventata mia nemica: poteva smascherarmi, lavare via il trucco e mettere a nudo le mie ansie. Anche il rapporto con Hiroshi ne risentì: non ci siamo lasciati male, abbiamo semplicemente preso atto che non c’era più un futuro per noi. Tanto che siamo rimasti, se così si può dire, amici. Il Giardino delle Parole di Makoto Shinkai A dire il vero, visto che in questa metropoli non conosco molte persone e siamo entrambi docenti nello stesso liceo, continuo a rivolgermi a lui quando ne ho bisogno, quando mi serve che qualcuno mi sproni, anche se finora non lo avevo ammesso neanche a me stessa. E stranamente a lui va bene. Dovrei chiedermi perché, ma non so se mi interessa davvero conoscere la risposta. Sono certa che avrà già provato a chiamarmi con l’intenzione di sgridarmi perché alla fine, anche oggi, non sono andata a lavoro e avrà dovuto fare i conti con la segreteria del mio cellulare. Non troverà nessuno nemmeno a casa visto che, a differenza dei giorni precedenti, invece di restarmene a letto in compagnia di vestiti non piegati da settimane, sono venuta qui al parco, portando con me un paio di birre e qualche barretta di cioccolata per non restare a stomaco vuoto. La verità, ma la sappiamo solo io e il filo dei miei pensieri, è che quando mi sono svegliata, ho pensato che se mi fossi vestita di tutto punto e fossi uscita di casa, forse sarei davvero riuscita ad arrivare al liceo, a fingere che non mi costasse alcuna fatica entrare e salutare i colleghi e gli studenti. La solita ingenua! Così, adesso mi ritrovo qui, da sola, su questa panchina con indosso il tailleur e ai piedi un paio di tacchi. Mi sento stupida. Chissà cosa penserebbero i miei studenti se potessero vedermi? Probabilmente mi compatirebbero. Del resto non è che abbiano una buona idea della sottoscritta: ai loro occhi sono solo una poco di buono e una fallita. Ora che ci rifletto, mentre bevo il primo sorso di alcol della mattina, sarebbe facile dire che tutto è cominciato in quel momento, quando Ichisake, del terzo anno, ha detto in classe di avere una cotta per me. Il gruppo delle ragazze si è molto risentito e le voci che hanno messo in giro sul mio conto sono terribili. Sarebbe facile, appunto, dare la colpa al cinismo degli adolescenti, ma niente in questa vita è facile e di certo non è affatto facile trovare il bandolo della matassa infeltrita della mia decadenza. Quando i corridoi si sono riempiti di pettegolezzi amari, ero già corrotta. Non ho saputo reagire e ho lasciato che gli eventi mi sopraffacessero. È stata colpa della mia debolezza che attendeva, nascosta nell’ombra, da anni, forse da sempre. E così, giorno dopo giorno, le mie gambe si sono fatte più pesanti, i piedi più incerti, i muscoli più rigidi e la testa più vuota, finché mi sono scordata come si fa a camminare e sono rimasta bloccata, immobile, paralizzata in una stasi di timori e di confusione che non ho più alcuna voglia di combattere. Non sono venuta a Shinjuku Gyoen per cercare la pace, dopo tutto. Sono venuta qui per nascondermi. La pioggia non accenna a smettere, resterò seduta su questa panchina finché non cesserà, poi, forse qualcosa accadrà. Tu resterai con me? Yukari, protagonista de Il Giardino delle Parole Il Giardino delle Parole (Kotonoha no niwa) è un mediometraggio animato del 2013, prodotto da CoMix Wave Films e diretto da Makoto Shinkai, cineasta noto non solo in Giappone, ma anche in occidente, soprattutto grazie al successo mondiale ottenuto con Kimi No Wa (Your name). Lo stile di Shinkai è caratterizzato da un forte iperrealismo grafico che regala allo spettatore scorci carichi di dettagli e paesaggi mozzafiato, sormontati da cieli infiniti e variopinti. Sebbene l’elemento fantastico sia una costante nelle sue pellicole, ne Il Giardino delle Parole, Shinkai ci propone, al contrario, una storia tanto realistica quanto intima, fatta di speranze, timori ed epifanie. Questa storia vede protagonista, da un lato, Takao, uno studente al primo anno di liceo, maturo e determinato, il quale sogna di diventare un calzolaio per disegnare e creare scarpe che possano aiutare gli altri a camminare meglio e, dall’altro, Yukari, giovane docente di letteratura classica che si trova, invece, ad aver perso l’abilità di avanzare, arrancando sempre più nel baratro vischioso delle sue angosce. I due si incontrano per caso in un giorno di pioggia, sotto a un gazebo nel parco di Shinjuku Gyoen (un gazebo che esiste realmente, io ci sono stata, n.d.r.), dove Yukari si è rifugiata per sottrarsi alla minaccia della propria realtà e dove Takao si è recato per disegnare, indisturbato, sul proprio taccuino. Le vite di Yukari e Takao, grazie a questo fortuito incontro, finiranno con l’intrecciarsi per il breve, ma intenso, periodo di tempo che sarà loro necessario a capire cosa fare delle rispettive esistenze. Un film poetico e toccante, che si consuma nel tempo di un lungo sospiro. Pioggia di prugne Si tratta di bambole di stoffa o carta bianca che ricordano, nella forma, dei piccoli fantasmi e sono tradizionalmente considerati talismani per allontanare la pioggia. Sono sicura che ricorderete di averle viste in qualche anime, se non altro da bambini. In Giappone l’anno scolastico inizia ad aprile quando i numerosi ciliegi di Tokyo sono ancora coperti di sakura, i celebri fiori rosa che sono ormai diventati uno dei simboli del paese. Breve componimento in versi Share Tweet Share... Read more...Festa mobile: une génération perdue, un articolo di R. Cannarsa || THREEvial Pursuit21 Ottobre 2020Festa mobile: une génération perdue Del vivere in prima persona di Rocco Cannarsa Festa mobile è Parigi, una Parigi degli anni venti che si intreccia con la vita e col cuore smarrito di un giovane Hemingway e sua moglie Hadley. Non è solo questo: come spiega nell’introduzione Patrick Hemingway, secondo figlio di Ernest, la festa mobile è un modo di essere, è una parte di noi, una condizione che ci si porta dentro. Il libro è stato pubblicato postumo nel 1964. È un lavoro frutto di manoscritti precedenti integrati e scelti dalla quarta moglie Mary Walsh. Racconti, note di vita, ricordi costruiscono una storia che fa precipitare il lettore nella pienezza della vita cittadina. Mostri sacri come Hemingway stesso, Scott Fitzgerald, Ford Madox Ford, Ezra Pound, Gertrude Stein, sembrano non essere soltanto frutto del proprio talento ma dell’ambiente culturale parigino: quello dei caffè, quello di apertura, di interesse, di attenzione al confronto come attitudine, prerogativa dello stesso lavoro. Vediamo un circolo vivo e coeso, che dà origine a un continuo dialogo di crescita che contribuisce alla formazione degli artisti stessi. Leggere Festa mobile sotto questo unico punto di vista non è abbastanza. Lo si ridurrebbe alle peripezie di poveri artisti da strapazzo, si finirebbe banalizzandolo col ‘mainstream bohémien’ e tutto il resto. Il mio è quindi un invito alla (ri)lettura di questo libro approcciandocisi dimenticando, non senza difficoltà, che “possa essere” una biografia. “Ti ho visto, bellezza, e adesso tu mi appartieni chiunque sia che stai aspettando e anche non dovessi vederti più, pensavo. Tu mi appartieni e tutta Parigi mi appartiene e io appartengo a questo quaderno e a questa matita. Poi ripresi a scrivere e finii nel pieno della storia che si scriveva da sola e non alzai più gli occhi e neanche tenni più conto del tempo né pensai a dov’ero né ordinai altro rum St James. Ero stanco del rum St James anche senza pensarci. Poi finii il racconto ed ero molto stanco. Rilessi l’ultimo paragrafo e poi alzai gli occhi e cercai la ragazza e lei se n’era andata. Spero se ne sia andata con un uomo perbene, pensai. Ma mi sentivo triste. Chiusi la storia nel mio quaderno e lo misi nella tasca interna della giacca e chiesi al cameriere una dozzina di portugaises e una mezza caraffa del loro bianco secco. Quando finivo un racconto mi ritrovavo sempre vuoto e sia triste che felice, come se avessi fatto l’amore, ed ero sicuro che fosse un racconto molto buono anche se avrei saputo davvero quanto buono soltanto quando l’avessi riletto il giorno dopo”.Ernest Hemingway – ‘Un bel Café in Place St-Michel’, Festa Mobile. L’opera è buona quando supera in tutto e per tutto l’autore, nel senso di renderlo secondario, persino irrilevante. Banalizzando: una poesia è pur sempre una poesia a prescindere dall’autore e a prescindere dall’essere letta. Non va negato, però, che sia l’autore il motore dell’opera d’arte, l’artefice, appunto. Kant parla di “produzione mediante libertà”, perché l’atto del pensare-realizzare un’opera è fondamentalmente libero, per quanto a volte si parli di necessità dell’opera d’arte di esistere per sé stessa o, concetto cui allude lo stesso Hemingway (“finii nel pieno della storia che si scriveva da sola e non alzai più gli occhi e neanche tenni più conto del tempo né pensai a dov’ero né ordinai altro rum St James“), dell’inghiottire l’autore nel proprio flusso e al contrario relegarlo a mezzo per la propria realizzazione. Inoltre, un’opera non è neanche riducibile all’intenzione dell’autore perché la si renderebbe semplice strumento comunicativo, tagliandone fuori la componente immaginativo-interpretativa del fruitore, figurarsi l’utilità che avrebbe affiancarla alla biografia. La necessità di ricondurre avvenimenti narrati in prima persona alla vita privata dell’autore, è il segno che la storia non è abbastanza forte da aver taciuto questa naturale curiosità nella mente del lettore, non concedendogli di godere appieno dell’opera in quanto tale. Quel desiderio di alcuni lettori (e critici) di ricondurre romanzi, temi o scelte narrative a momenti biografici dell’autore è, per quanto mi riguarda, un tentativo di comprensione del processo creativo, per nulla rilevante ai fini dello “sviscerare” l’opera e comprenderla appieno. “Quando cominci a scrivere storie in prima persona, se le storie sono rese così reali che la gente ci crede, la gente che le legge quasi sempre pensa che le storie siano davvero successe a te. Questo è naturale perché quando le stavi inventando dovevi farle succedere alla persona che le stava raccontando. Se lo fai in modo sufficientemente efficace, accade che la persona che sta leggendo finisce col credere che le cose siano successe anche a lei. Se riesci a farlo stai cominciando a ottenere quello a cui miravi, cioè fare qualcosa che diventerà parte dell’esperienza del lettore e parte dei suoi ricordi”.Ernest Hemingway – ‘Dello scrivere in prima persona, Festa Mobile. Questa mezza pagina di Ernest Hemingway tratta da Dello scrivere in prima persona, uno degli scritti di Festa mobile, è sempre stata per me in tal senso illuminante. Si prendono di petto, con una inaudita semplicità, i temi di cui sopra e i loro possibili sviluppi, ad esempio quanto la scrittura possa essere verista. Nei dialoghi, nel modo di parlare. Un caro amico cerca instancabilmente di convincermi che lo scrivere sia mediare la realtà con la finzione (e viceversa). Io non sono mai riuscito ad accettarlo, pensando che la scrittura, quella vera, funzioni quanto più si avvicini alla realtà. Una scrittura onesta, come direbbe Hemingway, magari anche banale come la realtà stessa. L’esempio con cui il mio amico giustifica la tesi è che se qualcuno volesse cimentarsi a riportare nell’estremo dettaglio gli sketch di vita della propria giornata su carta, si noterebbe quanto essi siano inadatti alla scrittura. O meglio, quanto la vita da sola non basti alla scrittura. Semplicemente non funziona. La realtà potrebbe sembrare mal scritta. Difatti lo stesso Hemingway (“se le storie sono rese così reali che la gente ci crede“) non parla di una realtà magistralmente descritta ma di plasmare, imprimere una storia di realtà. Questa tesi però aiuta più facilmente a spiegare perché l’autore di narrativa in prima persona “non può ragionevolmente aver fatto tutto quello che il narratore ha fatto e, forse, niente del tutto”. Festa Mobile diventa per me una piccola guida per scrittori, una panoramica di ciò che è il mestiere di scrivere. Un lavoro che non si può limitare alle ore di ufficio, perché la scrittura è vita. E se scrivi in modo “sufficientemente efficace,” – frutto di un metodo, impegno, non solo frutto di virtù, talento, ma di sudore leopardiano – “accade che la persona che sta leggendo finisce col credere che le cose siano successe anche a lei”. La possibilità quindi di trovare l’universalità nella particolarità, la storia, i pensieri di una molteplicità di individui specchiati in un’individuale visione del mondo. Interiore perché truccata, narrabile, resa fiction. Se riesci a farlo stai cominciando a ottenere quello a cui miravi, cioè fare qualcosa che diventerà parte dell’esperienza del lettore e parte dei suoi ricordi. La stranezza che coglie l’attenzione e la familiarità che assottiglia il limite con il diverso, l’altro da sé. Per scrivere bene dunque devi vivere, ascoltare, guardare. Non si smette mai di lavorare. Per non pensare al lavoro devi leggere (la lettura però va a influenzare il lavoro, lo stile) o fare l’amore, ma poi tutto torna uguale, e il racconto non può scriversi da solo o non avrai niente da scrivere il giorno dopo. Questo è uno dei consigli di Festa Mobile, che insegna come essere un artista sia una “falsa primavera”, perché dietro a ogni felicità c’è sempre un abisso incolmabile, frutto dei propri splendori e le proprie miserie al contempo. Questo concetto sembra portare consapevolmente e senza inquietudine alla soglia di ciò che mi piace definire ‘autolesionismo mentale’: una sofferenza ineludibile perché fa parte della propria visione della realtà. Mi viene in mente il nuovo e molto discusso (troppo negativamente, a mio avviso) album di Francesco Bianconi, che nel brano L’abisso dice “guardo il mondo senza gli occhi che vorrei”. Il riferimento è a un dramma personale che cambia il modo di vedere. Uno sguardo innaturale che è patologia di quella sensibilità “artistica” degli animi malinconici – su cui mi sento quanto il più possibile di insistere ogni volta che ne ho occasione – che trovano nella creazione artistica una via di fuga o banalmente di sfogo dai loro traumi. Perché è il proprio abisso la spinta alla produzione. Penso al neonato Eccitare l’abisso di Roberto Masi, indagine dell’umano vuoto/profondità attraverso l’arte indagine che, come scrivere, costa dolore, ma doverosa per essere padroni di sé. Un esempio di questo amore-odio verso la propria vita/visione del mondo è la povertà che incornicia l’esistenza di Hemingway negli anni del racconto. Una povertà non solo evitabile in più occasioni ma quasi ricercata, come se servisse a mantenere viva quell’ansia di cadere nel proprio baratro, alimentando il proprio dramma in modo che diventi la propria ragion d’essere. “Noi mangiavamo bene e a poco prezzo e bevevamo bene e a poco prezzo e insieme dormivamo bene e al caldo e ci amavamo”. Hemingway si dice “molto povero e molto felice”. “Tutti i quadri erano più intensi e più chiari e più belli se eri a pancia vuota, con una fame da lupo”. Uno stile di vita che rimanda alla sofferenza di un santo o di un martire, capace di portare alla follia e alla malinconia di cui parla Walter Benjamin ne L’origine del dramma barocco tedesco. Una sofferenza (in)naturale per l’inadeguatezza verso la propria sensibilità e la propria visione del mondo, di cui non si è che vittime. Uno stile di vita che ti fa morire nell’immortalità, che ti fa sentire padrone del mondo intero, potendolo fissare su carta. Ma ti rende schiavo, di un quaderno e di una matita. La bohème, la bohèmeOn était jeunesOn était fousLa bohème, la bohèmeÇa ne veut plus rien dire du tout-Charles Aznavour Share Tweet Share... Read more...Arte & Capitalismo, un articolo di S. Cegalin || THREEvial Pursuit14 Ottobre 2020Arte & Capitalismo Abissi nell’estetica mercificata di Silvia Cegalin Le basi del capitalismo artistico. Come l’arte si sia trasformata in prodotto Nel saggio La parte avuta dal lavoro nel processo di umanizzazione della scimmia del 1876 Friedrich Engels descrive l’evoluzione dell’essere umano dalla scimmia, ricalcando per più volte l’idea che siano stati il lavoro e la coscienza le condizioni fondamentali che hanno permesso lo sviluppo della vita umana. Non è un caso, dunque, se la scena più significativa del film The Square del 2017 del regista Ruben Östlund, incentrato sulle strategie “commerciali” presenti nel mondo dell’arte contemporanea, riguardi un uomo, un famoso artista, che durante una cena di gala organizzata dall’élite della classe culturale decide, attraverso un atto volutamente delirante, di staccare la propria figura da uno sfondo sbiadito dall’ipocrisia e di impersonare una scimmia, aggirandosi tra commensali che imbarazzati e impauriti non si capacitano di ciò che sta succedendo. La figura/metafora dell’artista primate ci riporta a dover riflettere su quanto l’umano abbia gradualmente perso una relazione genuina con gli “oggetti” con cui interagisce, tra cui anche l’arte, costruendo strati su strati che lo allontanano dalla radice delle cose. Attraverso questa scena inoltre il regista inietta un po’ di pazzia in un ambiente artistico che, specialmente al di fuori della finzione cinematografica, appare addormentato nelle proprie grazie e abitato da personalità che hanno perso la fame creatrice, innalzando a loro unico dio le perverse logiche del sistema. Logiche che, ormai non serve più ripeterlo, hanno come unici scopi la produzione, la vendita e la visibilità. Associare l’arte a qualcosa di puro e distaccato dai fenomeni del reale dev’essere considerato ingenuo, se non alquanto inverosimile. Con la modernità, periodo che porta a numerose trasformazioni sia in campo industriale che culturale, l’opera d’arte – facendo eco a Walter Benjamin – smarrisce la propria aurea e da oggetto esclusivo, vivo, avente un valore intrinseco e soprattutto irripetibile, gradualmente si trasforma fino a diventare un prodotto commerciale che succube dei ritmi febbricitanti e dell’invenzione di nuove macchine smarrisce la relazione con il sacro, l’astratto e la bellezza. L’opera nell’epoca della sua riproducibilità tecnica è il primo passo che avvia il campo dell’arte a comportarsi come il settore industriale. Le creazioni entrano quindi nel circuito della serialità e della simulazione diventando pezzi di un sistema in cui uno può essere sostituito all’altro. Una moltitudine, un ammasso di oggetti che tramite un’esposizione indiscriminata annientano il loro status artistico per assumere le forme della merce e del feticcio, all’interno di un apparato culturale che non si accontenta più della straordinarietà del singolo, che pretende una sua costante ripetizione e riproduzione. Questo ragionamento vale non soltanto per la fotografia e il cinema che – come sottolineava d’altronde lo stesso Benjamin – erano le arti che incarnavano maggiormente gli ideali industriali, ma possono riferirsi anche ad altri settori artistici (come le arti figurative o la letteratura ad esempio) in cui gli artisti si ritrovano ad essere soggetti alle imposizioni di produzione e vendita dettati dal capitalismo culturale. Non si è più artisti ma si fa gli artisti. L’idea di creare perché sospinti da un’esigenza interiore, dall’ispirazione o, citando Antonin Artaud, per fuggire dall’inferno: con l’entrata del capitalismo nell’arte ciò non può più esistere. L’alienazione tipica della classe lavoratrice infetta anche gli artisti e il perché, lo spiega bene Karl Marx in Teorie sul plusvalore (1863): il capitalismo essendosi allargato ad ogni aspetto della vita, sia essa sociale o economica, ripropone gli stessi meccanismi; se ne deduce che l’artista, proprio come l’operaio, per guadagnare dovrà produrre molte opere, opere cui unico scopo sarà la vendita e la loro pubblicità, e non più l’ideazione di creazioni originali scaturite da un impulso spontaneo. Ora, sempre seguendo il pensiero marxista, un altro punto appare essenziale in questo discorso: ossia come l’idea utilitaristica nell’arte assuma un significato diverso da quello presente in ambito industriale, perché l’arte non è considerata un bisogno primario, inoltre è difficile tradurla in termini materialistici. Detiene tuttavia il potere nel plasmare l’immaginario, i gusti e l’estetica, oltre che generare idee. Fattori che, specialmente con l’incedere della modernità, entrano a pieno titolo negli elementi utili per far esplodere un’economia che si identifica nel profitto e nel consumismo. Ecco pertanto, che il capitalismo nella sua versione più aggressiva sfrutterà l’arte per manipolare la cultura, la sensibilità estetica e il senso del bello in base alle proprie esigenze. L’artista, di conseguenza, si troverà a vivere un conflitto interno in cui dovrà scegliere se creare seguendo le proprie idee e l’istinto, rischiando però di non essere capito da un pubblico e da una classe dirigente che è ammaestrata per apprezzare altro, oppure se abbandonarsi al canto di sirene che deviandolo dal proprio sentimento, lo indurranno a inchinarsi di fronte ai tentacoli del mostro capitalista e a essere così rapito da esso. E il potere, come ben sappiamo, ha capacità di deformare la natura delle cose. Non solo infatti ha condotto l’artista e l’arte a rivestire funzioni diverse da quelle che possedevano in origine, storpiandone quasi il loro senso intrinseco, ma ha anche mutato sé stesso e le sue forme di manifestazione, disegnando un nuovo tipo di capitalismo che si adattasse ai cambiamenti sociali in atto. Interessante fenomeno che è stato analizzato recentemente da Gilles Lipovetski e Jean Serroy in L’estetizzazione del mondo. Vivere nell’era del capitalismo artistico, in cui i due autori affrontando il concetto di “capitalismo cognitivo”, spiegano come – nella contemporaneità – la prima merce da mettere in risalto non sia tanto il manufatto quanto noi stessi, le nostre conoscenze, le nostre potenzialità e le nostre idee. È l’immateriale, per usare un termine caro ad André Gorz, a essere al centro delle strategie capitaliste, perché è in corso la sfida di rendere monetizzabile e commerciabile ciò che appartiene alla sfera dell’intelletto, in modo da stabilire un’economia che non escluda nessun aspetto della società, compresa la conoscenza e ovviamente la creatività. Se ne deduce che gli artisti in questa fase dovrebbero concepirsi come “capitale umano” e dunque imprenditori di loro stessi, in grado di trasformarsi in base alle opportunità offerte dal momento. Anche con l’analisi critica di Lipovetski e Serroy, quindi, si ritorna all’idea di un’artista che prima di essere deve mostrarsi e mostrare. Un capitalismo artistico che, stando agli studi di Luc Boltanski ed Ève Chiapello raccolti nel libro Il nuovo spirito del capitalismo (testo che anticipa di circa dieci anni L’estetizzazione del mondo), in nome dello spirito libertario e della necessità di una maggiore autonomia espressiva diffusisi negli anni 60’, è riuscito a convertire, anzi a distruggere, la propulsione creativa che in quel periodo era sbocciata, ridefinendola secondo i canoni del libero mercato, reimpostando un assetto alternativo al binomio lavoratore/merce, sfruttato/sfruttatore. Ma – e qui sta la sua “forza demoniaca” – il capitalismo è riuscito a penetrare nel mondo dell’arte camuffandosi esso stesso dà valore artistico, iniziando a dominarlo secondo le politiche d’impresa. Politiche che si sono espanse anche al funzionamento delle attività artistiche, che oggi più che mai, incorporano il suffisso “iper” che nel consumismo, nella proliferazione e nella flessibilità si esplica nella maniera più emblematica. L’estetica si è adattata a questa babele di produzioni, e il surplus di esibizioni cosiddette artistiche e l’inflazione di eventi/manifestazioni culturali ne sono un esempio. Che cosa valga veramente, che cosa meriti la nostra attenzione è difficile da stabilire perché, per riprendere il concetto di arte espansa di Mario Perniola, in tale abuso di futilità e insulsaggini l’arte autentica è stata oscurata da un imbarbarimento del pensiero estetico. È inevitabile quindi che alla massificazione dell’oggettualità artistica segua la graduale sparizione dell’arte ed è in linea con il pensiero di Jean Baudrillard, che nell’omonima La sparizione dell’arte, dichiara come il feticismo commerciale e il culto sfrenato verso le cose abbiano condotto alla svalutazione delle creazioni artistiche, diminuendo la consapevolezza su noi stessi e il mondo che l’arte spesso stimolava. È urgente di conseguenza, ribadisce il filosofo, che l’arte e gli artisti resuscitino il proprio ruolo, contrastando il nauseante circuito di mercificazione delle idee. L’arte è una questione di classe sociale. Se non si può asserire che l’arte sia sganciata dalla sfera economica, è perciò importante considerare l’artista come un lavoratore. Per quanto tale affermazione appaia banale, in merito anche alle riflessioni svolte precedentemente, è comunque risaputo che ancora ad oggi persistono numerose contraddizioni per descrivere il ruolo dell’artista all’interno di una società dominata da un capitalismo che, personalmente, definirei multiforme. Il resuscitatore del marxismo Theodor Adorno, non a caso, con la formulazione del concetto di “industria culturale” intendeva proprio sottolineare il legame condizionante che intercorreva tra le varie componenti sociali-economiche e l’arte. È però evidente che nonostante i molti dibattiti e la vasta letteratura inerente il capitalismo artistico e la trasformazione dell’opera d’arte in merce, rimane spesso secondaria una questione a parer mio di estrema importanza, ossia il ruolo che la classe sociale di appartenenza ha nella formazione e nell’affermazione degli artisti. Molti, forse, troveranno obsoleto l’uso del termine “classe”, in alternativa possiamo parlare di livello del reddito, grado di istruzione o di possibilità economiche, il discorso comunque non cambia, perché stando a una ricerca condotta nel 2015 dalla Goldsmiths University e dalla Arts Association Create, è emerso che l’80% delle persone che lavorano e fanno arte nel Regno Unito provengono dalla classe medio alta. Ora, un dato di questo tipo dovrebbe suscitare vergogna e stimolare gli imprenditori culturali a creare sistemi di finanziamento e sostentamento in grado di rimarginare questa ferita che vede i meno abbienti esclusi. Al contrario, come d’altronde è riportato nell’articolo Can Only Rich Kids Afford to Work in the Art World? del 2017 a firma di Anna Louie Sussman in Artsy, affiora la problematica che mentre negli altri campi industriali si sta investendo per formare una forza-lavoro eterogenea, in quanto la varietà dei soggetti coinvolti porterebbe a prestazioni migliori, il settore dell’arte si estrania da ciò, rimanendo ancorato a pratiche economiche basate in larga parte sulle donazioni, sul collezionismo e sulla promozione tramite i social media, nonché su prestazioni di lavoro che spesso sono retribuite malvolentieri. Un altro aspetto preoccupante che concerne la formazione degli artisti, è il fatto che si acquisisce lo status di artista dopo aver superato “varie prove”. Per arrivare a esporre o a pubblicare le proprie opere nella famosa galleria, biennale o con un editore conosciuto, è indispensabile “entrare nel giro giusto” (e pure in questo caso si presuppone la provenienza da un ambiente borghese e zone geografiche evolute e non isolate), o un curriculum che elenchi considerevoli esperienze. Esperienze che richiederanno l’investimento di tempo e denaro che, ovviamente, non tutti sono in grado di sostenere. Penso ad esempio alla partecipazione di seminari, corsi di specializzazione, stage e workshop che non sempre vengono finanziati dall’ente organizzatore, ma che spesso sono a carico del partecipante, e talvolta si svolgono all’estero o lontano dalla propria città. Questa mia riflessione non si basa su un’ottica pessimistica, ma reale. Non vuole affermare che chi proviene da un ambiente agiato non possa essere un bravo artista, e che chi è più povero non ce la possa fare. Ma perpetuare l’idea romantica che il figlio/a di un operaio o di un impiegato, abbia pari opportunità di un figlio/a di un medico, di un avvocato o di un imprenditore, vuol dire negare l’esistenza stessa del capitalismo che ha fatto del denaro la sua arma vincente. La regola è molto chiara: se hai soldi puoi – se non hai soldi non puoi. Senza contare il fatto che chi domina le scene artistiche e intellettuali produce visioni e idee capaci di influenzare il modo di pensare nonché la cultura stessa, perciò ci troviamo a essere schiavi – o sovrani – non solo della nostra condizione economica, ma anche di un capitale di pensiero modellato da altri e in cui si rischia di non riconoscersi e sentirsi esclusi. Lo studio Social Class, Taste and Inequalities in the Creative Industries a cura di Dave O’Brien, Orian Brook e Mark Taylor, pubblicato nel 2018 in collaborazione con l’Università di Edimburgo e Sheffield, ha inoltre svelato che a essere determinante per diventare artisti, oltre la propria provenienza sociale, sono anche il genere, la nazionalità, la religione e la lingua della persona. Con una semplice frase quindi si potrebbe dire: tutti possono fare arte, ma non tutti possono diventare artisti. Share Tweet Share... Read more...Klub Taiga, un articolo di T. C. Efres || THREEvial Pursuit7 Ottobre 2020Klub Taiga (Dear Darkness) di Thea C. Efres Io non voglio scrivereNon voglio lasciare niente di significante al mondoNon voglio lasciare la forma della parola scrittaVoglio negarmi e rompere con la storia che non ho scelto di me… (Klub Taiga) Innanzitutto, credo di dover dare una breve spiegazione del motivo che mi porta su queste pagine telematiche a essere ospite di Three Faces. Io non scrivo molto, non ho mai pubblicato niente – almeno di rilevante – e se sento il dovere di farlo in questa situazione particolare, lo faccio solo per un profondo senso di amicizia che mi lega al direttore Andrea Biagioni, poiché ciò è avvenuto su sua esplicita richiesta. Prima di iniziare a scrivere questo articolo, imponendomi rigorosamente di aspettare che calassero le tenebre, un interrogativo mi ha creato un notevole turbamento – che poi è lo stesso turbamento che mi coglie ogni volta di fronte all’atto della scrittura: avrei potuto dire tutta la verità? Mi è stato assicurato dal diretto interessato che non me lo avrebbe negato e quindi eccomi qui, a costringervi in una lettura che mi auguro non vi risulti pesante e soprattutto, artefatta. Vi dirò quindi che ho incontrato Andrea circa dieci giorni fa poco dopo la mezzanotte all’uscita dal Teatro Fabbricone dove, evidentemente, entrambi avevamo appena assistito allo spettacolo Klub Taiga di Industria Indipendente per Contemporanea 2020. In verità, non ci vedevamo da almeno dieci anni. Ci siamo lasciati cogliere da una lontana nostalgia e abbiamo pensato fosse l’occasione giusta per qualche ricordo di fronte a un buon whiskey, Jameson, Gold Special Reserve, tripla distillazione. Ovviamente, ci siamo chiesti che avevamo fatto in questa decade, quali speranze avevamo realizzato e quali deluso e infine è venuto spontaneo domandarsi che diavolo ci facessimo lì. Domanda a cui è stato meno semplice rispondere di quanto possiate immaginare. Abbiamo risolto l’imbarazzo limitandoci a parlare di Klub Taiga. Lui era lì per lavoro, io per passione. Già questo segna la distanza tra le strade che abbiamo deciso di percorrere. Scoprimmo inoltre, e con un certo stupore, che avevamo assistito praticamente ai medesimi spettacoli del Contemporanea Festival di quest’anno. Sei spettacoli e non ci eravamo mai veduti. Ne ridemmo e poi iniziammo a discutere su ciò che avevamo visto in quei giorni: due pollici su di entrambi per La Reprise di Milo Rau; pollice su per la realizzazione ma riserva sulla coesione della rappresentazione per The Mountain di Agrupación Señor Serrano; apprezzamenti sulla scenografia e sull’interpretazione per Varietà di Greta Francolini; rimandato Un/Dress di Masako Matsushita perché, ci dicemmo tutti e due quasi all’unisono, “mi aspettavo qualcosa di più pittorico”, ma decidemmo infine che le performance mal fatte sono ben altre e quella era semplicemente una “bella fase di evoluzione artistica, come accade per i bruchi”. Chiudemmo la rassegna sulle grosse aspettative per Memento Mori di Sergio Blanco il giorno successivo: non rimanemmo delusi. E Klub Taiga? «Mai vista una roba del genere. Delle folli, delle incoscienti. Straordinario, geniale. Anche se non sono ancora sicuro di sapere cosa ho visto davvero. L’unica certezza è che in Contemporanea c’è sempre qualcosa che riesce a lasciarmi a bocca aperta. Quest’anno è Klub Taiga». Fremeva, ma il suo tono sembrava turbato. Ne discutemmo ancora a lungo e alla fine mi disse: «Dovresti scriverlo tu il pezzo su Contemporanea. E dovresti scriverlo su questa performance». Gli dissi quello che ho detto a voi e cioè che io scrivo poco, principalmente per me, e che non amo pubblicare. «E sbagli, te l’ho sempre detto. Sei una delle migliori penne che conosca, anche se capisco perché non vuoi pubblicare. Ma non è questo il caso. Questo articolo lo devi fare tu, lo devi fare per me. Tu lo racconterai di certo meglio di quanto mai potrei fare io. E poi io non posso». Gli chiesi perché. «Perché è come si sente dire in Klub Taiga. Io non voglio più scrivere». Avrei voluto insistere e capire il perché di quella frase, di quell’imposizione, ma sapevo per esperienza che non ne avrei tratto niente quella sera e che non era una buotade del momento. Glielo leggevo negli occhi che ben conoscevo, lo spleen. E non mi sentii di dirgli di no. Ora immagino vogliate sapere che cos’è il Klub Taiga, ma io questo non posso dirvelo, non ho quella verità. Posso darvi la mia di verità, quello che a me è (ap)parso. Ebbene, Klub Taiga è la fine, o meglio lo stadio finale della decadenza. Klub Taiga è un non luogo o, se preferite, il luogo dell’eterno non-ritorno, uno spazio indefinito che travolge il lato più primordiale dell’animo con immagini frammentate di ombre e luci, mentre nelle vene pulsa un rave electro-industrial mediorientaleggiante che sembra volerti esplodere in petto. La musica è stordente, le luci asfissianti, le ombre sempre pronte ad accoglierti in un vortice sul cui fondo puoi scorgere il centro esatto di quel buco nero a cui siamo ineluttabilmente destinati, e che sembra risucchiare ogni cosa intorno con un’ultima, intollerabile implosione di raggi e suoni. È il momento esatto in cui comprendi come deve essersi sentito David Bowman oltrepassato Giove, attraverso l’infinito. Solo. Le persone intorno a te non esistono più e se a volte le percepisci, quasi ti arrecano insofferenza. Quelle sul palco invece non sono persone, sono fantasmi, proiezioni di movimenti e solo a tratti voci per parole che non sembrano avere più nessun senso. Discorsi da ubriachi, discorsi “tossici” e forse per questo così puntuali, ma in fondo nient’altro che bei versi in cui il tutto e il niente si amalgamano nuovamente nella loro essenza embrionale, che è l’insignificanza intesa – per assurdo – nel suo significato più profondo: l’assenza di segno. Photo by Martina Leo “There was a word inside a stone I tried to pry it clear Mallet and chisel, pick and gad Until the stone was dropping blood But still I could not hear The word the stone had said.I threw it down beside the road Among a thousand stones And as I turned away it cried The word aloud within my ear And the marrow of my bones Heard, and repliedO let there be no signs! Let all the evil we have done be done and minds lie still as sunlit meadows lie”. Ora comprendo cosa può aver fatto scattare Klub Taiga dentro una persona che sente di aver perso la sua unica forma di espressione. Industria Indipendente ha messo a nudo l’attuale inutilità della parola, è riuscita a ridurla in tutto tranne che nella quantità. E infatti verso la fine le parole si accavallano come fossero pronunciate da centinaia di voci. In realtà si uniscono, ingrossano come un fiume in piena, perché è una sola la voce che le contiene, e poi ti travolgono. Non posso far a meno di pensare, mentre guardo, che in fondo quello non è altro che il nostro mondo; è questa società in cui sentiamo il dovere di essere sempre, comunque e ad ogni costo al centro dell’attenzione ma senza agire mai, perché agire significherebbe rischiare di fallire e il fallimento non può essere contemplato. Di conseguenza non ci resta che riversare raffiche di parole vuote sugli altri, solo per imporci, per sentirci dire che siamo bravi, che siamo intelligenti, e quindi solo per allontanare la nostra inettitudine, la nostra insignificanza. E allora è comprensibile che arrivi il punto in cui qualcuno dice basta. Basta parole, basta segni, basta voci. Mi ha stancato il vostro blaterare inconsistente. Ho bisogno di altro, io ho bisogno di contemplare. Io voglio danzare sull’orlo di questo buco nero, voglio lasciare andare ogni inibizione e lasciarmi esplodere di luce, prima di farmi inghiottire come il suono, la voce e l’ombra nel freddo e inospitale buio del nostro non-luogo. Io voglio il silenzio, perché è forse il silenzio l’unica via per riuscire a dare nuovamente un senso ai segni, qualunque sia la loro forma. In conclusione, vi avevo promesso che avrei cercato di non risultare pesante e non credo di aver centrato l’obbiettivo. Che il provare a orientarmi nell’ineffabilità di Klub Taiga vi abbia però trasmesso qualcosa, perlomeno la curiosità, questo sì, me lo auguro. E mi auguro che dopo la Biennale e Contemporanea, vi siano altre date, che anche voi abbiate la possibilità di vedere cosa può partorire il folle, ordinato caos di Industria Indipendente, perché c’è bisogno di stimoli e di menti come loro. KLUB TAIGA(Dear Darkness) di Industria Indipendentecon Annamaria Ajmone, Erika Z. Galli, Steve Pepe, Martina Ruggeri, Federica Santoro, Yva&The Toy George e con Luca Brinchiimmagini / visioni / segni Dario Carratta, Timo Performativo, Floating Beauty costumi TEIN clothingproduzione Teatro di Roma – Teatro Nazionale con il sostegno di Angelo Mai Share Tweet Share... Read more...Agosto: guida in città, un articolo di C. Durden || THREEvial Pursuit30 Settembre 2020Agosto: guida in città di Corto Durden Agosto, guida in città È un bel po’ che non scrivo, e infatti avverto la ruggine, nella mente e nelle dita. Ho automatizzato altri movimenti sulla tastiera, altre scorciatoie, parole chiave da immettere in tabelle piene di dati e numeri e statistiche. Preferisco tradurre i miei pensieri su un file word piuttosto che informazioni asettiche su fogli di calcolo, ma mi sembra di avere sempre meno tempo per farlo. Riuscire a coniugare il lavoro e i propri interessi e al tempo stesso resistere alla sempre più opprimente afa di agosto, poi… beh, siamo quasi nella dimensione dell’utopia. Per andare al lavoro adesso uso la macchina. L’automobile. In pratica ho 29 anni, ho preso la patente a febbraio ma ho iniziato a guidare dalla metà di luglio di quest’anno. Ho acquistato un’utilitaria usata insieme alla mia compagna, e sto imparando a portarla davvero solo adesso. Ho attaccato il foglio con la “P” sul lunotto, in bella vista, come uno scudo contro le ire di chi mi sta dietro: “Qui c’è la P, amico… sono protetto, lasciami guidare in santa pace e in sacrosanta insicurezza”. Non sempre funziona, a volte probabilmente sortisce l’effetto opposto, ma alla P per principianti do comunque un 6.5 su 10 per la sua efficacia. Guida in città alla sera Guidare la mattina è più piacevole rispetto al tardo pomeriggio, il traffico scorre meglio, ci sono meno veicoli e anche il sole è meno violento. Alle 8 è un pugile che sta facendo stretching, ma alle 18 è ancora in piena trance agonistica e pronto a demolire tutto quel che si trova sotto prima della fine dell’incontro. Fa caldissimo ad agosto in città. E non c’è aria condizionata che tenga, quando sei ancora un pilota alle prime armi e sei fermo alla rotonda aspettando il momento giusto per inserirti con una coda di macchine dietro la tua, e un tizio sempre pronto a sbranarti in primo piano nello specchietto retrovisore; oppure quando devi parcheggiare in una situazione complicata, magari con qualcuno che ti osserva e ti giudica silenziosamente. In quei momenti io inizio a grondare sudore, e si gronda che è una bellezza. Qualche giorno fa ero su una strada a scorrimento e sono arrivato a un bivio. Avrei dovuto girare a sinistra ma me ne sono accorto tardi e, trovandomi ancora nelle corsie di destra, non ho potuto far altro che proseguire nella direzione sbagliata. Mentre realizzavo l’errore ho rallentato – gradualmente – cercando di capire come fare per tornare sul percorso giusto. Ho rallentato ma non ero fermo, l’auto continuava ad andare a un ritmo tutto sommato accettabile – o perlomeno era accettabile secondo me, e mi duole dirvelo ma l’unica opinione che leggerete in merito è la mia. Il tizio alla guida dell’auto dietro ha invece ritenuto necessario farmi sentire il suo clacson – alla P per principianti do in questo caso l’insufficienza. Ad ogni modo il tipo mi ha fatto innervosire, perché non avevo fatto nulla di pericoloso e volendo poteva anche sorpassarmi sfruttando l’altra corsia. Ho alzato una mano come a dire “calma”, e l’ho guardato dallo specchietto centrale. Una classica faccia di culo, più o meno della mia età. Avete presente, no? Dalla t-shirt spunta il collo e attaccate al collo ci sono due chiappe. Ecco, è più o meno questo ciò che ho visto nel retrovisore. Comunque quest’anno pare che il traffico sia calato nelle due settimane centrali di agosto – neanche così tanto rispetto al passato perché in piena crisi da Covid la gente ci ha pensato un po’ su, giusto un po’, prima di prendersi le ferie – prima di tornare a inflazionare le strade nell’ultima. Verso lo scadere di agosto hanno iniziato a riformarsi le stesse code chilometriche che avevo potuto apprezzare a luglio: momenti mistici di claustrofobia motorizzata in cui vorrei potermi fermare e far librare un drone, per riprendere dall’alto le strade straripanti di scatole d’alluminio che gettano CO2 su CO2 nell’aria – tu chiamala se vuoi “aria”. È il 2020 e non si vede una macchina elettrica nemmeno a pagare (magari ce n’è qualcuna a metano, ma non avrei idea di come riconoscerla). Nemmeno io ho una macchina elettrica, o a metano. La mia utilitaria inquina. Ma io sono come la Cina, ho preso la patente molto tardi, rivendico il mio diritto di sporcare l’aria e compromettere l’ambiente come hanno fatto tutti prima di me… non è vero, non rivendico un bel niente, e spero di potermi presto permettere un mezzo meno inquinante. Anzi, mi piacerebbe ancor più trovarmi casa vicino al lavoro, o un lavoro vicino casa, ed evitare così le code-il casino-il malumore connaturati alla vita nel traffico. Guidando mi sono reso conto di una cosa, e cioè che l’ambiente della strada e degli automobilisti è come quello delle sezioni commenti su Facebook, o Twitter, o qualsiasi social vi venga in mente insomma. Ognuno si sente libero di inveire sugli altri autisti e di esprimersi a sproposito quando è al sicuro nel proprio abitacolo, proprio come avviene nella dimensione online dove ci sentiamo protetti per via della distanza, dello schermo che ci separa dai nostri interlocutori. Suoniamo, imprechiamo, ci mandiamo affanculo, siamo sempre pronti a litigare da un finestrino all’altro, senza curarci delle conseguenze né dei fattori che magari hanno influito sugli errori dell’altro o dell’altra. Lo stile comunicativo che vige sulla strada e permea le interazioni tra autisti è aggressivo e sboccato, un linguaggio che viene universalmente percepito come normale nelle situazioni di guida. Che poi, la maggior parte delle incazzature e delle imprecazioni sono dovute alla guida lenta di chi ci precede. Certo, l’utilizzo del clacson può esser legittimo o necessario, ma molte volte è la lentezza a innescare gli autisti portandoli a suonarlo con tutta la nevrosi di cui dispongono. Come se dovessimo procedere per forza a ritmo spedito, come se l’unico modo di percorrere una strada fosse sempre il più velocemente possibile. Ma chi l’ha detto che dobbiamo andare perennemente di fretta, o col peperoncino in culo, come dicevano grandi sagge e saggi d’altri tempi e d’altri luoghi? “Un tempo le strade assecondavano il paesaggio, l’importante era il viaggio e non la meta. Oggi le strade tagliano il paesaggio senza pensarci due volte, l’importante non è più il viaggio ma arrivare a destinazione”. Parecchi anni fa ho sentito questa frase o una cosa simile in un film, vorrei tanto potervi dire quale film ma purtroppo non riesco a ricordarlo né a rintracciarlo su Google. Fatto sta che quella frase mi colpì molto quando la sentii, e oggi mi torna in mente perché rispecchia appieno le mie impressioni sul nostro modo di vivere l’auto e la guida. Guidare potrebbe anche essere piacevole se fossimo tutti liberi di farlo a nostro modo e coi nostri ritmi – rispettando le regole, chiaro, non me la sto mica prendendo col codice stradale anche se questo discorso m’è sempre sembrato molto convincente –, senza qualcuno che ci corre costantemente dietro, ma il più delle volte non lo è. Nulla di cui stupirsi, in fondo. Che viviamo in una società ossessionata dalla velocità d’esecuzione lo sapevo già, lo sanno tutti, si nota in ogni cosa – da come lavoriamo a come passiamo il tempo libero a come guidiamo a come consumiamo qualsiasi cosa che possa esser consumata. Nessuno si gode il viaggio, nessuno sembra nemmeno interessato al fatto che possa esserci un viaggio da godersi. Ciò che conta è bruciare i tempi, tutti i giorni e ogni giorno di più. So che molte delle cose scritte qui sopra sono banali, che mi sono parse degne di nota solamente perché sono ancora agli albori della mia carriera automobilistica e devo imparare tante cose – fregarmene degli altri, essere più attento a interpretare i segnali, padroneggiare la vettura. Magari imparerò a guidare bene a velocità sostenute e inizierò anch’io a lamentarmi della lentezza degli altri. Magari suonerò il clacson e imprecherò contro i neopatentati che non accelerano abbastanza, e lo farò in parte perché andrò di fretta, e in parte perché sarò stato influenzato dal linguaggio dominante nell’ambiente strada. Per ora, guidare è per me un’esperienza prevalentemente ansiogena che mi fa sentire a disagio… anche se non mancano i momenti in cui riesco a godermi il viaggio, per l’appunto. Momenti in cui tutto accade alla velocità e alla temperatura giusta, le manovre e i cambi di corsia filano via lisci, non ho paura di fare cagate e, come per magia, non ne faccio. Qualche sera fa ero di ritorno dal lavoro e mi accingevo a percorrere un sottopassaggio nella corsia centrale di una strada molto trafficata, mi sentivo tranquillo al volante nonostante le tante auto intorno a me e mi piacevano i brani che la radio stava passando. Tra un pezzo e l’altro, nell’oscurità del sottopassaggio, una voce profonda ha recitato queste parole: “Tutti gli scrittori devono fare pratica ogni giorno, allenandosi a scrivere per almeno un’ora. Non importa quali siano gli ostacoli, se vuoi inseguire la tua passione devi essere pronto a fare dei sacrifici” o comunque una cosa del genere. Per un attimo mi hanno aperto la mente, perché le ho sentite come dirette a me in un periodo in cui faccio davvero fatica a trovare spazi, nelle mie giornate, da dedicare alle mie passioni o alle mie ambizioni. Mentre riflettevo e uscivo dal sottopassaggio è partito un altro brano, ho beccato due verdi di fila e la macchina andava e io insieme a lei, verso la mia lei, e verso i miei pensieri. Share Tweet Share... Read more...“Popolo se m’ascolti”: l’Eccidio del Padule, un articolo di G. Bindi || THREEvial Pursuit23 Settembre 2020“Popolo se m’ascolti”: l’Eccidio del Padule Il tramandare emotivo di una strage taciuta di Gianluca Bindi Celebrazioni per il 76.o anniversario dell’eccidio del Padule ad Anchione Popolo se m’ascolti ti spiego la tragediaDel 23 d’agosto, l’orribile commediaE a raccontarla mi proveròMa ’un so se in fondo ci arriverò(Incipit di un canto popolare sull’eccidio) Esattamente un mese fa, il 22 e 23 agosto 2020, si sono tenute le commemorazioni per il 76.mo anniversario dell’eccidio nazifascista del Padule di Fucecchio, in cui persero la vita 175 civili. Le celebrazioni hanno avuto luogo in tutti i comuni lambiti da quella scia di sangue: Fucecchio, Monsummano Terme, Cerreto Guidi, Larciano e Ponte Buggianese. Fino ad allora avevo letto e riletto i resoconti di quell’evento in decine di libri: le parole scorrevano ogni volta come un elenco macabro-meccanico di fatti, azioni, luoghi e vite spezzate; che fossero testimonianze dirette, o dossier alleati, o ricostruzioni storiche, rimanevano sempre e solo carta con del mero inchiostro. Ecco, invece, cosa hanno significato per me quei due giorni e gli incontri che ne sono conseguiti. La domenica mi siedo su una panca libera, in chiesa. La frazione di Cintolese è stata la più colpita dalla strage con più di 80 morti. Davanti a me ci sono due signore anziane che parlano fra di loro e che vengono salutate, a turno, dai presenti e dalle istituzioni cittadine. Sono Tosca e Vittoria, sopravvissute alla strage; vite che hanno provato a ricostruire le proprie famiglie e, insieme ad esse, una parvenza di normalità. Normalità che, nonostante tutto, non sono mai più riuscite a vivere.«Ci penso più adesso che da giovane» dice Vittoria. Dice che la cosa che le è rimasta più impressa, al di là del dolore, sono i mosconi. C’erano mosconi ovunque quel giorno: sui corpi menomati, sul sangue mescolato al fango; li sentiva così forte e in maniera così insistente che anche oggi non può sopportarli. Ho il privilegio di incontrare Tosca qualche giorno dopo, a casa sua. La mattina della strage era una bambina di sei anni, a cui i tedeschi avevano sequestrato e saccheggiato la casa. Sfollò in padule come tutta la sua famiglia e tante altre persone: «Eravamo una trentina fra tutti». Quando videro arrivare i tedeschi sua madre la nascose in una buca. I nonni andarono incontro alle truppe, pensando ingenuamente che avrebbero risparmiato degli innocenti. Tosca li ha visti bruciare vivi poco dopo e racconta quanto siano stati interminabili quei momenti: «Speravo che morissero subito ma ci hanno messo veramente tanto…». Vide sua madre e suo fratello di 18 mesi mitragliati, mentre lei riuscì a salvarsi rimanendo immobile, non facendo il minimo rumore. La trovarono svariate ore dopo, nella solita posizione, salva ma con la vita irrimediabilmente compromessa. Quando racconta, la sua fronte si corruga in un’espressione inerme, quasi infantile. Per lei, nonostante gli anni, la vita si è fermata in quell’attimo: «Da quel giorno sono vuota. Non mi è più riuscito provare felicità, neanche nei momenti più belli. È come se da lì in poi avessi sempre vissuto una vita a metà». Tosca Lepori, sopravvissuta all’eccidio del Padule di Monsummano Terme Dopo la messa, la carovana piena di vessilli, fasce tricolori e cariche si trascina per qualche centinaio di metri, nel caldo d’agosto che si fa più intenso allo scoccare di metà mattinata. Entriamo nel cimitero di Cintolese per posare una corona d’alloro. Prima di arrivare al monumento funebre vedo Vittoria che calpesta con disprezzo una tomba posta orizzontalmente sul terreno. Si gira verso di me, ha urgenza di spiegare: «Lo sai perché sono passata sopra a quello lì? Lui era la spia…» Mi si gela il sangue, sono disorientato, non riesco a dire niente. Quella dei collaborazionisti è una ferita che rimarrà sempre aperta, anche se purtroppo celata ancora da una spessa coltre di omertà istituzionale. Tutti sapevano, all’epoca, i nomi di chi portò i tedeschi in padule, aiutandoli poi attivamente nel massacro. Nonostante fossero incappucciati per non farsi riconoscere, nei paesi ci si conosceva talmente bene che bastava la voce, un’espressione in dialetto, un certo tipo di camminata. Anche Tosca dice la sua sulla questione: «Io gli do sempre un calcio quando ci vado, perché era un grande fascista. Fu quello forse che ci ha fatto ammazzare. E ci ha portato via pure tutte le bestie. Il mi’ nonno aveva rimpiattato i bovi, li aveva portati laggiù in padule nella Nievole, tra un canneto. Passò questo sudicio e lo vide. Quando tornò a casa disse: “È inutile che vada a governarli, è passato Egisto e mi ha visto”. Infatti il giorno dopo non c’erano più». A Ponte Buggianese fu riconosciuto il barbiere del paese insieme ai reparti della Wehrmacht durante la strage; una testimone fece il suo nome ma poi si tirò indietro. Mi racconta di questo episodio Remo, che abitava in padule durante la guerra: «Ettore Quiriconi (una vittima della strage, nda) non fu ucciso subito, ma ferito. Quest’uomo iniziò a urlare e a chiamare aiuto, e sua moglie Evelina sentì e venne qua al Coccio (zona del padule vicino ad Anchione, nda). Quando arrivò, incontrò questo gruppo di tedeschi, ci fu uno che disse: “Lei no, lei non l’ammazzate”, in tedesco queste parole non si dicono. E sembra che questa donna abbia detto anche i nomi…» «Tipo Achille?» gli faccio io. «Esatto Achille, ne hai sentito parlare eh?» Sempre a Ponte Buggianese, il farmacista non uscì di casa per qualche anno per paura di vendette nei suoi confronti. Questo non gli impedì, una volta morto, di farsi seppellire al cimitero del paese con una lastra di marmo nero, tanto per ricordare a tutti che lui, di rimorsi per la sua militanza, non ne aveva mai avuti. Celebrazioni ad Anchione, uno dei paesi coinvolti nell’eccidio del Padule Il giro in macchina con Remo continua, facendomi ripercorrere esattamente la rotta di sangue tenuta dalla Wehrmacht e raccontandomi aneddoti su ogni vittima del padule presso Ponte Buggianese. Lui è stato fortunato, dice, la sua casa è stata risparmiata dall’eccidio: «A destra del Canale Maestro non ammazzarono nessuno, a sinistra invece fecero fuori tutti. Ho provato a chiedermi il perché tante volte ma non sono riuscito a trovare una risposta». In generale, le risposte di oggi sulla strage scarseggiano. E ciò deriva quasi interamente dal silenzio di ieri. Certo, la totale impunità garantita dallo stato agli ex fascisti, non ha certamente aiutato. Ma tra queste risposte nebulose, una delle principali, secondo me, fa riferimento a un interrogativo che riguarda il dopo: Perché nessuno ha parlato? Furono gli adulti, proprio i superstiti, che si opposero a rivelare ufficialmente i nomi, sia alle commissioni d’inchiesta alleate sia, soprattutto, ai figli. Una motivazione è sicuramente il fatto che non volevano altro spargimento di sangue, come effettivamente ci fu in altre parti della penisola nel Dopoguerra. Il secondo, secondo Remo, è da ricercare nello shock del massacro subito da un’intera comunità: «La gente è stata talmente sfregiata qui dall’invasione tedesca che dopo stavano tutti zitti. Chi aveva subito i torti stava zitto» dice sfogandosi. «La nonna della mi’ moglie, che le ammazzarono due figlioli e due nipoti, quando uno si avvicinava e diceva: “Povera Gigia. Ti hanno ammazzato…”, lei rispondeva subito: “Zitta, queste cose qui non si rammentano!”. La gente era così traumatizzata, che non reagiva come si reagirebbe normalmente. In paese nessuno ni fece mica nulla! Achille continuò a vivere come se niente fosse. Dapprima, i primi giorni stava un po’ guardingo… ma poi aprì un negozio e la gente andava in negozio da lui. Io a raccontare queste cose… mi fanno male! Mi fanno male perché non ho mai sentito nel Dopoguerra una persona che dicesse “Ma porca M*****a se ne incontro uno lo scoio!”». La terza, infine, è la paura di ritorsioni. Tosca dice che le famiglie dei fascisti di Monsummano continuarono a prosperare nel Dopoguerra, indisturbati. Così tanto che nessuno si azzardò a fare nomi: «Silenzio assoluto. Erano tutti terrorizzati per paura di ritorsioni alla propria famiglia. Loro (nda i fascisti) non avevano mica pietà». Il paragone del dopo è impietoso e sempre presente: da una parte le vittime che fra il dolore e una vita di fatiche e di stenti riuscivano a malapena a campare facendo studiare i propri figli; dall’altra i carnefici protetti dallo Stato e da una giustizia che ha arrancato per mezzo secolo: «Lo Stato non ha mai fatto niente» ribadisce Tosca. «Non credo neanche quando dicono ‘armadio della vergogna’: ma come in 50 anni un armadietto così, in quell’ambiente, che non lo avesse mai notato nessuno, anche per spolverarlo… ci hanno preso proprio per il culo, da diritto e da rovescio. Non so se tu hai visto Le Iene (nda il servizio sul criminale di guerra nazista del padule, che consiglio vivamente di vedere). Quel disgraziato assassino lì (nda Johann Riss), si è fatto una famiglia, ha campato bene, senza problemi, aveva una villa tu vedessi… mille e una notte. A nessuno hanno fatto niente. Hanno cominciato a parlarne un po’ quando non erano più punibili. Il governo è stato proprio un assassino nei nostri confronti, tutti quelli che ci sono stati, dal primo all’ultimo, perché nessuno ha fatto nulla per condannare questi. Lo sapevano chi erano eh». Sempre Anchione, celebrazioni istituzionali dell’eccidio del Padule Ritornando per un attimo agli interrogativi sospesi: alla fine, sono stati scoperti i motivi della strage? L’unica banda partigiana del Padule di Fucecchio era la “Silvano Fedi” e contava trenta componenti scarsi, perlopiù impegnati in attacchi di risposta a soprusi dei tedeschi (furti di bestiame, estorsioni, stupri tentati e/o riusciti), che si limitavano ad attività di sabotaggio o di furti di armi e documenti. Pochissimi furono i conflitti armati. Ma il mandante dell’ordine, il capitano Crasemann, a cui il feldmaresciallo Kesselring aveva dato carta bianca, era di diverso parere: secondo lui, infatti, nel Padule di Fucecchio c’era un nucleo di 2-300 partigiani “con armi automatiche, carabine, pistole, con russi e disertori tedeschi” come si evince dal rapporto giornaliero della 14.a armata tedesca del 25 agosto 1944. Il problema, a detta dello storico Lutz Klinkhammer (intervistato da Marco Folin nel documentario Eccehomini – Ricordo di una strage) è nella data: considerando che la strage è stata fatta il 23, l’appunto sa tanto di giustificazione a posteriori utile a pararsi le spalle a fronte di future inchieste giudiziarie. In realtà il rastrellamento di sfollati, donne, vecchi e bambini quella mattina non era altro che un’operazione di pulizia delle retrovie che avrebbe permesso un miglior sganciamento dell’esercito a nord, sulla Linea Gotica. Un freddo calcolo militare che non si preoccupò nemmeno di contadini innocenti che erano lì soltanto perché aspettavano che la guerra finisse. Anche se, ovviamente, sono stati utilizzati come capro espiatorio i partigiani, essi non erano sicuramente l’obiettivo dell’operazione, visto che nessuno andò a scovarli per ingaggiare una battaglia a viso aperto con loro (eppure c’erano eccome i finti disertori tedeschi che si unirono ai gruppi partigiani per poi sparire nel nulla prima della strage). In generale, e quindi anche nel Padule di Fucecchio, la logica delle stragi di civili delle truppe tedesche in Italia non aveva altro obiettivo che fiaccare la coscienza con la paura. Sangue versato così inspiegabilmente da bloccare anche la volontà di reagire e urlare al mondo i colpevoli. Cosa che a quanto pare ha funzionato perfettamente. Celebrazioni a Stabbia, altro paese coinvolto nell’eccidio del Padule La cerimonia si è spostata intanto a Stabbia, dove ha preso la parola Antonio, un superstite che ha perso il padre nella strage: «Mi riaffaccio all’accorato appello, da laico, di quello che ha detto monsignor Migliavacca: “Dov’era l’uomo? DOV’È L’UOMO?”». Si riferisce alla lettura di un brano del Vangelo da parte del vescovo di San Miniato. E in più, a supporto di ciò che ho scritto, spiega: «Per anni e anni partecipando a queste ricordanze non ho mai cercato di conoscere qualcuno colpito dalla strage. Allora negli anni Cinquanta, in giorni come questo sulla piazza del paese (…), tutto finiva molto presto: una corona, pochi abbracci, qualche lacrima e niente di più. Poi un vuoto di settant’anni…» Solo negli ultimi anni Antonio ha voluto conoscere gli altri superstiti. Dice che con loro si è innamorato della parola ‘giustizia’ e, anche se vita umana e denaro non sono per niente sullo stesso piano, racconta degli ultimi sviluppi della richiesta di risarcimento alla Germania. Risarcimenti che tutt’oggi non sono ancora pervenuti alle vittime. «Tutto quello che mi hanno dato sono quelle medaglie lì» mi dice Tosca indicando una cornice sul muro. «Ma io che sono rimasta con 700 euro di pensione, che vuoi che me ne faccia di quei così?» L’anno scorso, non potendo permettersi un avvocato per sollecitare la Germania a pagare, Tosca e una delegazione di altri superstiti andarono a Firenze, dove il governatore Rossi aveva promesso di riceverli e mettere in atto gli avvocati del tribunale regionale. Ma non è andata bene: «Alla fine lui non si fece trovare, ci ricevette una sua vice e ci disse che ci avrebbe fatto sapere. È passato un anno e non ci hanno ancora risposto. Eppure quest’anno alle celebrazioni è venuto a fare i suoi discorsi…» L a sfilata dell’ormai ex governatore Enrico Rossi alle celebrazione dell’eccidio del Padule, presso il cippo del Piaggione con il sindaco Tesi Se non altro la riapertura dei casi giudiziari sulle stragi nazifasciste dell’ultimo decennio ha avuto un pregio: non tanto l’andare a scovare carnefici novantenni che intanto avevano avuto modo di rifarsi una vita praticamente indisturbati, non tanto il combattere contro il pericoloso revisionismo storico della Resistenza degli ultimi anni e – provoco – nemmeno per avere giustizia; secondo me il pregio principale è di non aver relegato i vari Antonio, Vittoria, Tosca e Remo nel proprio silenzio. Perché la forza di poter finalmente parlare di questa strage, condividendo il peso dei ricordi con le generazioni successive, anche se dolorosamente, ha iniziato a curare le ferite emotive di una comunità che l’inspiegabile aveva costretto al silenzio. Magari di questo passo quelle lapidi di gente insulsa, traditrice e assassina verranno tolte dai cimiteri, una volta che non sarà più tabù fare certi nomi. Adesso mi sento diverso. Grazie alle celebrazioni e all’incontro coi superstiti sento di aver raggiunto un maggior grado di comprensione di ciò che è accaduto 76 anni fa. Ma l’ennesima domanda a questo punto incombe: come sarà possibile fra dieci, venti, trent’anni fare lo stesso tipo di esperienza quando i custodi dell’orribile commedia non ci saranno più? Le istituzioni presenti agli eventi hanno parlato giustamente di trasmissione della memoria ai giovani ma, a dirla francamente, sembrano parole alquanto vuote se non corrisposte dai fatti. Perché il pericolo per la memoria, rispetto agli anni che passano, non è la distanza cronologica ma la mancanza di percezione emotiva dell’accaduto, di connessione profonda fra testimoni e posteri. E ciò la storiografia può farlo ma non completamente e, comunque, fino a un certo punto. Rimarrà la base da cui partire, certo, ma per coinvolgere più persone c’è bisogno di immedesimazione. E chi può supplire a questo bisogno meglio dell’arte? Già durante le celebrazioni di quest’anno lo spettacolo teatrale L’Eccidio messo in scena all’Arena Puccini di Fucecchio dal Teatrino dei fondi ha fornito un bell’esempio. Grazie alla magnifica prova dei tre attori e del live sketching proiettato sulla parete del palco, gli spettatori si sono potuti immergere in maniera vivida in quel 23 agosto 1944. Questa è la strada da seguire. Proprio adesso che chi ha provato a raccontare è riuscito ad arrivare in fondo, noi popolo non possiamo permetterci di non ascoltare e non portare avanti il ricordo. Le istituzioni in prima fila a Stabbia alle celebrazioni dell’eccidio del Padule 23 Agosto 2020, 76 anni dopo, il pubblico ascolta le testimonianze dei sopravvissuti all’eccidio del Padule All photos by Comitato Onoranze ai Martiri del Padule Di Fucecchio e Comune di Cerreto Guidi Share Tweet Share... Read more...Boris siamo noi, un articolo di G. Landini || THREEvial Pursuit16 Settembre 2020Boris siamo noi di Guido Landini A più di dieci anni dalla sua uscita, Boris si evolve, conquista gli spettatori su Netflix, mostra le sue molteplici facce divertenti e non. Mentre si paventa la possibilità di un quarto ritorno, raccogliamo da questa serie tante, troppe cose che ci appartengono: televisione, politica, cinismo, televisione che manda in onda la televisione. Tanto di noi insomma. La qualità ci ha rotto il cazzo. Si potrebbe scrivere un pezzo su Boris impostandolo come una critica alla televisione italiana. Ma sarebbe parziale e non temerario come Boris, perché Boris è una critica alla televisione punto e basta. Migliaia di prodotti sempre uguali, massificati e tendenti alla spazzatura; perché è quello che il pubblico vuole, ed è quello che la televisione vomita, in una sorta di nodo gordiano che è impossibile sciogliere. Tuttavia, un simile atteggiamento psicoanalitico, o fenomenologico o addirittura sociologico, puzzerebbe un po’ di già sentito. Spostando un po’ l’inquadratura invece, il taglio potrebbe essere questo: Boris è un inno alla bassa risoluzione. Perché il brutto trionfa sul bello? Perché la bellezza è soggettiva, il brutto invece sembra essere ecumenico; il brutto è concreto e deittico, genera tentazione e repulsione, il bello chiama in causa teorie, estasi, critici e cherubini e cheppalle; e poi costa di più. Ma non è finita qui. La schifezza, la merda, finisce per piacere, è legata ad una tonalità affettiva: la riconosciamo, puntandogli il dito addosso come fa uno dei meme con Di Caprio, e ci riconosciamo. Siamo noi. Nel gusto per il trash facciamo squadra, manteniamo viva una punta conservatrice che sentiamo necessaria. Perché insomma, siamo tutti d’accordo che questa roba fa schifo, ma è roba con cui siamo cresciuti, e dunque qualche valore ce l’avrà! Si potrebbe immaginare un personaggio schifoso alla De Maistre (quindi anche il dr. Cane potrebbe andare benissimo) con un bicchiere di whiskey in mano, preso a sussurrare ad uno dei suoi apprendisti schifosi: “Dateceli dai cinque ai dieci anni in prima serata, e saranno nostri per tutta la vita”. Quando manca una protezione politica… Un pezzo su Boris potrebbe prendere la piega della satira politica. Gli occhi del cuore, la fiction televisiva che sta al centro della serie, è un necrologio politico: ripudio della meritocrazia, raccomandazione come pratica endemica, sfruttamento e precarietà del lavoro, razzismo e sessismo, e chi più ne ha più ne metta. “L’Italia del futuro è così, un Paese allegro mentre fuori c’è la morte”, suggerisce uno degli sceneggiatori di Boris – uno di quelli finti. Come si costruisce il consenso? Mandando in onda Gli occhi del cuore. La fiction trash più amata dagli italiani è una bilancia politica che pesa infinitamente di più di qualsiasi attività istituzionale. E le scene e le situazioni irreali rappresentate sono strategiche, perché – si stenta a crederci – propongono modelli di comportamento: bisogna esser pronti a dire le parolacce senza senso, a far sparire gli omosessuali quando la Lega prende voti, e mai – tabù assoluto- menzionare un lutto infantile. Allora qui scendiamo nel torbido. Scrivere questo pezzo su Boris significherebbe ripercorrere l’ascesa del berlusconismo; o ancora meglio, la discesa televisivamente annunciata di una mentalità che ha fatto tabula rasa di ogni tipo di aspirazione valoriale. Boris non fa altro che raccontare i primi frutti depositati da questa mentalità. Tutto su questo set è doppio. Io sono triplo. Queste le parole di esordio per il backstage di Stanis La Rochelle (Enzo Facchetti nella vita “reale”). Una serie, Boris, incentrata sulla produzione di una serie fittizia, Gli occhi del cuore: è come se la televisione si rovesciasse su se stessa per guardarsi dentro le budella. Un altro possibile pezzo su Boris potrebbe quindi essere giocato sulla forma di un esperimento meta-narrativo. Potrebbe ambire a restituire l’impianto sterile, onanistico e auto-referenziale che ha assunto la televisione con gli anni. Perché non sembra davvero possibile riprodurre o immaginare un mondo al di fuori di una cornice mediale; pochissime in Boris sono le scene riguardanti la vita privata dei personaggi: non c’è vita al di là del set. Il mondo è il set: un luogo raccolto, costruito e senza sorprese. Non resta che riprodurre un gioco di incastri, specchi e di cornici, mentre la realtà viene tenuta sotto tiro da una pistola mediatica, e a debita distanza, perché la distanza è fondamentale in un ambiente del genere. Essere diretti e autentici diventa un controsenso (vogliamo vedere vederci), come lo è amare, perché l’esperienza dell’amore rende incoerente il personaggio creato. Amarsi diventa il diktat. Bisogna raschiare il fondo della menzogna per cavare fuori qualche verità: il cortometraggio della Formica Rossa girato da Ferretti (Francesco Pannofino) in parallelo agli Occhi del Cuore apre uno squarcio improvviso di profondità, potenza e bellezza, e il frastuono sembra zittirsi. Ma di che bellezza si tratta? È la coda del pavone, il fascino e la tristezza di trovate ipocrite che si aprono a ventaglio. Boris come una telenovela barocca. Ma fattela ‘na risata! I possibili articoli Boris elencati sopra sono davvero troppo musoni e tradiscono il genere di Boris: la commedia. Nella commedia si ride. E in Boris si piange dal ridere, chi scrive non ha mai riso così tanto guardando una serie tv. Infatti, si piange anche per il ridere: per l’ironia che è dovunque e copre tutto come un rumore bianco che sale dalla gola. Si ride per il coraggio che hanno avuto certe persone a riprodurre e mandare in onda certa monnezza. Si ride perché è vero, e perché non rimane altro da fare: le emozioni umane o sono finte, o sono basite, o sono comprabili, o sono effetti collaterali. L’ironia è la benzina della televisione. L’ironia tradizionalmente sorge in contrasto tra ciò che si vede e ciò che si sente, e quella forma di ironia televisiva funziona tramite immagini e suoni in contrasto tra loro: ciò che viene mostrato smentisce ciò che viene detto. Cogliendo l’ironia di uno spot, riconoscendo l’imbroglio, lo spettatore dimostra un’astuta superiorità e crede di trascendere la categoria stessa di cui fa parte, così come apprezzando la freddezza e il cinismo di certi programmi conferma di non essere coinvolto con quanto sta vedendo, e di sapere il fatto suo. Ma questo “svelamento” è guidato quanto il percorso della cavia in un labirinto allestito per un esperimento: l’ironia geneticamente modificata che propone la televisione viene spogliata della sua componente rivelatrice e anti-ipocrita più pericolosa. Quello che rimane è una critica radicale, distruttiva e senza contenuti, un’ironia tirannica perché sempre capace di dire “non sto dicendo sul serio”. Cinismo che allena ad atrofizzare la speranza. Boris come Bojack Horseman con un pesce rosso e senza cavalli. Boris come Infinite Jest con i nomi dei tennisti e i personaggi grotteschi. Boris che intrattiene come gli epigrammi di Marziale: quelli cattivi, sporchi e taglienti. Un’altra televisione è possibile? Chi scrive confessa di appartenere a coloro che hanno visto Boris per la prima volta su Netflix, in tempi recenti e pandemici. Boris parla al futuro, perché Gli occhi del cuore riserverà sempre qualche puntata da girare in un domani, sempre che in quel domani attori e registi non vengano sostituiti da robot (che poi a quel punto, ci si domanda cosa cambierebbe davvero: magari proprio i robot sarebbero capaci di fare un lavoro migliore). Al che questo suggerisce un pezzo aggiuntivo. Forse un’altra televisione oggi è davvero possibile, ma non nei termini che immaginavano Ferretti & Co. È possibile nel carnaio delle piattaforme di streaming, nell’armageddon dei contenuti on demand, dove la novità bruciante e l’aspettativa che ci creano attorno sono come reti calate per catturare ogni nostro briciolo d’attenzione; dove si rimane paralizzati non perché danno sempre la “solita fiction”, ma perché l’offerta è troppo ampia e bisogna scegliere. Si deve scegliere. Boris come la televisione è un contenitore di immagini, spunti e schifezze; codifica un processo, e una carrellata veloce di temi e una smarmellata di idee non basteranno a definirlo. In fondo, a volerla stringere, Boris sceneggia la storia di uno spreco. Boris parla di noi: noi italiani, essere umani. Noi spettatori. In fondo, cosa lega Lost a Un medico in famiglia? Non tanto il fatto che entrambi si vedano attraverso uno schermo; ma che sono oggetto di scelte, le scelte che noi facciamo, a cui ci dedichiamo e che ci definiscono: la libertà ridotta ai tasti digitati sul telecomando e sulla tastiera. Parla di quel tempo dedicato all’intrattenimento e che tiene in piedi l’intero baraccone: un tempo ritenuto vuoto, ma che è cruciale e brulicante di possibilità. Bibliografia Adorno T. W, How to Look at Television, in “The Quarterly of Film Radio and Television”, vol. 8, no. 3, 1954, pp. 213–235. Benjamin W., Il Dramma Barocco Tedesco, Einaudi, 1999. Dal Lago A., Eroi di carta. Il caso Gomorra e altre epopee, Manifestolibri, Roma, 2010. Flusser V., La Cultura Dei Media, Mondadori, 2004. Luhmann N., La realtà dei mass media, Franco Angeli, 2000. Mantellini M., Bassa Risoluzione, Einaudi, 2018. Menduni E., I Linguaggi Della Radio e Della Televisione: Teorie, Tecniche, Formati, Laterza, 2010. Wallace D. F, E Unibus Pluram: Television and U.S. Fiction, in “A Supposedly Fun Thing I’ll Never Do Again: Essays and Argument”, Abacus, 1998. Wallace D. F, Infinite Jest, Einaudi, 2016. Share Tweet Share... Read more...Gaming e fughe dalla realtà, un articolo di D. Petrelli || THREEvial Pursuit29 Luglio 2020Gaming e fughe dalla realtà di Dario Petrelli I videogames stanno conquistando la realtà (e non siamo in grado di parlarne nel modo giusto) Ero tutto preso a esplorare il terrazzo di quell’edificio alla ricerca di munizioni, quando un drone militare inviato da chissà dove ha iniziato ad accecarmi e confondermi con dei fasci di luce artificiale. Mi trovavo in una cittadina arsa dal sole e abbandonata, dalle costruzioni in cemento ormai fatiscenti – ero atterrato lì da circa due minuti e non avevo ancora incontrato nessuno, ma l’arrivo di quel drone significava che qualcuno in effetti c’era. E mi stava attaccando. *musichetta carica di suspense in sottofondo* Per sfuggire a quei raggi luminosi che mi impedivano di controllare l’area circostante mi sono precipitato per le scale, portandomi al chiuso dove non potevano seguirmi. Accovacciato in un angolo del desolato appartamento sottostante aspettavo che il nemico provasse a raggiungermi dai piani inferiori, fucile spianato e pronto a far fuoco non appena l’avessi visto far capolino. Ma quello non si decideva e così ho allungato lo sguardo verso le grandi finestre dell’appartamento, da cui potevo sorvegliare le strade della zona. Ormai mancava poco allo spegnimento di quel maledetto rompiballe meccanico. All’improvviso quella che pareva una sagoma umana all’interno di un edificio simile al mio, a una trentina di metri di distanza, ha catturato la mia attenzione. Sarà trascorso un secondo, non di più, mentre cercavo di capire se fosse davvero una persona o se si trattava di una colonna o che so io. Al termine di quel secondo ero morto. La sagoma aveva aperto il fuoco centrandomi attraverso finestre e appartamenti, lì nel mio caro angolino in cui mi ero sentito tanto al sicuro. Dopo meno di tre minuti venivo così eliminato dalla Battle Royale di Call of Duty Mobile, uno dei multiplayer online più giocati di questi tempi su smartphone, e mi incazzavo come una iena: per aver perso così in fretta, contro un avversario che non mi aveva dato nemmeno il tempo di capire come difendermi. Sconfitte come questa mi fanno rosicare parecchio, e se poi devo smettere di giocare possono volerci diversi minuti per tornare davvero alla realtà: devo prima levarmi il gioco dalla testa. In quei momenti la mia ragazza mi guarda e scuote il capo, un po’ divertita e un po’ in segno di rimprovero. In realtà gioca anche lei e molto spesso giochiamo assieme, ma lei sa accettare molto meglio di me le sconfitte. Il ché dice qualcosa sul mio essere un rosicone, probabilmente, ma anche sulla presa che prodotti simili possono avere sui giocatori. Una fase di gioco in Call of Duty Battle Royale Ho scaricato CoDMobile a fine marzo, in pieno lockdown, convinto dagli inviti e dalle recensioni dei vari amici che ci giocavano già da tempo o avevano preso a farlo in quei giorni – anche ragazzi e ragazze insospettabili, che non avevano mai maneggiato uno sparatutto prima e oggi affrontano battaglie virtuali con una sicurezza da veterani. Per me, che pensavo di conoscere già abbastanza bene il mondo degli FPS (First-Person Shooter) avendoli giocati sia su consolle tradizionali che nella loro declinazione smart, è stata invece un’occasione per scoprire il genere della Battle Royale. Avete presente le Battle Royale, no? Si tratta della modalità multigiocatore resa celebre da Fortnite (sebbene esistesse da prima di Fortnite) e ormai riproposta in varie salse da una moltitudine di titoli sparatutto di successo. In parole povere funziona così: vi paracadutate da un qualche velivolo su un vasto territorio dimenticato da Dio insieme ad altre decine di giocatori, raccogliete armi e kit medici, cercate di uccidere tutti gli altri partecipanti e di non farvi uccidere a vostra volta. Vince l’unico (o l’unica squadra) che rimane in vita. Fine. Ovviamente poi ogni titolo arricchisce questa modalità attraverso la caratterizzazione della mappa e dei suoi scenari (città fantasma, porti, foreste, ecc.), la possibilità di trovare armi sempre diverse ognuna con le proprie caratteristiche, veicoli da guidare per viaggiare più velocemente, e così via. Tutto molto accattivante, e anche funzionale allo scopo di differenziare l’offerta di un prodotto da quella molto simile di un competitor (preferisci lo stile cartoonish di Fortnite o quello più realistico di PUBG? Il set di abilità speciali presente in Apex Legends o quello di CoD?). Ma la sostanza, il cuore dell’esperienza di gioco, resta invariata: quando partecipi a una Battle Royale sei solo contro tutti su una landa di terra abbandonata, costretto a sparare verso qualunque cosa si muova per sopravvivere; se il tuo avatar viene ucciso sei fuori, non rientri in partita da un qualche savepoint (a meno che non giochi nella modalità a squadre, dove di solito hai qualche chance di essere riportato in vita). Una sorta di simulatore, se vogliamo, per provare il brivido di una lotta senza regole per la sopravvivenza. Quello del last-man-standing è un genere che ha iniziato a spopolare tra i videogames dopo il successo di opere come Hunger Games, e la sua evoluzione (di cui non approfondisco la storia per non plagiare spudoratamente la pagina di Wikipedia ad essa dedicata, piena di dettagli interessanti e a cui vi rimando) ha portato all’affermazione di un prodotto a modo suo unico, per i livelli di eccitazione e coinvolgimento che può generare nel giocatore. Un coinvolgimento tale da attirare l’attenzione dei media mainstream, sempre pronti a raccontarne le derive più inquietanti e le testimonianze dei tanti genitori in ambasce per la salute psicofisica dei loro figli che non riescono a smettere di giocarvi. Anche se non avete mai avuto a che fare con le Battle Royale, infatti, è altamente probabile che vi sia capitato di leggere da qualche parte sul web di ragazzini che continuano a giocare a Fortnite nonostante l’arrivo di un tornado – o, più banalmente, nonostante debbano andare in bagno. Magari saprete pure che non sono solo i più giovani a subire le conseguenze negative di questa fascinazione, dato che nel Regno Unito lo stesso gioco pare sia stato menzionato in centinaia di casi di divorzio. Ne avrete dedotto che è il solito discorso polarizzante sui videogiochi che fanno male e creano dipendenza, il solito dibattito inconcludente e superficiale che non porta da nessuna parte. E in effetti il più delle volte l’approccio è proprio quello, sebbene vi siano elementi che dovrebbero indurci a riflettere sulla direzione intrapresa da certi attori non solo nel mondo del gaming, ma in quello delle piattaforme digitali in generale. L’irresistibile variabilità della ricompensa Ogni tanto nelle Battle Royale si vince anche. Il finale di partita è forse la fase più ansiogena: sei lì con la tensione a mille perché diamine, non vorrai perdere proprio adesso che è rimasto un solo avversario – un solo sopravvissuto, come te, all’ennesimo massacro virtuale. Di solito, subito dopo un duello particolarmente tirato riesco a sentire per qualche secondo il mio cuore che batte forte. Manco fossi appena scampato a una reale situazione di pericolo. La vittoria è probabilmente il momento che più di tutti rivela la portata addictive delle Battle Royale: il rilascio della famigerata dopamina, che secondo molti sarebbe alla base dell’insorgenza di varie dipendenze patologiche, ti gratifica nell’istante in cui capisci di aver avuto la meglio su altri 99 giocatori. Ma sono diversi gli aspetti di questa modalità di gioco che hanno l’effetto di tenere il player incollato allo schermo. Ci sono gli immancabili “intermittent variable rewards”, ad esempio, ossia quel meccanismo già ampiamente sfruttato da social media, app e casinò di tutto il mondo, che consiste nel dare all’utente la possibilità (ma non la certezza) di ricevere un premio in seguito a una precisa e semplice azione (il refresh della pagina nella speranza di una nuova notifica, come la leva di una slot machine); la prospettiva di una ricompensa dall’entità variabile ci spingerebbe infatti a compiere quell’azione ripetutamente, come spiegato da Tristan Harris in un famoso articolo per Medium di qualche anno fa. Loot Box in Fortnite Tale meccanismo trova già da tempo espressione nei videogames attraverso le “loot boxes”, forzieri dal contenuto casuale che il giocatore può ottenere come premio per i suoi progressi o acquistandoli con soldi veri (il ché è un po’ un problema dato che se stai spendendo soldi non per un oggetto ma per la speranza di riceverlo, beh, c’è qualcosa che non va). Ad ogni modo, nel caso delle Battle Royale potremmo dire che il ruolo delle ricompense variabili va oltre le loot boxes e arriva al punto di condizionare le meccaniche di gioco: anche mentre inizi una partita, stai tirando la leva di una slot machine. Quando atterri in un qualsiasi punto della mappa di gioco, infatti, non hai idea di quali e quante armi troverai nei dintorni, perché l’allocazione delle risorse è casuale e viene resettata ad ogni match; né sai con certezza quanti avversari sono scesi nella tua stessa area. Non c’è un modo per esser sicuri di riuscire a formare un equipaggiamento competitivo in tempo utile per non soccombere, ti tocca scommettere: potresti raccogliere tu per primo le armi migliori assicurandoti un vantaggio sui rivali, come potresti perdere in poco tempo sotto una pioggia di colpi. Secondo alcuni, la componente di randomness – che potremmo definire come l’insieme degli elementi casuali all’interno della Battle Royale – è stata decisiva per il successo di Fortnite: il fatto che certe dinamiche della partita risultino incontrollabili sortirebbe l’effetto di incoraggiare i giocatori alle prime armi (anche il player più scarso o inesperto, con un po’ di fortuna, può arrivare fino alle fasi finali o addirittura vincere) e allo stesso tempo stimolerebbe i veterani a cercare di migliorarsi costantemente, trovando strategie sempre più efficaci per tentare di dominare il caos. Quando si gioca da mobile o tablet, inoltre, non mancano quegli espedienti classici delle app free-to-play come le ricompense per l’accesso giornaliero, gli eventi settimanali e l’invio di notifiche durante la giornata per ricordare all’utente che se non torna a giocare al più presto si perderà un sacco di cose fantastiche. Insomma, a ben guardare il design di questi videogames, è difficile non concordare con chi accusa le loro case di sviluppo di voler creare assuefazione nei giocatori. Questi giochi sono progettati per tenere l’utente connesso il maggior tempo possibile, in modo da aumentare le probabilità che spenda soldi in acquisti interni al gioco. Se la maggior parte delle Battle Royale più famose sono fruibili gratuitamente, infatti, tutte quante offrono al giocatore la possibilità di comprare oggetti per personalizzare il proprio personaggio virtuale. Nonostante si tratti quasi sempre di accessori estetici (costumi, esultanze, balletti…) che non aggiungono nulla a livello di prestazioni durante la partita, il volume di microtransazioni effettuate ogni giorno in operazioni di questo tipo genera profitti annui per miliardi di dollari. Ma ha senso puntare il dito contro questi prodotti – arrivando poi in molti casi a prendersela col mondo del gaming tout court – perché colpevoli di lucrare sulla dipendenza dei loro utenti, quando tutte le grandi piattaforme dell’ecosistema digitale sfruttano le stesse tecniche già da anni? Tecniche mutuate spesso proprio dalla sfera del gaming, in quel processo che prende il nome – per l’appunto – di “gamification”: scaliamo livelli se rilasciamo tante recensioni su Google Maps o Trip Advisor; otteniamo dei premi se siamo costanti nel connetterci a questa o quella app; veniamo gratificati dai like (la cui quantità è variabile) se postiamo contenuti che intrattengono gli altri utenti sui social network… diciamo pure che le compagnie del web devono molto al design dei videogiochi, preso a modello per lo sviluppo di incentivi sempre più efficaci a rimanere collegati. E se il problema di prodotti come le Battle Royale è legato al loro carattere violento e ipercompetitivo e all’influenza diseducativa che avrebbe sulle fasce di giocatori più giovani, cosa dire allora dell’impatto di social media e piattaforme streaming con tutto il narcisismo, l’odio, le fake news e i complottismi che si portano dietro? Scavare più a fondo Quando l’OMS, un anno fa, ha inserito la dipendenza dai videogiochi (“gaming disorder”) nella sua ICD – International Classification of Diseases, una lista che funge da standard di riferimento per la diagnosi di malattie e problemi di salute in tutto il mondo – molti psicologi ed esperti al di fuori dell’Organizzazione l’hanno criticata apertamente. Tra i motivi, il fatto che gli stessi criteri utilizzati dall’OMS per valutare la dipendenza dei gamers (ad esempio l’occupare troppo tempo coi videogiochi finendo per trascurare relazioni sociali, scuola, lavoro, ecc; oppure, giocare molto nonostante il verificarsi di conseguenze negative) potrebbero essere impiegati per indagare anche altre attività digitali, finendo probabilmente per rilevare sintomi e comportamenti compulsivi molto simili. Si tratta di un fenomeno ampio, insomma, che andrebbe inquadrato nel modo giusto. Ponendosi le domande giuste. Come scriveva Marc Lewis, neuroscienziato ed esperto in materia di dipendenze patologiche, qualche tempo fa sul Guardian nel commentare la presa di posizione dell’OMS: “Le etichette psichiatriche che identificano dei problemi psicologici, distinguendo tra di essi, possono essere utili per spingerci a prestare attenzione. Ma per identificare una dipendenza, abbiamo bisogno di scavare più a fondo – di chiederci cos’è che manca alle persone e che le spinge a dedicarsi a qualcosa in maniera compulsiva. E questo è molto più complicato.” Già, cos’è che manca, e che ci rende irrequieti? Forse gli obiettivi e le missioni che perseguiamo nelle nostre vite online sono più eccitanti di quelle che dobbiamo svolgere nella realtà di tutti i giorni. O forse il problema è che la realtà di tutti i giorni sta diventando sempre più ostile e frenetica: pandemie, guerre, crisi economiche, crisi ambientali, crisi democratiche… è una crisi continua là fuori, e star dietro a tutto quello che succede è dannatamente difficile. Ciò che le grandi aziende del digitale ci offrono, allora, è la possibilità di aggirare disagio e insicurezze, rifugiandoci in contesti fittizi che divengono sempre di più i nostri luoghi di riferimento. Sono le comfort zone della nostra epoca: il bingewatching su Netflix o YouTube, il racconto filtrato e sempre scintillante delle vite nostre e degli altri su Instagram… e i videogiochi, ovviamente. Il settore del gaming è forse quello che ha saputo rispondere meglio di tutti al desiderio di evasione del nostro tempo, e lo dimostrano i numeri riguardanti la grande crescita di gamers avvenuta negli ultimi anni; numeri che hanno subito un’impennata clamorosa, come e più di tutte le altre attività digitali, durante il periodo di lockdown (a riprova del fatto che più la realtà si fa ostile, più ci avvaliamo di questo medium). Ma aldilà delle statistiche, per capire la centralità che i videogames stanno assumendo nelle nostre vite basta osservarne la crescente capacità – di solito associata ai social media – di fagocitare categorie appartenenti alla sfera dell’intrattenimento: nel mondo di Fortnite si esibiscono le vere rap-star del momento in concerti spettacolari e interattivi, in quello di Animal Crossing vanno in onda talk show che ospitano gli avatar di veri attori di Hollywood. Eventi a cui si può assistere o partecipare attraverso i propri personaggi virtuali, in compagnia di amiche o amici o anche persone conosciute online – la socialità, del resto, è uno degli incentivi più efficaci in assoluto. Il concerto del rapper Travis Scott su Fortnite Le Battle Royale altro non sono, quindi, che una delle derive più adrenaliniche e totalizzanti del videogioco come strumento di fuga dalla realtà. Quando ci giochi, non hai tempo né spazio per pensare ai problemi del quotidiano, tutto teso come sei a tentare di pararti le chiappe per arrivare fino alla fine. Il loro design addictive rappresenta forse delle criticità che rendono questi prodotti potenzialmente dannosi per chi non riesce a staccarsene (giovane o non giovane che sia)? Può darsi, per quanto nel campo della ricerca medica e scientifica siano lontani dal trovare un vero consenso attorno alla questione. Riflettere su questi aspetti in ogni caso è importante, ma il modo in cui lo stiamo facendo rappresenta almeno due problematiche. La prima: se fissiamo lo sguardo solo sulle Battle Royale, o sul gaming, perdiamo di vista il fatto che è l’intero sistema economico digitale a essere governato da grandi compagnie i cui profitti sono indissolubilmente legati alla capacità di drenare il tempo e l’attenzione degli utenti, attraverso ogni sorta di incentivo e tipologia di contenuti. La seconda ha invece a che fare col nostro modo di rapportarci alle forme di dipendenza, inquadrandole come una patologia che colpisce chi non sa controllarsi o come la naturale conseguenza di prodotti pericolosi che danno assuefazione. Prospettive che adottiamo per semplificare (“la droga è brutta e chi la assume è debole”), ma che ci impediscono di cogliere l’ampiezza di certi fenomeni sociali e le motivazioni profonde alla loro base. Il trasferimento di porzioni sempre più grandi delle nostre vite dall’offline all’online, alla ricerca di gratificazione e semplicità, è qualcosa che riguarda la società tutta. Si tratta di un processo in essere già da anni e destinato a rafforzarsi nel tempo. È di per sé sbagliato, pericoloso o controproducente? Non necessariamente. Sta accadendo in fretta, senza che si riesca a comprenderlo appieno e a sviluppare una piena consapevolezza riguardo cause ed effetti? Pare proprio di sì. Nell’attesa che si formi un dibattito in grado di superare la solita dicotomia tra “apocalittici e integrati” del contesto tecnologico in cui ormai viviamo – e sempre di più vivremo – penso proprio che mi farò un’altra partita a CoD Mobile. Una sola, prometto. Tranne se perdo subito. Share Tweet Share... Read more...Turbocapitalismo e cinema, un articolo di S. Cegalin || THREEvial Pursuit22 Luglio 2020Turbocapitalismo e cinema Come i film hanno raccontato la minaccia neoliberista di Silvia Cegalin Le vittime del Turbocapitalismo in Sorry we missed you di Ken Loach È come una scena che si ripete: stanze anguste dalla mobilia scarna, posture stanche e visi segnati dal passaggio di un tempo che è stato carente di felicità e vaga impronta di sorrisi che ora appaiono come una manifestazione di speranze mancate. Gli occhi guardano dritti verso un futuro che nessuno dei protagonisti di questi quadri è in grado di prevedere, anche se inconsciamente ognuno sa come andrà a finire la loro storia; tentare di cambiare la propria sorte è comunque un atto dovuto: un ultimo guizzo prima dell’atto finale. Questi scenari degradati si ripetono sebbene distanti geograficamente tra di loro, perché la causa dello svilupparsi e del diffondersi di questo malcontento sociale privo di confini è generato da una malattia che corre talmente veloce da riuscire a spingere i suoi tentacoli ovunque… sto parlando del Turbocapitalismo. Come fa notare la parola stessa, adoperata per la prima volta dal controverso economista Edward Luttwark nel 1998 in Turbo-capitalism: Winners and Losers in the Global Economy, il turbocapitalismo è una forma accelerata del capitalismo in quanto influenzato dai progressi tecnologici e da scelte politiche ed economiche che hanno portato a una disumanizzazione, oltre che alla considerazione del lavoro come merce usa e getta. Se già il Capitalismo (si veda il mio precedente articolo Capitalismo: il mostro che divora il tempo libero) era quindi descritto come un mostro subdolo che condiziona i ritmi e i desideri degli individui, il turbocapitalismo non fa altro che esasperare tale saturazione negli umani, i quali si trovano a essere rispettivamente protagonisti o pedine del sistema in base alla propria disponibilità economica e quindi alla loro posizione sociale. In questo senso, una lettura interessante del turbocapitalismo è giunta dal Cinema. Se ritorniamo al quadro descritto all’inizio infatti non possiamo fare a meno di notare la sua affinità con le scene iniziali di Parasite di Bong Joon-ho e di Sorry we missed you di Ken Loach. Entrambi i film presentano un nucleo famigliare composto da padre, madre, figlio maggiore e figlia minore, che succubi di un’esistenza segnata da scarse possibilità di crescita, sia personale che professionale, cercano con ogni mezzo di migliorare la propria condizione. Sorry we missed you è il canto stanco, ma non per questo arreso, di una famiglia della working class inglese, la quale, afflitta da un’economia schiacciante che li porta a dover rinunciare al “sogno borghese” di avere una casa di proprietà, prova a dare una svolta alla propria situazione attraverso l’idea del marito Ricky di mettersi in proprio e fare il corriere freelance per conto di una grande azienda di consegne. Ricky è fattorino, Abby (la moglie) è una carer1, simboli di una gig economy in cui si è spesso umiliati e sfruttati. Chi svolge questi lavori, sembra ripetere come un mantra il turbocapitalismo, può essere trattato come uno schiavo perché il fattore fondamentale è produrre, produrre e vendere ad ogni costo anche a scapito della salute fisica e psichica: il bene dell’azienda viene prima di te. Noam Chomsky in Le dieci leggi del potere. Requiem per il sogno americano del 2008, spiega come sia proprio il Neoliberismo a provocare un divario ancora più forte tra le classi sociali, e un imbarbarimento delle condizioni e dei contratti lavorativi che hanno lo scopo di agevolare soltanto i potenti. Io, Daniel Blake di Ken Loach, altra vittima del Turbocapitalismo È il mercato, prosegue Chomsky, a prevalere e comandare qualsiasi altro aspetto della vita, e l’egemonia spostandosi dai governi statalizzati alle imprese private conduce non solo a una perdita di valori e alla distruzione della solidarietà, ma allo svilupparsi di guerre commerciali che fanno, letteralmente, dimenticare l’individuo e il suo valore in quanto essere umano; si pensi a questo proposito al film sempre firmato da Loach, Io, Daniel Blake, in cui un 59enne malato e impossibilitato a lavorare si trova a ad aver bisogno dell’aiuto dello Stato. L’uomo per ottenere i sussidi si trova coinvolto in un meccanismo a dir poco kafkiano che lo condurranno all’amara consapevolezza di quanto il sistema welfare e lo Stato siano sempre più distanti dal far vivere dignitosamente tutti i cittadini. «Mi chiamo Daniel Blake, sono un uomo e non un cane; come tale esigo i miei diritti, esigo di essere trattato con rispetto. Io, Daniel Blake, sono un cittadino. Niente di più e niente di meno». Se i film di Locke dipingono personaggi che non pretendono molto altro se non quelle piccole stabilità che permettono, banalmente, un tetto sopra la testa, del cibo e una buona istruzione per i figli; i desideri in Parasite cambiano prepotentemente, facendo ambire ai protagonisti una vita replicata sul modello borghese anche se i mezzi usati per arrivare a conquistare la cosiddetta posizione, rivelano l’ingegno e l’astuzia che solo le classi popolari sono in grado di mettere in atto nel momento del bisogno e della fame, e un’etica che non dimentica i propri “simili”. Ma perché si arriva a desiderare di più di ciò che si può avere? O meglio: perché i desideri sembrano ad oggi omologati, e gli uomini e le donne adottano comportamenti mimetici verso i modelli che propone il mercato? Riprendendo il pensiero di Heidegger, che fa da anticipatore a ciò che accadrà in modo ancora più radicale con il turbocapitalismo, ciò è spiegabile con la graduale sdivinizzazione in favore di una misticizzazione materialistica che ha invaso ogni settore. Di conseguenza, l’essere umano si trova a fare i conti con un mercato che è stato divinizzato e che vincola i suoi desideri e le sue aspettative, mentre di pari passo si verifica una svalutazione dei valori e dell’importanza della spiritualità, perché a essere considerati onnipotenti ora sono i prodotti commerciali. Se tale “teologia economica” diventa un’utopia frustrante per le classi lavoratrici, per la classe borghese essa si trasforma in mantra concreto e tangibile, e gli effetti di ciò sono ben riscontrabili nel film La Grande Bellezza di Paolo Sorrentino. La vuota “teologia economica” borghese ne La Grande Bellezza di Paolo Sorrentino. Sullo sfondo di un’antica Roma che però ha perso tutto il fascino felliniano, il protagonista Jep, esponente della Roma bene, incarna il classico intellettuale ricco annoiato che invece di utilizzare le proprie risorse per migliorare una situazione culturale2 alla prossimità della decadenza, preferisce abbandonarsi ai rituali delle feste inutili che hanno nell’apparire e nel consumismo il fulcro della loro esistenza. E questo scenario romano da un’autentica bellezza sfumata in qualche modo fa da eco non solo alla sdivinizzazione precedentemente citata, ma anche a una perdita di memoria storica/sociale e all’affermarsi di una prepotenza persuasiva commerciale che sono tra i principi individuabili nel turbocapitalismo. “Disarticolare e annullare la memoria è una delle condizioni fondamentali dell’affermazione planetaria del liberismo mercantile globale”3. Il sociologo Göran Therborn non a caso asserisce che sono gli effetti economici del liberismo a determinare il modo di vivere (e direi anche di pensare) delle persone, ma ciò che è interessante rilevare a fronte di questo è che nel cinema le classi alto borghesi sono spesso rappresentate come fallite dal punto di vista emotivo. Si pensi ad esempio a Happy End di Michael Haneke o alla Trilogia barbarica di Denys Arcand. Entrambi i registi descrivono esistenze che seppur caratterizzate da surplus materiale rimangono intimamente insoddisfatte, infelici, tanto da assumere comportamenti apatici nei confronti della vita: in questi film la morte indotta o anticipata sembra essere l’unica via d’uscita per dimenticare scelte superficiali o sbagliate. Turbocapitalismo “borghese” in Happy End di Michael Haneke Se il modello turbocapitalista quindi da una parte sprona la classe popolare a lavorare fino all’esaurimento per guadagnare posizioni che nella realtà mai raggiungeranno se non attraverso violenti compromessi, dall’altra conduce la borghesia a trovare nel lavoro uno sfogo, un rifuggire da sé stessi, raggiungendo sì il successo ma a scapito della propria sensibilità. Il trionfo del capitalismo non solo si manifesta tramite la manipolazione delle scelte individuali e uniformando gli stili di vita, ma a causa di un’economia neoliberista giunge a soddisfare soltanto la categoria dei grandi dirigenti, dei magnati e dei signori dell’alta finanza. Letture cinematografiche come, ad esempio, The wolf of the Wall Street di Martin Scorsese, The big short di Adam Mckay o Margin call di J. C. Chandor, raccontano, sebbene con riferimenti e punti di vista diversi, gli scenari di Wall Street e i danni provocati da scelte economiche aggressive incentrate sul binomio sfruttato/sfruttatore, perché mentre il primo si impoverisce rischiando il tracollo finanziario, il secondo, a scapito del consumatore, ingrandisce il proprio impero. Seguendo tale modello gli esseri umani rischiano di essere schiacciati dal potere sempre più crescente della merce e del denaro: “Quando il mercato è abbandonato alla sua auto-normatività, esso conosce soltanto la dignità della cosa e non della persona, non doveri di fratellanza e di pietà, non relazioni umane originarie di cui le comunità personali siano potatrici”4. Il Turbocapitalismo che regna in The wolf of the Wall Street di Martin Scorsese In linea con il pensiero sopracitato di Max Weber, sono anche economisti come Joseph Stiglitz e Paul Krugman (entrambi Premi Nobel per l’Economia) che ribadiscono come il neoliberismo supporti le grandi banche spostando i rischi connessi alla scelta di un mercato irrazionale non verso l’istituzione bancaria stessa, ma verso i propri clienti, facendoli precipitare rovinosamente. Non a caso la bancarotta del 2008 è stata pagata dai contribuenti e dai beneficiari, mentre alle banche sono giunte garanzie statali; inoltre questo tipo di economia ha innalzato il livello di corruzione all’interno delle organizzazioni finanziarie. E tali dinamiche parassitarie premiano personaggi come Jonathan Butler di Scorsese, incarnazione perfetta di una frenesia consumistica assorbita da principi machiavellici in cui l’unica regola è superarsi ad ogni costo. Se da una parte questo lupo sfrenato sfrutta qualsiasi situazione creata ad hoc dal capitalismo per arricchirsi, i protagonisti di The big short invece cavalcano, prevedendola anticipatamente, l’onda di una crisi finanziaria generata dalla speculazione del settore immobiliare e in entrambi i casi si assiste all’aumento del capitale come privilegio di pochi “eletti”. Si deduce che chi muove le redini dell’economia ne esce vincente perché attraverso i suoi tentacoli direziona le scelte e gestisce i risparmi di chi, nella scala sociale si posiziona a un livello inferiore, godendo inoltre di privilegi e standard di vita devoti a un uso sfrenato delle proprie disponibilità che, di conseguenza, fanno aumentare la sensazione di non avere mai abbastanza e bisogni (illusori) che non vengono mai soddisfatti abbastanza. D’altra parte i film analizzati svelano un malessere e un’insoddisfazione che partendo dalla classe operaia si espande fino alla borghesia, raggiungendo anche chi, teoricamente, vive una condizione adagiata dal punto di vista materiale. La perdita di valore economico pare quindi essere associata a una crisi dei valori sociali e morali, perché l’essere umano viene considerato in base a quanto può spendere e produrre, riducendo le sue qualità e capacità a semplici accessori. Gli occhi guardano dritti verso un futuro che nessuno dei protagonisti di questi quadri è in grado di prevedere, anche se inconsciamente ognuno sa come andrà a finire la loro storia; tentare di cambiare la propria sorte è comunque un atto dovuto: un ultimo guizzo prima dell’atto finale. Note 1. Per carer si intendono assistenti di anziani o disabili mentali e fisici che agiscono o in strutture private (come case di cura od ospedali) o direttamente nelle abitazioni dei pazienti. È un lavoro pagato dignitosamente ma che obbliga le lavoratrici a turni esasperanti e incerti, e a viaggi autofinanziati tra un cliente e un altro. Sono molto affezionata a questa figura in quanto ho svolto questo lavoro per un anno a Londra, e Locke lo illustra in modo onesto e veritiero: perché nonostante le fatiche, spesso con i propri pazienti si instauravano legami di affetto e amicizia che mi portava (proprio come Abby) a dedicarmi a loro oltre il tempo stabilito dalle agenzie, perché come ripetevo spesso “non sto lavorando con dei vestiti ma con delle persone”. 2. Un capitalismo che non ha soltanto inglobato le aree produttive, ma anche i campi artistici e il settore della cultura. In merito si pensi al film del 2017 The Square a firma di Ruben Östlund, ma per sviluppare questo tema dovrete aspettare il mio prossimo articolo. 3. E. Mazzi, La memoria, unico antidoto al liberismo selvaggio (1997 agosto 15), L’Unità. Anno LXXIV, n. 193. 4. M. Weber, Economia e società, vol. II, Edizioni di Comunità, Milano 1980, cit. p. 314 Share Tweet Share... Read more...Italian Lockdown – The Forbidden Photographs, un reportage di M. Castelli || THREEvial Pursuit15 Luglio 2020Italian Lockdown – The Forbidden Photographs di Marco Castelli 2020. Il coronavirus si diffonde a livello globale. L’Italia è il primo paese europeo a entrare in lockdown. È proibito a chiunque di uscire, se non per ragioni di necessità. Forse per la prima volta, ci si trova davanti a un momento storico in cui la documentazione visiva risulta intrinsecamente ed esplicitamente compromessa, collocandosi sulla linea d’ombra dei divieti contestualmente imposti. Cosa determina la legittimità della figura del fotografo, al di là di una partita IVA? Può l’occhio narrativo, in senso autoriale, riappropriarsi del diritto a un’analisi consapevole, senza dover ricorrere a letture e interpretazioni o, come sopra, a un riconoscimento legale quale il libero professionismo? In definitiva, cos’è che sancisce il discrimine tra il dovere di raccontare e la possibilità di farlo? Queste e altre riflessioni, oltre al bisogno incontenibile di documentare una fase storica – a detta di molti – senza precedenti, danno origine alla serie “Italian Lockdown – The Forbidden Photographs”. LE FOTOGRAFIE SONO STATE REALIZZATE NEL PIENO RISPETTO DEI DPCM VIGENTI. Share Tweet Share... Read more...La memoria breve dei social, un articolo di A. Rumé e C. Brunori || THREEvial Pursuit8 Luglio 2020La memoria breve dei social di Andrea Rumé e Claudia Brunori Cari lettori, il THREEvial Pursuit di questa settimana sarà un po’ diverso dal solito. Per questo abbiamo ritenuto di introdurlo e di introdurre coloro che lo hanno realizzato con queste parole. Parole innanzitutto di ringraziamento. Sì, perché Claudia e Andrea sono direttamente o indirettamente per noi delle vecchie e care amicizie ormai. Entrambi infatti fanno parte del Clowncare M’illumino d’immenso. Il progetto è attivo principalmente presso i reparti di Psichiatria, Emodialisi e Pediatria dell’ospedale di Santa Maria Annunziata di Ponte a Niccheri (FI). Da anni però l’associazione opera anche in territori devastati da calamità naturali, guerre o condizioni di estrema povertà quali Bielorussia, il Saharawi o la Palestina. Proprio Andrea raccontò ai nostri Simone Piccinni e Niccolò D’Innocenti del loro straordinario lavoro nella Striscia di Gaza sullo Streetbook Magazine #9. Da allora ci sono state altre occasioni per collaborare, per mettere in luce la realtà di certe terre, di chi le abita e di chiunque in un modo o nell’altro tenti di allungare una mano verso queste popolazioni per aiutarle a sopportare gli orrori, sempre a braccetto l’un l’altra, della guerra e della povertà. E in fondo, è di nuovo questo ciò che Claudia e Andrea hanno cercato di fare con le parole che leggerete di seguito. Un lettera “a cuore aperto” indirizzata a ognuno di noi per ricordarci quanto sia facile dimenticare. Dimenticare coloro che fino a pochi giorni fa chiamavamo “eroi”, dimenticare le sofferenze causate dalla prevaricazione delle guerre e dalle conseguenze dei disastri ambientali sui popoli una volta che l’eco mediatica su quegli avvenimenti si affievolisce e così il loro effetto sul nostro animo. Quindi, grazie a Claudia e Andre. Grazie per ricordarci che le parole sono importanti, i gesti smuovono le coscienze ma sono le azioni, quelle che durano nel tempo, ad essere giganti. *** Nella nostra realtà siamo bombardati continuamente di informazioni, notizie, valutazioni razionali sugli eventi mondiali che accadono e che suscitano in noi delle reazioni e delle emozioni, un po’ perché anche i mass media hanno il potere di enfatizzarle o sminuirle all’occorrenza con una facilità e una velocità che a volte destabilizza. Ecco perché è importante fermarsi a riflettere, ad ascoltarci, a capire che quei sentimenti sono i nostri e sono la più grande verità che possediamo… aldilà di quello che vediamo e viviamo. Sentirsi come allora: le vicende del Covid-19, i terremoti nelle Marche e in Abruzzo, brucia l’Australia, il clima uccide il nostro pianeta, gli attacchi terroristici… la guerra!!! Oggi chi sono? “Je suis …” oppure #andràtuttobene? Sono momenti tragici che riguardano la nostra quotidianità e che però hanno portato sul momento tanta solidarietà, tanto amore, tanta attenzione verso certi eventi catastrofici e fuori dal controllo umano… o quasi: ci siamo sentiti tutti vicini, ci siamo sentiti tutti in dovere di scrivere qualcosa sulla nostra pagina Facebook – per dimostrare che queste cose non ci erano indifferenti ma che ci colpivano. Eravamo solidali alle persone che hanno subito direttamente le conseguenze di tutti questi momenti, ci veniva spontaneo pensare agli infermieri e ai medici come a degli eroi, alla Protezione Civile, agli stessi Vigili del Fuoco e così abbiamo messo striscioni per le strade, fatto donazioni alle associazioni, cantato sui balconi… Insomma abbiamo dimostrato di essere persone che ci sono, che sentono e riconoscono certe figure professionali, certi eventi tragici che fanno rumore sul momento e che catturano anche la nostra attenzione, i nostri sentimenti e le nostre legittime reazioni e azioni. Momentaneamente diventiamo UMANI… poi piano piano, senza che nessuno se ne renda conto, tutto questo torna nel dimenticatoio. Col passare dal tempo sembrano venire meno certe cose, sembrano svanire e torniamo alla nostra vita… Ma la loro vita? Quella di infermieri, medici, la vita di chi è senza casa per colpa di un maledetto terremoto o per colpa di una bomba, la vita dei Vigili del Fuoco, quella di chi la vita la rischia in mezzo al mare, di chi lavora per pochi euro sotto il sole nei campi: la loro vita è cambiata? Purtroppo no. Erano infermieri e medici anche prima della pandemia e rischiavano la vita ugualmente. I Vigili del Fuoco continuano a svolgere il loro lavoro e ad eccezione di qualche applauso pubblico o mediatico ogni tanto non gli viene riconosciuto altro ufficialmente. Eppure continuano il loro lavoro, con amore e passione. Gli sfollati nelle zone terremotate ancora non sono ritornati nelle loro case e rivivono davanti ai loro occhi le tragedie di tre anni fa, perché in alcune zone ancora ci sono solo macerie… per non parlar di chi vive in zone del mondo che sembrano esser diventate zone di serie B. Palestina, Kurdistan, Sahara Occidentale, solo per citarne alcuni, e forse non abbiamo nemmeno idea di dove sono certi posti. Ma poi ecco che spunta la foto acchiappa like con il bimbo “della zona di guerra” e, da dietro il nostro schermo, sospiriamo un “uh poverino” e ci sentiamo a posto con la nostra coscienza. Si smuovono tutti quando un ginocchio sulla gola toglie il respiro a un uomo fino a farlo morire, ma quando quello che toglie il respiro si chiama Mar Mediterraneo… beh, insomma… condividiamo un gattino! O meglio il Koala del grande incendio in Australia… ma poi oh, hanno detto che aveva iniziato a piovere, sarà ricresciuto tutto. Questi sono solo esempi di quelli che per mesi, giorni, settimane diventano i nostri Social Eroi. Se sono eroi? Beh sì, lo sono veramente e non lo sono solo quando ce lo ricordiamo o quando li decantiamo: lo sono sempre, lo sono tutti i giorni anche quando noi ce li dimentichiamo. Loro sono lì, che continuano a far il loro lavoro una volta spenti i riflettori. Sono lì e nonostante tutto trovano la forza di andar avanti, anche quando tutto il mondo gli rema contro con indifferenza. Sono lì quando lottano e credono in un futuro migliore. Ma a loro interessa veramente essere degli eroi? Probabilmente vorrebbero semplicemente che venga riconosciuto il loro lavoro, i loro diritti di essere umani, la loro vita e la loro dignità. Probabilmente vorrebbero solo che la solidarietà che abbiamo dimostrato non si riducesse a un fatto momentaneo, ma si concretizzasse per una società migliore, con scuole e ospedali migliori o semplicemente con la condivisione della speranza di un futuro migliore. Una condivisione di amore… reale. Ma quelle emozioni forti che abbiamo provato, mischiate alla paura per noi e per gli altri, ci aiutano a ricordarci chi siamo, e sono fondamentali perché ci fanno sentire vivi e parte di un mondo molto più grande di quello a cui siamo abituati a vivere nella nostra quotidianità. Ci fanno sentire l’importanza della solidarietà, ci fanno sentire un’unica famiglia. E quindi proviamo a rafforzarli quei sentimenti che ci spingono a scrivere, a urlare dai balconi, a prestare attenzione. Non dimentichiamoli, non dimentichiamoci. Noi siamo questo. Share Tweet Share... Read more...La Scuola è nuda, racconti di insegnanti. Un articolo di R. Dell’Ali || Threevial Pursuit1 Luglio 2020La Scuola è nuda racconti di insegnanti di Roberta Dell’Ali La Scuola italiana è nuda, come il Re della favola di Andersen. A spogliarla, questa volta, il Covid-19. C’è di buono che finalmente quest’istituzione è tornata al centro del dibattito. L’universo Scuola, sminuzzato in migliaia di identità, taglia trasversalmente diverse generazioni ed esigenze, molteplici ruoli e servizi. Guardando alle stelle che orbitano in questo universo collassante, mi sono chiesta chi interrogare per capire. Studenti? Dirigenti? Genitori? Personale ATA? Sarebbe bello e giusto parlar con tutti loro, ma lo spazio è quello che è. Per questa volta ci concentreremo sugli insegnanti. Metto subito le mani avanti: l’esplorazione di questa galassia forse apparirà un po’ confusionaria, ma vi giuro che qua dentro si capisce poco. Approfitto della premessa anche per chiedere scusa ai miei bellissimi intervistati: ho dovuto ridurre all’osso le complessità infinite vostre e della scuola italiana, mi farò perdonare. «I bambini sono persone» Questo tour de force nella scuola italiana, dalle elementari alle superiori, da Torino a Catania, inizia con C., una giovane insegnante sognatrice. C. ha ventisette anni, è minuta e sulla testa ha lunghissimi capelli castani. C. ha studiato Scienze della Formazione Primaria a Torino e lavora come supplente nelle scuole elementari piemontesi da un anno e mezzo – anche se tra tirocini e ricerca per la tesi frequenta l’ambiente scolastico già da sette anni. La cosa bella di C. è la voglia di insegnare e raccontare il mondo dei bambini. Mi è piaciuto molto come mi ha risposto quando le ho chiesto cosa l’abbia spinta a scegliere di essere una Maestra: C. Credo sia stata l’idea di cambiare, o meglio di far parte delle vite dei bambini, che sono persone. Persone in crescita ed estremamente sottovalutate, spesso tagliate fuori dalle decisioni: senza voce in capitolo. Sempre trascurate, in particolare per entità di percezione ed emotività. Quello che emerge dalle parole accorate di C. è il distacco tra la sua idea di scuola e la realtà scolastica effettiva:C. Per me, per quello che ho studiato, la scuola d’infanzia e primaria dovrebbero dialogare con i bambini, partire dalle loro percezioni e conoscenze per accompagnarli alla scoperta del mondo. Si tratta di capire insieme a loro la realtà intorno e favorirne la libertà di pensiero: permettere ad un bambino di esplorare ed esplorarsi. Invece non è così, nelle aule a tratti sembra accadere l’opposto. La cosa più bella del racconto di C. è la descrizione della sua scuola ideale, con classi aperte e senza porte. Una scuola piena di laboratori d’arte e musica, perché «la creatività è estremamente sottovalutata e ai bambini è negato di esprimere questa potenzialità». Nella scuola di C. ci sono enormi spazi aperti: «I bimbi fanno merenda fuori e sperimentano le stagioni e i climi sulla loro pelle. Basta co ‘ste foglie secche attaccate su bianchi rettangoli A4!» sbuffa C. La scuola di C. è soprattutto dialogante, è aperta all’astratto: parla di amore, amicizia, alterità e uguaglianza. La scuola di C. racconta le fiabe. «Vorrei che Azzolina entrasse nelle classi e capisse» Signori e signori, vi presento R., appassionata quarantottenne, che vive a Catania: insegnante di sostegno «per scelta» da ormai vent’anni. Con R. facciamo una video-call ché tanto ormai è un’esperta di Zoom. Risponde al primo squillo e mi riempie lo schermo con un sorriso a zigomi alti: «Non mi aveva mai intervistata nessuno, mi sento importante» mi dice, però arrossisco io. R. ha una gran parlantina, mi racconta per sommi capi le tappe della sua carriera: magistrale, supplenze, laurea nel ’90, altre supplenze, sette anni di incarichi annuali in Pavia e provincia. Poi corsi, formazioni, laboratori freudiani, il passaggio a ruolo nel 2009 e finalmente, nel 2011 il ritorno nella sua Catania: «Mi mancava il mare» dice in un soffio. Com’è stato il rientro a Catania?R. Ero molto felice di essere a casa, ma i primi anni sono stati scolasticamente difficili. Ho insegnato in delle scuole di frontiera, a Fortino, una zona problematica di Catania; lì ho visto situazioni indescrivibili, che fanno male al cuore, realtà per cui non c’è cura né attenzione. Ci sono sacche di disagio enorme nella nostra società, vorrei che Azzolina entrasse nelle classi e capisse cosa significa stare in strutture senza tavoli, gessi e banchi a sufficienza. R. lavora da ormai molto tempo come insegnante di sostegno e mi racconta con trasporto dei suoi bambini. La vedo commuoversi quando mi dice l’emozione di Chiara che impara a leggere dopo tanti sforzi e tanti anni, Chiara la sua prima alunna che «ormai è una donna». Le parole di R., oltre a tanta bellezza, raccontano una negligenza pesante a opera del Ministero e del corpo docenti. L’amarezza della sua voce arriva al culmine quando mi racconta di Manuel, «u ghoia miu». L’appellativo è vero, il nome di fantasia. R. Essere un’insegnante di sostegno significa innanzitutto non avere sostegno. Nella maggior parte dei casi il nostro ruolo di maestr* si riduce al tenere i bambini fuori dalla classe, la cui funzione viene assorbita in toto dall’insegnante di sostegno. Manuel è un bambino che seguo da ormai tre anni, da quando ne aveva 7. Lui è un bambino molto fragile, è un F93, il ché in questo caso vuol dire una sfera emozionale tagliata in due, un’emotività drammatica che fatica molto a sostenere il senso dell’altro. Il primo giorno che sono entrata in classe, quando ho preso Manuel in carico, lui stava rannicchiato a terra, vicino al cestino. Piangeva e basta. Non sapeva né leggere né scrivere e le mie colleghe non pensavano competesse loro coinvolgerlo o aiutarlo. La buona notizia è che Manuel oggi, alla veneranda età di dieci gloriosissimi anni, è un bambino splendente. Legge moltissimo e bene ed ha sviluppato un amore spropositato per Prometeo – sospetto per influenza della maestra, stupendamente incline al mito e alla letteratura. Nell’innamoramento per la storia di Manuel mi viene naturale chiedere a R. come siano andati questi mesi di lockdown e DAD (per i profani, Didattica A Distanza):R. Per Manuel la DAD non è stata proponibile, senza considerare che inizialmente non aveva nemmeno un dispositivo con cui fare lezione, è stata la scuola a prestargli un tablet. La scuola online è la depersonalizzazione totale dell’insegnamento: i bambini erano scompensati, scappavano e si nascondevano. Spesso Manuel mi diceva che non capiva ed era stanco: non siamo riusciti a fare quasi niente di nuovo, solo un po’ di analisi grammaticale al telefono. In ogni caso da due settimane io e Manuel abbiamo iniziato a vederci ogni sabato mattina a casa mia, così recuperiamo il condizionale e gli avverbi. Le mie colleghe dicono che non sono professionale, ma io me ne fotto, non voglio lasciare Manu indietro… la parolaccia toglila eh . The MAD people M. e S. sono due ventiseienni rampanti che vivono a Bologna, una letterata e uno storico. L’intervista s’è svolta in una chiamata a tre su WhatsApp: tutt’ e due belli come il sole. Uno a Marsala e l’altra in Abruzzo. M. e S. sono stati interpellati dalla mia curiosità in quanto rappresentanti del popolo MAD. La MAD, nota anche come Messa A Disposizione, è una creatura temibile che domina le vite di moltissimi giovani insegnanti. Un mostro famelico che mangia un po’ tutti, ma ha un particolare amore per il sapore agrodolce dell’umanista. Questa cosa immaginatela un po’ come se fosse un’intervista a due delle Iene, okay? M. sta nel riquadro a destra, S. a sinistra. La prima cosa che voglio sapere è come definirebbero la MAD:M. Mm… io l’ho sempre spiegata come una disponibilità privata che tu mandi alla scuola. Una candidatura spontanea, estranea a ogni tipo di graduatoria o fascia. Tu comunichi alle singole scuole che sei a disposizione per riempire le cattedre scoperte. S. Mah… secondo me ci sta dire che la Messa A Disposizione sia esattamente un mettersi a disposizione. Mi sembra che concluda da sé il significato: tu ti metti a disposizione del buco che devi tappare… Questa però non è una definizione, non la puoi mica scrivere! S. e M. si sono laureati l’anno scorso, entrambi a marzo del 2019. Da allora hanno (quasi) sempre lavorato nelle scuole come supplenti, inviato MAD in tantissime scuole in tutta Italia. M. ha lavorato per due mesi in un liceo artistico in provincia di Reggio Emilia, poi in una scuola media in provincia di Parma, otto mesi di servizio per un totale di quattordici rinnovi di contratto. S., dal canto suo, ha tastato varie province: Reggio Emilia, Ravenna, Milano, Torino, Modena e Ferrara. Quando gli chiedo un commento sul sistema MAD mi rispondono così:S. Io ho l’impressione che il sistema MAD sia totalmente casuale: non tiene conto delle competenze né delle precedenti esperienze. Tutto è volto alla casualità. Tu invii una domanda preimpostata alle scuole e, a volte, all’improvviso, giunge la chiamata di una scuola come grazia divina. Nella maggior parte dei casi chi chiama non si preoccupa di verificare le competenze del candidato MAD e nemmeno di informarlo su quel che deve andare a fare. Io l’anno scorso mi sono ritrovata a fare un sostegno alle elementari, senza essere preparata e tanto meno avvisata: buttata dentro la scuola. L’esperienza di M. è grosso modo la stessa e fa emergere un altro punto cogente: la totale instabilità creata da sistema MAD:M. La burocrazia e le segreterie spesso sono un ostacolo, la questione più avvilente è quella contrattuale, priva di qualunque prospettiva di stabilità, sulla quale non abbiamo nessuna voce in capitolo. Loro ti chiamano, tu puoi solo rispondere sì o no. Il tempo per riflettere non c’è: sì o no? Per non parlare poi dei rinnovi di contratto: non è mai comunicato per tempo, se lo fanno è un favore. E se questo è un disagio per noi, the MAD people, è un disastro emotivo e relazionale per gli studenti: quest’anno ho visto piangere la mia classe infinite volte, ogni quindici giorni, per un intero anno, ho annunciato la possibilità che non ci potessimo vedere più. Una relazione che nasce e cresce nell’ombra della fine. Mentre parliamo è un pigro martedì di giugno e nel cielo marsalese di M. iniziano a rimbombare dei fuochi di artificio, non capiamo perché ma la cosa ci fa ridere. La conversazione prosegue ed emerge un dato tanto curioso, quanto noto:S. La situazione a scuola è sempre drammaticamente immobile. Credo che il problema sia proprio questo: diventare insegnanti a pieno titolo è così difficile e angoscioso che poi le persone, una volta preso il posto, non lo mollano più. L’idea che mi sono fatta in un anno e mezzo a scuola è che l’insegnante di ruolo sia tendenzialmente uno che non ha voglia di lavorare e trova tutti gli escamotage possibili per non farlo. È come se una volta che si è di ruolo il posto non te lo possa togliere nessuno: tutto diventa concesso. Quest’anno, a Ferrara, ho supplito per cinque mesi (con quattro rinnovi di contratto) un docente che era noto per la sua attitudine all’assenza: uno che non lavora per niente, neanche quando è in classe ché crea un sacco di problemi e va avanti così da anni. Eppure ha percepito il 100% dello stipendio e conserva il suo posto fisso. Quasi sempre dalle scuole viene dato per scontato che tu agisca come se quello fosse il tuo posto, nonostante tu sia solo un supplente con un contratto che dura – forse boh chissà – una settimana. Pretendono che tu sia in grado di dire: “sì, faccio la coordinatrice” o “sì, certo, li accompagno io in gita ad aprile anche se il contratto scade a Marzo”. Alla fine, però, sembra solo di essere alla mercé degli umori dei docenti di ruolo. M. concorda su tutto, ha esperito sulla sua pelle le stesse mancanze. Poi confessa un po’ romanticamente che vuole fare l’insegnante «perché stare in aula è proprio fico. È emozionante vedere l’interesse scatenarsi in un sedicenne davanti a una poesia o una canzone. Ed è impagabile leggere come ogni studente declini ciò che ha imparato attraverso le proprie emozioni e inclinazioni». «Siamo preda degli avvocati e dei politici» Perdonatemi se salto un po’ di palo in frasca: il dono della sintesi ce l’ho a metà, invece a far salti pindarici son bravina. A metà giugno, una mattina calda calda, sono passata a salutare F.: quarantanove anni, occhi giganti e verdi che mi incantano, nonostante la conosca da sempre. F. è madre di due figli ormai adolescenti, è siciliana e vuole restare a casa sua. F. fa parte di quella categoria di insegnanti che passano la vita a fluttuare in cima alle graduatorie, navigando nel mare magnum di punteggi, fasce, leggi e attese. Ha recentemente ottenuto il passaggio di ruolo, ma con la beffa di contorno: sede prima ad Arezzo e poi a Roma, dopo una vita immolata al precariato per rimanere al Sud. F. Da quando ho iniziato io a ora, la struttura della scuola è completamente diversa. Io mi sono laureata nel ‘99 e il concorso era uscito qualche mese prima. Il successivo concorso per le superiori è stato nel 2016. Questo era l’andamento normale: graduatorie che rimanevano 16-17 anni, però c’era anche la GAE, graduatoria ad esaurimento. Dal 2016 le cose sono cambiate: la legge 107 stabilisce che ogni due anni ci debbano essere concorsi. Il ché sarebbe anche giusto, se non fosse che c’è gente che ancora aspetta dal 2016 e resta ancora sospesa, con anche i concorsisti del 2018. Anzi, che dico, il concorso del 2016 nel frattempo è decaduto. F. ha avuto supplenze mediamente lunghe in quattordici, senza contare tutte le miriade di supplenze brevi né i paritari: «Qui nei dintorni ho insegnato a tappeto in tutta la provincia di Ragusa (Vittoria, Modica, Scicli, Pozzallo, Ispica…) poi anche a Siracusa, Avola, Rosolini, Agrigento e Licata. Ultimamente anche ad Arezzo e Roma» dice F., e si rabbuia. Mentre mi racconta l’iter infinito che l’ha condotta a Roma, vengono fuori storture infinite del sistema. Mi racconta di tanti sotterfugi burocratici spudoratamente attuati da enti ed istituzioni, poi F. mi porge la tazzina col caffè e, rassegnata, mi dice: «In Sicilia funziona così». La carriera (e di riflesso buona parte della vita) di F. si snoda attraverso traumi legislativi: Gelmini, le classi pollaio e, poi, la ferita più grande: la legge 107. F. La legge 107 di Renzi ha creato una confusione indecente. La famosa legge delle 100 province che doveva risolvere il precariato scolastico. Sì, certo. Peccato che io abbia due figli, un marito, una casa una vita, quasi cinquant’anni e la sede scolastica a Roma, che non mi appartiene e che non ho scelto. Con la legge 107 noi che eravamo in GAE siamo finiti sparsi: tra i compagni di graduatoria, la precedenza di restare è andata a chi aveva figli piccoli, giustamente; gli altri posti sono andati ai vincitori del concorso del 2016. A noi sono rimasti gli scarti: i posti sul cozzo della montagna, quelli che non vuole nessuno. La 107 è stata una violenza, un aut aut: “Tu insegnante che sei nella GAE, o fai la domanda e io ti porto dove voglio oppure la GAE il prossimo anno non esiste più e quindi stai a zero”. In realtà poi non è stato così con la GAE: son stati messi in mezzo avvocati. Si sono dimenticati di noi. Tre anni fa fiottavano promesse di tempi celeri, Di Maio sventolava slogan, come tutti. È il 2020 e siamo sempre qui. Ascolto F., la vedo trattenere la rabbia col pugno stretto sul tavolo. È stanca, triste, in fondo arresa. Mi torna in mente una celebre frase: “Bisogna cambiare tutto per non cambiare niente”, ed è proprio vero. «Credo che sia una questione tipicamente italiana» Dulcis in fundo, amici miei, c’è G. Ultima voce di questa saga un po’ curiosa, una voce acuta e abile a osservare. G. è una professoressa sessantenne di Latino e Greco; in parte se sono finita a fare quello che faccio è un po’ colpa sua (e per questo le voglio bene). G. è sempre molto elegante, anche adesso mentre sorseggiamo tè fresco e granita al limone, circondati dai fiori della sua veranda. Lei ha iniziato a insegnare nel 1992, con delle supplenze in un liceo, poi per qualche anno anche in scuole private. Nel ’98 una lunga supplenza per la cattedra di Filosofia. Nel 2000 partecipa al concorso e cinque anni dopo passa definitivamente passata di ruolo. G. Il classico percorso di un docente medio della scuola italiana: precariato per tanto tempo in diversi posti, poi finalmente il concorso e, dopo qualche anno, il ruolo. Io sono stata anche fortunata perché ho potuto scegliere di fare quello che volevo, cioè latino e greco. Conosco G. da un bel po’ di tempo ormai ed ero profondamente convinta che lei fosse stata sempre di ruolo. Scoprire che anche lei ha vissuto un lungo periodo di precariato fa crollare quell’idea aurea che avevo della passata scuola italiana. Ingenuamente le chiedo se il precariato c’è da sempre e lei mi risponde così: G. Certo, da sempre e per sempre. Alcune volte s’ingolfa, altre si diluisce, poi s’ingolfa di nuovo: io sono stata precaria per molto tempo, allora come ora, le leggi continuavano a cambiare: adesso si passa di ruolo più giovani, ma è un dato relativo. G. dice così e le campane della chiesa dietro casa sua iniziano a suonare rumorosamente: curioso, non vi pare? Parlo con G. per un bel po’: forse toccherà anche a me di far la professoressa e ho bisogno di capire. Quali sono le crepe della scuola? Da dove iniziare a ricostruirla? Secondo G. «la falla più grossa del sistemo scolastico italiano è nella formazione dei quadri: non si arruolano così i docenti». G. Non si possono selezionare gli insegnanti solo in base al criterio della conoscenza. È necessario valutare anche la nostra competenza di docenza: non è possibile che non esista nella formazione della scuola italiana un percorso psicoattitudinale per gli insegnanti. E credimi, Roberta, non sono baggianate. Sono molti i docenti che insegnano tanto per insegnare, perseguendo obiettivi trasversali che niente hanno a che vedere con la costruzione del cittadino. Questo è importante ovunque nella scuola, ma è particolarmente incisivo alle superiori. Noi lavoriamo nella fase finale della formazione di un individuo, la fine di un percorso da cui viene fuori la persona, il lavoratore, l’universitario. Questo scrivilo, ci tengo. Secondo G. l’altro grande problema della scuola italiana è di ordine strutturale-logistico: G. La condizione strutturale della scuola, in senso fisico, è impraticabile: le scuole italiane sono mediamente vecchie e obsolete. La scuola è un luogo in cui delle persone vivono un terzo della loro giornata (parlo di docenti, studenti e personale). Mi sembra il minimo allora che le scuole somiglino più a luoghi in cui vivere e non, come attualmente, a luoghi di sopravvivenza. La questione è capillare. In questo periodo, per ovvie contingenze storiche, ci ritroviamo a parlare di “scuola digitale”. Ma manca tutto: la strumentazione, la rete, i computer e lo spazio per vivere il computer e la rete. Parliamo da sempre di progetti pomeridiani e poi non abbiamo lo spazio per fargli mangiare il panino. Sono problemi, vanno risolti. La chiacchiera con G. volge al termine, sto recuperando il tabacco dal tavolo e ho già chiuso il quaderno dove ho appuntato tutte queste storie di insegnanti. In calcio d’angolo commento le sue ultime affermazione e le chiedo un po’ retoricamente se le istituzioni e la politica si curino dei nostri studenti. G. fa una smorfia:G. No. E mi sono sempre chiesta se al ministero ci siano dei pazzi, in questo periodo più che mai. Credo sia una questione tipicamente italiana: esiste nella nostra società un duplice scollamento. Il primo tra il Paese reale e la politica, l’altro tra il Paese reale e i ministeri – che dovrebbero essere altro dalla politica. È tutta una classe di burocrati che non sa di cosa parla. Ho sempre l’impressione che sfugga al ministero ciò che avviene a scuola, come se quello che facciamo tutti i giorni non gli interessasse o non lo sapessero affatto. Personale ATA: personale Amministrativo, Tecnico, Ausiliario (cfr. segreteria, bidelli, tecnici di laboratori, bibliotecari, etc. etc.) Traduci: la mia gioia Share Tweet Share... Read more...Memoria ed escapismo, un articolo di D. Petrelli || THREEvial Pursuit24 Giugno 2020Memoria ed escapismo di Dario Petrelli Ho un rapporto conflittuale con il mio cervello. Ci sono volte in cui decide per conto proprio di riavvolgere il nastro dei ricordi e gettarmi nel passato, non necessariamente per rivivere esperienze esaltanti, anzi: non di rado mi mostra quelle in cui sono stato un perfetto stronzo o ho fatto una cazzata. Mi capita soprattutto di mattina, quando sto facendo colazione o sono sul bus per andare al lavoro – magari perché nelle prime ore da svegli la mente è ancora influenzata dalle atmosfere visitate in sogno, ma non saprei dirlo con certezza perché io i sogni li dimentico quasi sempre. Ad ogni modo, mi ritrovo catapultato in tempi che furono e non sono più, e faccio fatica a riprendere il controllo e a tornare nel presente. Altre volte, lo ammetto, sono io stesso a incedere tra i corridoi della memoria, soffermandomi sui momenti più belli, quelli in cui magari mi sono sentito completo o realizzato. Da qualche parte su un Moleskine ho scritto che i limiti della memoria sono necessari e funzionali a non farci perdere nei labirinti della nostra mente… quando viaggiamo per troppo tempo fra le strade e i paesaggi sperduti dei nostri ricordi, a un certo punto siamo costretti a fermarci perché non abbiamo più territori da esplorare, la nostra memoria ha raggiunto i suoi confini, e al massimo possiamo immaginare altro, ma non siamo capaci di ripercorrere tutta la nostra vita a ritroso. Il che non è così scontato come sembra. Pensateci, l’impossibilità di richiamare alla mente ciò che abbiamo vissuto nei primi anni della nostra vita, ad esempio, tende ad apparirci ovvia; ma il cervello umano avrebbe anche potuto evolversi diversamente, consentendoci di immagazzinare ogni esperienza in un archivio accessibile a nostro piacere quando ci andasse di consultarlo. E invece no: a parte gli incredibili casi di individui come Ireneo Funes e Raymond Babbitt, il nostro grigio organo supremo archivia e protegge i ricordi in base a requisiti di importanza, necessità, sensazioni provate, e altri parametri che sinceramente non so e non conosco perché – ehi, io sono solo un tizio che sta sproloquiando sul proprio computer. E comunque Ireneo Funes e Raymond Babbitt non sono mai esistiti, anche se sono i protagonisti di storie molto belle. Come mai la nostra memoria non si è evoluta in maniera tale da conservare il ricordo di tutte le situazioni che esperiamo nel corso della vita? È una questione di energia, di finitezza delle risorse cerebrali? E allora perché esistono casi eccezionali di persone davvero in grado di ricordare tutto o quasi tutto ciò che gli è accaduto (ok, Funes e Babbitt sono personaggi di finzione, ma provate a cercare Kim Peek o Jill Price sul web)? Probabilmente dovrei girare queste domande a una neurologa, ma dato che non ne conosco e interrogativi come questi mi affascinano da sempre, ecco la conclusione a cui sono giunto senza alcuna pretesa di veridicità: i limiti della memoria servono, appunto, a tenerci ancorati all’unica linea temporale che conta davvero – quella attuale. La vita è ora, e non possiamo permetterci di assentarci troppo a lungo naufragando in un mare di situazioni passate e andate per sempre – da un momento all’altro potrebbe spuntare una tigre dal cespuglio accanto a noi, rendendo noi stessi soltanto un ricordo nella testa di qualcun altro. È per questo, vi dico, che non possiamo sostare a tempo indeterminato nella nostra memoria. E poi, ammettiamolo, i ricordi sono sopravvalutati e ingannevoli: essi fissano nella nostra mente soltanto una versione dei fatti, un’interpretazione di quello che è successo – nemmeno sempre e necessariamente la nostra! – un’interpretazione che potremmo scoprire essere molto lontana da quella di altri che condividessero il ricordo di quegli stessi accadimenti. E i ricordi sono soggetti alla nostra tendenza a idealizzare il passato, che ci porta spesso a volerlo rivivere, quando esso è ormai per definizione passato, appunto, e siamo cambiati noi e il mondo attorno a noi e nessuna esperienza può davvero esser vissuta due volte alla stessa maniera. Beh ma anche l’immaginazione, direte voi, può distrarci e allontanarci dal presente – e avete assolutamente ragione, e infatti io credo che il ricordare e l’immaginare siano state le prime attività escapiste praticate dalla nostra specie. Ma ci pensate al primo essere umano che ha scoperto di poter dirottare il corso dei propri pensieri, dal qui e ora e non solo verso il passato, ma addirittura verso il futuro o verso percorsi puramente immaginativi e probabilmente impossibili e imperseguibili? Chissà se ha provato una sensazione orgasmica in quel momento – considerando che di lì a poco avrebbe scoperto che poteva anche provare un orgasmo vero e proprio con l’aiuto della fantasia – o se non si è nemmeno reso conto del passo evoluzionistico assurdamente lungo che aveva appena compiuto. Ma sto divagando. Dove ero arrivato? Ah, sì: la memoria è uno dei primi dispositivi di fuga dalla realtà che la nostra specie ha creato per sé stessa (volendo definire realtà come l’insieme delle percezioni che caratterizzano il qui e ora). Astrarci dal presente ci piace così tanto che nel corso della storia abbiamo inventato sempre più modi per farlo, fino ad arrivare, oggi, a un’epoca in cui il business dell’intrattenimento muove miliardi di euro/dollari/yen ogni giorno. Sono anch’io un discreto evasore del presente, e oltre alla lettura, ai videogames, ai film e alle serie tv, allo sport e al calcetto, mi piace calarmi in viaggioni mentali immergendomi in ricordi, pensieri, riflessioni di ogni tipo, perché usare la mente per distrarsi, per fortuna, è ancora gratis e largamente accessibile – non occorre nemmeno sorbirsi annunci o brevi spot pubblicitari per fruirne. Nonostante questi indubbi vantaggi, sono ancora indeciso riguardo i benefici del vagare nei quando e nei dove della memoria. Siamo abituati a pensare che ogni attività, se abusata, può condurre a conseguenze negative e credo che anche questa non sfugga alla regola. In fondo, lo sappiamo, il tempo a nostra disposizione è limitato e siamo condannati a tentare continuamente di farne buon uso. Il nostalgico che passa troppo tempo tra i ricordi (o le illusioni) di un passato ormai andato, non rischia forse di sprecare le possibilità del presente allo stesso modo di coloro che vivono tendendo i propri sforzi esclusivamente al raggiungimento di un obiettivo futuro? Ma poi, come si fa a godersi davvero il presente, se esso altro non è che un filo che brucia e si esaurisce nell’esatto momento in cui lo viviamo? Non so, non sono in grado di rispondere a queste domande e credo che ognuno sia costretto a trovare il proprio equilibrio. È per questo, dopotutto, che il nostro cervello ci impone certi limiti. Almeno credo. Share Tweet Share... Read more...Statue War: The Birth of a Question, un articolo di C. Francioni || THREEvial Pursuit17 Giugno 2020Statue War: The Birth of a Question di Chiara Francioni In seguito alla morte di George Floyd, avvenuta lo scorso 25 maggio a Minneapolis, negli Stati Uniti – e non solo – il movimento Black Lives Matter ha dato vita a significative proteste che hanno messo in luce il più infiammato dei nervi scoperti della cultura americana: la questione razziale. Senza dilungarmi sul contesto generale, che di certo può essere trattato meglio da chi è più competente di me, vorrei limitarmi ad approfondire un unico tema, che ha però trovato ampio spazio nel dibattito pubblico. Si tratta della questione concernete la sorte dei monumenti controversi che, oltreoceano, ha preso il nome di “Statue War”. Recentemente, e proprio in seguito ai fatti del 25 maggio scorso, il tema è nuovamente tornato alla ribalta, anche per effetto delle iniziative dei manifestanti che sono passati all’azione, imbrattando, decapitando o addirittura deponendo talune delle effigi incriminate. L’argomento appare divisivo: da un lato c’è chi plaude la manifestazione ideologica che sorregge il neonato movimento iconoclasta; dall’altro chi denuncia gli atti di deturpazione. In questa sede cercherò quindi di spiegare perché, in realtà, dovremmo prestare molta attenzione a tale forma di denuncia. Quali monumenti sono oggetto di controversie? Premetto che, per esigenza di sintesi, ho scelto di concentrarmi solo sull’esperienza statunitense, sia per fare eco alle proteste degli afroamericani, sia perché mi è sembrato opportuno approfondire adeguatamente il tema trattato. Magari, in futuro, potrebbero seguire retrospettive sulla situazione europea, in generale, e italiana, nello specifico. Dato tale assunto, i monumenti al centro dell’occhio del ciclone sono quelli dedicati al mito sudista che ritraggono o commemorano politici e militari confederati, come Jefferson Finis Davis o Robert Edward Lee. Perché sono stati presi di mira proprio questi monumenti? Il movimento Black Lives Matter nasce negli Stati Uniti tra il 2013 e il 2014 come forma di reazione alla brutalità delle forze dell’ordine e alle pratiche di profilazione razziale, facendosi inevitabilmente portatore delle generali istanze anti-razziste degli afrodiscendenti. La morte di George Floyd ha dunque operato da innesco per la miscela esplosiva che, durante un secolo e mezzo di discriminazione, ha visto crescere a dismisura il proprio potenziale distruttivo. Basti pensare che l’abolizione della schiavitù negli Stati Uniti, così come nel resto del mondo occidentale, è un fatto relativamente recente e verificatosi quasi cento anni dopo il varo della Costituzione del 1789. Quest’ultima fu infatti adottata grazie a un compromesso storico che consentì di unire, sotto la bandiera federale, gli stati del Nord e quelli del Sud, fortemente contrapposti in merito alle sorti della schiavitù: i primi favorevoli all’abolizione dell’istituto, i secondi contrari. In altre parole la Carta costituzionale riconosceva solo implicitamente il potere del Congresso di abolire il sistema basato sulla tratta degli schiavi, stabilendo che l’organo parlamentare non avrebbe potuto impedire l’importazione di quelle Persone (non vennero mai usati termini come “schiavo” o “negro”) sino al 1808 (anno in cui venne poi effettivamente proibita la tratta, ma non ancora il diritto di possedere uno schiavo). Nel 1861, in seguito alla vittoria di Abraham Lincoln alle presidenziali, un gruppo di stati del Sud, preoccupati dalle prese di posizione abolizioniste del neoeletto presidente, si staccò da Washington, dando vita alla Confederazione. La secessione venne formalizzata con l’adozione di una nuova costituzione e con l’istituzione di un governo autonomo, guidato da Jefferson Davis. L’articolo 1 della Costituzione Confederata prevedeva, senza mezzi termini, che nessuna legge avrebbe potuto abolire la schiavitù e, in questo caso, furono impiegati sia il termine “schiavo” che “negro”. Scoppiò così la nota Guerra civile americana che vide contrapposto l’esercito dell’Unione (Nord) a quello confederato (Sud). Benché gli americani tendano a giustificare le ostilità con motivazioni collaterali (ad esempio il conflitto economico), la realtà è che il vero fulcro degli scontro fu proprio la sorte dello schiavismo. La guerra terminò con la vittoria dell’Unione sui confederati nel 1865, anno in cui fu finalmente proclamato il XIII emendamento della Costituzione, che abolì in modo assoluto l’istituto della schiavitù. Seguì una prima stagione di riforme federali – passata alla storia con il nome di Ricostruzione – volte a favorire l’emancipazione e l’integrazione degli ex schiavi (freedmen) nel tessuto sociale e giuridico statunitense. Tuttavia, sempre nel 1865, a Pulaki (Tennessee), fu fondato il Ku Klux Klan, che si pose come primo ricettacolo dei malumori dei confederati sconfitti e che rimase in essere sino al suo scioglimento per provvedimento federale, intervenuto nel 1871. Quando Washington cominciò a manifestare disinteresse per il processo di integrazione negli stati del Sud, la classe dirigente locale ebbe la possibilità di riaffermare l’egemonia bianca, neutralizzando, di fatto, i traguardi raggiunti in precedenza. Tra la fine del XIX secolo e i primi decenni del XX vennero, così, adottati numerosi provvedimenti attuativi della celebre dottrina “separati, ma uguali”, meglio noti come Leggi Jim Crow (dal nome di una macchietta caricaturale interpretata dall’attore Thomas D. Rice con tanto di blackface). Tali provvedimenti avevano come fine quello di garantire la segregazione razziale e la conseguente ghettizzazione degli afroamericani. La dottrina discriminatoria fu avallata, nel 1896, anche dalla Corte Suprema con la famosa sentenza del processo Plessy v. Ferguson, per mezzo del quale venne espressamente sancita la costituzionalità delle leggi statali che favorivano la separazione fisica tra bianchi e neri. Intanto, a New York, in opposizione alla deriva suprematista del Sud, nasceva la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP), prima promotrice delle battaglie per l’uguaglianza civile che avrebbero infiammato gli anni ’50 e ’60. Nel 1915, di contro, fece la sua comparsa il nuovo Ku Kluz Klan, rinato come Silenzioso Impero del Sud e animato dall’intento di riscattare la razza bianca e mantenerne ferma la supremazia. Il nuovo Klan trovò terreno fertile anche grazie alla politica segregazionista dell’allora presidente degli Stati Uniti Woodrow Wilson e all’incredibile successo del film Birth of a Nation, rilasciato proprio nel 1915 e passato alla storia come il primo blockbuster americano. La pellicola offriva una narrazione razzista ma largamente condivisa della Ricostruzione, rappresentando i neri come bifolchi e predatori sessuali di donne bianche e, di fatto, esaltando il pensiero suprematista. Un primo importante segnale progressista fu il mutamento di orientamento della Corte Suprema che, nel 1954, condannò la segregazione nelle scuole (Brown v. Board of Eductaion of Topeka). Le leggi Jim Crow vennero infine rese del tutto illegali nel 1964 con l’adozione del Civil Rights Act e nel 1965 con il Voting Rights Act, traguardi che furono resi possibili grazie alla stagione delle lotte per i diritti civili, che vide la mobilitazione di figure dal forte carisma come Martin Luther King Jr. e Malcom X. Non occorre precisare che, anche dopo il tramonto della dottrina “separati, ma uguali” la questione razziale ha continuato a avvelenare gli animi, fino a sfociare nell’attuale ondata di proteste che ha ormai coinvolto tutto il mondo occidentale. L’excursus storico appena delineato è indispensabile per compiere il passaggio successivo, ossia l’esame delle origini della c.d. Statue War. È ormai noto che le centinaia di statue raffiguranti politici e soldati confederati, in alcuni casi connessi al KKK, siano state erette con un chiaro intento propagandistico, volto cioè alla riaffermazione dell’egemonia bianca a fronte dell’abolizione della schiavitù. È interessante, in questo senso, il diagramma diffuso nel 2017 dalla CNN, dal quale emerge l’evidente tendenza a erigere statue e monumenti commemorativi della cultura confederata in concomitanza della radicalizzazione del conflitto razziale: in particolare si osservano i picchi verificatisi tra il 1900 e il 1920 (in piena epoca Jim Crow) e negli anni ’60 (quando i movimenti contro la segregazione raggiunsero il massimo del loro vigore). Fonte Cnn La c.d. Statue War tuttavia non è, come in molti credono, un neonato vezzo manifestatosi in conseguenza dell’incresciosa morte di George Floyd. Ormai, infatti, da tempo si dibatte su cosa fare dei monumenti in questione, anche se la conclusione della querelle, in molti casi, è coincisa con il mantenimento delle effigi o in eccessivi temporeggiamenti. Basti pensare alle ormai note statue del generale Robert E. Lee di Charlottesville – divenuta celebre per i tragici fatti dell’agosto 2017 – e di Richmond, le quali, nonostante l’avvio della procedura di rimozione, si trovano ancora al loro posto a causa di lungaggini burocratiche. È notizia di questi giorni la temporanea sospensione dello smantellamento della statua equestre di Richmond, decretato all’inizio di giugno, per effetto di un provvedimento cautelare adottato nel contesto di una causa azionata da un privato cittadino e volta al mantenimento dell’effige. E quindi, è giusto o sbagliato rimuovere effigi di personaggi controversi? Uno dei principali argomenti contrari è la pretesa volontà di difendere la storia o il patrimonio artistico. Si sono spese parole pesanti, come censura e revisionismo, nella accezione negativa del termine, fino ad arrivare al negazionismo. In un articolo pubblicato da AGI, si legge addirittura che Orwell, in 1984, avrebbe gettato “prima del tempo un rapido sguardo su quello che succede in questi giorni nelle strade di molte città”, argomentando l’assunto con una citazione tratta direttamente dal libro: “Ogni immagine è stata ridipinta, ogni statua e ogni edificio è stato rinominato, ogni data è stata modificata. E il processo continua giorno per giorno e minuto per minuto. La storia si è fermata”. Tale argomento, a mio avviso, incontra un limite importante, rappresentato dalla funzione propria dei monumenti. Questi ultimi, infatti, a differenza di un trattato di storia o di un esposizione museale hanno l’unico scopo di celebrare e rendere onore a un determinato personaggio, avvenimento o ideologia. È invece del tutto vero che l’erezione di un simulacro può essere considerata, essa stessa, un fatto storico. Allo stesso tempo, pertanto, possiamo ritenere che anche la rimozione di quello stesso simulacro abbia una valenza storica. L’accusa di revisionismo, peraltro, è parimenti poco calzante. In primo luogo perché il termine viene utilizzato, in modo improprio, per descrivere una presunta volontà di reinventare la storia alla luce della tanto criticata political correctness della sinistra intellettuale. Eppure la revisione storiografica altri non è che un’operazione che coincide con il ripensamento di fatti passati in seguito all’acquisizione di nuove consapevolezze nel perseguimento della massima oggettività possibile. In secondo luogo, spesso e volentieri, è proprio la tendenza a tollerare la permanenza dei monumenti de quo a essere frutto di una rilettura di convenienza della storia, mossa dall’intento di edulcorare il vissuto dei nostri precedessori, così da riuscire a convivere pacificamente con le colpe di cui si sono macchiati. Emblematica, in questo senso, è la difesa dei confederati da parte di chi, negli USA, si oppone alla rimozione delle loro statue invocando l’immagine romantica del soldato sudista, dipinto come valoroso e ribelle combattente battutosi per la difesa della propria indipendenza. L’ulteriore argomento che viene schierato in campo contro la rimozione delle statue controverse è rappresentato dalla fallacia logica dello Slippery Slope (letteralmente “pendio scivoloso”), tecnica argomentativa che, partendo da una tesi che si desidera confutare, trae una serie di conseguenze negative descritte come necessarie e inevitabili, mentre le stesse sono del tutto contingenti e arbitrarie. Personalmente ho dovuto affrontare una discussione in cui mi si poneva la seguente considerazione: se accettiamo di rimuovere le statue degli schiavisti americani, arriveremo anche ad abbattere il Colosseo e a smantellare tutte le strade costruite in epoca romana, perché trattasi di opere realizzate grazie all’impegno di schiavi. Ebbene, a questo genere di argomentazione si dovrebbe rispondere richiamando l’interlocutore a contestualizzare i fatti citati, applicando parametri di giudizio distinti in ragione del tipo di realtà concreta che si deve valutare. Non ci sarebbe, infatti, bisogno di spiegare che una strada costruita durante la reggenza dell’Impero Romano, pertanto con l’impiego di schiavi, non può essere paragonata a una statua eretta con l’intento di glorificare uno schiavista. Del resto, a differenza del Colosseo o delle strade lastricate, le statue dei confederati di cui si discute non sono state erette in buona fede, ma nella piena consapevolezza di riaffermare la disuguaglianza sociale. Posto quanto sopra, è allora giusto distruggere questi stessi monumenti? La furia reazionaria, si sa, da sempre si esprime con l’abolizione dei simulacri dell’egemonia che contesta: è successo in occasione di ogni grande rivoluzione. Tutti ricordiamo la presa, con conseguente demolizione, della Bastiglia nel 1789, atto che oggi nessuno si sentirebbe di condannare come antistorico o vandalico. La storia della questione razziale americana, che abbiamo ripercorso insieme, è composta da una serie interminabile di soprusi, tra i quali si inserisce anche l’inerzia delle istituzioni dinanzi alle istanze di rimozione di monumenti eretti con chiaro intento discriminatorio. Lo stesso Trump ha più volte dichiarato pubblicamente che il patrimonio storico nazionale, assumendo che i retaggi della cultura confederata ne facciano parte a pieno diritto, deve essere preservato. Emerge quindi un quadro dominato da una chiara resistenza verso la neutralizzazione degli spazzi pubblici, avallata anche dalla generale tendenza a edulcorare il passato che non è da addebitare solo alla ai sostenitori della destra, trovando terreno fertile anche tra i democratici. Tale tendenza, infatti, da un lato risponde alla necessità di affermare il suprematismo bianco e, dall’altro, a giustificare la perdurante connivenza e inerzia in presenza degli eccessi razzisti di cui si è macchiata la società statunitense. Pertanto, essendo questo il quadro, la furia iconoclasta di cui si fa un gran parlare, non solo era prevedibile, ma diventa anche difficilmente biasimabile, ponendosi, la stessa, come reazione alla stasi che da troppo tempo vede complici istituzioni e cittadini indifferenti. A coloro che invocano la contestualizzazione delle effigi, ad esempio mediante l’apposizione di targhe esplicative, andrebbe poi spiegato che tali opere insistono sul suolo pubblico, affacciandosi sulle strade e sormontando le piazze in cui i cittadini, sia banchi che neri, vivono la propria quotidianità. Sono infatti i musei i luoghi deputati alla contestualizzazione storica delle opere dell’uomo. Pertanto, se proprio vogliamo evitare che le pretese di giustizia sociale passino anche attraverso l’eliminazione di indiscussi simulacri razzisti, potrebbe essere una buona idea rimuoverli, così come viene chiesto, e collocarli in una bella sala museale. Per un approfondimento: “Confederate statues are coming down following George Floyd’s death. Here’s what we know”. (www.edition.cnn.com) Estratto dell’art. 1, sezione 9, della Costituzione degli Stati Uniti d’America: “The Migration or Importation of such Persons as any of the States now existing shall think proper to admit, shall not be prohibited by the Congress prior to the Year one thousand eight hundred and eight, but a Tax or duty may be imposed on such Importation, not exceeding ten dollars for each Person”. (www.senate.gov) Estratto dell’art. 1, sezione 9, della Costituzione degli Stati Confederati: “No bill of attainder, ex post facto law, or law denying or impairing the right of property in negro slaves shall be passed”. (https://avalon.law.yale.edu) Per approfondimenti: “Separate is not Equal” in www.americanhistory.si.edu e “Jim Crow Law” in www.britannica.com Per approfondimenti: “How ‘The Birth of a Nation’ revived the Ku Klux Klan” (www.history.com). Per approfondimenti: “Brown v. Board of Education of Topeka” in https://www.britannica.com/ Per approfondimenti: “There are certain moments in US history when Confederate monuments go up”. https://www.ilpost.it/2017/08/12/charlottesville-manifestazione-virginia/ “Judge temporarily halts removal of Robert E. Lee statue in Richmond” in https://www.latimes.com/ “Orwell predisse l’iconoclastia militante” “Trump: confederate statues remuval ‘ripa apart’ Amercan history”. https://www.theguardian.com/ Share Tweet Share... Read more...Capitalismo: il mostro che divora il tempo libero. Un articolo di S. Cegalin || Threevial Pursuit10 Giugno 2020Capitalismo: il mostro che divora il tempo libero Di Silvia Cegalin The Verdict, cartoon by George Luks, 1899, (Library of Congress) Immaginiamo il Capitalismo come un mostro dai molti tentacoli, tentacoli che tentano di catturarci. La fine che facciamo è quasi scontata: in men che non si dica siamo finiti inghiottiti nella sua macchina da guerra. Chissà se implorando aiuto qualcuno ci sente! Certo è che il Capitalismo ha da sempre svolto un ruolo condizionante sulla nostra esistenza. Se da una parte ci crediamo liberi e autonomi nelle nostre decisioni, dall’altra il mostro cerca di far sua ogni porzione della nostra sfera privata per renderci suoi schiavi. E uno dei settori preferiti del Capitalismo è proprio l’uso e consumo del tempo. Un tempo libero che, senza voler sembrare troppo fatalisti, è stato divorato. La volontà soggettiva di scegliere e di agire è infatti stata inglobata in un’esigenza collettiva di produrre e consumare ad ogni costo e in qualsiasi momento, anche se non vi è l’effettivo bisogno. Ecco dunque che il tempo destinato a noi stessi, per la maggior parte dei casi, si è trasformato in un tempo consumistico. The Curse of California by G. Frederick Keller (1882) Una delle matrici del consumismo però, sebbene spesso si tenda a ignorarlo, è proprio il lavoro; l’equazione è molto semplice: se lavoro guadagno – se guadagno spendo. S’intende, di conseguenza, che legandosi il lavoro direttamente al consumo, intrinsecamente è connesso anche alla questione del tempo. Nel suo recente libro, Il Tempo Rubato, Simone Fana definisce il tempo come una relazione che si plasma su bisogni politici ed economici. Il concetto di tempo privato e intimo viene perciò ridotto a favore di un tempo capitalista che, attraverso dinamiche sfruttatrici e, vantaggiose soltanto per i datori di lavoro, gestisce il tempo dei lavoratori. Fana, riprendendo le teorie marxiste fondamentali per un confronto tra lavoro, tempo e capitale, ritorna sulla nozione marxista di plusvalore in quanto, ancora oggi, il lavoro utile per produrre beni e servizi necessita soltanto di una parte del tempo assegnato al lavoratore, perchè il restante serve per incrementare la ricchezza – il valore – del capitale stesso, che quindi può essere letto come una sottrazione di tempo libero al lavoratore. Il valore di scambio perciò sarà identificato nel tempo lavorativo. Ed è proprio questa idea che secondo Karl Marx, ma anche stando alla più contemporanea lettura di Fana, dev’essere cambiata. Il valore non deve più coincidere con la quantità di tempo impiegato per svolgere un servizio, ma in una conversione della qualità delle azioni. Ora, a fronte dei cambiamenti che il panorama lavorativo ha subito, soprattutto a causa dell’automazione, tentare di rendere reale questo ideale sembra ancora un’utopia lontana. Se il mutamento delle condizioni della classe lavoratrice avviene attraverso la realizzazione umana dei lavoratori, donando cioè un senso più profondo al loro ruolo e uno scopo che vada oltre l’elemento puramente economico, questo significa che è necessario riconsiderare la struttura piramidale su cui si basa il rapporto forza/lavoro e una ridistribuzione del tempo che prenda in considerazione le esigenze di ciascun individuo. Il filosofo Andrè Gorz, facendo anch’egli eco a Marx, in un’intervista rilasciata nel 2007 e racchiusa in un volumetto pubblicato quest’anno intitolato Addio al lavoro, asserisce che per riconquistare il tempo perduto bisognerebbe abolire il lavoro. Il lavoro salariato infatti, attraverso i suoi ritmi e i ricatti di natura morale (si considerino su questo piano i contratti a tempo determinato dove la pressione a lavorare più del dovuto è una circostanza quasi obbligata per vedersi rinnovare il contratto), incastrano il soggetto in una serie di attività che spesso lo disumanizzano. Per non essere più strumenti alienati dell’enorme macchina capitalista, prosegue Gorz, è perciò auspicabile una diversa organizzazione del tempo che ridia importanza ai valori non quantificabili, sostituendo così la supremazia del materiale con un’etica dell’immateriale. The protectors of our industries by Mayer Merkel & Ottmann Lith (1880) Per rendere possibile la riconquista del proprio tempo e una valorizzazione di noi stessi, bisognerà scardinare l’idea, in noi così ben improntata, che il lavoro sia sacro, evadere dunque da una sua glorificazione per mettere al centro attività che ci realizzino in quanto individui, e non come massa; un tempo che si riempia qualitativamente e che faccia aumentare le nostre competenze e il nostro sapere, e non più solo la nostra produttività. Pensiero che trova linfa anche nella filosofia di Bertrand Russell, che già negli anni ‘30 per combattere “l’idea di lavoro” aveva ipotizzato un reddito di base universale per tutti, in modo da liberare le classi più povere dall’emergenza di lavorare esclusivamente per necessità e dunque di accettare condizioni talvolta disumane. E l’idea che i poveri potessero avere del tempo libero fu uno shock per i ricchi. Il tempo vissuto dovrà quindi riprendere il proprio spazio sul tempo lavorativo perché la crescita personale delle singole persone avviene, generalmente, in contesti che si situano lontano dagli ambienti lavorativi, e questa “lotta” al lavoro (almeno così come oggi viene inteso) non può non chiamare in causa la nozione di ozio e tempo libero. In questa era super veloce in cui il “non far niente” viene sempre più demonizzato e il tempo libero esorcizzato perché, come ricorda la sociologa Carmen Belloni, non conforme agli standard capitalisti, i tempi vuoti procurano un senso di colpa (molto simile allo Schuld, termine tedesco che contemporaneamente significa “debito” e “colpa”), portando a un accumulo di attività che si espandono in un dopo lavoro, perché l’importante, ci ammonisce la società, è non stare mai fermi. Next! by Udo Keppler, 1904. (Library of Congress, Prints and Photographs Division) S’intuisce che il capitalismo ha allungato i suoi tentacoli anche nel tempo post-lavorativo. Davide Mazzocco nel libro Cronofagia. Come il capitalismo depreda il nostro tempo, spiega in maniera illuminante come il tempo libero sia completamente soffocato in riti quotidiani che coinvolgono le nuove tecnologie e il settore dell’intrattenimento. Gli spazi per sé, come ad esempio la lettura, ascoltare della musica, o la semplice contemplazione (acerrima nemica del Capitalismo), sono sempre di più azioni che si intervallano alle incessanti comunicazioni e notifiche dei social media, delle mail di lavoro o delle chiamate a cui ci si sente in obbligo di rispondere repentinamente, come se dedicare un momento per sé fosse quasi una colpa, o comunque tempo perso. (Ecco perché chi scrive questo articolo ha deciso di non possedere un Iphone, così da evitare – insieme a tante altre scocciature – di esser sempre connessa). Ma le “attrazioni” offerte dal capitalismo per distrarci da noi stessi coinvolgono ahimè anche il settore del divertimento. Anche l’innocua visione di un film, continua Mazzocco, può trasformarsi in un’esperienza capitalista. È il caso ad esempio delle pay tv le quali, attraverso i loro prodotti, non solo incentivano un certo tipo di visione e di modelli ma, essendo tv a pagamento, inducono l’utente a spendere per vedere e quindi a inglobare il momento dell’intrattenimento all’interno di un’azione consumistica. In connessione con la visione televisiva si inserisce il fenomeno del Binge watching (o più semplicemente delle maratone televisive), sistema che invita a guardare un’intera serie televisiva in 24 ore: attività che ha come scopo non soltanto quello di far girare l’economia di un sistema di intrattenimento comparabile al cibo dei fast food, ma soprattutto di combattere letteralmente l’atto del dormire perché, come sostengono i capitalisti, durante il sonno non si consuma; di conseguenza per realizzare il loro ideale di far coincidere lavoro e consumo è necessario abolire il sonno. È chiaro che il medesimo discorso si allarga anche per certi giochi online e all’utilizzo, oramai sempre più compulsivo, dei social network che tramite le loro dinamiche predatrici agiscono in modo subdolo su di noi, addestrandoci a desideri e bisogni fittizi e conducendoci verso un distanziamento dal corpo fisico e dalla dimensione analogica del vivente, in favore di una realtà circoscritta all’interno di monitor. Se, come abbiamo visto, sia il lavoro che l’intrattenimento rientrano tra gli strumenti preferiti dal Capitalismo per plasmarci e plasmare il nostro tempo, l’unico modo per evadere da questa condizione di controllo e di sirene ingannatrici sarà quello di provare a rimodellare il tempo seguendo ritmi più naturali e genuini, lontano da questa massa artificiale che costantemente prova a colpirci. Anche se la percezione, purtroppo, è ancora quella di essere prigionieri di questo potente gigantesco mostro. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°9: Panic (by The Smiths). Un articolo di B. Bendinelli5 Giugno 2020QuaranThreevial N°9: Panic (by The Smiths) di Benedetta Bendinelli The House March di Federico Bria Ricordo che al liceo avevamo un professore di filosofia parecchio strano, lo era anche il nome. Veniva bullizzato, devo ammetterlo, da tutta la nostra classe fatta di cialtroni e mezzi criminali (eppure era un liceo, eppure eravamo quasi tutte donne). Cosa avevamo da dire di così importante, a tal punto da voler zittire ogni volta la voce di un adulto sicuramente più virtuoso di tutte noi teste di cazzo? Nulla, è chiaro, ma era divertente vederlo impallidire non appena superava la soglia della classe. Facevano ridere i suoi occhiali, i suoi occhi buffi sotto gli occhiali ancora più buffi. Era una facile preda per le nostre bocche sciocche e insipide e asciutte, con quella voce sottile, la lisca in bocca e i conseguenti sputacchi sulla lavagna. Lo prendevamo per il culo con scherzi raffinati – questo va detto ed è quasi un orgoglio – come lo scambio della disposizione dei banchi, con lo scopo di disorientarlo e poi, di nuovo, prenderlo per il culo facendogli credere di essere pazzo per aver pensato che la classe fosse diversa dal giorno precedente. Una volta, più delle altre, il professor B.M.A si mostrò del tutto succube alla nostra meschina volontà di esercitare il nostro piccolo potere di mostri semi ignoranti. Quando una compagna di classe – peraltro nemmeno la peggiore – cominciò a parlottare con la vicina senza dare ascolto alla lezione su Kant – o chi per lui – il professor B.M.A si alzò di scatto e preso da un istinto primordiale di protezione verso la propria specie gridò, sputacchiando, alla malcapitata: “Vai fuori! Vai fuori! Vai fuori!” ma un istante dopo – senza nemmeno darsi il tempo di gioire anche per un attimo di quella giusta e onorevole imposizione – seguì con un altro ordine, stavolta più mansueto e rassegnato: “No, resta dentro”. E così fece. (Si consiglia vivamente di leggere il seguente resoconto, ascoltando in sottofondo Panic – The Smiths, N.d.R) Lo scorso sabato, il 23 Maggio per la precisione, sono uscita per la prima volta dopo alcuni mesi di isolamento, più o meno forzato. Mi spiego meglio: sono uscita durante la quarantena certo, ma nel senso di un’uscita che più che altro riguardava l’aria, l’aria aperta – come è solito dire quando ci si riferisce alla natura, ai prati verdi, ai ruscelli e ai boschi. Ho visto un amico, la mia ragazza – che per due o tre settimane è rimasta con me – mia madre e mio padre una volta sola per il compleanno del babbo, poi lo staff dell’Esselunga e ovviamente il mio cane. Tutto qua, non molto ma abbastanza. Uscire davvero quindi, considerato questo ridotto regime sociale, per me significava entrare più che altro dentro la solita macchina trita-vita: prendi la macchina, chiama qualcuno, rispondi a un messaggio, metti benzina, organizzati, fai un prelievo oppure usa la carta, bevi una cosa, bevi una birra, scegli le scarpe, metti i calzini, metti le cuffie, metti la cintura, trova parcheggio, prendi la bici, metti il lucchetto, metti le chiavi in tasca, leggi la posta, leggi il giornale, parlane al bar, parlane al telefono, chiedi come va, chiedi il conto, chiedi lo sconto, chiedi per favore, chiedi scusa, di’ una bugia, fai finta di nulla, trova una scusa, trova un bar, trova un locale, trova la strada, apri google, apri safari, apri whatsapp, apri spotify, apri instagram, apri la porta, esci. Dicevano di no, avevano tutti paura che no, non saremmo tornati a tutto questo, alle solite cose. E invece eccola di nuovo, la nostra dolce e amara normalità. Questo fatto di uscire, visto così, mi metteva la nausea ma andava fatto. Quindi mi sono detta: vai fuori, vai fuori, vai fuori! Mi sono anche detta: no resta dentro. Ma a differenza della mia vecchia compagna di classe alla fine ho ubbidito all’ordine superiore della ragione e sono uscita. Ho preso il cane e un borsone da fine settimana lungo (cosa che mi è capitata si e no tre volte nella vita) e sono andata a Firenze per stare un paio di giorni con Carolina. Nulla di strano, conosco la città, conosco lei e conosco pure i suoi coinquilini. Per i blandi sociopatici come me il primo approccio con persone nuove è molto simile a quella sottile tortura che infligge l’insegnante quando sta per selezionare casualmente l’alunno da interrogare. Ci convivo, ho trentaquattro anni e una vita passata a mascherare psicosi, quindi mi confermo che nel caso dovessi incontrare gente nuova non ci sarà alcun problema, andrà tutto benone. Sorridi, di qualcosa, saranno tutti fatti, a Firenze sono tutti fatti, fuma una sigaretta, bevi più del solito, vai spesso in bagno, anzi non andarci che attiri l’attenzione. Ho fatto una veloce revisione di tutti i passaggi che avrei dovuto seguire quella sera e ho fatto anche il conto alla rovescia di quante ore mi restavano prima di rientrare a casa. A grandi linee – considerando il dopo cena, un’eventuale sbronza e i vari episodi accessori – mi restavano ancora dieci ore. Dieci ore di persone. Sempre per quelli come me, l’unità di misura dello stress causato dal gruppo non è calcolato nell’ordine delle unità ma in quello delle ore. Non mi spaventano cento persone nell’arco di una mezz’ora, nossignore. Mi terrorizzano invece tre persone in un segmento temporale che va dalle due alle dieci ore, appunto. Ma come dicevo, ci sono abituata. Ho un borsone da week-end lungo, il cane e la città che mi attende: eccomi, sono tornata. Trovo quasi subito parcheggio, la cosa mi sorprende ma nemmeno troppo, in fondo la città è appena risorta. Metto il borsone in bauliera perché lo avrei recuperato più tardi. Metto il cane al guinzaglio e sono pronta. Il cane inizia a tirare, mi rompe già le palle ma è il mio cane e lo sopporto. Il cane si mette a cagare all’improvviso e lo fa vicino al muro che segue il marciapiede dove sto camminando. Raccolgo la sua merda, fa caldo e il fumo degli escrementi mi fa salire un conato di vomito. Chiudo gli occhi ma devo riaprirli perché se li tengo chiusi non riesco a vedere la merda che devo raccogliere. Pesto la sua merda perché alla fine ho tenuto gli occhi chiusi per troppo tempo. Prendo la merda nel sacchetto e cerco un cestino. A Firenze non ci sono abbastanza cestini. C’incamminiamo verso il centro: Carolina lavora in centro e buon per lei, davvero. Il cane tira al guinzaglio, lo so, lo fa sempre. Sotto l’arco di San Frediano attraverso il marciapiede con il rosso, non lo avevo visto e infatti mi suona una macchina. Nessun problema. Cammino sul marciapiede stretto ma ci sono due o tre tipi seduti sul muretto del lungarno e non riesco a passare; bevono uno birra che avranno preso al Circolo della Rondinella, sono proprio lì davanti e allora perché non berla ai tavolini? Non lo so, ma non importa. Riusciamo a passare, il cane tira e sembra che abbia tirato da quanto tira. Alzo lo sguardo sul ponte Amerigo Vespucci, vedo le macchine e le teste che rimbalzano su e giù sopra il ponte che sembra in fiamme. Lo attraversiamo e un brivido di vertigine mi sale dall’interno coscia quando vedo il cane che infila il muso tra le ringhiere. Se cadesse da quassù si aprirebbe il cranio, la stessa cosa succederebbe a me ma pensando a lui mi viene da piangere. Non ci penso, andiamo avanti. Arriviamo al semaforo, è rosso. Davanti a noi un padre con due bambine in bici, hanno le routine quindi non guardano dove vanno, tanto hanno le routine e il babbo che le tiene d’occhio. Guardano il cane, il cane guarda loro e io guardo il cane che guarda loro, sperando che non le azzanni per gioco. Siamo tutti li fermi, aspettiamo il verde che non arriva mai. Stiamo tutti bene, anche le bambine e il padre mi ringrazia perché trattengo il cane per agevolare il loro passaggio oltre l’incrocio. Ci siamo quasi, ma nemmeno troppo. Devo raggiungere Via Tornabuoni. Le strade sono piene di cani, tutti piccoli ed è anche peggio perché ho paura di calpestarli. Sto sudando e penso che dovrò almeno lavarmi le ascelle prima di arrivare a cena. Dalla chiesa di Ognissanti esce una suora, vestita da suora, è minuscola e per poco non la vedo. Nemmeno lei vede noi e si spaventa quando il cane l’annusa. Proseguiamo, va tutto bene. Davanti a noi un cane ancora più piccolo della suora si ferma in mezzo al marciapiede e decide di cagare. Il mio cane lo annusa e lui si spaventa, dallo spavento cade sulla sua stessa merda e i padroni inorriditi mi danno della merda. Merda! Sudo ma alla fine penso che mi faccia bene, ho l’impressione di perdere peso e di tenermi in forma. Penso al mio orto, se i pomodori hanno preso abbastanza acqua e se il basilico non sia già diventato giallo. Arriviamo salvi e poco sani davanti al negozio dove lavora Carolina. Ci sediamo sulla scalinata della chiesa: è una bella scalinata ma nessuno ci pensa mai a quella scalinata della chiesa dei Santi Michele e Gaetano. Lei esce, mi vede. Sono felice di vederla e anche il cane è felice. Salutiamo lei e la collega poi torniamo sulla scalinata. Passa un uomo, sembra un barbone, vuole accarezzare il cane e lo lascio fare. Il cane si agita, lui non voleva ma io, per essere gentile, ho lasciato che lo accarezzasse. Dopo, per assecondare la volontà del cane di non essere toccato, indietreggio e vado a scontrarmi con una signora che mi urla: “Oh bellina!” Voleva dirmi anche di peggio perché lo ho pestato i piedi, quindi apprezzo il fatto che abbia soltanto sbuffato e mi abbia detto bellina. Nel frattempo il barbone è andato via, menomale (per il cane, non per me). Carolina finisce di lavorare, esce e mi bacia. Sudo ma la bacio lo stesso. Prende il cane, o il cane prende lei. Facciamo la stessa strada per tornare verso casa, verso la macchina dove ho lasciato il borsone per il week-end lungo. Lei vuole prendere il gelato da portare alla cena, io volevo il vino ma non ho voglia di decidere. Vada per il gelato. Ci fermiamo all’angolo della gelateria di Santa Trinita, qua lo fanno buono – dice. Il cane ha sete, io pure. Fermarsi in un angolo nel pieno centro di una città è come sedersi all’angolo del ring mentre il pugile continua a menarti. Passano le persone, passano i motorini, passano le bici. Me la prendo col cane ma vorrei prendermela con tutti. Gli tiro un cazzotto in testa, povera bestia, ma tanto non sente nulla, è un testone. Carolina è preoccupata, mi toglie il cane di mano e fa bene. Mi fermo un attimo e mi si ferma il respiro, mi si fermano gli occhi oltre il ponte dove la luce illumina la terra gialla che scende come lava nell’Arno. Le mani sudano come la testa e la testa suda come la schiena, tutto il mio corpo affoga dentro l’onda calda che ora mi travolge, poi mi culla e poi mi risputa in superficie. Il cuore è una cassa e mi si gonfiano le orecchie, le sento implodere e poi sciogliersi. Oltre il ponte le teste continuano a rimbalzare su e giù, nessuno si ferma e nessuno mi vede. Respiro, mi conosco, basta un solo lungo respiro e tutto torna come prima. Carolina mi aiuta, prende il cane e mi porta via da quell’angolo. Va tutto bene ma avrei dovuto fare come la mia vecchia compagna di classe. Share Tweet Share... Read more...Le barricate del Nord Irlanda, un articolo di G. Levantini || Threevial Pursuit4 Giugno 2020Le barricate del Nord Irlanda di Gabriele Levantini Murals bellicoso a Falls Road, Belfats (Photo by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018) La differenza tra l’Irlanda-Eire e l’Irlanda del Nord è sostanziale e non solo formale. La frastagliata linea di confine che attraverseremo è oggi teoricamente invisibile, ma credetemi quando vi dico che si nota parecchio. Infatti nelle vicinanze di questa frontiera così sanguinosa, si trovano un gran numero di piccolissimi villaggi addobbati con la Union Jack come il più kitsch dei negozi di souvenir di Londra oppure con tante di quelle bandiere Repubblicane, quadrifogli e motti gaelici da farvi pensare che ci sia una festa di paese. In poco spazio si possono trovare molte alternanze e questo può confondere su che lato di confine vi troviate. In realtà è molto più complesso di così. Come tutti i conflitti etnico-nazionalistici, è una guerra di posizione dove conta ogni centimetro di terreno. Però i contendenti non sono uniformemente divisi, ma distribuiti a macchia di leopardo. Ecco perché nell’Irlanda del Nord potete trovare villaggi unionisti e repubblicani, oggi rappresentazione quasi folcloristica di un conflitto congelato che si cerca di dimenticare, ma che continua a covare sotto la cenere e che fino a pochi decenni fa mieteva centinaia di vite. Murals inneggianti alla guerra a Falls Road, Belfast (Photo by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018) Belfast è il luogo dove forse questa situazione allucinante è più evidente, come vedremo in seguito. Il nostro impatto con la città sancisce la mia definitiva sconfitta e la vittoria della tesi di Irene. Infatti, individuata la casa del quartiere semiperiferico dove abbiamo affittato una stanza, mi accingo a entrare nel minuscolo cortile nel momento stesso in cui la padrona di casa, malamente parcheggiata sul marciapiede, decide di muoversi. Una donna di mezza età, magra e molto arrabbiata scende e viene a lamentarsi, ma quando capisce che sono il suo ospite, constatato che non ci sono danni, la chiude lì. La casa è vecchia, ma abbastanza comoda. Nella cucina comune la gente prepara i pasti più improbabili alle ore più improbabili. Fraternizziamo con Jack e Sarah, una coppia di inglesi che mangiano uova fritte come se fosse la missione della vita. Lei è poco vestita e porta una felpa del ragazzo, lui invece indossa cappellino e maglietta di Valentino Rossi. Jack è tanto elettrizzato di sapere che siamo italiani quanto deluso dall’apprendere che la Moto GP non ci interessa e che ignoravamo l’esistenza di un’importante pista da quelle parti, motivo del loro viaggio. Non riesce a capacitarsi di come due italiani non siano attratti da questo sport e insiste un po’ prima di rassegnarsi al fatto che non stiamo scherzando. Il centro della città è tirato a lucido, scintillante di luci e di vetrine. In una piazza centrale c’è una pacchiana ricostruzione del Big Ben chiamata Albert Memorial Clock, che dal 1869 marca il territorio di Sua Maestà ricordando a tutti chi comanda qui. Ma basta allontanarsi di pochissimo per imbattersi in un ambiente radicalmente diverso, fatto dei quartieri della working class rigorosamente divisi tra loro. Durante i vent’anni dei Troubles furono infatti costruiti dei muri, denominati Peace Lines, per separare i quartieri cattolici e repubblicani da quelli protestanti e unionisti. Imponenti e ben presidiati, presentano dei cancelli che la notte vengono chiusi ancora oggi, costringendo a fare lunghissimi giri per poter cambiare zona della città. Decidiamo di visitare quello che a West Belfast separa Falls Road (cattolica) da Shankill Road (protestante). Sfortunatamente girare in macchina a Belfast, nonostante le dimensioni contenute della città, è meno agevole di quanto si possa pensare e, tra una cosa e l’altra, riusciamo a iniziare il nostro tour solo dopo il tramonto. Le strade ai due lati del muro potrebbero sembrare anonime e tranquille zone semiperifieriche di una qualsiasi città se non fosse per i murales raffiguranti guerriglieri che – mitra in pugno – giurano vendetta per i loro caduti. Percorriamo prima Falls Road e poi ci spostiamo in auto a Shankill Road, ma poco dopo il nostro passaggio il cancello viene chiuso, lasciandoci nel lato protestante. In giro ormai non ci sono più turisti e si cominciano a vedere facce torve per la via, mentre i pub decorati dalle effigi di re Guglielmo III d’Orange, macellaio degli irlandesi cattolici e super rock star per gli unionisti protestanti, sono pieni di energumeni. Ci rendiamo conto che rimanere in una zona in cui solo trent’anni fa la gente si sparava da un balcone all’altro, con un’auto targata Eire, è sempre meno sicuro via via che il tasso alcolemico medio sale. Cerchiamo di raggiungere la parte cattolica, ma quando credo di aver finalmente trovato un passaggio, ci troviamo chiusi tra case popolari ed edifici diroccati, mentre dal buio un dei ragazzi piuttosto loschi ci guardano perplessi. Facendo finta di nulla, faccio inversione e cerco di mostrarmi tranquillo mentre Irene è ormai in preda al panico. Solo una volta arrivati a casa potrò confidarle che in effetti del tutto sereno non ero nemmeno io. Selciato del Gigante (Photo by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018) Abbandoniamo la città per visitare la costa del nord, dalla quale gli Irlandesi vedono i cugini Scozzesi. Le tre principali attrazioni che visiteremo in quest’area sono le maestose rovine del Castello di Dunluce, che arroccato su una scogliera sfida il mare scuro da secoli, il Selciato del Gigante (Giant Causeway) e il ponte di corda Carrick-a-Rede. Il Selciato del Gigante è un affioramento roccioso di basalto. Le caratteristiche colonne a prisma esagonale di questo minerale spuntano dal suolo per una breve altezza formando una specie di sentiero che si spinge nel mare. Avevo già visto simili formazioni in Islanda, ma qui la loro posizione le rende particolarmente iconiche. Facciamo un breve trekking che si snoda tra spiagge coperte da fiori nordici, rocce nere e rigoli d’acqua che scendono da pendici verdissime, e che richiama nella mia mente la silenziosa solennità dei paesaggi artici. Carrick-a-Rede è invece un ponte sospeso che collega l’isolotto di Carrick alla terra ferma, costruito nel 1755 da pescatori di salmoni insediati da queste parti. Il ponte si sviluppa a circa trenta metri d’altezza sull’oceano arrabbiato. Noi lo attraversiamo sotto una pioggia fitta, mentre il vento freddo lo fa oscillare. È un’esperienza adrenalinica per me, ma è una vera lotta contro sé stessa per Irene, che soffre di vertigini. È tanto concentrata e terrorizzata nel percorrerlo quanto raggiante dopo aver completato l’impresa. Facciamo nuovamente rotta verso Dublino attraversando campagne agricole rigogliose, punteggiate di meraviglie come la strada The Dark Hedges, la King’s Road di Games of Trones, dove i faggi sembrano fondersi e divorare la strada. Foresta di Glenariff (Photo by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018) Dedichiamo qualche ora a un trekking nella Foresta di Glenariff, nella regione dei Glens of Antrim: un ambiente magico e ricco di piccole cascate nelle quali non ti stupiresti di trovare elfi e fate intenti a fare il bagno. Riprendiamo la strada costiera, fermandoci via via in qualche villaggio o per vedere qualche faro o rovina, come il notevole Mussenden Temple, anch’esso ben noto ai fan di Game of Thrones. L’ultimo punto di interesse che visitiamo è il Faro di Blackhead, per raggiungere il quale dobbiamo scendere una ripida e stretta strada lungo un promontorio, che scopriremo in seguito non avremmo potuto fare in auto. Ma la vista vale tutta la difficoltà della strada, anche se per riuscire a fare inversione siamo costretti ad aprire un cancello e violare una proprietà privata. C’è una grande pace e vogliamo godercela ancora un po’, così decidiamo di fare un’ultima sosta sul mare. Superato il bar molto snob di un golf club dove, subito dopo esserci affacciati alla porta, capiamo che non è il caso di andare in tenuta da trekking, raggiungiamo il villaggio di Whitehead e finalmente ci fermiamo in una sala da tè a pochi passi dal mare, dove ci deliziamo con biscotti al burro assolutamente incredibili. Li decantiamo tanto che la signora decide di darci la ricetta per provare a rifarli in Italia. Evidentemente si fida molto delle nostre capacità culinarie. Vorremmo non dover rientrare mai, vorremmo fermarci qui in questa terra magica, fatta di colori vivissimi, di pioggia improvvisa e di arcobaleni. Profumata di mare e di bestie al pascolo, intrisa di storia eppure così giovane e spensierata. Leggera come le risate al pub e pesante come i muri, le bombe e le barricate. L’aereo si stacca da terra accarezzato da una pioggia fina e vediamo via via allontanarsi l’Isola di Smeraldo. Mentre cominciamo il viaggio verso casa, già pieni di nostalgia, la canzone dei MCR nelle cuffie descrive esattamente ciò che proviamo. È in un giorno di pioggia che ti ho conosciutaIl vento dell’ovest rideva gentileE in un giorno di pioggia ho imparato ad amartiMi hai preso per mano portandomi via… Campagna nordirlandese (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)The Burren (Photos by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018)Il castello di Dunluce (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Mussenden Temple sulla scogliera (Photos by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018)Shankill Road, strada unionista di Belfast (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Ponte di corda Carrick-a-Rede (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Scogliera di basalto (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Faro di Blackhead (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Trekking dal Selciato del Gigante (Photos by Gabriele Levantini, Nord Irlanda, 2018)Street art Galway ((Photos by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018)) Share Tweet Share... Read more...Il cielo d’Irlanda, un articolo di G. Levantini || Threevial Pursuit3 Giugno 2020Il cielo d’Irlanda di Gabriele Levantini Connemara (Photo by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018) Fiorella Mannoia ha scritto una canzone al cielo d’Irlanda, e se credete che si sia abbandonata a esagerate licenze poetiche, significa che non l’avete mai visto. Io invece ho avuto questa fortuna nel 2018 e da allora certe volte mi perdo a immaginare quei colori vividi nel mio grigio ufficietto, rivivendo quei momenti come se fossero ora. Non mi importa molto dei dati che dovrei controllare, la mia mente ormai è lì. Il nostro primo impatto con l’Irlanda è Dublino, città a misura d’uomo, vivace e al tempo stesso rilassante, piena di universitari e di famosissimi college. Se potessi rinascere e rifare l’università, mi piacerebbe frequentarla qui. Non ci sono solo gli edifici solenni del Trinity College, la cui biblioteca compare in Harry Potter, ma molte altre cittadelle universitarie, con impianti sportivi di prim’ordine e servizi di ogni genere. D’estate, quando molti fuori sede ritornano a casa, alcuni dormitori diventano economiche e caratteristiche soluzioni per turisti a basso budget, come me e la mia compagna Irene. Biblioteca del Trinity College, Dublino (Photo by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018) Quando il sole si abbassa, passeggiare e bere per le strade festose di Temple Bar è un’esperienza stimolante. In Irlanda i pub hanno una grandissima importanza nella vita sociale e culturale e vengono ritenuti luoghi di primissima importanza nella vita delle comunità, perciò non è raro trovare locali che occupano lo stesso edificio da secoli e secoli, mantenendo più o meno lo stesso stile. Nessuna visita a questo paese potrebbe dirsi completa senza una buona quantità di pub, dove d’altra parte – oltre a degli eccellenti alcolici – si trovano anche cibo e musica dal vivo. Per quanto riguarda l’alcol, bisogna notare che gli irlandesi lo apprezzano davvero molto e la nostra prima sera entro le nove e mezzo abbiamo già assistito a tre risse tra ubriachi, rapidamente interrotte da grossi buttafuori e da robusti poliziotti. Per quanto Dublino sia interessante e nonostante i cartelli in doppia lingua che la indicano come Baile Átha Cliath, non è questa la vera Irlanda che siamo venuti a cercare e così partiamo alla volta della natura selvaggia. Prima di lasciare la città abbiamo un primo tangibile impatto con le tracce della guerra che ha segnato in tempi recentissimi questo paese. Visitiamo infatti uno strano monumento chiamato The Spire (La Guglia), che è una specie di grande punta di acciaio che si innalza dal suolo. Esteticamente non è per niente interessante, ma la lapide posta alla sua base spiega di come sia stato costruito al posto di una colonna commemorativa dell’ammiraglio Nelson, simile a quella di Time Square di Londra, fatta saltare in aria dall’IRA nel 1966. Un piccolo assaggio di ciò che ci aspetterà al di là del confine. Prendiamo un’auto a noleggio e facciamo rotta a ovest, verso la costa atlantica. È la prima volta che provo la guida a sinistra e in autostrada sembro un vecchio-col-cappello che guida una Panda sbronzo di Tavernello, ma il peggio arriva quando lasciamo l’area metropolitana e cominciamo a percorrere stradine di campagna che sembrano mulattiere. Comunque, nonostante le incertezze di Irene, prendo subito confidenza col nuovo modo di guidare e acquisto sicurezza. Il seguito dimostra che le sue paure erano fondate. Attraversiamo campagne che mai avrei immaginato così verdi e perfette. Non c’è nulla tranne muretti a secco, strutture diroccate, erba verdissima e tante, tantissime pecore col sedere tinto con bombolette spray, come segno di riconoscimento. Mi domando come abbia fatto questo paese, che non sembra produrre assolutamente niente, a crescere a doppia cifra per anni, guadagnandosi il soprannome di rampante Tigre Celtica d’Europa. Misteri della finanza. Campagna irlandese (Photo by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018) Lungo la strada incrociamo rovine di chiese e abbazie, come l’iconica Corcomroe Abbey (Mainistir Chorca Mrua), circondata dal suo cimitero di croci celtiche. Questo simbolo nazionale ha origini antichissime, ben lontane dall’uso che ne fanno i gruppi neofascisti contemporanei. Sarebbe infatti una rappresentazione celtica del Sole, cristianizzata successivamente da San Patrizio, evangelizzatore medievale di queste terre. Lentamente il paesaggio muta e la presenza dell’oceano si comincia ad avvertire, dapprima delicatamente, nel volo di un gabbiano o nell’odore del vento, e poi sempre più forte. Infine terra e mare si scontrano e si uniscono come amanti in un abbraccio. Siamo arrivati nel Connemara, la regione più selvaggia del paese, la vera Irlanda. Qua rimangono le ultime comunità Gaeltacht, che parlano davvero l’antica lingua dei Celti, presente ovunque nella segnaletica bilingue ma che pochi ormai usano, nonostante gli sforzi profusi per salvarla. Prendiamo la Wild Atlantc Way. Il paesaggio è un susseguirsi di laghi scuri, verdi montagne e villaggi di pescatori con i caratteristici porticcioli che le maree trasformano ciclicamente in prati di alghe con le barche appoggiate sopra, come la splendida Kinvara (Cinn Mhara). Non mancano le rovine di castelli costieri, come l’impressionante Dúnguaire, che ci fanno sentire dentro un’illustrazione fantasy, o di abbazie come l’imponente Kylemore (Mainistir na Coille Móire). Attraversiamo il roccioso Parco Nazionale di Burren (Boireann) con i suoi dolmen, Kilfenora (Cill Fhionnúrach) con la sua chiesa diroccata, e la vasta Fanore Beach (An Fánadh Óir). Nei pressi di Ballyvaughan (Baile Uí Bheacháin) adocchiamo un locale sul mare e ci imboschiamo con un gruppo di anziani italiani in gita organizzata per poter partecipare a un’ottima cena a menù fisso, al prezzo di soli 20 euro e mezz’ora di masticazione rumorosa. Cerchiamo di non ridere troppo dei nostri vicini, anche se proprio davanti a noi c’è un uomo di mezza età che mangia con una tale velocità da farci strabuzzare gli occhi fuori dalle orbite e che pare gradire enormemente il burro gratis sul tavolo. Ripartiamo e arriviamo finalmente a Galway (Gaillimh), capitale dell’ovest. È un freddo cane e devo assolutamente comprarmi qualcosa di più pesante perché non ho portato niente di adatto. Poco male, ne approfitto per acquistare uno splendido maglione di lana delle vicine isole Aran. Caro, ma certamente di grande qualità, e soprattutto in quel momento utile alla mia sopravvivenza. In giro è pieno di artisti di strada e ovunque c’è musica. Sui muri delle antiche strade si scorgono graffiti che non ti aspetteresti di trovare tra i negozietti e i pub affollati. C’è una piacevole atmosfera bohémien. Abbiamo preso una stanza in affitto in una stupenda villetta in collina, poco fuori città, da dove si gode una splendida vista della baia. La casa è abitata da una deliziosa coppia di anziani, Mike e Annette, che curano continuamente un giardino pieno di fiori. Lui è un taciturno militare in pensione e lei una signora così carina e gentile che vorremmo portarcela via. Quando, poco prima della nostra partenza, durante una discussione molto british sul tempo, il cibo e i nipotini, Annette ci rivela di essere gravemente malata di cancro, ci sentiamo un po’ come i fiori del giardino sorpresi da una gelata inattesa. Il marito è silenzioso come al solito, ma il suo sguardo si rannuvola per un attimo come il cielo di questo paese. Lei invece continua a sorridere e scherzare. Gli Irlandesi sono famosi nel mondo per il loro approccio positivo e ottimista alla vita. Credo che quella signora e i suoi bellissimi fiori siano un buon esempio di questa leggerezza. Scogliere di Moher (Photo by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018) Nelle vicinanze di Galway si concentrano alcuni dei più bei monumenti naturali d’Irlanda, come le impressionanti Scogliere di Moher (Aillte an Mhothair), che si stagliano altissime sull’Atlantico schiumoso, sulle quali si ha l’impressione di volare insieme ai molti uccelli marini che le frequentano. E soprattutto, tra deliziosi paesini marinari come Doolin (Dúlainn), la mitica Sky Road, una strada tanto stretta quanto panoramica che si snoda come un serpente sul promontorio di Clifden (An Clochán). Quest’ultimo si insinua nell’oceano tanto decisamente da sembrare su un’isola. È in questo splendido luogo che Irene canta vittoria per la prima volta, quando i fatti le danno ragione, dimostrando che la mia guida non è in effetti così buona come immaginavo. Superando un piccolo gruppo di ciclisti, finisco per far loro un pericoloso raso. Sulla Sky Road bisogna andare quasi a passo d’uomo, quindi fortunatamente non succede niente, ma uno di loro si scalda e mi affronta. Comincio mentalmente a prepararmi a schivare un cazzotto da un tizio molto più grosso di me e a reagire, ma grazie al cielo decide che mandarmi a quel paese è sufficiente. La cosa strana è che neanche questa mancata rissa riesce a scuotermi più di tanto, in un posto così pacifico e rilassante: il fianco del promontorio che scende velocemente nel mare azzurro, il vento salato, il fruscio dell’erba e greggi di nuvole nel cielo. La partenza dal Connemara ci strappa il cuore, ma è giunto il momento di andare a nord. E non nel nord dell’Irlanda-Eire, ma nell’Irlanda del Nord… (continua) Inizio della Sky RoadPecore col sedere coloratoSky Road nel punto della quasi-rissaTerra, mare e rovine, tutto mescolatoTratto della Wild Atlantic WayWild Atlantic WayCastello di DunguairePorticciolo in seccaCastello di LeamanehFanore BeachCastello di DoonagoreAbbazia di KylemorePhotos by Gabriele Levantini, Irlanda, 2018 Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°8: CoiPelid-19 (Peli, peli ovunque). Un articolo di A. Polverosi1 Giugno 2020QuaranThreevial N°8: CoiPelid-19 (Peli, peli ovunque) di Andrea Polverosi «Amore sai dov’è il phon? Non lo trovo…»«Non so cara… credo sia al suo posto no?»«Ah sì eccolo! Trovato!»«Ma a che ti serve? I capelli non li hai già asciugati?»«Sì sì, ma mi serve per asciugare i peli sotto le ascelle».«Ma che schifo! No dai non usare il phone, che la tua folta peluria è così bella quando l’asciughi al sole sul balcone!»«Eh lo so amore, ma siamo in ritardo. Te li godrai un’altra volta su».Stralcio di una conversazione fra una coppia di amanti in ritardo con gli amici in un mondo utopico Il mondo sta per finire. Un’altra volta. Uao. Ma a quanto pare, dice, a questo giro finisce per davvero. Anche se non ho ancora capito se il mondo-tutto o solo quello che abbiamo costruito noi. Comunque, il mondo-qualcosa sta per finire. Sono ormai tre mesi che siamo chiusi in casa, in quarantena. Tutto è iniziato molto tempo fa, di preciso non si sa quando. Nessuno lo sa, nemmeno i professionisti scienziati del pianeta. Alcune cose si sanno: le prime sparizioni sono avvenute in Cina. Si sospetta che la scomparsa 0 sia una ragazza, una certa Maria Angela Giuseppina Xiu, residente a Prato, tornata a casa per il Capodanno. In Toscana non c’è la marca giusta di pipistrelli e quindi era tornata in Cina apposta. L’ultima persona che l’ha vista è la sua estetista, che ha rivelato alle telecamere che Maria Angela Giuseppina era la prima volta che andava da una professionista a farsi tagliare i peli, che di solito non si curava molto della sua peluria, ma in quel periodo aveva una ricrescita selvaggia e spinosa da rasoio e il suo ragazzo si era molto lamentato perché si ritrovava sempre pieno di graffi. Maria non sapeva che fare. Aveva provato con le cerette ma non le riusciva bene e quindi alla fine aveva preso l’amara decisione di andare da una professionista. L’estetista aveva detto che Maria Angela Giuseppina aveva sofferto molto durante la tosatura e che sembrava quasi le dispiacesse per i peli. Prima di andarsene, l’estetista aveva notato che la ragazza era strana, non si sentiva al sicuro, era spaventata, angosciata, come se qualcuno o qualcosa l’aspettasse in agguato. Quella è stata l’ultima volta che Maria Angela Giuseppina è stata vista in giro. Il suo ragazzo rimpiangerà i graffi? Non si sa. Comunque, strana storia ma questo riportano i giornali principali tipo la Repubblica, Novella 2000 e cioè. Sicuramente un evento sospetto, ma da lì in poi a poco a poco migliaia e migliaia di persone in tutto il mondo sono scomparse. All’inizio nessuno ci fece caso, solo quelli di Chi l’ha visto? lanciarono un primo allarme lamentandosi di non aver mai lavorato così tanto e seriamente. Ovviamente, nessuno li ascoltò: chi cazzo guarda Chi l’ha visto? a parte mia nonna? E infatti mia nonna mi telefona tutti i giorni per dirmi: “Visto? che ti avevo detto? Voi giovani siete boni solo per la movida”. Comunque sia, dopo un po’ la gente e i media hanno iniziato ad accorgersi delle numerose sparizioni. Così tutti hanno iniziato a parlare degli scomparsi ed è scomparso tutto il resto: immigrati, guerre, Yemen, COVID-19, catastrofi ecologiche, precariato, Hong Kong, i sempreverdi marò. Insomma, le notizie parlavano solo di questo, come se il resto del mondo si fosse bloccato. E così la gente aveva iniziato a fare la conta per vedere se c’erano scomparsi fra gli amici: celo, celo, celo, celo… aspetta… aspetta questo manca- Manca! Quando un amico era sparito, era una festa: ti potevi vantare al bar con gli altri e dire che uno dei tuoi migliori amici non si trovava più. Tutti ti ascoltavano in religioso silenzio mentre te raccontavi vecchi aneddoti e azzardavi anche una profezia: un po’ te l’aspettavi che proprio lui sarebbe scomparso, da un po’ di tempo era strano, la domenica non guardava più le partite e andava ai musei. Troppo strano, sospettoso. Che brutta cosa invece quando il tuo amico ricompariva: avevi fatto male i conti, non era mai sparito. Era semplicemente andato alle poste che stanno vicino alla Coop e le code si erano fuse in un mostro apocalittico-leviatianico che divora tutto. Gloria al bar sfumata. Mai ‘na gioia. Ovviamente, non si sono fatte attendere infinite mirabolanti teorie cospirazioniste: prima sono stati gli americani, poi i cinesi, poi il 5G, poi i coreani del nord, gli alieni, la mafia, le lobby dei tassisti, gli illuminati, i muratori che si sono rotti i coglioni dei vecchini che stanno lì a guardare i cantieri e così si sono presi qualche mese di libertà. Stranamente nessuno diede la colpa ai sionisti. Mmm, cosa sospetta. Che siano stati loro? Intanto i governi di tutto il mondo iniziarono a indagare ma tutto restava nel mistero. L’unica cosa certa era che sui vari luoghi del delitto si ritrovavano sempre dei bei peli neri, lucenti, molto forti e sani. A infittire il giallo c’era il fatto che tutti gli scomparsi avevano una relazione ossessiva con i peli. Spesso erano uomini che obbligavano le loro fidanzate, mogli o compagne a depilarsi “sennò col cazzo che ti porto fuori! Che figura mi fai fare con gli amici miei? E poi ti stupisci se ti metto le corna? Sta screanzata”. Oppure erano madri che insegnavano alle figlie di dover essere sempre decorose e quindi di tagliarsi i peli. Sennò erano persone che avrebbero tanto voluto lasciarsi crescere i peli in faccia e sul corpo liberamente, ma non avevano il coraggio di farlo. I potenti del mondo non sapevano proprio che pesci pigliare. Convocarono tutte le aziende che producevano rasoi, cerette fredde, cerette a caldo, Silk Epil, laser e quant’altro ma questi dissero che non ne sapevano nulla, anzi sostennero una loro contro-teoria cospirazionista (anche se in realtà era palesemente un plagio di una vecchia tesi della musica italiana degli anni ’90) per cui era tutta colpa delle industrie di caffè. Ovviamente, il mio idraulico cinquanteseienne non si fece ingannare. Secondo lui era tutta una manfrina messa su dall’OMS e dall’INPS per non pagare le pensioni ai vecchi. Non capivo l’associazione fra gli scomparsi e i vecchi, ma lui mi assicurava di dargli retta. In fondo aveva fatto anche la leva militare lui, particolare che non mi sembrava molto importante, ma il mio idraulico a volte sembra provenire da un altro mondo. Cosa confermata dal fatto che come sempre ha voluto che pagassi la fattura. Non c’è proprio verso pagare a nero con loro. Proprio alieni questi idraulici. Tornando a noi, gli esperti di ‘sta ceppa non c’hanno capito proprio nulla. E così dopo i fine-settimana a forza di feste e #Milanononsiferma hanno deciso di fermarsi. Anzi, di fermare tutto. Così, de botto, senza senso. Devo dire che la quarantena non è andata poi così male. Mi sono goduto il tempo libero e ho imparato a fare più o meno la torta della nonna. Fra l’altro la situazione stava anche andando benino: visto che tutti erano a casa il numero di scomparsi è via via diminuito, a parte fra quelli che erano costretti ad andare a lavoro dai loro capi perché il capitale non si ferma. Di capi non ne sono scomparsi abbastanza, purtroppo. Comunque, tutti belli contenti che l’emergenza stava passando e s’iniziava a riaprire che ecco accadde il patatrac: la movida. Persone fuori a gongolare e divertirsi in piazza. Subito i media hanno gridato allo scandalo condannando tutti i giovani (dai 5 ai 45 anni) a subire contratti a chiamata, tirocini a 400 €, straordinari non pagati e una dilagante precarietà per sette generazioni fino al 2300, in quanto svogliati rompicoglioni ciuccioni fannulloni menefreghisti rovina della MaddrePPatria. Probabilmente, sempre meglio dello smart working. Intanto, i giornalisti più sensazionalisti provarono a intervistare i movidari e lì si sono accorti che qualcosa non tornava: non erano giovani sbarbatelli, anzi erano persone pelosissime. Ed erano proprio gli scomparsi ricomparsi, solo che erano un po’ diversi. Le donne avevano fiumi di peluria che spuntavano dalle ascelle, creste che spuntavano dalle gambe, delicate mutandine di peli e folte chiome su tutto il resto del corpo. Gli uomini, invece, erano glabrissimi, lisci come palle da bowling e al minimo pelo che gli spuntavano correvano a toglierlo gridando con voce acuta: “Il rasoio noooo, per favore noooooo!” Così ricomparvero tutti gli scomparsi e il mondo si ricoprì di peli e pelati. I potenti del mondo cascarono dalle sedie increduli: “Ma che cazzo sta succedendo?” Trump iniziò a lavarsi con la varichina; Merkel fece finta di offrire un caffè a un Piigs ma poi ritirò tutto facendo una pernacchia; Salvini invocò la Madonna ma gli apparve Re Kaioh del Nord che lo portò a combattere il torneo di arti marziali galattico; Berlusconi continuava ormai da anni a salvare ragazzine minorenni nipoti di Mubarak (oltre a spostare i suoi redditi in paradisi fiscali per non pagare le tasse e poi regalare soldi qua e là. Che animo grande). Insomma, alla fine furono chiamati tutti gli estetisti del Paese che armati di cerette e rasoi iniziarono a depilare tutte le persone-ieti. Persino i barbieri sono scesi in campo. Molti sono diventati pelosissimi, vittime anche loro della pand-peli-mia. Adesso gli estetisti sono gli eroi in prima linea, combattenti in trincea, tanto che il sogno di ogni bambino ora è aprire una partita IVA e diventare estetisti. Lo stato corse ai ripari. In Lombardia venne aperto un centro solarium da 21 milioni di euro, ma la gente non andava più a depilarsi e a farsi fare massaggi perché durante la quarantena avevano comprato tutta la farina del mondo, costringendosi a passare i successivi 10 anni a fare il pane. Fra l’altro ancora non si sapeva dove erano finite le cerette. Ci avevano detto di usarle una al giorno ma non si era capito se fossero migliori quelle a caldo o a freddo. Intanto la cera era finita. Qualcuno iniziò a usare il miele. Che schifo. L’economia era completamente bloccata. Nessuno andava più a mangiare fuori perché con tutti quei peli è un attimo che te ne ritrovi uno nella zuppa. Internet si era riempito di foto e video di gattini che non facevano altro che vomitare palle di pelo. Giuseppi Conte non ne poteva più e decise di estirpare il pelo alla radice (HA–HA). Visto che non si era potuto votare il referendum per tagliare il numero di parlamentari, decise di pensarci lui. Con i 945 i parlamentari e il resto della crème de la crème politica formò un Dream Team di Vendicatori con annesse tutine multicolori dal gusto discutibile e soprannomi improponibili. Dopo qualche ora di inutili FAD – Formazione a distanza – online su come radere al meglio (grande orgoglio di Vulvia-Azzolino), i nostri eroi erano pronti. Armati di rasoi, cerette e laser per andare ad affrontare il nemico. E il nemico si era finalmente mostrato: l’entità misteriosa che aveva causato tutto era l’ Pelo. Si era manifestato in piazza Santo Spirito a Firenze circondato da un’orgia di movidari che bevevano e giocavano allegramente coi loro peli. Si era capito poco dei motivi per cui l’ Pelo lo aveva fatto, ma sembra che abbia twittato che non ne poteva più di vedere i suoi cari figli tagliati via così in malo modo, disprezzati e ritenuti brutti. Spinti da un sentimento nazionalista a forza di hashtag e banalità, Giuseppi Conte, Mettiu Renzie, Zinga Z e gli altri lo affrontarono. La maggior parte dei nostri eroi cadde difronte alle puntute ricrescite da rasoio, le temibili liane di peli e le flatulenze ascellari, ma i più temerari riuscirono ad arrivare al nucleo del Pelo. Era una massa di peli fanciulleschi, la tenera peluria che inizia a crescere nella prima pubertà. Di solito vengono tagliati, ma questi invece erano potuti crescere liberamente in tutta la loro spensieratezza. Gli uomini, però, non ebbero pietà di quel candore. A forza di laser e lanciafiamme distrussero il nucleo e con un lamento che si sentì in tutto il mondo l’entità pelosa scomparve. Fu così che avvenne il miracolo. Una pioggia di peli dorati cascò su tutto il globo. Lo spettacolo era stupendo. Instagram si intasò di stories che riprendevano la pioggia di peli. Poi improvvisamente le persone iniziarono a spogliarsi e a lanciarsi liberi e felici fra i peli, ovviamente con ancora i cellulari in mano. Tutti ridevano e scherzavano. E così la Libertà dei Peli fu conquistata. Le donne erano libere di andare al mare con il muschio addosso e di farsi crescere i baffetti sul viso, mentre gli uomini potevano andare dall’estetista senza sentirsi delle checche. O anche sentendosi delle checche se volevano. In tutto questo il mondo rifiorì, l’economia si riprese, il capitalismo neoliberale cascò, ognuno andava lavorare o meno in base al piede con cui si svegliava la mattina, il calcio fu bandito come sport che ha rotto i coglioni e i carciofi crescevano buoni in tutte le stagioni. Insomma, adesso viviamo in un mondo idilliaco e non si sa se per la libertà pelosa o perché nella battaglia finale la classe politica era tutta deceduta. A dire il vero mi interessa poco. Adesso tornate pure alle vostre vite che io devo andare a farmi le sopracciglia ad ala di rondine. Ciao ciao. Share Tweet Share... Read more...Viaggio al termine di Céline. Un articolo di R. Cannarsa || Threevial Pursuit27 Maggio 2020Viaggio al termine di Céline di Rocco Cannarsa Louis-Ferdinand Céline ‘Sto libro qua che è insopportabile. Come le facce di queste donne medioborghesi americane, che hanno di buono solo il culo. E lo danno, per questo fanno carriera. Che devi fare le scenate per venti dollari. Elemosinare. Ti abboffano di chiacchiere. Da mangiare no, che non te lo danno. E devi abbassarti al loro livello. Abbandonare quella tua ragion d’essere intellettuale. Superiore, sempre. Intoccabile, peccato per le pulci. Quelle ti saltano addosso dai malati solo perché vedono il tuo cappotto. Mica solo poco umido. Il calore di cui hanno bisogno. Che non è che non ti vorresti grattare. C’è la malaria. I neri d’Africa e il caucciù. E ti ritrovi dove sei partito. ‘Sta città. Coi fumi che non si vede il sole. E lo trovi solo dietro la collina. Cammini. Mentre ti senti invecchiare. Ché a vent’anni cambi faccia e il sorriso non lo ritrovi più. Ti perdi solo. Solo. Nella notte. I toni sono più o meno questi. Ho cercato di imitarne il ritmo, lo stile. Di botto, così come te lo ritrovi davanti in Viaggio al termine della notte. Senza spiegazioni, perché Céline non spiega nulla. Sei tu che prima o poi capirai che in realtà aveva già detto tutto. Nel frattempo cerchi di sopravvivere arrancando tra un punto e l’altro. Sempre vicini, che non ti lasciano tregua. Non respiri. Perdi il filo logico, se va bene cogli solo black humour e imprecazioni. Cerchi su internet per vedere se ci capisci qualcosa e scopri sia stato la scintilla della nuova narrativa francese, questo stile qua, tanto vicino al popolo e allo stesso tempo criptico: argot,dicono che si chiami. E poi di colpo ci si eleva a poeti. Tra una merda, un piscio e una pulce, ti ritrovi tutta l’erudizione di una conoscenza forte e ben radicata. Copertina di Viaggio al termine della notte di Céline È un Corbaccio di 553 pagine, nella traduzione di Ernesto Ferrero. In italiano è complicato comprenderlo, sembra siano flussi melodici di parole prive di senso. E vorresti leggerlo anche in francese, se potessi, per provare a capire l’importanza di questa innovazione stilistica misantropico-cinica da scandalo. Ci metti cento pagine d’abitudine. Il romanzo sta partendo e tu non hai ancora ben capito quale sia il nome del protagonista. Sai che è autobiografico, che l’alter ego letterario è Ferdinand (Bardamu), ma non importa chi/come sia o quanti anni abbia, ciò che conta è il suo approccio alla vita, la sua corsa continua, la fuga verso l’ignoto, come la notte. Capisci che è un uomo, nel senso di “essere umano”, e incarna nefandezze, errori, orrori, idiozie e buon cuore. È un uomo e sta nella merda, in un secolo che sembrava promettere molto ma si rimangia tutto. Un secolo in cui la guerra e la miseria entrano nell’immaginario collettivo come una peculiarità naturale dell’uomo. Ne ha parlato Bernanos, di questo libro, e non solo lui. Si dice che nella Francia degli anni Trenta tra critici ed esteti fosse ricorrente argomento di conversazione serale. Ci sarebbe da entrarci dentro, mica rimanere in questa superficie distratta, come farò io. Del resto, lo dice Céline per primo: “Siamo per natura così superficiali, che soltanto le distrazioni ci possono impedire davvero di morire”. È un viaggio. Un viaggio nei primi del Novecento, che parte da Parigi, continua nella Grande Guerra, e arriva agli ospedali militari, gli istituti mentali, l’Africa coloniale, New York, la Ford a Detroit, sembra stia per arrivare in capo al mondo. Invece no, ancora “soltanto” Parigi. E la notte, che non è mai troppo reale o troppo metaforica, ma si intuisce quel buio, quello delle più profonde, infide e intime caratteristiche dell’essere umani. Senti la paura, è palpabile, la filigrana stessa è fatta di paura. Le insicurezze, la perdita di valore umano, reso marionetta di un sistema che lo snatura. Vedi la ricchezza e la fame, senza vie di mezzo. E per quanto tu ti incupisca, per quanto ne possa uscire inquieto, cambi pagina, e a ogni voltare pagina, percepisci i sogni andare in frantumi. Ma poi torna l’oscurità che ti avvolge e rende il mondo dimentico della tua esistenza, e respiri. “La vita diventa quasi tollerabile solo quando cade la notte”. Il cinismo di cui Céline riempie lo sguardo è sempre pronto a cogliere l’abisso della vita, tramutandosi in un brutale (colpa della realtà) approccio giornalistico, di una letteratura quasi americana, totalmente diversa dalla narrazione descrittiva tipica del francese. Questo, però, non gli proibisce di avere il coraggio di essere spontaneo, di una spontaneità tremenda. È un libro che infastidisce. Ti fa rabbia, quasi. Il protagonista è odiabile, spietato, inneggia ripetutamente alla violenza e allo stupro. Uno che ragiona per stereotipi, per cui le donne sono tutte troie pettegole. Lo disprezzi, non lo sopporti. Poi lo trovi poeta, profondo, misteriosamente ribelle all’ordine delle cose, sognante. Lo guardi addirittura innamorarsi. Di una prostituta, con un sentimento autenticamente illusorio, cui si vede costretto a rinunciare per non contrastare quella sua sete di scoperta che lo spinge ad andare sempre altrove. E le scrive senza mai ricevere risposta. “Il casotto è chiuso adesso. È tutto quello che ho potuto sapere. Buona, ammirevole Molly, vorrei se può ancora leggermi, da un posto che non conosco, che lei sapesse che non sono cambiato per lei, che l’amo ancora e sempre, a modo mio, che lei può venire qui quando vuole a dividere il mio pane e il mio destino furtivo. Se lei non è più bella, ebbene tanto peggio! Ci arrangeremo! Ho conservato tanto della sua bellezza in me, così viva, così calda che ne ho ancora per tutti e due e per almeno vent’anni ancora, il tempo di arrivare alla fine. Per lasciarla mi ci è voluta proprio della follia, della specie più brutta e fredda. Comunque, ho difeso la mia anima fino ad oggi e se la morte, domani, venisse a prendermi, non sarei, ne sono certo, mai tanto freddo, cialtrone, volgare come gli altri, per quel tanto di gentilezza e di sogno che Molly mi ha regalato nel corso di qualche mese d’America”. Louis-Ferdinand Céline della sua casa di Meudon E ci si chiede come questi modi contraddittori del percepire l’esistenza possano coesistere in una stessa persona – persona famosa per il suo razzismo e il suo antisemitismo estremo –, come si possa vivere portandosi in corpo questo dualismo. Eppure una mente del genere riesce a dischiudersi con dolcezza poetica alla vita, ad analizzare quasi filosoficamente, in un modo radicalmente sinistro, la povertà intellettuale e materiale, la futilità di ciò che rimane e quell’ideale di progresso che anticipa le false promesse del prossimo futuro. “Gli nasconde tutto la vita agli uomini. Nel rumore che fanno loro stessi non sentono niente. Se ne fottono. E più la città è grande e più è alta e più se ne fottono. Ve lo dico io. Ho provato. Val mica la pena”. Non me la sentirei di definirlo un romanzo “che ti cambia la vita”. Non l’ho “letto” così. Eppure lo si chiude sbalorditi (senza mai abbandonare il dissidio di cui sopra). Attuale, e il fatto che lo sia fa altamente paura. Molti hanno osservato una certa comicità nell’odio di cui è pieno, odio che non si sa se vada ricollegato alla situazione biografica dell’autore, o se sia ciò che questo mondo meriti di ricevere. Io di comico ci trovo poco. Porta con sé quel fondo di malinconia, tristezza, la classica prerogativa di un uomo sensibile e sognante, che si scontra con una realtà inevitabilmente più grande, anche dei suoi desideri. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°7: Fake News. Un articolo di S. Venuti23 Maggio 2020... Read more...Westworld e il Sé narrativo, un articolo di A. Polverosi || Threevial Pursuit20 Maggio 2020Westworld e il Sé narrativo Narrazione, determinazione e liberazione di Andrea Polverosi – ATTENZIONE: CONTIENE SPOILER! – È finita la terza stagione di Westworld. Sappiamo che ce ne sarà una quarta, ma si può già fare un commento generale in quanto con questa stagione si sono chiusi diversi sviluppi. Ad esempio, muoiono due personaggi principali, Dolores e William, e in generale si è concluso il (primo?) movimento degli androidi verso il mondo umano. Con la terza stagione si entra del tutto all’interno dell’immaginario Cyberpunk: gli autori (Jonathan Nolan e Lisa Joy) recuperano tutti gli stilemi del genere (spazio urbano, oscurità notturna, grattacieli, IA, sviluppo tecnologico e robotico futuristico, droghe, dominio di grandi trust economici, capitalismo sfrenato, massa ribelle di individui ai margini della società, Davide vs Golia, ecc.) inserendoli in un’estetica di perfetta lucentezza e liscezza e infarcendo la trama e la scenografia di continue citazioni da alcune della massime opere del genere (Matrix, Trumanshow, Neuromante, fino al finale che è la copia scenografica di quello di Fight Club). Tutto questo, però, non arricchisce la storia: gli elementi estetici e gli schemi narrativi del Cyberpunk fanno ormai da anni parte del nostro immaginario culturale abituale. Si conferma, così, la perdita di qualità che già era avvenuta con la seconda serie. Westworld resta comunque una delle migliori opere di SF (speculative fiction, science fiction, fantascienza) degli ultimi anni. In questo articolo mi concentrerò sulla parte più croccante di tutta la serie: la sua solida base filosofica. Westworld, infatti, mette in scena la decostruzione dell’Io occidentale moderno e svela la struttura narrativa del nostro Sé. Per fare ciò, gli autori si sono esplicitamente appoggiati alle teorie dello psicologo Julian Jaynes, sulle cui idee è basato il processo di emergenza della coscienza degli androidi di Westworld, e del filosofo della mente Daniel Dennett. Partiamo dall’Io moderno basato sull’umanesimo e l’antropocentrismo. L’idea moderna di uomo (e non di umano, perché con “uomo” si guardava non all’umano in generale, ma proprio a un individuo con genitali maschili, bianco, occidentale e di successo) è quella di un individuo solido, tutto d’un pezzo, la cui identità è un atomo, un’isola che ha a che fare con altre entità ma che non si lascia attraversare da esse, dove i confini sono stabili e non crollano. In campo economico e sociale, tale idea assume la forma del self-made man, un uomo che si fa da sé, che non è creato ma autogenerato, padrone (di sé), capace di determinare e determinarsi, libero e non influenzabile. Questo è stato uno dei miti fondatori dell’Occidente degli ultimi due o trecento anni, forse quello più importante, che poi verrà demolito teoreticamente in quanto falso con la post-modernità. Il campione westworldiano di questo tipo di uomo è William. Capitalista di successo, parte da zero (in realtà, come tanti si appropria della fortuna del capitalista che lo ha preceduto), è proprietario del parco sia dentro che fuori, commette ogni tipo di nefandezza ma per tutta la prima stagione non è mai toccato dal dubbio, convinto persino di poter controllare le sue parti più oscure scindendosi in due persone: crudele e sadico dentro il parco, lavoratore integerrimo fuori. Dualismo tipico della modernità. Già da qui si possono scorgere le premesse che lo porteranno alla caduta e all’abisso nelle successive due stagioni. Alla fine, convinto di essere risorto dalle ceneri, morirà in modo stupido e solo come un cane. Non ci capirà un cazzo, insomma. Rallentiamo le anticipazioni, torniamo allo schema iniziale. Sulla base dell’Io moderno, Westworld recupera il tema classico del rapporto fra umani e androidi: solitamente in tanti racconti SF vediamo due gruppi in conflitto legati da un rapporto verticale: uno domina l’altro e la stessa struttura urbana del mondo rappresentato segue lo schema alto/basso o centro/periferia. Oltre alle dinamiche di dominio (“Dove tutto è concesso” da parte di umani su androidi), c’è anche una netta differenza ontologica: gli androidi sembrano comportarsi come noi, ma in realtà sono completamente diversi, sono oggetti vuoti che si muovono grazie a un programma algoritmico controllato da qualcun altro (noi), privi di coscienza e libero arbitrio. Qui s’installa la relazione noi/altro, che assume da subito la direzione antropocentrica verticistica secondo la quale noi siamo migliori degli altri per via delle nostre caratteristiche uniche e speciali: coscienza, razionalità, libertà. In più, gli androidi sono nostre creazioni e questo pone l’uomo occidentale subito in una posizione divina. Ciò è evidente una volta che andiamo dietro le quinte del trumanshow del parco giochi di Westworld, in quegli spazi dove la violenza politica dell’antropocentrismo si palesa: i laboratori in cui gli androidi vengono portati una volta morti, per lo più uccisi da qualche nostro conspecifico. Qui i rapporti fra androidi e uomini si manifestano in tutta la loro realtà: spogliati, nudi, immobili, spenti, gli androidi sono oggetti su cui gli scienziati chirurghi mettono le loro mani e i loro dispositivi senza alcun limite. Dunque, la supremazia ontologica fonda quella politica: superiorità dell’essere implica superiorità esistenziale e questo giustifica tutte le violenze dell’uomo perpetrate sull’androide. Siamo sollevati dalle implicazioni etiche delle nostre azioni perché queste conchiglie vuote non sono senzienti e quindi sono inferiori. Identico al rapporto che ci lega con gli animali da allevamento intensivo. Parafrasando le parole di Leonardo Caffo in Zampe come gambe, questa è la dinamica relazionale che l’uomo occidentale bianco installa con qualunque organismo che sia altro da sé: animali, donne, neri, poveri, omosessuali, transgender. Tutti diversi, tutte bestie. Ma come vedremo più avanti, tale relazione è capovolta: è il dominio politico, fisico e violento che fonda la falsa tassonomia ontologica che dovrebbe sancire la nostra superiorità. Westworld riprende la relazione basata sulla nostra presunta supremazia ontologica/politica ma da subito ne attenua la verticalità: androidi e umani si muovono su uno stesso piano all’interno del parco giochi, interagiscono. Certo, per lo più tale interazione acquisisce la forma del dominio dell’umano sull’altro, ma tale obliquità rende possibili altre forme: William, sebbene campione dei self-made men, si innamora di Dolores; Ford e Arnold provano stima/amicizia verso gli androidi; Lee si innamora di Maeve; Caleb e Dolores sono amici. A partire da questo, Westworld si installa da subito sulle conclusioni del film Blade Runner: a prescindere dal fatto che Deckard sia un uomo o no, la pellicola mostra il lato umano degli androidi, sia nella figura dell’amata Rachael che del rivale Roy Batty. Questo vuol dire che oltre alla barzelletta dell’Io moderno, Westworld presenta un’altra narrazione: gli androidi ci assomigliano e hanno dignità. Questa è la tesi che si dipanerà in modo convincente lungo tutta la trama di Westworld. Ma come si insinua tale narrazione all’interno di un mondo dominato dalla concezione moderna dell’Io? Gli autori di Westworld lo fanno svelando a poco a poco la struttura narrativa del Sé, caratteristica che riguarda sia umani che androidi. Negli ultimi decenni molti studi sono stati fatti sulla narrazione: oltre a essere un intrattenimento, si ritiene che essa sia stata fondamentale nella nostra evoluzione culturale, che sia un mezzo in cui incanaliamo informazioni pratiche e morali, che l’immersione narrativa sia una simulazione affidabile della vita. Questo spiegherebbe la figura del cantastorie attorno a cui ci raduniamo da migliaia di anni. Gottschall definisce la nostra specie Homo fictus, l’animale che racconta storie e le cui convinzioni, comportamenti, principi etici sono sottilmente plasmati dalla finzione narrativa: di notte sogniamo racconti, di giorno ci creiamo un’infinità di fantasie; persino la Storia è una storia. “Due cause appaiono in generale aver dato vita all’arte poetica, entrambe naturali: da una parte il fatto che l’imitare è connaturato agli uomini fin dalla puerizia (e in ciò l’uomo si differenzia dagli altri animali, nell’essere il più portato ad imitare e nel procurarsi per mezzo dell’imitazione le nozioni fondamentali), dall’altra il fatto che tutti traggono piacere dalle imitazioni”. Come già detto, gli autori di Westworld si basano sulle tesi di Jaynes e Dennett circa il ruolo fondamentale della narrazione rispetto alla nostra evoluzione. Essi, infatti, ritengono che il nostro Sé, l’idea che abbiamo di noi, la nostra identità si costruisca in modo narrativo: per loro, la coscienza è figlia del linguaggio e il linguaggio è in stretta relazione con la narrazione. In Coscienza. Che cosa è, Dennett definisce il Sé narrativo come un fenotipo esteso, ossia come un elemento che fa parte del nostro equipaggiamento biologico fondamentale. “Noi siamo quasi costantemente impegnati a presentare noi stessi agli altri, e a noi stessi, e quindi a rappresentare noi stessi – tramite il linguaggio e i gesti, internamente ed esternamente. La nostra tattica fondamentale di auto-protezione, di auto-controllo e di auto-definizione non è quella di tessere ragnatele o costruire dighe, ma quella di raccontare storie, e più in particolare di architettare e controllare la storia che raccontiamo agli altri – e a noi stessi – su chi siamo”. La coscienza ci duplica: sono io che sono cosciente di me stesso. Sono soggetto e oggetto. Agisco e allo stesso tempo mi vedo agire. Dalla coscienza di noi stessi deriva la domanda: “chi sono io?”, “qual è la mia identità?”. Rispondiamo con una storia: “Io sono Andrea Polverosi, ho 27 anni, vivo in Italia, è l’anno 2020, sto scrivendo un articolo…”. Astraiamo: “Io sono X, ho Y anni, vivo in Z, è l’anno W, sto T un D…”. Le nostre storie si alimentano delle nostre esperienze: questo significa che la storia che ognuno si dà è costruita su migliaia di elementi casuali, contingenti, fattori esterni da noi non controllati, eventi e dettagli che sarebbero potuti andare in mille altri modi diversi, ogni azione poteva essere un’altra e ogni azione poteva avere un esito differente. Codice genetico e ambiente fisico, sociale e culturale sono fattori che ci determinano e su cui individualmente abbiamo un tasso di controllo del tutto marginale. Noi (ci) raccontiamo e allo stesso tempo siamo raccontati. Se davvero le nostre identità sono costrutti narrativi, allora la concezione moderna dell’Io non può che essere falsa. Dal Sé moderno antropocentrico al Sé narrativo: gli autori di Westworld compiono tale movimento secondo due vettori diversi, opposti e complementari: il movimento ascendente degli androidi e quello discendente degli umani. Il primo è quello che porta gli androidi dalla loro condizione di partenza di oggetti vuoti totalmente assoggettati al volere altrui a esseri senzienti, coscienti, pensanti e capaci di atti deliberati. Le figure esemplari di questo cambiamento sono Dolores e Maeve, fondamentali anche perché i loro mutamenti le conducono a esiti diversi e questo indica che il Sé narrativo è strutturalmente aperto a più possibilità. Il movimento discendente è quello degli uomini: da presunti padroni diventiamo servi e questo è evidente nella figura di Serac, padrone del mondo che in realtà non è altro che un burattino nelle mani del suo mostro di Frankestein, l’IA Rehoboam capace di calcolare il futuro, da Serac stesso innalzato a figura divina che gli ordina persino ogni singola parola che deve dire. I due movimenti opposti, però, non si ribaltano del tutto, non si dà una nuova gerarchia, ma si arriva a un punto medio: sia androidi che umani sono costrutti narrativi. Dunque, non siamo liberi e indipendenti ma siamo determinati da vari fattori. Uno dei principali è dato dalle storie personali e collettive che ci narriamo e in cui siamo immersi. Non siamo persone ma personaggi, chimere, fantasmi partoriti dalle nostre menti, finzioni. Questa è la crisi della modernità, la scoperta di non essere quello che credevamo di essere, lo shock difronte allo svelamento di una realtà che non credevamo possibile. Westworld non si paralizza qui, per fortuna: le nostre identità, le nostre società sono costrutti narrativi basati su storie, ma questo non vuol dire che siano false. Riprendendo la Poetica di Aristotele, una narrazione, un racconto è una composizione di fatti, una selezione di elementi: una storia, ad esempio una biografia, non riporta tutto ciò che è successo ma solo gli eventi che risultano significativi in base a certi criteri. Si possono scegliere i momenti più tristi, quelli più felici, quelli in cui si indossava un paio di mutande blu oppure dove si era in salotto. Ci sono infiniti possibili criteri. La nostra memoria funziona esattamente così: se ricordassimo ogni singolo istante della nostra vita, ci vorrebbe un’altra vita intera per ricordare tutto. La verità è che la nostra memoria è scarsissima: ricordiamo una frazione minima del nostro passato e gli eventi che ricordiamo meglio sono quelli che per noi sono stati in qualche modo significativi. Ma chi decide cosa è significativo e cosa no? Non c’è un unico criterio valido per tutti: ciascuno costruisce (per lo più inconsciamente) un diverso criterio di significatività in base alla sua personalità. E non è altro che un cane che si morde la coda: la personalità si costruisce in base alla vita, la vita viene filtrata in base alla nostra personalità. La nostra storia si costruisce sulla storia che si è costruito. Non è una linea retta unidirezionale, ma un circolo che si avvita su se stesso. Che conseguenze ha lo svelamento del Sé narrativo? Una possibile deriva è quella nichilista e cinica, oggi molto in voga: è tutto storia, tutto finzione, tutto falso, niente conta, io non conto, non ci posso fare nulla, sono impotente. Facile, comodo, noioso. È evidente che rispetto alle promesse ideologiche del Sé moderno, l’Io narrativo possa deludere: non si è più al posto di comando, la nostra libertà è molto ridimensionata. Ma nelle figure di Dolores, Maeve, Serac e Caleb si può vedere che tale ridimensionamento non implica un annullamento: Dolores e Maeve scoprono di non essere umane, di non essere libere, ma di essere automi che per decine di anni hanno subito ogni tipo di violenza senza che loro potessero fare nulla e che persino la loro identità, la loro memoria, le loro relazioni più intime non sono altro che storielle inventate per il divertimento dei clienti del parco. Questa scoperta non le rende impotenti, tutt’altro: si danno nuove storie. Entrambe vogliono cambiare la situazione: Dolores forma un gruppo di androidi ribelli intenzionati a uscire dal parco e conquistare il mondo umano; Maeve, prendendo una strada più “egoista”, mira alla libertà personale. Sulla base delle loro personalità e sulla loro situazione rispetto all’ambiente in cui vivono si danno nuove storie, selezionano in un modo a loro più adeguato ciò in cui credere e le azioni da compiere. Da notare, inoltre, che nessuna delle due abbandona in modo completo le vecchie storie, anzi si legano fortemente agli elementi più cari, ossia gli affetti personali: questo è evidente nella figura di Maeve, che arriva a mettere in secondo piano la sua libertà rispetto alla vita della figlia. Sua figlia? Ma gli androidi non hanno figli, le loro relazioni parentali e affettive non sono altro che finzioni narrative imposte dagli scienziati sceneggiatori del parco! Vero. La nostra identità, però, non si basa solo su elementi narrativi, ma anche su fattori corporei e sentimentali. Le emozioni più forti tendono a restare fra i criteri di selezione della narrazione. Come abbiamo detto, libertà e indipendenza assolute sono dei falsi miti dell’Io moderno che non sono presenti nel Sé narrativo. Si lavora con quel che si ha all’interno dei nostri limiti. Il fatto che Maeve continui a dare importanza a una falsità non toglie il potere di liberazione della nuova narrazione, liberatrice in quanto è lei, per lo più, che si è raccontata tale storia basata, per lo più, su elementi veri. A questo punto, dove sono gli umani? Il primo campione, William (l’Uomo in Nero), a poco a poco si rende conto di non essere affatto padrone del gioco, inizia a dubitare dell’autenticità delle sue azioni, sospetta persino di essere lui stesso un automa. Immerso nelle dinamiche del gioco arriva a uccidere sua figlia, perde tutto, diventa schizofrenico, viene rinchiuso. In qualche modo riemerge dall’abisso, ma come già detto non capisce proprio nulla. E Serac (l’Uomo in Bianco)? Il secondo campione dell’Occidente? Da ragazzo conosce la realtà: l’Io moderno è una falsità, gli uomini non sono liberi, sono guidati da impulsi che li portano all’autodistruzione. Assieme al fratello, quindi, decide di mettere su lui la società perfetta dell’uomo moderno. Non avendo dubbi sulla deficienza dell’uomo, la perfezione a cui mira Serac è del tutto cinica e pessimista: la massima cosa a cui si può aspirare è la sopravvivenza. Così corona il sogno di Leibniz di costruire una macchina in grado di calcolare il mondo e con questa si arricchisce a tal punto da poter intervenire in tutto il globo, laddove le persone potrebbero prendere una rotta opposta a quella predetta dai piani probabilistici della sua macchina. Crea un mondo bianco, liscio, dove le impurità nere e pelose non sono previste: fa il lavaggio del cervello e sovrascrive tutti gli individui imprevedibili, incalcolabili e rinchiude tutti quelli affetti da qualche problema psicologico, mine vaganti, arrivando a eliminare persino il fratello. L’uomo occidentale difronte alla falsità della sua supremazia, pur di mantenere i suoi falsi dei di dominio e progresso ha costruito il suo dittatore e si è reso schiavo. Serac e l’Incite sono la metafora perfetta dell’odierna società capitalista occidentale: con il crollo dell’Unione Sovietica, il capitalismo è diventato l’unica opzione. Segue il crollo di tutte le sinistre. E la presunta unicità del capitalismo non viene scalfita nemmeno quando lo stesso capitalismo dimostra di essere insostenibile: nel 2008 gli stati e gli enti sovranazionali hanno salvato le stesse banche che avevano causato la più grande crisi economica mondiale dal 1929; oggi difronte alle catastrofiche conseguenze ecologiche del capitalismo neoliberale non siamo in grado di fare altro che negare, essere indifferenti, sostenere la nostra falsa impotenza e perpetuare le stesse politiche economiche fallimentari che ci hanno portato a questo punto. Eccoci arrivati: pessimismo, distopia, fine del mondo. Quello a cui il Cyberpunk e il mondo ci hanno insegnato a pensare negli ultimi anni. Westworld, però, con un po’ di timidezza e ingenuità mostra una conclusione alternativa. Il Sé narrativo ha delle caratteristiche peculiari diverse da quello moderno: in primis non è già dato, ma di volta in volta si costruisce. Questo significa che il Sé narrativo è strutturalmente permeato dall’apertura. Ogni giorno posso incontrare qualcosa che mi può portare a modificare un pezzetto della mia storia. Certo non è facile. Westworld presenta gli androidi come una specie diversa dalla nostra: non tanto per i loro corpi in silicio o per la mente elettronica, ma per il fatto che sono in grado di riprogrammarsi. Sebbene con lentezza, anche noi possiamo farlo, raccontandoci una nuova storia. Il Sé narrativo, quindi, ci può liberare dalle storie false e aprirci a nuove possibilità. A differenza dell’impermeabile Sé moderno, il Sé narrativo permette contaminazioni e alleanze inaspettate. È quello che succede fra Dolores e Caleb nella terza stagione: più volte lui dubita della natura di lei e le chiede chi è, fino a quando non la vede in tutta la sua differenza fisica. Spoglia della pelle di plastica, Dolores mostra il suo scheletro in silicio e Caleb la accetta. La svolta decisiva è quella di Dolores che da vendicatrice degli androidi e distruttrice di mondi decide di non sterminare l’umano, ma di eliminare la società costruita da Serac per restituire la libertà agli altri umani. “Sono capaci di bellezza” dice: per gli stessi autori, la motivazione della sua svolta è un po’ ingenua. Ciò non toglie che il suo cambio di narrativa dimostri l’apertura del Sé narrativo che qui si traduce in alleanza fra specie diverse: Caleb e Dolores riconoscono la dignità reciproca e quella delle specie a cui appartengono. Con questo viene abbattuto l’antropocentrismo e qualunque altra ideologia ponga l’essere in un’unica specie o entità. Una svolta che sembra necessaria anche per noi, alla luce delle atrocità commesse in nome dell’uomo bianco occidentale moderno di successo. Julian Jaynes (1920-1997) è stato uno psicologo statunitense, noto soprattutto per il suo libro Il crollo della mente bicamerale e l’origine della coscienza (Adelphi, Milano, 2002) in cui sosteneva l’idea che i popoli antichi fossero privi di coscienza, agendo come automi. Secondo la teoria della mente bicamerale, l’emisfero destro ordinava all’emisfero sinistro cosa fare. Gli impulsi elettrici dell’emisfero “comandante” venivano percepiti dall’individuo come delle voci divine provenienti dall’esterno. Grazie a vari fattori, primi tra cui il linguaggio e la narrazione, la struttura cerebrale e mentale dei popoli antichi si è via via modificata fino ad arrivare all’emergere della coscienza.Il cervello degli androidi di Westworld si basa su questa tesi di Jaynes e lo si vede molto bene soprattutto nella prima stagione. Daniel Dennett (1942) è uno dei più importanti filosofi contemporanei. È un filosofo della mente: i suoi principali oggetti di studio sono la scienza, la mente, la coscienza e il problema mente/corpo. Profondo sostenitore del materialismo e acerrimo nemico del dualismo cartesiano, si è occupato anche di evoluzionismo.Fra le sue opere principali ci sono L’Io della mente (coautore: Douglas Hofstadter, Adelphi, Milano, 1992), L’idea pericolosa di Darwin (Bollati Boringhieri, Torino, 2004), Sweet dreams. Illusioni filosofiche sulla coscienza (Raffaello Cortina Editore, Milano, 2006) e Coscienza. Che cosa è (Editori Laterza, Roma-Bari, 2009). Leonardo Caffo (1988) è un filosofo italiano noto per le sue teorie sull’animalismo, l’antispecismo (“debole” nella sua versione) e sul postumano contemporaneo. Ritiene che l’antropocentrismo che ha caratterizzato la cultura moderna occidentale condurrà a breve la società a una catastrofe ecologica e sociale. L’unica possibilità di salvezza è una netta trasformazione culturale: il postumano contemporaneo abbandonerà i vecchi miti dell’Occidente e si aprirà all’altro, instaurando una relazione umile e rispettosa con l’animale e la natura.Scrive di cultura su varie testate italiane (L’Espresso, il manifesto, Corriere della Sera). Fra le sue opere principali ci sono Il maiale non fa la rivoluzione (Edizioni Sonda, Casale Monferrato, 2013), Fragile Umanità. Il postumano contemporaneo (Einaudi, Torino, 2017), Costruire futuri. Migrazioni, città, immaginazioni (coautrice Azzurra Muzzonigro; Bompiani, Milano, 2018) e Dopo il COVID 19. Punti per una discussione (Nottetempo, Milano, 2020). Solitamente il film Blade Runner (1982) di Ridley Scott viene citato come un’opera autenticamente dickiana. In realtà, il regista è fedele all’ambientazione e ai temi dell’opera Ma gli androidi sognano pecore elettriche? (1968) di Philip K. Dick a cui si ispira, ma ne tradisce la filosofia. Dal libro, infatti, si evince che Dick non credeva affatto che gli androidi potessero avere una qualche “umanità”, anzi si contraddistinguevano per la loro mancanza di empatia e crudeltà, oltre a causare una degenerante corruzione morale della società.Libro da leggere: c’è una scena in cui non si può che togliersi il cappello difronte alla grande capacità di scrittura di Dick, che sicuramente trascende l’angolino in cui di solito vengono sviliti gli scrittori di genere. Jonathan Gottschall (1972) è uno studioso statunitense di letteratura. Il suo principale oggetto di ricerca è il ruolo della narrazione e della letteratura all’interno della nostra evoluzione. Aristotele, Poetica, Rizzoli, Milano, 2017, p. 125. D. Dennet, Coscienza. Che cosa è, Editori Laterza, Roma-Bari, 2009, p. 464. Gottfried Wilhelm von Leibniz (1646-1716) è stato uno dei più importanti filosofi, matematici e scienziati dell’Età moderna. Precursore dell’informatica, è tuttora in lotta con Isaac Newton circa la paternità del calcolo infinitesimale.Suo il grande sogno, poi ereditato dai logici dell’800 e ripreso appunto in Westworld, di un perfetto sistema logico in grado di formalizzare simbolicamente tutti gli stati di cose del mondo, così da poterne prevedere gli esiti.“Secondo ciò quando sorga una controversia, non ci sarà più necessità di discussione tra due filosofi di quella che c’è tra due calcolatori. Sarà sufficiente prendere una penna, sedersi al tavolo e dirsi l’un l’altro: calcoliamo (calculemus)!”, (Leibiniz, Dissertatio de arte combinatoria, 1666). Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°6: Antropocene. Un articolo di R. Cipro16 Maggio 2020QuaranThreevial N°6: Antropocene di Rossella Cipro Antropocene di Giulia David Non è vecchia l’ipotesi dell’Antropocene, l’epoca umana, e non è tardi per riportarla all’attenzione, soprattutto in un momento come quello che stiamo vivendo. Oggi non abbiamo scuse. Dobbiamo guardarci allo specchio. Siamo costretti a restare a casa, notte e giorno, a fare i conti con noi stessi. Ci avevamo perso l’abitudine, diciamoci la verità. Eravamo così occupati a vivere negli occhi degli altri che abbiamo scordato per molto tempo di vivere guardandoci con attenzione, per davvero, senza il filtro dell’aspettativa. È normale concretarsi così tanto nel guardarsi per farsi guardare, in un sistema in cui ciò che appare è ciò che importa, mentre facciamo finta che ciò che non vediamo non esista. Ci hanno insegnato a essere superficiali, a non andare a fondo, a lasciarci andar bene qualsiasi cosa. Ci hanno insegnato che le masse seguono il flusso delle tendenze. Se questo è vero, allora ci hanno trainato a forza verso la nostra distruzione. L’Antropocene potrebbe essere la dimostrazione del fatto che abbiamo spinto l’uomo oltre la propria ragione, in funzione di scopi che non hanno niente a che fare con il benessere individuale, e con il benessere in generale. Parlo dell’interesse personale di persone troppo abituate a fare soldi per rischiare di perdere anche solo un centesimo cambiando le loro abitudini. E intanto continuiamo a produrre e produrre e ancora produrre. Per questo l’epoca umana denomina quel periodo in cui la nostra specie e le attività che svolgiamo hanno apportato al nostro pianeta modifiche territoriali, strutturali e climatiche, causando un diverso assetto negli ecosistemi. Oggi il termine si usa per indicare una nuova era geologica vera e propria, diversa dal contemporaneo Olocene. Questo fatto mi pare assurdo e straordinario insieme. In oltre quattro miliardi di anni, mai gli abitanti della Terra avevano agito a tal punto da modificare così radicalmente l’ambiente circostante, come noi stiamo facendo da qualche centinaio di migliaia d’anni. Prosciughiamo fiumi, costruiamo dighe, inondiamo terre, facciamo esplodere montagne e le trapassiamo da parte a parte, bruciamo foreste, tagliamo più alberi di quelli che piantiamo, cacciamo alcuni animali per sport trattandoli da trofei, ne alleviamo altri in condizioni pietose, smaltiamo rifiuti pericolosi in terreni coltivabili, costruiamo discariche per poi incendiarle. Straziamo la nostra Terra in ogni modo, come sanguisughe succhiamo ogni suo bene, ogni risorsa deve essere la nostra, ogni terra deve avere un nome, ogni punto sulla mappa deve essere esplorato. Ogni nuova e vecchia specie va catalogata, ogni rettile, ogni uccello, genere, ordine, classe, phylum, regno, dominio, vita. I miracoli della nuova genetica, la scoperta di DNA, RNA, di proteine. Gli elementi chimici che vanno messi in ordine. Tutto al suo posto, niente scappa all’occhio dell’essere umano che tutto controlla e che tutto trasforma a propria immagine e somiglianza. Tutto tranne un piccolo imprevisto. Un invisibile esserino che ha invaso le nostre vite. Nella maggioranza dei casi l’ha anche cambiata, peggiorata o migliorata, l’ha resa diversa. È arrivato all’improvviso e ci ha sconvolto, trascinandosi dietro notizie di migliaia di morti. Nessuna nazione è stata risparmiata, nessun continente: una pandemia globale. Siamo stati costretti ad affacciarci ai balcone e alle finestre, e a guardare il mondo fuori con tutti i suoi colori, e a renderci conto che questo va avanti anche senza di noi. E non sto ovviamente parlando delle nostre fabbriche, e di tutte le altre attività che ancora si affannano a produrre, ma parlo del silenzio riempito solo da cinguettii, dal rumore del vento tra le foglie degli alberi. Faccio caso che oltre le case si vedono le montagne, il cielo è azzurro e l’aria profuma di primavera. Dai balconi abbiamo costruito ponti con i nostri vicini, c’è chi ha ritrovato la comunità e chi ha iniziato a scoprirla, è tornata la voglia di vivere gli spazi pubblici che ci appartengono, di riportare la gente per le strade, di allacciare mani e cuori e creare reti e collaborazioni, unire tutte le persone nella voglia di ricominciare. Il problema è uno solo. Che nel voler ricominciare dimentichiamo che è necessario cambiare le nostre abitudini, e gli esseri umani sono molto restii in questo. Se c’è una cosa che abbiamo imparato a fare bene è adagiarci sulle comodità, inseguire il piacere oltre ogni morale, dare più conto ai nostri capricci che ai nostri ideali. Siamo abituati a trasformare la realtà così come ci torna utile e, dagli animali alle piante, dai campi alle montagne, dai laghi ai fiumi e fino al mare, abbiamo reso tutti schiavi dei nostri piaceri. E non a caso tutto sta lentamente tornando come prima. Niente sembra essere cambiato e forse abbiamo anche sbagliato a illuderci. Abbiamo visto tutti la foto del fiume Sarno dopo solo un giorno dall’inizio della Fase 2. Quel fiume è conosciuto come il corso d’acqua perenne più inquinato, non d’Italia, ma d’Europa. Durante i mesi del lockdown era tornato limpido e pieno di pesci, a dimostrazione che siamo noi il nostro più grande problema. Non sto dicendo che ognuno di noi è un tiranno verso la natura, anche perché la deforestazione, l’aumento dell’inquinamento, la perdita di biodiversità, il sovrasfruttamento delle risorse minerarie, la distruzione degli ecosistemi, non li abbiamo causati direttamente noi, ignari individui. Insomma, mica tanto ignari. Semmai veniamo trattati come burattini di quella enorme farsa che è il capitalismo. Sì, siamo burattini nella mani di chi decide in direzione deve andare l’economia, quanti ettari di foresta debbano essere abbattuti per far spazio a un enorme allevamento di suini, o quanti per far spazio alla soia, o alle vacche. Quanto spazio va strappato alla natura per far posto a ciò che a noi, e solo a noi serve – e non ci serve neanche tanto. Esistono persone che non vogliono tener conto che siano possibili alternative ai moderni modi di comportamento e produzione, di qualsiasi genere questa sia. Così, assecondando i nostri vizi e le nostre ragioni, siamo entrati nell’epoca a cui abbiamo il disonore di aver suggerito il nome: “ il termine “Antropocene” coniuga la parola greca “anthropos” con il suffisso “cene”, che proviene dal greco kainos, col significato di “nuovo” o “recente”, per suggerire l’ingresso in una nuova epoca della terra dominata dall’attività umana.” Sì, perché tra migliaia di anni, nelle conformazioni rocciose, nella sabbia, nelle acque, nell’aria, i nostri residui saranno ancora presenti a testimoniare l’evento più catastrofico avvenuto sulla Terra dopo la scomparsa dei dinosauri: la presenza del genere umano. E non lasciamo niente di buono, sia chiaro. Anche se dovessimo tutti rinsavire e cominciare a porre un freno a questa folle sovrapproduzione, le nostre intenzioni, le nostre buone azioni non saranno bastate a fermare ciò che è irreversibile. Siamo già stampati nella memoria del nostro pianeta, per il quale il sole non cala mai, e che deve sopportare il nostro peso costantemente, mentre continua senza tregua il suo moto perpetuo di rotazione e rivoluzione. Rivoluzione, insieme a “emergenza climatica”, è un alto termine che riecheggia nel silenzio delle strade. Ma nessuna rivoluzione può funzionare se non ci rendiamo conto che siamo nell’epoca in cui tutto, ogni minimo particolare, dipende da noi e da nessun altro. Se proprio deve restare qualcosa del nostro passaggio, allora che non sia una landa desolata e senza piogge ciò che ci lasciamo dietro. Nessun essere vivente nasce per restare e, se resta, non è mai sempre uguale, anche se non si riesce a vedere il cambiamento. L’unica cosa che non cambia però sembra essere il nostro comportamento, il quale a lungo andare porterà questa zattera alla deriva, fin dove nessuna nave potrà raggiungerla per salvarci. Share Tweet Share... Read more...Ricky Gervais: anatomia di una battuta. Un articolo di B. Bendinelli || Threevial Pursuit13 Maggio 2020Ricky Gervais: anatomia di una battuta di Benedetta Bendinelli In un tweet del 2013 Ricky Gervais scriveva questo: Traducendo alla lettera (dando per scontato che tra di noi ci siano ancora delle capre che non parlano inglese): Se rimuovessimo la nota “non bere” dalle bottiglie di varichina e “potrebbe contenere tracce di frutta a guscio” dai pacchetti di noccioline, penso che potremmo rafforzare il patrimonio genetico. Oltre al fatto di essere profetica, in quali altri modi potremmo descrivere quest’affermazione? Crudele? Insensibile? Borghese? Forse, forse e forse. Sulla base di questo – e considerando quanto la popolarità sia spesso sinonimo di democraticità – come si spiega il successo che Ricky Gervais riesce a ottenere grazie alle tre spregevoli caratteristiche? Possibile che tra tutti i pan-attivisti del ventunesimo secolo non ci sia nessuno che voglia censurarlo, denunciarlo, demolire il suo personaggio? Sappiamo che di azioni legali ne sono state fatte – e anche molte – ma niente che lo abbia del tutto allontanato da certi palcoscenici bigotti o che abbia in qualche modo ripulito il suo personaggio, perché parliamoci chiaramente: Ricky Gervais non è quello che dice. Il comico britannico in una recente intervista al quotidiano Indipendent difende i suoi jokes affermando che la maggior parte delle persone credono che tutte le battute siano “una finestra sull’anima del comico”, quando la verità è che si tratta proprio del contrario, dove la finestra si apre sulle ipocrisie di chi scruta attraverso, in silenzio. Ricky Gervais piace, fa ridere e per ora non ha nemmeno fatto troppo incazzare i movimenti femministi (a differenza del collega americano Louis C.K), quindi ok, Ricky è ok. Ma cerchiamo di capire come mai. Prima di tutto, è intelligente.L’intelligenza – se considerata come la capacità di osservare ed elaborare la realtà con lo scopo di interpretarla e infine comprenderla – dovrebbe essere la conditio sine qua non della professione del comico. Se non conosci la realtà, difficilmente potrai applicare ad essa una chiave di lettura che possa far ridere e al tempo stesso riflettere. Senza l’interpretazione resta solo l’osservazione, e a osservare siamo buoni tutti. Restando nella confort zone dell’intelligenza tuttavia il comico potrebbe perdere di credibilità; lo si accuserebbe di essere elitario, saccente, presuntuoso e le tre spregevoli caratteristiche sopra citate. Ricky Gervais è un po’ tutte queste cose messe insieme ma lo possiamo perdonare, perché se una cosa non l’abbiamo capita, allora lui ce la spiega, come farebbe un maestro, un saggio compassionevole della nostra ignoranza. Durante il suo ultimo stand-up show Humanity, per esempio, ci accompagna per gradi verso la precisa comprensione del suo umorismo, attraverso quella che potremmo definire l’anatomia di una battuta. È chiaro che sia anche una grandissima paraculata per difendersi dalle accuse di transfobia, eppure il gioco funziona. La battuta incriminata, che lui stesso definisce clever joke, prende di mira Caitlyn Jenner, una volta conosciuto come l’atleta olimpionico Bruce Jenner. Qua sotto, il video. Dunque, il terreno è scivoloso perché sappiamo bene quanto sia facile cadere nel qualunquismo e nella superficialità quando si parla di razzismo, femminismo, diritti LGBT e qualsiasi altra cosa che possa rappresentare un dibattito sociale, politico o religioso. Nel bar che frequentiamo (ops, non più) oppure a cena con gli amici (ops, nemmeno quello), noi comuni mortali possiamo esprimere liberamente la nostra opinione – ancora – e il maggior rischio è di finire in una discussione senza capo né coda oppure prendere un calcio in culo. Niente di che. Ma quando sei un personaggio pubblico il rischio è ben diverso. Dire una cazzata può significare liberare una catena infinita di cazzate, dette attraverso un megafono che, bene o male, rappresenta un canale per molti abbastanza credibile. Se io, Benedetta, ironizzo in maniera troglodita su di un transessuale male che vada faccio una pessima figura e passo da stronza. Se Ricky Gervais ironizza allo stesso modo si becca una querela, da una parte, ma anche un via libera alla mortificazione mediatica di una minoranza. E questo è il pericolo che puntualmente Ricky Gervais riesce ad aggirare. Come fa? Con un team strapagato di avvocati, immagino, ma soprattutto con una costruzione intelligente della battuta. Tornando alla storia di Caitlyn Jenner (dove il crimine era il deadnaming, ovvero il riferirsi a una persona transgender utilizzando il nome pre-transizione), Ricky Gervais giustifica la battuta spostando tutto il focus su quello che veramente è il target del suo scherzo: lo stereotipo, in quel caso il luogo comune che vuole che una donna al volante sia sicuramente un danno e che una celebrità, dopo aver commesso un crimine (Caytlin Jenner è stata accusata di omicidio colposo dopo aver innescato un tamponamento a catena che ha portato alla morte di una donna), possa tornare a casa e indossare tranquillamente un abito come se nulla fosse. In questo caso l’ironia sulla persona transgender è servita soltanto da trigger point per l’elaborazione di quello che si definisce un layered joke (una battuta a strati). Questo perfetto ingranaggio di stratificazioni, se fatto bene, garantisce così al comico una completa immunità dal rigore semantico. Ricky Gervais però non è soltanto un paraculo illuminato che si prende gioco dei nostri limiti cognitivi, sfidandoci a destrutturare l’infallibilità presunta dei più grandi dogmi umani. Ricky Gervais è uno di noi, meglio, ma pur sempre uno di noi. L’altro aspetto che lo rende così popolare infatti è probabilmente la sensibilità, intesa come pura e semplice capacità di comprendere e percepire certe emozioni e condizioni emotive. Non si direbbe certo, ma è la stessa persona che ha pronunciato queste esatte parole: “I can’t find someone funny whom I don’t like. Hitler told great jokes”.(Non riesco a trovare qualcuno divertente che non mi piace. Hitler ha raccontato grandi battute) Per giustificarlo però basta tornare al punto precedente, vedi alla voce stereotipo. Ricky Gervais, come dicevo, è uno come noi perché parla di vita e di morte, non ha paura di mostrare la sofferenza e non è nemmeno ancorato a quella che dovrebbe essere la sua immagine ufficiale, ovvero quella di comico senza scrupoli protetto dalla fama e dalla ricchezza. La prova di questa umanità terrena la dimostra nella serie After Life, ideata, scritta e diretta da lui stesso. La serie parla di un uomo che profondamente sconvolto dalla perdita della moglie, cerca in tutti i modi di allontanare i pensieri suicidi aggrappandosi come può alla vita. La trama potrebbe essere riciclata per uno sceneggiato Rai con protagonista Gianni Morandi – oppure Beppe Fiorello – e farebbe pietà in tutti i sensi (mi scuso con i fan di Gianni e Beppe). After Life invece fa ridere, non sbellicare, ma fa ridere. Il quesito che Netflix si è posto, prima di distribuire la serie, era se fosse il caso di generare comicità da un episodio tragico come il cancro o la morte. A questo risponde Gervais in un’altra recente dichiarazione dove afferma che la vita, quella vera, è anche peggio e per questo gli spettatori sono pronti a tutto. “Penso che interpretiamo troppo le persone. Ci preoccupiamo di ciò che le persone a casa possono sopportare. La vita reale è peggio. Possono accettare tutto questo”. La serie è ambientata in una fittizia cittadina inglese chiamata Tambury e il nome ci suggerisce subito uno scenario quasi circense, popolato da personaggi a dir poco strambi. Anche in questa dimensione pittoresca della realtà Ricky Gervais vuole utilizzare lo stesso meccanismo della stratificazione per proteggere le sue battute, come al solito i suoi target non sono le persone ma lo stereotipo che rappresentano. Il postino invadente, il collega inetto, la segretaria svampita, il boss separato e infine, per non esonerarsi dalla responsabilità, il suo personaggio Tony: il vedovo triste. Lo ripeto, questa non è una serie da pisciarsi addosso dalle risate, proprio perché l’intenzione non è l’iperbole ma bensì l’onestà. Chi ha vissuto in Inghilterra saprà che vicende semi grottesche come quelle raccontate nei vari episodi hanno molto più a che fare con la quotidianità che con la finzione, quindi non ci sarà da stupirsi dei vari picchi di stravaganza che ogni tanto, per fortuna, sbucano dal nulla. Tra i miei momenti preferiti posso annoverare una delle ultime scene della seconda stagione. In un contesto che distrae totalmente dalla trama strutturale il personaggio di Brian Gittins, l’accumulatore seriale del paese, si lascia andare a una riflessione alquanto profonda. Oltre a farmi molto ridere questa battuta mi ha anche aiutata a capire a fondo il significato del racconto Analogia Bucolica, pubblicato proprio da Streetbook Magazine (pubblicità) e scritto dall’amico Gianluca Bindi. Voglio riportare qua sotto un piccolo estratto affinché possa generare in voi lettori il desiderio di vedere questa serie, il desiderio di leggere il racconto oppure il desiderio di Brian, fate voi. L’importante è ridere, sempre. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°5: Ucronia. Un articolo di C. Francioni7 Maggio 2020QuaranThreevial N°5: Ucronia di Chiara Francioni Ucronia di Coito Negato – Rassegna stampa, 4 aprile 2020. Finalmente il Presidente ha parlato. Si tratta di una decisione che risolleverà il paese afflitto dal perdurante stato di cattività forzata indotto dalla quarantena. Di seguito, un estratto del comunicato che ormai tutti conoscono: “… ed è per questo che abbiamo deciso di agire in modo decisivo, cosicché ogni cittadino possa ottenere il benessere che merita. Vi chiedo, nell’interesse di tutti, di impegnarvi nell’essere felici, ogni giorno, dentro le vostre case. E per aiutarvi in questa missione di importanza primaria, da oggi dichiaro socialmente e giuridicamente perseguibile la tristezza. Da oggi saremo tutti felici”. Finita la trasmissione a reti unificate, una coltre di silenzio ha intrappolato per alcuni minuti la popolazione intera. Poi sono esplose, incontenibili, le reazioni a caldo. Alcuni, non potendo scendere per strada a causa della quarantena, si sono affacciati alla finestra gridando di gioia, altri sono saliti sui tetti srotolando striscioni variopinti per mandare messaggi di gratitudine. Il paese da oggi non sarà più lo stesso: una nuova era è infine giunta. – Diario di quarantena, 5 aprile 2020. Mi sono svegliata presto stamani, spinta dall’emozione di vivere in un mondo nuovo. Ho tirato la tenda della finestra e il sole splendeva alto nel cielo. Esattamente come ieri, è vero, ma che importa. Da oggi tutto è più bello. Mi sono affacciata e la vivacità del quartiere ha confermato il mio buon umore. Sento risate che rimbombano tra i vicoli, musica schizzata fuori dalle finestre, in molti cantano all’unisono. Sorrido compiaciuta e riporto la testa dentro i confini del mio appartamento. Afferro lo smartphone abbandonato sul letto e faccio un giro sui social. Ammetto di essere curiosa, voglio saperne di più su questo neonato moto di euforia collettiva che peraltro ho bisogno di condividere con qualcuno. E la rete non mi delude: scorro bacheche, gallerie, profili. Tutti sono in estasi. Nel pomeriggio giungono nuove notizie. Si sono resi necessari dei provvedimenti attuativi per rendere illegali le manifestazioni di tristezza, come revisioni linguistiche (non sarà più consentito usare il sostantivo ‘tristezza’, l’aggettivo ‘triste’, il verso ‘rattristarsi’ e qualsiasi sinonimo dei suddetti) e nuove regole di condotta (per esempio, non è più ammesso piangere difronte ad altre persone, salvo che si tratti di lacrime di gioia, e in tal caso sarà necessario fornire apposita autocertificazione). Mi sembra giusto, dopotutto da oggi il mondo sarà un luogo più felice e non avremo più bisogno degli antichi retaggi di cui mi spoglio volentieri. Ovviamente ci sono delle sanzioni, ma dai, chi se ne frega. Felici come siamo adesso, attenerci ai nuovi dettami non sarà di certo un sacrificio. Non ho niente di particolare da fare oggi, così passo tutto il giorno a leggere e guardare film, perfettamente felice in un mondo felice. – Diario di quarantena, 10 aprile 2020. Devo uscire, c’è da fare la spesa. Non so da quanto tempo non prendo la macchina e, a pensarci bene, neanche ricordo dove l’ho parcheggiata. Mi vesto, tiro su il cappuccio per coprire il cesto di capelli ormai incolti – se fanno venti gradi, pace – indosso la mascherina e mi precipito giù per le scale. Sono fuori e mi scontro con qualcosa di molto simile a un’acerba agorafobia, ma alzando gli occhi al cielo incontro il sole e sto subito meglio. Il mondo è raggiante. Mi dirigo verso il luogo dove suppongo si trovi la macchina che, sorpresa, non c’è. Sento le vene che pulsano, ma non percepisco alcuna reazione di disappunto. Almeno ho fatto due passi. Mi sposto dunque verso la seconda opzione logistica. La macchina è lì. Visto!? Va tutto bene. Mi avvicino alla carrozzeria sporca e lo vedo: un foglio di carta appiccicato al parabrezza. Lo afferro: una contravvenzione per divieto di sosta. Merda. Mi ricordo di averci anche pensato quando ho parcheggiato l’auto, ma mi ero detta: mica mi faranno la multa durante la quarantena? La risposta giusta evidentemente era: certo che te la fanno. Le vene pulsano nuovamente, sento il buonumore che vacilla. Ma no, no, no. Da oggi non sono ammesse le emozioni torbide, da oggi siamo tutti felici. Io-sono-felice. Infilo la multa nello zaino e salgo a bordo. La strada per raggiungere il supermercato attraversa la campagna: i prati sono ormai in fiore, così come gli alberi. Tiro giù il finestrino e il tepore scivola liquido nell’abitacolo, avvolgendomi in un bozzolo di piacere che quasi stento a riconoscere come familiare. Dai campi giunge il canto delle rondini, dei passerotti, di tutto il cazzo di pantheon ornitologico che si è messo d’impegno, proprio adesso, a ricordarmi che fuori è bellissimo mentre io sono bloccata in casa. Cazzo che schifo di mondo… no, no, no. Io-sono-felice. Riprendo il controllo. La fila al supermercato è ovviamente chilometrica. La cosa però non mi dispiace, almeno potrò godermi il sole per un po’… con il cappuccio in testa e la mascherina che mi si appiccica alle guance. Inizio a sudare, ma non importa. Sono tutti sorridenti intorno a me, proprio tutti. “Vedi che non c’è da preoccuparsi”, mi ripeto. Ficco nuovamente la testa nel mondo social per mitigare l’attesa: vedo gente soddisfatta di fare flessioni in bagno, scorgo altri che prendono il sole in terrazza, altri ancora che leggono libri, che cucinano, che brindano al tempo libero ritrovato. Tutta questa gioia mi ubriaca e sento il bisogno di tornare a concentrarmi sulla fila per non andare in botta da entusiasmo. Già basto da sola a superare ogni dose consentita. Sono così felice… lasciamo perdere l’avventura nel supermercato, estenuante sì, ma ci voleva e ora mi sento una persona migliore, pronta a godermi la meritata ricompensa: una scorpacciata di stronzate che sognavo da almeno una settimana. Quindi, manco a dirlo, sono felice. Torno a casa e ad accogliermi trovo solo la penombra. Un flash: alberi in fiore, canto di uccelli, primavera. La primavera del cazzo che qui dentro sembra inesistente. La sento, che emerge dal profondo, quella sensazione a cui non posso dare un nome. Scuoto la testa e accendo la luce. Allo stesso tempo indosso un sorriso, mi scatto una foto con le borse della spesa e butto tutto in rete: < La vita continua >. Così ora tutti lo sanno: IO SONO FELICE. Passo il resto del giorno a rimettere a posto la casa e alla fine lo comunico agli amici nei vari gruppi WhatsApp: < Oggi giornata grandiosa, ho una casa che scintilla >. Mi rispondono con un sacco di smile o roba simile. Qualcuno mi manda fotografie della propria tavola imbandita. Insomma, il giorno è passato nella concitazione generale e vado a letto distesa. – Diario di quarantena, 14 aprile 2020. Stamani mi sono svegliata in preda all’agitazione: è tutta colpa di quel sogno pazzesco che ho fatto. “Era solo un incubo”, ripeto più volte. La realtà invece mi attende con le sue gradazioni di entusiasmo che ormai riesco a percepire come se fossero filtri di Instagram. Oggi lavoro. La giornata, quindi, vola via veloce. Condivido una foto di me in modalità smart working e scrivo anche che sono più produttiva di prima. Più tardi mi cimenterò con le flessioni in soggiorno e farò sapere a tutti di aver fatto il mio dovere. Sono felice. Felice. FELICE. Dopo cena faccio una videochiamata col gruppo di amici e quando mi chiedono come va dico loro la verità: “Va benone!”. E tutti sono dello stesso avviso. O almeno, quasi tutti. Gino ci racconta che l’hanno messo in cassa integrazione e che forse l’azienda per cui lavora non supererà questo periodo di stop. Mi trovo in difficoltà, non so bene cosa dirgli. Per fortuna interviene Emma con parole sagge: “Dai, vedrai che andrà tutto bene”. Passiamo quindi a raccontarci di quanto sia semplice convertire la vita in una versione casalinga della stessa. Gino però se ne resta in silenzio per tutto il tempo e ho paura per lui: se dovesse cedere alla disperazione, potrebbero fargli il culo. Poi gli amici se ne vanno e per un po’ resta nell’aria il brio delle stronzate che abbiamo sparato. Quando finisce, qualcosa di simile al lontano ricordo della solitudine fa capolino. La sento emergere, da prima timida, poi più insistente, dal torbido nugolo di emozioni che non posso… che non voglio più provare. Resisto, mi stappo una bottiglia di vino e vado a letto confusa e felice, per citare una nota cantautrice sicula. – Diario di quarantena, 19 aprile 2020. Stamani non mi va di alzarmi. Accendo la TV dal letto. Un tizio in giacca sta dicendo che la non-felicità – nessuno usa più un sostantivo specifico – non esiste, che è solo illusione dei nostri intelletti traumatizzati da non capisco bene cosa. Viene quindi trasmessa una carrellata di immagini traballanti che ritraggono uomini e donne al supermercato, in strada, affacciati alle finestre delle loro abitazioni. Hanno tutti il volto oscurato, ma è evidente che sono in lacrime. Il commentatore parla di un numero crescente di sanzioni per casi di non-felicità manifesta del tutto ingiustificati. La conduttrice del programma, che non so identificare – non guardo mai la TV –, chiosa che dobbiamo resistere ed essere fiduciosi, perché tutto andrà bene. Lo stanno ripetendo in molti ultimamente, come una sorta di mantra, ma nessuno ci ha ancora spiegato come ciò sia possibile. Mi rigiro nel letto e penso che forse quelle persone del video avrebbero dovuto sforzarsi di sembrare felici, pur non essendolo. Così nessuno le avrebbe sanzionate. Mi riaddormento con una nota acida tra le labbra. – Diario di quarantena, 21 aprile 2020. Adesso non si sente più nessuno cantare per strada. Non ci sono più striscioni appesi ai palazzi, ma tutti continuano a dire che sono felici e postano quelle cazzo di foto piene di sorrisi fasulli. Non sono più convinta che sia sufficiente imporre alle persone di essere felici, affinché esse lo siano davvero. Ma non ci è consentito fare altro, d’altronde. Possiamo solo dire di essere felici. Sento le urla dei vicini che litigano. Se qualcun altro li sentisse, potrebbe avvisare le guardie e sai che casino. Del resto l’hanno detto anche alla radio: la maggior parte delle segnalazioni di tristezza manifesta arrivano proprio dai vicini di casa. La gente si è ormai convinta che la non-felicità altrui sia pericolosa perché può incrinare anche la felicità di chi si attiene alle regole e ora, con il virus che imperversa, non ce lo possiamo permettere. Penso che non me ne frega un cazzo e poi penso a Gino. Dopo lo chiamerò e gli dirò di non ascoltare Emma: magari andrà tutto bene per davvero, ma se adesso ‘sta una merda, vorrei che si sentisse libero di dirmelo. Non farò la spia. Forse non la farebbe nemmeno Emma, la spia. Mi ricordo, improvvisamente, che prima di tutta questa storia aveva detto di non essere più convinta di restare insieme a Giulio, il suo ragazzo. Lui le aveva messo le mani addosso e lei ci aveva chiesto di non raccontarlo a nessuno. Ora sono bloccati in casa insieme, eppure non ci ha più riparlato di lui. Rifletto un po’, forse Emma lo ha detto a Gino, ma parlava a se stessa, affermando che tutto sarebbe andato bene. Mi affaccio alla finestra di camera. Una leggera brezza trasporta il profumo di prati lontani, mentre il fischio di una rondine che rientra al nido mi rende nostalgica. Ripenso, in particolare, a un giorno di primavera di oltre vent’anni fa: indossavo una maglietta a maniche corte e un paio di pantaloni leggeri. Ero seduta nel giardino dei miei nonni insieme a un paio di amici. “Quando sarò grande sarò di certo più felice di ora” dicevo loro. “Sì, perché sarò libera di fare quello che voglio”. Nel mio ricordo poi, ci sono io che mi alzo, invito gli altri a seguirmi e, senza un motivo preciso, iniziamo a correre a piedi nudi sull’erba fresca, con le braccia nude spalancate come a voler abbracciare la pienezza della natura intorno a noi. Sospiro mentre guardo le mie mani da adulta che penzolano dal davanzale. La realtà è molto diversa da come la immaginavo a dieci anni: oggi non sono affatto libera di fare quel che mi va. Per esempio non sono libera di correre a piedi nudi in mezzo a un prato solo perché ne ho voglia. Realizzo che non è colpa della quarantena, dopotutto. Anche se tutta questa storia del covid-19 non fosse balzata fuori e mi trovassi ancora intrappolata in quella routine che chiamavo normalità, non sarei comunque stata libera di fare quella corsa. Di certo mi sarei convinta di non averne il tempo, perché non l’avrei reputata una cosa importante, perché ci sarebbero state altre ragioni che mi avrebbero spinta a correre, ragioni diverse dalla semplice voglia di farlo. La desidero ancora quella normalità? Gli occhi mi bruciano, la gola si secca, ma vado avanti con il filo dei pensieri. Ho deciso che oggi sarò sincera, libera in qualche modo. Lo dico a voce alta e non mi importa se sono affacciata alla finestra. Non mi importa se ci sarà chi farà la spia. Lo dico e basta: oggi non sono non-felice. Oggi sono TRISTE. Sono triste perché Gino è in cassa integrazione, sono triste perché Emma non riesce a lasciare Giulio, sono triste perché ci vogliono sempre felici e perfetti e invece siamo imperfezione allo stato puro. Sono triste perché la società è tutta sbagliata e la vostra stupida retorica mi ha rotto i coglioni. Poi le lacrime arrivano e piango, piango per non so quanto tempo. Piango fino a che non divento, forse, davvero serena. – Diario di quarantena, 4 maggio 2020. Abbiamo riguadagnato un po’ di libertà. Oggi posso allontanarmi da casa e passeggiare. Piove, ma chi se ne importa. Non mi importa neanche dei capelli fuori controllo. Esco di casa e so già dove andare. Raggiungo la campagna che avevo attraversato in macchina per recarmi al supermercato. Abbandono l’asfalto con un passo solenne, mi siedo sull’erba umida, tolgo le scarpe, i calzini e spalanco le braccia. Corro. Share Tweet Share... Read more...Boxe contro l’assedio, un’intervista di N. D’Innocenti e A. Rumé || Threevial Pursuit6 Maggio 2020Boxe contro l’assedio Intervista di Niccolò D’Innocenti e Andrea Rumé Il pugilato non è mai stato uno sport qualsiasi. Forse per questo, sin dall’antichità, la boxe si è guadagnata l’appellattivo di “nobile arte”. Ci sono però dei ragazzi che hanno preso questo concetto è lo hanno coniugato con un altro tipo di nobiltà: quella dell’animo. E lo hanno fatto per aiutare i ragazzi e le ragazze di un popolo vessato da decenni di soprusi, quello palestinese, a mantenere la propria dignità identitaria e accrescere la propria autostima grazie alla boxe. Sono loro stessi a raccontarci del loro progetto, che non a caso si chiama Boxe contro l’assedio. Lo hanno fatto rispondendo alle domande del nostro Niccolò D’Innocenti e di un nostro vecchio amico che conosce bene la realtà palestinese, ovvero Andrea Rumè. Buona lettura! Com’è nato il progetto? Boxe contro l’assedio è un progetto che unisce la Palestra Popolare di Palermo, le palestre Valerio Verbano e Quarticciolo di Roma e l’impegno dell’Ong Ciss in Palestina e che vuole usare il pugilato come strumento di riscatto sociale, di libertà e di benessere per i giovani palestinesi.È nato dal basso, dalle aspirazioni di ragazzi e ragazze di Gaza che vedono nel ring un sogno di riscatto. È cresciuto con l’incontro di atleti e atlete dall’Italia che giornalmente lavorano per la riappropriazione degli spazi, per l’autodeterminazione e la giustizia sociale nei propri quartieri, nelle proprie borgate e oltre, scavalcando barriere, confini e chiusure. Lo abbiamo sviluppato grazie a una azione collettiva che, partendo dalle capacità, competenze ed esperienze di ognuno/a, mira a raggiungere un obiettivo comune. Boxe contro l’assedio esiste grazie a tutti e tutte coloro che ci credono e che mettono a disposizione il proprio entusiasmo. Quando è iniziato e, ad oggi, dov’è arrivato Boxe contro l’assedio? Abbiamo iniziato con questo progetto nel 2018 lavorando a stretto contatto con la Federazione di Boxe Palestinese. Da allora abbiamo raggiunto tanti risultati: un pugile professionista per la prima volta dall’assedio ha incontrato gli atleti di Gaza; gli allenatori italiani e palestinesi hanno scambiato esperienze e tecniche di allenamento; atleti delle due sponde del Mediterraneo si sono “affrontati” e abbiamo attivato dei corsi specifici per bambine e ragazze. Ad oggi sono state realizzate tre missioni nella Striscia di Gaza. Dalla sua nascita, Boxe contro l’assedio ha permesso a decine atleti e atlete di sentirsi meno soli all’interno di quella prigione a cielo aperto che è Gaza. La collaborazione tra Ciss Ong e Palestra Popolare Valerio Verbano, Palestra Popolare Quarticciolo e Palestra popolare Palermo ha portato nuove competenze ai pugili e agli allenatori che da decenni vivono l’assedio. Ma adesso vogliamo dare alla nostra sfida un obiettivo più grande, un impatto adeguato all’entusiasmo e alla tenacia di tutti gli sportivi che continuano ad aggrapparsi al pugilato come strumento di libertà e di miglioramento del proprio benessere psicofisico. Cosa può dare in più alla popolazione Gazawi la boxe e lo sport in generale? La popolazione non ha alcuna libertà di movimento. Isolati in un pezzo di terra, gli atleti non hanno la possibilità di migliorarsi, non potendo uscire fuori dalla Striscia per battersi su altri ring e confrontarsi con altri atleti. Per tutti loro praticare questo sport significa mantenere alta l’identità palestinese e per le donne è anche combattere gli stereotipi e la violenza di genere.Il pugilato, infatti, è in grado di infondere coraggio ai più piccoli, di rafforzare l’autostima, avere coscienza di sé e del proprio corpo e contribuisce a combattere le paure. Per questo, ci siamo attivati per supportare tutte le ragazze e i ragazzi che con grande ostinazione desiderano praticare la boxe. Vogliamo donare a tutti loro delle attrezzature professionali, una palestra dignitosa, un ring vero, degli allenatori professionisti e soprattutto un sogno. Cosa possiamo fare tutti noi per il progetto? Per noi è importantissimo condividere il più possibile la nostra esperienza per raccontare al resto del mondo che Gaza non è solamente una zona di guerra. Gaza è vita, per questo vi chiediamo di supportare il progetto tramite il crowfounding lanciato sulla piattaforma Produzioni Dal Basso. (Se volete approfondire e contribuire alla campagna “Boxe contro l’assedio” potete cliccare qui, NdR) Quali sono le maggiori difficoltà che avete incontrato? La problematica principale di Gaza e in tutta la Palestina è senza ombra di dubbio lo stato di assedio da parte di Israele. L’isolamento comporta una serie di limitazioni della libertà della popolazione e, di conseguenza, grandi difficoltà nella gestione della vita quotidiana e delle attività sportive nello specifico.Racchiusa in 360 km², vittima del blocco navale, terrestre e aereo la Striscia è il carcere a cielo aperto più grande del mondo. In questo contesto fare sport diventa più difficile per i ragazzi e le ragazze di Gaza. L’ingresso e l’uscita dalla striscia sono approvati solamente tramite la richiesta di permessi che, nella maggior parte dei casi, vengono rifiutati. L’impossibilità di avere contatti con realtà diverse limitano la crescita sportiva degli atleti e quella professionale per i tecnici. Tutta questa situazione è aggravata dalla mancanza di attrezzature sportive adeguate e dalla precarietà delle strutture. Boxe contro l’assedio dove vuole arrivare? Abbiamo deciso di porci degli obiettivi raggiungibili a medio termine. Il primo di questi è quello di creare una palestra popolare con un vero ring a disposizione di tutti i pugili di Gaza, creare un team di tecnici professionisti e fornire attrezzature professionali che possano garantire la sicurezza delle atlete e degli atleti. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°4: Lavoro Republik. Un articolo di R. Dell’Ali e A. Stirner1 Maggio 2020QuaranThreevial N°4: Lavoro Republik di Roberta Dell’Ali e Andreas Stirner Lavoro Republik di Brucio Mi hanno assunta all’Ufficio segnalazioni per il disagio professionale del lavoro, presso l’agenzia Exploit Worker, il 26 febbraio 2020. Prima lavoravo con un cazzo di contratto part-time a tempo determinato in una multinazionale del commercio a dettaglio di… boh sinceramente nemmeno io so cosa vendevo di preciso, però ne vendevamo un sacco. Si potrebbe dire che ho avuto fortuna a trovare questo nuovo lavoro, altrimenti sarei rimasta col culo scoperto come tutti i miei amici, anch’essi ex part-time a tempo determinato: segati appena possibile. Vi dirò, in un primo momento avevo accolto con entusiasmo questa opportunità. L’idea di poter aiutare i lavoratori e rimanere nel mio campo, HR Specialist, mi sembrava assurdamente bella. ‘Che botta di culo!’ ho pensato lì per lì: ecco, forse troppo? Eh sì, perché si sa che dietro grandi botte di culo si nascondono sempre grandi inculate. Innanzitutto c’è il sedicente direttore, nonché unico “professionista” dell’Exploit Work, Dott. Bagoni: ometto sulla trentacinquina o forse sulla cinquantina – difficile dirlo – dall’aspetto untuoso, flaccido e con una stempiatura che sembra aumentare di secondo in secondo. La prima volta che mi sono recata presso la suddetta agenzia per il lavoro, pensavo fosse una delle molte agenzie sparse per l’Italia che aiutano moltissimi disoccupati a trovare una professione dignitosa. In realtà, il nome mi aveva creato qualche sospetto e la paga segnalata nell’annuncio appariva a dir poco risicata con contratto di sei mesi part-time (‘natravot) con possibilità di rinnovo, ma sticazzi con i tempi che corrono c’era poco da fare la schizzinosa: meglio di niente. Il giorno del colloquio Bagoni mi ha accolto, inondandomi di parole sconclusionate sulle mie straordinarie competenze e sul fatto che la sua agenzia rappresentava – credo queste siano state le sue parole – il futuro del mondo del lavoro: «Noi qui troviamo soluzioni, miglioriamo la vita della povera gente!»Ho accettato il lavoro, insomma. Poi, è partito il lockdown per il Covid-19 – tipo una settimana dopo aver cominciato a lavorare per l’Exploit Worker – e ho scoperto che il concetto di smart working è, per Bagoni, sconosciuto, anzi inesistente: «Ma non capisce, mia splendida signorina, che ci sono un sacco di disgraziati in giro che non ci capiscono un’acca dei decreti che il Governo sta approvando? Questi poveri cristi cercano le soluzioni che quel branco di incapaci dei politici non sanno spiegare con parole semplici, parole per il popolo e noi siamo qui per dare a quei disgraziati – e ci tengo a sottolineare disgraziati – le soluzioni». «E quali sarebbero queste soluzioni?» «Non si preoccupi, mia piccola stella, le troveremo. O meglio, lei le troverà. È qui per questo, no?» «E ci facciamo pagare da questi, come dice lei, disgraziati?» «Ma certo che no, mia cara. Quelli non c’hanno manco un euro bucato. Sono le aziende a cui forniamo manodopera che ci pagano. Tranquilla, tutta gente seria, gente perbene, imprenditori illuminati che porteranno il Paese nel Terzo Millennio». «Ma siamo già nel Terzo Millennio…» «Sì sì, vabbè. Senta vista la pandemia le propongo 300 euro, così come anticipo. Son tempi duri. Poi glieli detraggo dalla prima busta paga. Almeno si compra qualcosa di carino, non accetto la sciatteria nel mio ufficio… vestita così sembra ‘na monaca». Ho pensato: ‘Dagli un calcio nelle palle e scappa’. Ma alla fine ho preso quei cazzo di 300 euro e da due mesi mi ritrovo per almeno dieci ore al giorno in una stanzetta angusta, coi muri sporchi e delle infinite pile di pratiche sulle scrivanie scrostate. Pratiche destinate al nulla, perché soluzioni per quei disgraziati che ci contattano non ce ne sono, tanto che questa supercazzola di Ufficio segnalazioni per il disagio professionale a lavoro nella mia testa si chiama Ufficio sfoghi per i dimenticati dal lavoro. Sfoghi che peraltro si becca unicamente la sottoscritta, perché il buon Dott. Bagoni, mio titolare, passa il 99% del suo tempo a ingozzarsi di caffè e bomboloni alla crema (dove diavolo li trovi tutti quei bomboloni poi, non lo so), mentre fuma un puzzolente sigaro di terza scelta e se ne sta con i piedi allungati sulla scrivania a leggere la Gazzetta dello Sport, che chissà che cazzo ci scriveranno visto che è tutto fermo, demonio cane! Stamattina una delle prime mail che ho letto era di un tale Cristiano: trentotto anni, proprietario di un piccolo pub in centro a Prato, incazzato nero. Da: cristianohookpub@freemail.com A: exploitworker@appenditimail.com Gio 30/04/2020 09.50 Buongiorno (‘na sega), ora voi vu mi dovete scusare, sarò tordo io, ma io d’icché gl’ha detto Conte un c’ho capio nulla. Ma si riapre o un si riapre. E se si riapre, icché si riapre a fare. E se un riapro, icchè vi scrivo a fare. Potrei riaprire e fare l’asporto, ma c’è un monte di beghe a fare l’asporto. E io un lo posso fare, dice. Aspetterò Giugno, ma fino a Giugno icché fo e arrivao a Giugno e l’è uguale. Dice «basta e ti stiano a due metri di distanza». Occome fo a dagli le birre alla gente a du’ metri di distanza? O chi so’ io, l’ispettore Gaget, maremma impestata lurida e ladra. E poi metti che trovo i’ modo di tenelli a distanza, e mi deano entrare uno alla vorta, perché i’ pubbe e saranno 40 metri quadrai. E siamo piccini noi. Occome si fa noi piccini. No via, spiegaemelo. Ma poi co’ ‘sta storia delle precauzioni. Ora io ho seguito un po’ la questione. Le mascherine, le mascherine, le mascherine… ma se c’hanno le mascherine, mi spiegae come cazzo fanno a bere la birra, maremma cane. Icché fanno e clienti. Lea la mascherina, metti la mascherina, lea la mascherina metti la mascherina…e poi i’ problema unn’ è la gocciolina di saliva? Occome fanno a bere senza lascia’ le goccioline su i’ bicchiere, che la lancian pell’aria e la pigliano a i’ volo? Mentre si leano la mascherina e se la rimettan subito davanti alla bocca per giunta. O icché sono Carate Chidde. Ma vaiavaiavaia, a me vu mi sembrae tutti grulli. E intanto noi si more, dio….oh, abbiae pazienza e ho visto ora che ho lasciao i tinnove impostao su «pratese», maremma impestata. E ora un mi rimetto a riscrive’ tutto da punto accapo. Se v’avee capio bene e se un vunn’avee capio so’ cazzi vostri, tanto da’ retta e son più piccini di quelli che c’ho io ne i’ culo.Distinti saluti, merde. «Dott. Bagoni, io non so se ha letto la mail di Cristiano dell’Hook Pub, però…» «Cestini, cestini signorina. Non gli dia retta a quello, tanto è già in ritardo con i pagamenti di due giorni e poi mi crea più casini che altro. Ma lo sa che mi paga le cameriere che gli mando al minimo sindacale?» «Beh, in effetti con lavoro notturno e tutto il resto sette euro e cinquanta sono un po’ pochi…» «POCHI?!?! Ma si rende conto che quello mi rovina la reputazione a farmi fare dei contratti regolari? Io gli mando gente disposta a prendere cinque euro l’ora e quello me la sovrastima, vuole pagare gli straordinari, i domenicali, ferie e malattie, niente nero. Ma voglio dire, siamo pazzi… sa quanti altri pub onesti ho sul piede di guerra perché gli arrivano persone che vogliono tutti i privilegi che promette quel coglione. Quella è concorrenza sleale, glielo dico io, non si faccia abbindolare signorina. Lei è troppo ingenua». Proprio mentre commentavamo la situazione di Cristiano, a mio avviso una brava persona comprensibilmente incazzata e sconfortata, ha squillato il telefono. Quand’è il telefono, io m’aspetto sempre il peggio: di nascosto mi preparo i fazzoletti, perché come minimo mi si spezzerà il cuore a sentire le storie dei chiamanti, e prendo la fiaschetta dalla borsa. A fine conversazione un goccino per riprendersi bisogna farselo, almeno questo negli due ultimi mesi l’ho capito. Convincere Bagoni che io beva una roba per la cellulite fatta con l’anice è stato facile: che coglione. Io: «Pronto, Ufficio sf… segnalazioni per il disagio professionale del lavoro, come posso aiutarla?» Abdul: «Sono Abdul…» Io (sottovoce): «Dott. Bagoni, c’è Abdul». Bagoni: «Quale Abdul? Per me son tutti uguali, ne avremo trecento di Abdul». Io: «Credo sia quello che abbiamo mandato a Taurianova per la Cirutti». Bagoni: «Ah sì sì, me lo metta in viva voce. Mi fanno morire ‘sti migranti». Abdul: «Ehi ehi, io aspettare da du ore, volete rispondere». Bagoni: «Abdul, vecchio mio, come te la passi in Calabria? Sole, mare… ve la spassate, eh». Abdul: «Sole, mare un cazzo, vecchio stronzo!» Bagoni: «Eh, però così non sei carino Abdul. Io ti ospito nel mio paese, ti dò pure lavoro e tu mi tratti così…» Abdul: «Tu chiama questo lavoro?! Noi essere qui scentoscinquanta, duscento persone. No luce, no acqua e qui con virus tutti hano paura. Noi stare in sei, sette in tenda, tutte tenda sei-sette persone. Come fare stare distanza? Come lavare mani pe’ no contagiare altri? Come sa-ni-fi-care dice io?» Bagoni: «Ahahahahah!» Abdul: «Ma che fa tu?! Che tu ride…» Bagoni: «Ma Abdul da quant’è che sei in Italia che parli ancora così l’italiano? Non cambiare però, mi fate morire voi africani che parlate italiano». Abdul: «Ehi cazzone, io parlare arabo, inglese, francese e no inizia con lingue africane sennò non finire più io. Stare da sei mesi Italia e parlare italiano, quasi melio di te. Io ha laurea in Architettura in mio Paese, che tuo paese non riconosce. E tu? Tu ha laurea? Io no crede. E io raccolie pomodori per gente come te, perché tuo paese no riconosce me, no riconosce marocchini, no riconosce bulgari, no riconosce…» Bagoni: «Se se, vabbè Abdul, non c’ho tempo per le lezioni di geografia. C’ho da fare io». Io (sottovoce): «Sì, a strafogarsi di bomboloni…» Bagoni: «Che ha detto signorina?» Io (togliendo il vivavoce): «Niente, niente. Che mi occupo io di Abdul». Abdul: «Tuo capo essere uno stronzo. Perché tu lavora per lui?» Io: «Non lo so, Abdul. È complicato. Comunque, mi spiace per la tua situazione, come posso aiutarti?» Abdul: «Tu gentile. Volio avere notizie, qui arrivare poco o niente di quello che governo decide. Qui sono tanti irregolari. Perché loro non regolarizzare tutti noi, così noi più protetti e voi sapere se alcuni di noi malati o no per contenere virus? Se qui diffonde Covid, è fine, capisci. Se uno ha febbre e noi non sapere se malato o no, come fare? Tutti vicini e parlare con tanti padroni italiani. Loro poi potere portare a casa da familia. Nessuno avere mascherine, nessuno potere lavare. Ho detto prima. No acqua qui». Io: «Perché non avete acqua?» Abdul: «Polizia arrivata du giorni fa, staccato tutto. Noi arranjiare co taniche». Io: «Ma non c’è nessuno che vi aiuta?» Abdul: «Sì, qualche ragazzo associazione venire, credo associazioni si chiama Mediterranean Hope. Ma loro dovere dare mano a tutti qui in Piana a Joia Tauro. Milleduscento brascianti pagati poco, a volte no pagati. Ma no è quello problema, qui problema ora è virus. Troppa gente che bisogna aiuto, ragazzi associazioni aiutare tutti se possono: noi immigrati, italiani che no potere fare spesa, tipi anziani, o jente troppo povera. Loro aiutare tutti, ma noi essere troppi…» Io: «Mi spiace Abdul. Adesso compilo il modulo e avvio la pratica, ma io non posso aiutarti più di così. Nessuno parla di voi e dei vostri diritti. Non gli interessava prima, figurati ora. Ma non ti abbattere! Allora, iniziamo: dammi le tue generalità». La conversazione è durata un pezzo, non tanto perché servisse a qualcosa ma perché almeno Abdul potesse sfogarsi e aggrapparsi alla speranza di un foglio di carta. Come sempre, ho compilato il modulo: Abdul Houssai, 30 anni, maschio, sudanese, lavoratore filiera alimentare – sfruttato, ma questo l’ho aggiunto io. Il problema è che ieri non solo Abdul ma anche Mohamed e Wissam ci hanno chiamato; l’altro ieri Asad; nell’ultima settimana non so quanti Bomani e Kofi e Malik e Tebogo. E chiunque altro, da qualsiasi settore e di qualsiasi nazionalità: ambulanti, commesse, ristoratori, baristi, parrucchieri, estetiste, proprietari di lidi, di discoteche e così via fino all’isola che non c’è, poi a destra e dritto fino a sto cazzo. Insomma, oggi una giornata di merda, ma non meno di ieri. Tanto il copione è sempre lo stesso: Bagoni merda viscido becero, chiamate disperate, mail incazzate e io arresa a ‘sto schifo per 750 euro scarsi. Minchia, per fortuna è finita st’angoscia e mo’ torno a casa, m’alcolizzo e non ci penso più! Così penso, ma no, no, no, no. No, no. Mentre apro la porta di casa e faccio per entrare, infatti, vedo arrivare Iryna che a stento riesce a trattenere le lacrime: «Alberta, tesoro, sciao» «Iryna! Bella mia, come stai? Che succede?» e la abbraccio. Lei ovviamente inizia a piangere. «No no, piano Iri’. Daje, entra. Ti preparò uno spritz e mi racconti». «Sì sì» e singhiozza. «E allora? Che succede? Non mi dire che è successo di nuovo!» «Magari fosse solo quello Albe’! Questo Covid è disgrazia assoluta!» La guardo lì, seduta al tavolo della mia cucina che sorseggia lo spritz e un po’ singhiozza. In faccia non ha nemmeno un filo di trucco e la sua pelle appare per quello che è, un cencio ruvido trattato malissimo. Gli occhi di Iryna però sono sempre assurdi, verde smeraldo con profonde striature grigie: da gatto. I capelli secchi, biondo platino, sono tutti arruffati in una cipolla. Col suo italiano dalla cadenza ucraino-romana mi appare disperatissima. Effettivamente lo è: «Sigh! Albe’ ma te rendi conto? Ma come devo fa’ io? Lavoravo co’ vecchia. Ti ricordi signora Maria? Quella che mi lanciava oggetti e mi diceva: ‘Stronza polacca puliscimi culo?’ – che poi io cercava sempre di dire che sono ucraina, ma per quella vecchiacchia non cambia. Ecco, figlio ormai non si fida a farmi stare là e allora mi hanno licenziata e buttato fuori casa! Ma come faccio io adesso? Sono tornata per strada. Ho chiesto a mia amica Olga di ospitarmi in suo appartamento, ma anche lei è disperata. Non possiamo neanche tornare a casa, non ci fanno passare!» «Ma quello stronzo non ti ha dato manco i soldi che ti spettavano?» chiedo questa cosa banale, conoscendo la risposta e solo per prendere tempo, perché le cose che mi dice Iryna vanno digerite. «No! Disce che sua azienda è in difficoltà non ha soldi e io non avevo contratto e ora non posso fare niente! Olga mi ha procurato un paio di lavoretti, ma co’ Covid è pericoloso più di prima. Sigh sigh». «Ma che lavoro t’ha procurato Olga?» «In pratica Olga fa puttana all’Eur da tanto tempo – parla italiano benissimo lei. Prima aveva pappone, ormai Dio l’ha aiutata e ha trovato due trans e lavorano come piccola compagnia. Però ora con Coronavirus è merda. Non può lavorare sempre perché rischia che la arrestano anche per la storia della quarantena, sai? Ma come si fa? Lei non può chiedere niente, è senza soldi e sci’ha i fiji!» «Aspe’ Iry’… Macché? Te sei messa di nuovo a fa’ la prostituta?» Iryna, un po’ rossa e un po’ offesa: «Ecchè dovevo fa’?» Io non so che rispondere e la guardo, Iryna scoppia di nuovo a piangere: «Alberta! Alberta! Ma te pare?! Io facevo la badante, me prendevo du’ insulti da vecchiacchia e poi? E poi ero felice! Potevo mandare soldi in Ucraina e comprare qualcosa a me! Ma vita è sempre una merda! Come dicono qui a Roma: mai una gioia! E ora che potevo fare Alberta? Io vivo da Olga. Lei ha anche scritto mail a tuo ufficio sai? Per chiedere se ci era modo per avere aiuto! Tu non hai visto mail?» Sì, l’ho vista la mail. Ma Bagoni merda viscido becero l’ha cestinata dicendo: «E che ci possiamo fare noi? Al massimo a fine quarantena, se Olga è sana, posso passare e farmi fare un lavoretto. Mica c’ho la bacchetta io». Iryna continua: «Comunque poi per fortuna abbiamo trovato alcune associazioni che aiutano… senti, senti come ci chiamano… gli operatori sessuali! Io e Olga abbiamo fatto tante risate. ‘Operatori sessuali’, sembrava un lavoro come lo dicevano. Un po’ è stato bello. Almeno adesso possiamo fare un servizio a settimana, uno io e uno Olga – con clienti fissi che non ci dobbiamo spaventare – e un po’ tiriamo avanti. Solo che io… io voglio una vita meglio, solo poco, lo giuro». Mentre vuoto il bicchiere dico a Iryna che ha ragione da vendere, ma con la ragione in questo porco mondo ce ne si fa niente. Dopo un po’ Iryna mi dice che deve andare, così la accompagno alla porta. Ci abbracciamo ma, prima di uscire, Iryna mi guarda furba e dice: «Ah, ho dimenticato di dirti cosa. Prima di andarmene via da casa di vecchiacchia ho lasciato mia merda in vaso di salotto» ride forte e se ne va. E in quel momento, io decido che basta, domani mi licenzio e a Bagoni lo mando dritto dritto a fare in culo, ma non senza un calcio nelle palle. Un calcio bello forte. Share Tweet Share... Read more...Solanin: la ricerca dell’ikigai. Un articolo di C. Francioni || Threevial Pursuit29 Aprile 2020Solanin La ricerca dell’ikigai di Chiara Francioni Solanin di Inio Asano Il passaggio all’età adulta per me non è stato facile. Le incertezze dovute al percorso professionale intrapreso sono state tante e il senso di smarrimento, portato dietro a mo’ di zavorra, mi ha fatto spesso dubitare delle scelte fatte e delle mie effettive capacità, costringendomi spesso a chiedermi, senza saper trovare facili risposte, quale fosse il piano che l’universo, o chi per lui, aveva in serbo per me. Così, quando ho iniziato a sfogliare le pagine di Solanin, il capolavoro di Inio Asano (ma ci arriviamo dopo), ho subito capito che mi sarei trovata bene tra quelle tavole ricche di dettagli e pensieri. Sì, perché Solanin è un manga e, quindi, un fumetto. Ma non aspettatevi una serie interminabile di volumi con uscita mensile, perché in questo caso i tankōbon sono solo due e hanno il pregio di narrare una storia meravigliosa sul passaggio all’età adulta in una metropoli esigente come lo è Tokyo. Una piccola premessa. L’impostazione socio-culturale nipponica regala al “lavoro”, inteso come strumento, un ruolo di primaria importanza nella vita di un individuo e non solo perché esso costituisce la fonte del suo reddito, ma in quanto si pone come vero e proprio dovere sociale: il buon cittadino lavora, prima che per se stesso, per la collettività. Ne consegue che la scelta della carriera professionale da intraprendere acquisisce un valore esistenziale di enorme portata, se possibile ancora più simbolico di quello che gli viene attribuito dal modello italiano della Repubblica fondata sul lavoro. – ATTENZIONE: CONTIENE SPOILER! – Meiko Inoue, protagonista di Solanin “Non so cosa fare e sto accumulando tanto veleno” La protagonista della nostra storia è Meiko, una giovane donna intenta a decifrare se stessa. Arrivata a Tokyo per frequentare l’università col cuore carico di speranze, si ritrova, dopo la laurea, alle prese con un lavoro impiegatizio dal quale non riesce a trarre le auspicate soddisfazioni e che la sfianca (gli impieghi nel terziario, in Giappone, hanno ritmi molto intensi, non a caso esiste, e ha un nome preciso, il fenomeno della c.d. “morte per troppo lavoro” ossia il Karoshi). Pur interrogandosi sull’eventualità che, da qualche parte là fuori, esistano altre strade da percorrere, Meiko, passiva per inclinazione, continua ad assecondare le regole sociali che la vogliono impiegata per il bene della comunità, tollerando la realtà aziendale e imperversando nella totale incapacità di comprendere quali siano le proprie aspirazioni. Senza troppo riflettere sulle conseguenze del suo gesto, un giorno, ormai esausta, Meiko decide di presentare le dimissioni nella speranza di potersi finalmente rimettere in gioco. Il sollievo iniziale, tuttavia, viene ben presto a scontrarsi con la realizzazione che “una libertà senza scopo è piuttosto noiosa”. Così, a una crisi se ne sostituisce un’altra: lo smarrimento, la ricerca di una nuova prospettiva senza una bussola e, infine, il temporeggiare nell’attesa che la verità si riveli in tutto il suo splendore. “Da quant’è che cammino? Sento come se fossero anni che ho perso la strada” Accanto a Meiko c’è Taneda, il fidanzato storico. I due ragazzi, sinceramente innamorati, hanno frequentato la stessa università, condividono lo stesso gruppo di amici e la stessa abitazione. Taneda suona la chitarra e conserva ancora il sogno giovanile di sfondare con la propria band. La realtà, però, richiede concretezza e le pressioni che la società scarica sulle spalle dell’individuo, come si diceva poc’anzi, sono macigni. Taneda Naruo, fidanzato di Meiko in Solanin Taneda è quindi costretto scendere a compromessi, accettando un impiego come freeter (col termine si indicano i giovani giapponesi che si mantengono con lavori part-time senza una particolare prospettiva) e collocandosi, così, nella zona grigia tra quello che l’etica nipponica del lavoro richiede al cittadino e il desiderio di conservare l’autonomia che un impiego a tempo pieno non consentirebbe. Anche lui, proprio come Meiko, convive con il timore di aver smarrito la propria strada ed è paralizzato da un peso sempre più insopportabile: la consumante paura di diventare vecchio e privo di alternative prima di essere riuscito a realizzare le proprie aspirazioni. “Era come se avessimo delle cose in sospeso nelle nostre vite” Le dimissioni di Meiko segnano una svolta inevitabile. Taneda, finisce per diventare l’unico appiglio e il ricettacolo delle aspirazioni infrante della fidanzata che, abbandonato il fardello delle proprie responsabilità, si concentra sul sogno del fidanzato, spingendolo a lasciare l’impiego e a concentrarsi, a tempo pieno, nella carriera musicale. Così facendo, Meiko mette in pausa la propria evoluzione, proiettando invece un morboso desiderio di realizzazione su Taneda. Il duro scontro con la realtà, tanto violento da sgretolare l’ideale visione del possibile ingenuamente coltivata dai due ragazzi (e, in questo caso, rappresentato dal fallimentare tentativo della band di Taneda di farsi scritturare da una casa discografica), porta con sé tensioni e “non detti” che sfuggono di mano a Meiko, ormai schiacciata dal nuovo peso dell’immobilità. Taneda, al contrario, riceve una spinta verso la maturazione: riprende infatti in mano la propria vita, non senza soffrire per la rinuncia alla totipotenza che la gioventù mette sul piatto, finché dura. Taneda sceglie quindi di procurarsi un impiego a tempo pieno e di accontentarsi della musica come hobby. “Ho i ragazzi, ho te Meiko. Forse per me è abbastanza così … d’ora in avanti troveremo inseme la felicità” Ed è a questo punto che Taneda muore, vittima di un incidente in scooter, lasciando dietro di sé un vuoto apparentemente incolmabile. “Diventerò brava a suonare la chitarra” Lo sconforto in cui precipita Meiko, intriso di sensi di colpa, rischia di rendere permanente la stasi in cui la giovane era precipitata prima della morte di Taneda. Tuttavia è in questa seconda parte della storia che emerge, a sorpresa, una rinvigorita voglia di ripresa in grado di scuotere Meiko e i suoi pensieri. Un cammino, denso di emozioni forti e difficili da metabolizzare, che si pone, per la ragazza, a metà tra la necessità di elaborare il lutto e il bisogno di rinascita. Il percorso evolutivo innescato dal tragico evento è simboleggiato dalla risoluzione della giovane di imparare a suonare la chitarra del defunto fidanzato e di ricoprire, all’interno della band, il ruolo che lui ha lasciato orfano. Questo la porterà a confrontarsi con i mondi interiori degli amici, a riscoprire l’importanza delle relazioni che è stata, nonostante tutto, capace di tessere, e a comprendere il senso delle altrui piccole grandi battaglie. Ma, più di ogni altra cosa, le consentirà di guardare dentro se stessa e di ricalibrare le aspettative di felicità che, in passato, si era aprioristicamente imposta. Il culmine di questo processo è rappresentato dall’unico concerto che Meiko farà con la band di Taneda, ormai diventata anche la sua band, esibendosi sul palco con cuore in gola e suonando l’ultimo pezzo scritto dal fidanzato: Solanin. Adesso Meiko è pronta per ricominciare. Adesso Meiko ha capito che si può essere felici anche se non è tutto esattamente come si sarebbe voluto che fosse. Meiko in una scena di Solanin di Inio Asano Crescere o scegliere di non scegliere Inio Asano, classe 1980, ha riversato nella sua opera l’opprimente senso di smarrimento che accompagna la più grande delle sfide: crescere. Abbandonare l’età dell’irresponsabilità per imparare a comunicare attraverso linguaggio della società degli adulti non è affatto una transizione semplice, né indolore. L’individuo, privo di armi adeguate, si trova esposto alla vertigine pruriginosa che il timore dell’irreversibilità delle proprie scelte porta con sé. L’affanno della rincorsa di quel tempo che, senza pietà, fugge via come nel sonetto di Lorenzo il Magnifico, si trasforma sovente in moti d’ansia difficili da controllare. Un’impresa ostica che si radicalizza in una società, come quella giapponese, in cui l’importanza di trovare un impiego si pone come questione esistenziale, tanto che alcuni, schiacciati dalla pressione, scelgono di non scegliere, manifestando comportamenti esclusivi come quello degli Hikikomori o dei Neet. Anche in Italia, però, il disagio si fa sentire. Quanti di noi, almeno una volta, si sono sentiti confusi, inadeguati e incapaci di scegliere? Io, per lo meno. Come vi dicevo in apertura, raccontandovi un po’ gli affari miei. Alla ricerca dell’ikigai La ricerca di Meiko è, in fin dei conti, la ricerca di chiunque. Ed è qui che si deve compie il balzo concettuale suggerito da Asano: la ricerca, quella vera, non è volta a trovare il proprio ruolo nella collettività come contribuente. La vera quest ha una portata più intima e profonda perché finalizzata a individuare un punto di equilibrio soggettivo dal quale ricevere appagamento costante, nonostante le angherie che la vita ci propina. In altre parole, è la ricerca di cosa ci renda davvero felici, al di là del lavoro, al di là della società, al di là delle aspettative che ci vengono imposte dall’alto e tramandate da generazioni ormai scomparse. I giapponesi hanno una parola per identificare un concetto che mi è molto caro: ikigai. ‘Iki’ significa vivere, mentre ‘gai’ ragione (o scopo). L’ikigai in sostanza è la ragione di vita, ossia il motivo che ogni mattina ci spinge ad alzarci dal letto e affrontare la vita di petto. La ricerca dell’ikigai è un cammino introspettivo che chiama l’individuo ad ascoltare se stesso per riuscire, infine, a comprendere ciò che può trasformare la quotidianità in vera e propria fonte di realizzazione. Insomma, una solida base sulla quale porre le fondamenta del nostro progetto esistenziale. Asano, che consiglio anche a chi non è un otaku incallito come la sottoscritta, compone un’opera densa, sia graficamente che sul piano dei contenuti. Un’opera destinata a scuotere la più arida delle coscienze e a evocare riflessioni sulle quali è consigliabile spendere un po’ del proprio tempo. La vita è in salita, praticamente quasi sempre, non disdegnerei quindi la possibilità di imparare a trarre un genuino appagamento … che so, dal perdersi con lo sguardo su un prato baciato dal sole, mentre un amico ti sussurra stronzate nell’orecchio. Share Tweet Share... Read more...Partigiani e memoria divisa, un articolo di G. Bindi || Threevial Pursuit25 Aprile 2020Partigiani e memoria divisa Dall’estate di sangue del 1944 all’occultamento dei colpevoli di Gianluca Bindi Ci risiamo. Ogni anno, per la festa della Liberazione, ci tocca sentire ogni genere di lordura sulla memoria di chi si è sacrificato sul fronte italiano durante quel periodo infernale tra la fine del ’43 e il 25 aprile 1945. Delle migliaia di morti del passaggio dei tedeschi sulla penisola, solo in Toscana ci furono, in neanche tre mesi, tra le 4000 e le 5000 vittime civili. Di chi è la colpa? La vox populi odierna sembra puntare il dito praticamente soltanto sui partigiani. Nelle migliori delle ipotesi, festeggiare la Liberazione dai nazifascisti e la conseguente fine della Seconda Guerra Mondiale è diventato divisivo. In questo articolo, il più brevemente e chiaramente possibile, descriverò come è stato possibile un tale trasferimento delle colpe in 75 anni, provando a essere una guida contro le male voci e le fake news che tentano di cambiare la percezione della memoria di un evento complesso. I briganti È colpa dei partigiani se ci furono rappresaglie; se non avessero attaccato l’esercito tedesco quest’ultimo non avrebbe rastrellato e ucciso civili innocenti. Ormai è diventato un ritornello ricorrente. E, anche se a volte c’è stata una diretta conseguenza causale fra uno scriteriato attacco partigiano ai tedeschi e la messa a ferro e fuoco di interi paesi, non è stato sempre così. Anzi. Riassumiamo brevemente la situazione aggiornata all’estate del 1944: L’Italia è divisa in due. A nord c’è la Repubblica Sociale italiana (stato fantoccio del Reich con a capo Mussolini), mentre a sud gli Alleati stanno liberando a mano a mano la penisola. Nel mezzo c’è l’esercito tedesco in ritirata con reparti delle SS che stanno inondando di sangue la popolazione civile. Perché? I tedeschi stanno attuando una strategia militare denominata ‘ritirata aggressiva’. Ufficialmente stanno impegnando l’esercito Alleato durante la risalita per guadagnare tempo e reperire manodopera schiava; infatti secondo il capo delle truppe, il feldmaresciallo Kesselring, l’unica speranza per la Germania per evitare la sconfitta è finire di costruire una linea corazzata di difesa sugli Appennini tosco-emiliani, denominata Linea Gotica. In pratica, però, non è altro che un’indiscriminata attuazione dei più efferati crimini di guerra su civili inermi. E c’entrano poco o niente gli attacchi dei partigiani. Molti eccidi toscani sono stati attuati con gelida razionalità, per liberare territori per la ritirata e, preventivamente, attaccare paesi in cui ‘avrebbero potuto’ esserci bande armate. Non siete ancora convinti? Bene, continuo. Il 17 giugno 1944 Kesselring dipana un ordine a tutte le sue truppe, prendendo spunto dal cosiddetto ‘Foglietto di istruzioni’ o Merkblatt 69/1 in cui: Veniva cancellata la linea di demarcazione fra la popolazione civile e i partigiani; ergo tutti potenzialmente potevano essere partigiani, anche donne, vecchi e bambini.Totale arbitrarietà ai comandi locali su chi fiancheggiasse o appartenesse a bande di partigiani in una determinata zona;Infine, Kesselring in persona, garantiva quella che poi sarebbe passata alla storia come ‘cambiale in bianco’, ossia non solo la totale copertura a comandanti e soldati che avessero ecceduto nelle misure repressive contro la popolazione, ma anche esemplari punizioni a chiunque avesse esitato o avuto comprensione verso i ‘nemici’ civili. Dunque a questo punto la strategia della Wehrmacht è abbastanza chiara: non la dichiarata quanto folle volontà di massacrare la popolazione per distruggere le bande, ma la paralisi delle coscienze tramite lo spargimento di sangue senza senso, per arrivare a recidere a monte il cordone ombelicale fra popolazione civile e Resistenza (risultati maggiori e costi minori rispetto all’affrontare i partigiani). Massacri che comportarono soltanto l’intensificarsi della lotta perché, un uomo che ha perso parte o la totalità della sua famiglia per ritorsione, codardia, efferatezza, o a cui è stata bruciata la casa, non può far altro che continuare a combattere. E così via, in un circolo vizioso in cui i tedeschi si sentivano ancora più autorizzati a colpire a ogni contrattacco ricevuto e, contemporaneamente, vedevano confermata la loro tesi fasulla sulla colpa dei morti degli eccidi sui partigiani. “(…) Le colpe partigiane sono solo un pretesto che non giustifica le centinaia di vittime a fronte di qualche soldato tedesco ucciso e ferito (…). Nel corso dei mesi la ratio della rappresaglia subisce una serie di slittamenti progressivi verso qualcosa di sostanzialmente altro, evidenziando che la logica della terra bruciata non può essere giustificata all’infinito.” Un’ulteriore svalutazione della tesi iniziale viene direttamente dal fronte amico. Gli Alleati incoraggiavano gli interventi delle bande sia armati sia di sabotaggio tramite sovvenzioni, approvvigionamenti di armi e proclami direttamente dalle frequenze di Radio Londra; tanto che nel ’45 i processi ai tedeschi si preferì istituirli in corti militari britanniche perché i crimini contro i civili erano stati commessi per reazione ad attività incoraggiate dagli Alleati stessi. Infatti, il capo delle forze Alleate nel Mediterraneo Alexander (così come anche Badoglio), già da maggio incitava “a uccidere in ogni occasione i tedeschi, incurante delle inevitabili conseguenze che sarebbero ricadute sulla popolazione civile”. Altra pressione per l’intervento armato contro l’invasore: i contadini. In quel frangente, subito dopo le vittime per la guerra, c’erano quelle per la fame. Quando la Wehrmacht transitava con tutti i suoi innumerevoli effettivi, saccheggiava bestiame, raccolti, cibo e ogni tipo di rifornimento alla popolazione locale, che già non sapeva come sfamarsi. Questa una testimonianza a ridosso dell’eccidio del Padule di Fucecchio del 23 agosto 1944 (174 vittime civili): “Risulta perciò da testimonianze indubbie che i contadini del luogo, i quali avevano fornito viveri ai partigiani, insistettero onde ottenere il loro intervento”. Così come il sacerdote del paese, Primo Egidio Magrini, che conferma le razzie tedesche e la mobilitazione contadina. Ciò delinea ancor più chiaramente l’identità dei partigiani in questa prima fase di guerra civile: gente comune che fa una scelta, spinta sia dal rifiuto dell’ideologia nazifascista, sia soprattutto da motivazioni di sostentamento e di protezione dei legami familiari e della propria comunità (la famigerata questione privata). In quella situazione assurda e funesta, non si poteva non scegliere. Quindi, tornando alla tesi iniziale, non ci fu nessuna prova di una minaccia partigiana che giustificasse alcun tipo di strage da parte dell’esercito tedesco (semmai si possano giustificare) prima dello sfondamento della Linea Gotica. Anzi, ci sono molti indizi che portano a constatare che la brutalità degli eccidi, almeno fino a tutta la primavera del ’44, non ha avuto nessun rapporto con il pericolo effettivo rappresentato dai partigiani. Solo dopo la strage di Marzabotto (29 settembre-5 ottobre 1944, 775 vittime) si ebbe una svolta nel movimento; infatti, dall’autunno del ’44: “il movimento partigiano crebbe a tal punto che ormai si doveva parlare di una vera e propria guerra in cui i partigiani armati acquistarono sempre più, agli occhi della Wehrmacht, lo status di combattenti”. Da carnefici a ‘povere’ vittime: i fascisti collaborazionisti Non preoccupatevi, il peggio deve ancora arrivare. Sì, perché la crudeltà dei nazisti va di pari passo con i loro complici fascisti. Anche qui breve ricapitolo. Il 10 luglio del 1943 viene effettuato lo sbarco Alleato in Sicilia. Mussolini vede il suo esercito disgregarsi e il consenso cadere a picco. Il 25 luglio il re e alcune massime cariche fasciste attuano un colpo di stato: il duce è imprigionato sul Gran Sasso. Il generale Badoglio, nuovo capo del governo, prima dichiara che l’Italia onorerà gli impegni di guerra presi a fianco della Germania; poi, invece, l’8 settembre firma l’armistizio e passa dalla parte degli Alleati. La popolazione italiana gioisce credendo che sia la fine della guerra, ma la situazione si presenta subito drammatica. Hitler è su tutte le furie: prima fa liberare Mussolini con un commando di paracadutisti (12 settembre) e lo mette a capo della Repubblica Sociale Italiana; poi schiera le sue armate sulla Linea Gustav (dal Lazio all’Abruzzo) per contrastare palmo su palmo l’avanzata Alleata. L’Italia è divisa in due. Il re e Badoglio fuggono da Roma e si rintanano a Brindisi, non dando alcuna indicazione all’esercito italiano impegnato sui vari fronti. I tedeschi cattureranno 600.000 soldati italiani allo sbando deportandoli nei campi di concentramento; molte migliaia invece furono fucilati sul posto. Altri riusciranno a tornare e a unirsi ai primi nuclei della Resistenza. Durante la ‘campagna d’Italia’ di Kesselring molti fascisti rimasti fedeli al duce e a Hitler fiancheggiano la Wehrmacht macchiandosi di crimini abominevoli. Oltre allo spionaggio, i fascisti, conoscendo a menadito i luoghi dove erano nati e cresciuti, guidano i tedeschi in quasi tutti i massacri di civili. Non solo, lo fanno nella maniera più spregevole: si travestono da militari del Reich e si coprono il volto per non essere riconosciuti dai propri compaesani. Con i loro preziosi consigli procurano la morte di migliaia di uomini, donne, vecchi e bambini che parlano lo stesso dialetto e che appartengono alle stesse radici, senza nemmeno avere il coraggio di presentare la propria faccia. Sempre prendendo spunto da alcune testimonianze dell’eccidio del Padule: “Italiani camuffati al Pratogrande di sopra. Entrare in una corte, un mucchio di soldati a quella maniera e due bendati… del paese. Gente che si conosceva, sennò ‘un venivan bendati, è chiaro.” “«Entrarono in casa e cominciarono a mitragliare». Oreste Silvestri sente dire Scendete giù criminali, addirittura in accento toscano; anche poco dopo, quando è ferito e si finge morto, mentre lo rovesciano con un forcone sente in italiano: Sparategli ancora! (…) L’accento toscano è notato, specialmente a Pratogrande e alle case Simoni e Silvestri.” Ah, per ‘criminali’ il camerata intende civili supposti fiancheggiatori di partigiani, anche se varie fonti escludono la presenza di essi nella gronda della palude. Le vittime dell’eccidio sono state quasi esclusivamente donne, vecchi, bambini e sfollati totalmente innocenti e incapaci di difendersi (la vittima più giovane era di pochi mesi, mitragliata in culla, la più vecchia era di oltre novant’anni, cieca, fatta saltare con una granata messa in tasca del suo grembiule). Qui si va oltre l’ideologia di guerra, si va oltre anche la tesi (non perdonabile né tanto mai comprensibile a questi livelli) della vendetta dei tedeschi ‘traditi’ dal proprio alleato. Addirittura il duce in persona nell’agosto del ’44 protesta timidamente contro le stragi sistematiche sui civili, non venendo minimamente ascoltato. Il destino della guerra era segnato già a giugno del ‘44 (gli Alleati erano sbarcati in Normandia e la Linea Gotica, ancora lontana dall’essere ultimata, sarebbe stata oltrepassata a settembre). Ma l’obiettivo dei coraggiosi e temerari fascisti, coscienti di non avere più speranze di vittoria, è quello di praticare uno sfregio sulla popolazione civile, una ferita sanguinosa e sfigurante sulla psiche della comunità che tutt’ora non si è rimarginata. Tanti collaborazionisti furono riconosciuti comunque e dopo la fine della guerra fuggirono, con famiglie al seguito, dai paesi che loro stessi avevano contribuito a massacrare. Altri fascisti furono uccisi sia da ex partigiani, sia da gente comune che non aveva dimenticato, in una scia di sangue che continuò in tutta Italia per almeno due anni e per la quale, ancora oggi, la stampa di destra diffonde la retorica dell’ingiusto trattamento che quei ‘valorosi’ uomini si sono visti infliggere dopo il cessate il fuoco. I carnefici si trasformano in vittime. Ancora oggi quasi tutti i nomi dei collaborazionisti dell’epoca rimangono ignoti. Ciò ha contribuito alla dislocazione delle colpe dei morti della Resistenza, ma non è l’unico motivo. Il fattore determinante, purtroppo, è il ruolo che ha avuto la giustizia italiana e internazionale nei processi del Dopoguerra. Proviamo a capire cosa è successo. La (in)giustizia del Dopoguerra Il processo a Kesselring fu istituito a Venezia e durò dal 10 febbraio al 6 maggio 1947. Fra tutti i crimini commessi sotto il suo comando (ricordo che fu feldmaresciallo delle truppe tedesche in Italia da settembre ’43 a fine ottobre ’44 e che tutti gli ordini dei massacri ai civili durante questo periodo erano stati emanati direttamente da lui), l’accusa gli contestò soltanto l’eccidio delle Fosse Ardeatine a Roma, e quello di Fucecchio. Le indagini che i gruppi di investigazione Alleati avevano svolto tra il ’44 e il ’46 mostrarono evidenti segni di squilibrio e molti eccidi furono archiviati con la motivazione della mancata certezza dei responsabili. La presa di coscienza delle stragi italiane non fu subito lampante, tanto che inizialmente si pensava che i crimini commessi facessero riferimento quasi totalmente contro militari e civili Alleati. Infatti fra i capi di imputazione non figuravano addirittura gli eccidi di Marzabotto e di Sant’Anna di Stazzema (12 agosto ‘44, 560 vittime). Sul banco degli imputati, il feldmaresciallo “negò di aver saputo di atrocità commesse contro le popolazioni civili”. Ciononostante Kesselring fu sentenziato colpevole e fu condannato a morte tramite fucilazione. A questo punto ci fu un colpo di scena inaspettato. Contro la sua condanna reagirono duramente Churchill e Alexander, ossia il primo ministro inglese e il comandante delle forze Alleate nel Mediterraneo (quest’ultimo aveva combattuto contro di lui per mesi nella risalita della penisola). Le pressioni furono così forti che la condanna fu commutata in carcere a vita dal giudice militare Hardling e, ad ottobre del 1952, gli fu concessa la grazia. Kesselring è morto da uomo libero nel 1960. Il perché è da ricercare nelle scelte e nella politica internazionale dell’Italia nel Dopoguerra. Negli anni Cinquanta il nostro Paese si ritrovava di nuovo alleato della Germania (o di quello che ne rimaneva) assieme a Stati Uniti e Inghilterra, in un blocco atlantico teso a contrastare qualsiasi deriva di sinistra; anche se questo voleva dire non condannare un criminale nazista che le forze Alleate avevano combattuto a fianco fino all’ultimo giorno della Seconda Guerra Mondiale. “Alle forze moderate e conservatrici, che gestirono il potere nei decenni immediatamente successivi alla Liberazione, non è difficile attribuire la responsabilità di aver usato in chiave strumentale risentimenti, rancori, sentimenti di dolore autentico in funzione di crociata anticomunista, quindi antipartigiana”. E ciò era stato tremendamente in linea con l’Amnistia Togliatti, vagliata dal governo italiano il 22 giugno del 1946 con l’obiettivo di acquietare gli strascichi della sanguinosa guerra civile. Un conto però è amnistiare, un altro è insabbiare. Infatti solo negli anni Novanta sono stati messi a disposizione gli archivi inglesi, americani e tedeschi sulle stragi in Italia, consentendo una maggiore e dignitosa ricerca storiografica. Nel 1994 a Roma addirittura fu rinvenuto dal procuratore militare Antonino Intelisano presso la Procura generale militare in via degli Acquasparta un armadio con le ante rivolte verso il muro, contenente 695 fascicoli di inchiesta sui reati e i crimini di guerra durante l’occupazione nazifascista e testimonianze dei superstiti raccolte dai servizi segreti britannici; fu denominato ‘Armadio della vergogna’. Grazie al vaglio di questi documenti top secret la magistratura fu in grado di venire a conoscenza, processare e condannare (anche se tardivamente) molti criminali nazisti ancora a piede libero. Il contenuto dell’armadio è stato interamente desecretato nel 2016 ed è disponibile, tramite ordine, sul sito della Camera dei Deputati. Questo ‘oblio’ volontario è stato il fattore determinante per la nascita della cosiddetta memoria divisa, ossia la scissione fra i fatti avvenuti nel 1944 e la percezione antipartigiana diffusa oggi. Ciò che è arrivato ai familiari delle vittime e a tutte le comunità colpite dai vergognosi intrallazzi politici e insabbiamenti in clima guerra fredda, è stata l’assenza di condanne esemplari ai colpevoli nazifascisti; il che “equivaleva ad una implicita assoluzione”. Questo ha portato a un corollario pericoloso: se nessuno paga, le migliaia di morti, oltre ad essere state insensate nei metodi, sono diventate anche senza movente. Perciò, se da una parte venivano amnistiati gli assassini, le memorie colpite hanno dovuto rintracciare un colpevole tramite cui comprendere i massacri: i partigiani. Se da una parte i nazifascisti hanno usato criminosamente le stragi come strumento di battaglia e non come rappresaglia non venendo condannati, i partigiani si sono ritrovati rei “non solo e non tanto per avere commesso qualche azione di guerra infelice o errata, ma per il fatto stesso di essere esistiti come patrioti e di avere combattuto”. Oggi è venuto il tempo di far crollare questo castello di costrutti fasulli e far reintraprendere alla memoria una migrazione verso il proprio punto d’origine dal quale è stata sfrattata: la verità. Non perdiamo questa occasione. U. Jona, Le rappresaglie nazifasciste sulle popolazioni toscane. Diario di diciassette mesi di sofferenze e di eroismi, ANFIM, Firenze 1992, elenco dei morti consultabile a questo link. L. Klinkhammer, L’occupazione tedesca in Italia. 1943-1945, p.333, Bollati Boringhieri, Torino 1993. I. Tognarini, Kesselring e le stragi nazifasciste. 1944, estate di sangue in Toscana, Carocci, Roma 2002, Regione Toscana, Firenze 2002, pp. LXII-LXIII. M. Battini e P. Pezzino, Guerra ai civili. Occupazione tedesca e politica del massacro. Toscana 1944, Marsilio, Venezia 1997, p. 200, che cita Record of a meeting held in Hobart House to discuss Minor War Criminal Trials, 20 agosto 1945, PRO WO 32/14566. Cfr. R. Lamb, War in Italy 1943-45. A brutal story, Penguin Books, Londra 1993, pp. 92-93. V. Ferretti, Kesselring, Mursia, Milano 2009, p. 224. Relazione dell’attività formazione partigiani Silvano Fedi di Ponte Buggianese, 30 settembre 1944, ISRT, fascicolo Silvano Fedi n. 15. P.E. Magrini, Barbarie e vittime. Memorie di tre giorni di ferocia tedesca a Ponte Buggianese nel 1944, Pescia 1945, ristampato in M. Bonanno (a cura di), Barbarie e vittime. Memorie di padre Primo Egidio Magrini, Editrice CRT, Coscienza, realtà, testimonianza, Pistoia 2004, pp. 5-9. Cfr. Klinkhammer, L’occupazione tedesca, cit., p.338. I. Tognarini, Kesselring e le stragi nazifasciste, cit., p. XLIII. Cfr. A. M. Banti, L’età contemporanea. Dalla Grande Guerra a oggi, Editori Laterza, Bari 2009, pp. 236-239. Cfr. Klinkhammer in L’occupazione tedesca (op. cit.), pp. 430-433. L’autore fa riferimento a dati ufficiali della repressione congiunta nazista e fascista che si attesta a 120.000 morti soltanto fra i civili in 20 mesi di occupazione, ma le stime sono decisamente al ribasso. Intervista del 12 giugno 1997 a Eugenio Cappelli e Iliana Giuntoli, in M. Folin (a cura di), Popolo se m’ascolti… Per le vittime dell’eccidio del Padule di Fucecchio. 23 agosto 1944, Diabasis, Reggio Emilia 2005. Testimonianza di Oreste Silvestri, Special Investigation Branch (SIB), 15 febbraio 1945, in L. Baiada, Raccontami la storia del Padule. La strage di Fucecchio del 23 agosto 1944: i fatti, la giustizia, le memorie, Ombre Corte, Verona 2016, p. 106. Cfr. V. Ferretti, La Resistenza nel pistoiese e nell’area tosco-emiliana (1943-1945), Consiglio regionale della Toscana, Firenze 2018, pp. 44-45. Rispetto per tutti i morti tranne per quelli usati in malafede per coprirne altri. Cfr. I. Tognarini, ivi, pp. XXVII-XXVIII. Ibidem. I. Tognarini, ivi, p. XXIX. War Office 32/15490, 11A. Cfr. I. Tognarini, ivi, p. XXX. Cfr. I. Tognarini, ivi, p. LXXIV. I. Tognarini, ivi, p. XLVII. Cfr. I. Tognarini, ivi, p. LXXXVI. F. Giustolisi, L’Armadio della Vergogna, l’Espresso, 9 novembre 2000. I. Tognarini, ivi, p. LXXIV. Ibidem. Share Tweet Share... Read more...Angelillo de cara sucia (pt. 2), un articolo di Cartavelina || Threevial Pursuit23 Aprile 2020Angelillo de cara sucia(pt. 2) di Cartavelina Antonio Valentín Angelillo «…ci fu dato dal massaggiatore di quella nazionale, perché dopo una partita, che avevamo giocato divinamente, avevamo volti e divise sporchi di terra. E quindi Ángeles de cara sucia, gli angeli dalla faccia sporca». Mi era sempre piaciuto quel soprannome. Intanto devo dirvi che mi piacciono proprio i soprannomi, perché sono i discendenti degli antichi epiteti Greci e raccontano una storia permettendo di visualizzarlo, l’eroe di turno, ma quello in particolare era perfetto. Perché di per sé è un ossimoro: gli angeli, figure candide e noiose, vengono descritti con la faccia sporca, faccia di chi ha faticato o quantomeno è andato in barba alle apparenze. Quindi angelici, per la soavità del loro gioco, ma terreni proprio perché la faccia è sporca. Presi coraggio e gli chiesi: «Antonio ma perché sento tristezza nelle tue parole?»Appena pronunciata, quella frase mi parve così scontata, infantile come richiesta e invece avevo centrato il punto senza volerlo.«Infinita tristezza, perché noi con quel vittorioso torneo abbiamo attirato le attenzioni di mezza Europa. Io andai all’Inter, Sivori alla Juventus e Maschio al Bologna e quella fu la fine della ‘Nuestra’».«La fine di cosa?»Perché non sto mai zitto, me lo diceva sempre la mamma: “Callimaco conta fino a dieci prima di parlare e se ti sembra che sia giusto quello che stai per dire, conta di nuovo”.Angelillo mi rimbrottò subito: «Signor Pierozzi qui mancano le basi però». Omar ‘Cabezón’ Sivori (in basso a destra); Humberto Dionisio ‘Bocha’ Maschio (in basso a sinistra); Antonio Valentín Angelillo (al centro); Riprese subito con vigore e trasporto: «Non le dice niente ‘Calcio Criollo’, quello decantato da Eduardo Galeano, il calcio sudamericano, individualista e creativo, che può nascere solo se la tua scuola calcio è la strada. La strada, con le sue buche e i suoi sassi, avversari statici ma dolorosi se li prendi sotto gamba, con le sue incognite proprio perché nata per altro scopo. Un calcio in antitesi a quello inglese dell’epoca, il repellente ‘kick and run’. Mai capiti gli inglesi, fanno tutto di fretta, senza concedersi un secondo per rimirare il paesaggio. Palla lanciata in avanti come a volersene liberare, invece noi la palla la corteggiavamo, la palla è seducente e pronta a tradirti se non le dai le giuste attenzioni. Furono argentini e uruguagi a dare nomi alle finte, nomi che rappresentavano il nostro modo di interpretare il calcio». Speravo che iniziasse ad elencarli e mi concentrai per ricordarmeli tutti. Ripartì, come un fiume in piena: «La marianela, inventata dal difensore argentino Juan Evaristo, leggenda Albiceleste, consiste in una rotazione di centottanta gradi per difendere la palla con il corpo e poi allontanarla con il piede preferito. Oppure la rabona, inventata da Ricardo Infante, dell’Estudiantes de la Plata, che segnò con questo colpo al Rosario Central dopo che la palla era stata respinta dal palo. L’elástico por el contrario, inventore Juan Carlos Muñoz, esterno della delantera del River Plate, l’attacco di quella squadra che annoverava anche Josè Manuel Moreno Fernàndez detto ‘El Charro’, Adolfo Pedernera, Angel Amadeo Labruna e Felix Loustau: era chiamato ‘La Máquina’ e considerato il migliore di sempre della storia argentina». Si fermò a riprendere fiato, credo non avesse mai respirato o almeno io non me ne ero accorto. Non mi mossi, cercai di rallentare battiti cardiaci e flussi di pensiero perché niente interrompesse quella magia.«Sa che dissero che noi, i ragazzi di quella Coppa America del 1957, eravamo i degni eredi di quell’attacco?»Io annui estasiato. Mi feci coraggio e dissi: «Mi sta dicendo solo cose positive, signor Angelillo…»Non mi fece continuare: «Aspetti, non sia impaziente, deve avere una visione d’insieme. Cosa sarebbe accaduto nel 1958?» Mi concentrai come non avevo mai fatto in vita mia. Cos’era successo nel 1958? Non mi veniva in mente niente, poi l’illuminazione. 9 ottobre 1958 era morto Pio XII ma mi ricordai anche che un mesetto prima, il 1 settembre, era scoppiata la Guerra del Merluzzo tra Islanda e Gran Bretagna.Ero in questa impasse e Angelillo se ne accorse e mi disse con tono dolce: «Vada Callimaco, senza paura, siamo solo io e lei».Mi rinsavii, inalai aria, allargai il petto, feci lo sguardo più serio che potevo e esclamai: «Ad ottobre sarebbe morto Pio XII». E preso dal fervore di quest’affermazione iniziai a cantare: «Quando che more un prete, suonano le campane, piangono le puttane, che è morto un avventor. Quando che more un papa suonano il Miserere, ma io c’ho un gran piacere, che è morto il puttanier. Quando che moio io…» Non mi fece concludere: «No». Allora aggiunsi: «Era il mio dubbio. La Guerra del Merluzzo!»«Macchè Guerra del Merluzzo, ci sarebbe stato il Mondiale di Svezia, noi eravamo i favoriti e col cavolo avreste sentito parlare del diciottenne Pelé».Colsi al volo che non doveva essere andato bene per l’Argentina, io mi ricordavo solo del famoso attacco brasiliano e mi vergognai per la storia di Pio XII e della Guerra del Merluzzo. Ma non dissi niente, aspettai. Riprese lui. «E invece io, Maschio e Sivori non fummo convocati perché avevamo tradito la patria venendo a giocare in Italia. E l’Albiceleste perse al primo turno con la Cecoslovacchia, il famoso Desastre de Suecia».Io annuii, fingendo di sapere di cosa stesse parlando. «Così finì la Nuestra, per la stupidità di alcuni dirigenti e perché tre ragazzi decisero di fare il percorso a ritroso dei loro nonni e venire a giocare in Italia. In Argentina prese piede una nuova corrente di pensiero calcistico, il resultadismo. Meno fronzoli, meno bellezza e puntare a vincere qualcosa. Si dovette comunque aspettare il 1978 e i controversi mondiali casalinghi per alzare la coppa, il ‘Flaco’ Menotti come allenatore e una discreta squadra. Passarella, Kempes, Ardiles. Mi vien da sorridere, con noi non avrebbero mai giocato, questo però lo dico io e poi il calcio era cambiato, si fanno anche male i paragoni. Devo confessarle che mi sento terribilmente in colpa, con il senno di poi non avrei mai attraversato l’oceano e sarei rimasto in patria, dove hanno sempre capito e gustato a pieno il calcio di noi Ángeles de cara sucia. Ora ha capito Callimaco Pierozzi perché lei vede questo ombra di tristezza in me? Il nostro è stato il canto del cigno di ottant’anni di calcio argentino. Poi, ci mancherebbe! In Italia son stato bene, ho un record ancora imbattuto, 33 gol in un campionato a diciotto squadre. Ho vinto a Milano, sponda Inter e a fine carriera a Milano sponda Milan, nel mezzo le vittorie con la Roma e ho trovato l’amore. É soddisfatto della sua storia? Ha del materiale per scrivere qualcosa, non crede?» «Signor Angelillo senza dubbio, cercherò di fare del mio meglio». Lo ringraziai e, fatte altre due chiacchiere di rito, lasciai quell’uomo e quella casa. L’articolo su di lui non lo scrissi mai o meglio non raccontai mai quello che mi disse, me lo tenni per me. Scrissi un pezzo elencativo con i trofei vinti e qualche piccolo aneddoto, tanto per renderlo più interessante. E ora che Antonio Valentín Angelillo ha lasciato questa terra, raggiungendo l’altro angelo, Omar Sivori, dovrei comporre il suo epitaffio giornalistico per ArezzoNoi. Non riesco a scrivere niente di sensato, niente che possa esser capito dalla platea dei miei lettori. E allora son partito, direzione Galizia, precisamente il paesino di Finisterre. Ho stampato queste pagine, ho comprato una bottiglia di Queimada, intruglio alcolico a base di orujo, un liquore all’uva, chicchi di caffè, zucchero e fette di limone e arancia. Il composto viene fatto bollire e poi servito, si pensava che tenesse lontani streghe e demoni. Mi sono scolato la bottiglia in riva al mare e poi ho inserito dentro queste poche pagine. Ho aspettato il momento propizio – devo ammettere che di onde e maree ho sempre capito poco – e ho lanciato la bottiglia in mare. L’ho guardata mentre le onde la sballottavano di qua e di là, in un frenetico cullare. Sono rimasto lì, su quella spiaggia, finché l’ho persa di vista. Vi chiederete perché ho donato al mare questa storia. Mi auguro solo che le maree, che ci hanno regalato questo calciatore fantastico, a fine anni Cinquanta, possano portare questa storia dove tutto è cominciato. Mi auguro che la bottiglia, dopo un lungo peregrinare, possa arrivare alla Boca, Buenos Aires e che lì un cuore puro possa leggerla e innamorarsi di un Angelo che si sporcava per sembrare uno di noi. Cartavelina, 20 aprile 2020 Share Tweet Share... Read more...Angelillo de cara sucia (pt. 1), un articolo di Cartavelina || Threevial Pursuit22 Aprile 2020Angelillo de cara sucia(pt. 1) di Cartavelina Antonio Valentín Angelillo Mi presento, sono Callimaco Pierozzi, anni quarantadue. Il nome mi è stato dato per onorare un patriota del Risorgimento, Callimaco Zambianchi, forlivese, il Garibaldi in tono minore. Era conosciuto anche con il soprannome dell’Ammazzapreti: si dice che ne uccise ben otto durante la “gloriosa” Repubblica Romana. Aveva combattuto nella Legione Italiana, a fianco di Garibaldi in Sudamerica. E chi troverà questi fogli scoprirà una storia, quella di un uomo che aveva attraversato l’oceano, facendo il percorso inverso del nonno emigrante, per mostrare al mondo del calcio nostrano che ciò che dirà una ventina di anni dopo Johan Cruyff era totalmente vero. Ed è sempre stata una verità calcistica, dal momento in cui una manciata di bambini hanno arrotolato le giacche o sistemato dei sassi per fare delle porte in una strada sgangherata e polverosa di qualche barrio rioplatense o in qualche prato tagliato all’inglese. Teorema della pelota numero uno: “Giocare a calcio è semplice ma giocare un calcio semplice è la cosa più difficile”. È doveroso un antefatto. Io scrivo per ArezzoNoi, una scarsissima rivista che tratta per lo più di calcio di provincia e di buche da riasfaltare nella provincia aretina. Seguo partite del calibro di Bettolle vs Bibbiena o Rassina vs Pieve al Toppo e inevitabilmente devo fare uso di sostanze che alterino il mio stato psichico. Ragazzi, non c’è versi. Quando vedo calciare il pallone in quei campi, con quella cattiveria è bene che non sia del tutto lucido, sennò non potrei sopportarlo. Diciamo che mi drogo per lavoro, non voglio trovarne un altro e devo fuggire dalla realtà. Vado a quelle partite alterato, diciamo pure tutto fatto, e immagino altro. Quando il trequartista tocca ruvidamente il pallone, come se al posto dei piedi avesse due chiavi inglesi, io sono già perso a immaginare che in quel campo polveroso di provincia ci sia Dragan Dzajic ad accudire la palla come merita. Quando fischiano un calcio di rigore io immagino che in porta ci sia Lev Jašin a cercare di pararlo: lui, il Ragno Nero, unico portiere ad aver vinto il pallone d’oro nel 1963. E quando viene calciata una punizione, con quelle rincorse offensive del decoro, quel pallone colpito come se fosse una granata da allontanare il più possibile, io resetto tutto e immagino che a calciarlo ci sia Valdir Pereira, in arte Didì, campione del mondo 1958, facente parte della delantera di quel Brasile, diventata uno scioglilingua: Didì-Vavà-Pelè-Zagalo-Garrincha. Oppure Mario Corso, giocatore della Grande Inter, quella di Helenio Il Mago Herrera, inventore della punizione, calciata, a “foglia morta”. Angelillo con la maglia dell’Albiceleste Se in campo c’è un giocatore più estroso degli altri, basta poco, è sufficiente che sappia allontanare, mentre corre, il pallone meno di un metro dal suo piede e io sono già perso dietro a una farfalla tinta di granata che di nome faceva Luigi, detto Gigi, e di cognome Meroni. Seppe riportare pace nei cuori dei tifosi del Toro quindici anni dopo la tragedia di Superga, restò per tre anni e poi raggiunse nello stadio eterno gli Immortali, traditi dalla collina maledetta. Quando vedo un difensore che ha un minimo di senso della posizione e gagliardia fisica e morale, è come se scorgessi Josè Nasazzi Yarza, semplicemente Nasazzi, soprannominato El Gran Mariscal, capitano dell’Uruguay campione olimpico nel 1924 e nel 1928 e campione del mondo nel 1930. A volte invece vi scorgo il suo erede, Obdulio Jacinto Muiños Varela, ma tutti si fermavano a Obdulio, capitano dell’Uruguay campione del mondo nel 1950. Sono in continua fuga dalla realtà che mi circonda e vi posso assicurare che non è facile da condurre come esistenza, però di vita ce ne hanno data una, e una sola, e quindi a un certo punto ci si riesce anche ad abituare. Poi succede che un giorno, che dovrebbe essere uguale al precedente e quindi spesso noioso da vivere, accada qualcosa che ti cambi l’esistenza – oddio forse troppo forte come affermazione – diciamo che ti riporti a pensare che tutto sommato una vita vissuta è meglio di una buttata. Il cliché hollywoodiano prevederebbe “l’amore della vita”, nel mio caso è stata la possibilità di andare a intervistare a casa, per i suoi settant’anni, Antonio Valentín Angelillo. A questo punto vi chiederete perché Angelillo volesse rilasciare un’intervista ad ArezzoNoi. E io che ne so?! Ma se devo essere onesto me ne son fregato e sono andato a casa sua, perché aveva deciso di vivere ad Arezzo, e l’ho ascoltato per un pomeriggio, come si fa con i propri idoli. E ora, che siamo ai primi di gennaio del 2018, son qui a dover mettere insieme parole che lo omaggino per la sua dipartita. Quando arrivai a casa sua mi accolse un uomo sulla settantina – in realtà proprio settanta tondi tondi – distintamente vestito, con un naso largo da pugile, capelli inevitabilmente cinerei e un’aria da tanghero stanco. Mi disse di accomodarmi e facendolo indicò una poltrona in stile impero, una poltrona importante. Si assentò un attimo, non so per fare cosa, tornò con due bicchieri d’acqua ma ci aveva messo troppo, se il tempo fosse servito solo per l’acqua. Restai con questa curiosità. Si mise anche lui a sedere e iniziò ad osservarmi, come se volesse capire se ero pronto. Devo ammettere che mi sentii giudicato. Per fortuna si decise a dire qualcosa: «Vuole cominciare lei?» Grazie Angelillo, pensai. «Come mai la scelta dell’Italia? Come mai venire a giocare nel Bel Paese?»Mi guardò per qualche secondo, secondi che a me parvero ere e poi mi disse, o sarebbe più appropriato sussurrò: «Lei guarda la cosa dal punto di vista sbagliato, signor Callimaco. Il punto non è perché io scelsi di venire in Italia, ma perché l’Italia si accorse di me?» Pronunciata da lui, in quell’italiano perfetto ma con quel retrogusto latinoamericano, mi sembrò una verità ineludibile, qualcosa di dogmatico. Ero pronto a farmi ardere, per legittimare quel credo. Riuscii però a dire solo: «Nel senso?»Prese fiato.«Nel senso che io arrivai in Italia nel 1957, avevo vent’anni, dovrò pur aver fatto qualcosa per meritarmi tutta quest’attenzione dal campionato più importante del mondo, non crede?»Credetti subito che avesse ragione.Forse perché mi vide frastornato o forse solo perché voleva parlare, continuò: «Nell’estate del 1957 c’era stata la Coppa America, in realtà fino al 1975 si chiamava Campionato Sudamericano, e la Nazionale Argentina…» Los Ángeles de Cara Sucia: Osvaldo Héctor Cruz (in piedi a destra); Omar ‘Cabezón’ Sivori (in basso a destra); Humberto Dionisio ‘Bocha’ Maschio (in basso a sinistra); Antonio Valentín Angelillo (in basso al centro); Oreste Omar ‘Loco’ Corbatta (in alto a destra). Si fermò, io smisi anche di respirare per paura di disturbare i suoi pensieri, per fortuna riprese a parlare perché sapevo di avere un record di apnea di 46”, poi sarebbe stato collasso.«Scusi, sa i ricordi di gioventù…»Io annuii, ma devo ammettere che se avesse detto “Pere, Cavallo, Crisantemo”, il famoso gioco delle tre parole, avrei annuito lo stesso, mi aveva in pugno.«Eravamo una bella squadra, tutti giovani, molto forti, tecnicamente una delle migliori Argentine che ci siano mai state. E poi la delantera, parlavamo lo stesso linguaggio calcistico e le posso assicurare, signor Callimaco, che quando con i tuoi compagni di reparto ti intendi con uno sguardo, tutto viene più facile. Ma lei sa chi erano i componenti di quella linea d’attacco?» Mi sentii morire, sapevo di saperlo, ma in quel momento il vuoto, più totale. Balbettai delle consonanti, a un ritmo velocissimo, troppe consonanti. Ricominciò lui a parlare e iniziò a dire dei nomi che ridestarono le mie membra ma soprattutto le mie sinapsi.«Da dove vuole che parta, destra o sinistra?»Ero sempre più confuso: “Destra di cosa, sinistra perché”. Per paura che il discorso, a mia insaputa, fosse virato sulla politica stavo per innalzare il pugno sinistro al cielo, ma per fortuna non lo feci. Sarei passato, agli occhi del grande Angelillo, per uno psicopatico.«Facciamo così, gliela dico da sinistra a destra, va bene?»Annuii. «Osvaldo Héctor Cruz, il più anziano di noi, ventisei anni, ala sinistra; Omar ‘Cabezón’ Sivori, anni ventidue; Humberto Dionisio ‘Bocha’ Maschio, ventiquattro anni; Io, il più giovane, vent’anni; e ala destra Oreste Omar ‘Loco’ Corbatta, ventun’anni». Si interruppe, lo sguardo perso nei meandri dei suoi ricordi. Attesi, rispettosamente, che avesse voglia di continuare, fu un’attesa relativamente breve. Devo ammettere che l’accelerai, involontariamente, con un leggero colpo di tosse.«Scusi Callimaco» riprese «sa l’età inizia a farsi sentire. Dicevamo, eravamo spavaldi e sapevamo della nostra forza, non starò qui ad annoiarla con i resoconti delle partite».Pensai che se avesse voluto lo avrei ascoltato anche recitare la lista della spesa, immaginarsi i resoconti delle partite ma per pudore non lo dissi.«É lì che ci dettero quel soprannome».«Quale?» intervenni io. Sapevo benissimo quale fosse il soprannome ma volevo farglielo dire, volevo sentire come si pronunciava. La sua bocca si increspò come un’onda vogliosa di fuggire dall’infinità dell’oceano e poi rise, dolcemente. «Ángeles de cara sucia, gli angeli dalla faccia sporca…» Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°3: SuperDiscoMarket. Un articolo di A. Maglione19 Aprile 2020QuaranThreevial N°3: SuperDiscoMarket di Alessia Maglione Truz Truz di Luchadora Martedì 14 aprile, giorno di quarantena N° Boh, ho perso il conto. Ormai i miei concetti dello spazio-tempo sono completamente alterati e regolo le mie giornate in base alla posizione del sole. So che è appena trascorsa la Pasqua, e a seguito di una serie di accurati calcoli trigonometrici, dopo aver studiato l’andamento dei venti e registrato il livello di umidità dell’aria, mi sono bardata di tutto punto per andare a procacciarmi del cibo. Ebbene sì, oggi è il fatidico giorno dedicato alla spesa, quel giorno della settimana in cui non sai se uscendo ti dovrai armare di pazienza, coraggio, saggezza o semplicemente di guanti e mascherina. Fortuna vuole che i miei calcoli matematici siano corretti: tutti gli onesti cittadini si erano già riempiti le credenze in preparazione del pranzo di Pasqua, di conseguenza in fila non c’è quasi nessuno. L’assalto ai supermercati ormai c’è già stato. Perché sia chiaro, quarantena sì, ma non dite a un italiano medio di rinunciare alle proprie tradizioni, che la lasagna al ragù non si farà di certo da sola. Dunque mi metto comodamente in fila, libro alla mano per impegnare il tempo, mascherina sul naso che a respirare sotto al sole ha generato un effetto sottovuoto su tutta la mia faccia, guanti di plastica traspiranti quanto le lenzuola di flanella della nonna, euro pronto in tasca per accaparrarmi il carrello, che per una volta che ci vengo qua la spesa è bene farla sostanziosa, e attendo pazientemente. E nulla, inutile dirvi che provare a leggere mentre sono in fila al supermercato si rivela essere un’impresa titanica, non tanto per l’attesa in piedi sotto il sole dell’ora di pranzo, quanto per i discorsi che la gente ormai fa quelle rare volte che esce di casa, avendo così modo di esprimere tutto il proprio estro. Mi ritrovo così al centro di due scenari bizzarri, a cui assisto mantenendo ovviamente la dovuta distanza di sicurezza. Di fronte a me si trova uno strano terzetto, composto da due tipi bellocci sulla quarantina e da una ragazza vestita e truccata di tutto punto manco dovesse andare al Cocoricò. Che ormai qui, l’unico modo per imbroccare, è andare al supermercato o portar fuori il cane, pure se è immaginario, va bene uguale. Chiacchierano, ridono e scherzano in questa disposizione a semicerchio e insomma, si crea questo ginepraio di ormoni che solitamente si annusa nelle discoteche il sabato sera, e giustamente che volete farci, coi locali chiusi bisognerà pur trovare un modo per arrangiarsi, no? Ma se la scena che ho davanti quasi mi diverte, quella che si svolge alle mie spalle mi lascia tra il dubbio, il nervoso e lo sconcerto, guarnendo la mia giornata con quella nota di odio razziale e ignoranza che proprio mi mancavano per affrontare alla grande la settimana. In sostanza succede questo: due signore di origine albanese si mettono in fila insieme, e la solita bacchettona di turno le riprende dicendo che a far la spesa ci deve andare solo una di loro, che le regole sono uguali per tutti e che loro stanno cercando di fare le furbe (perché sono albanesi, ovviamente). Inutile dirvi che, dal mio modesto punto di vista, la bacchettona non aspettasse altro che la ragazza albanese rispondesse a tono: c’aveva proprio voglia di insultar qualcuno oggi, glielo si leggeva da sotto l’occhiale da sole glitterato. Classica scena da rissa da bar. Rapido scambio di insulti, minacce di chiamare i carabinieri e noto come la bacchettona, alle ragazze subito dietro di me, italianissime ed entrambe in fila insieme per fare la spesa, non abbia detto assolutamente nulla. Dopo aver ragionato su come ormai questa coda abbia assunto tutte le caratteristiche di una discoteca del centro di Firenze, mentre penso a tutta la rabbia e all’odio razziale ingiustificato che la bacchettona ha riversato sulla povera ragazza albanese che, puntualizzo, sarebbe entrata da sola mentre l’amica avrebbe aspettato fuori, finalmente mi armo di carrello e il solito buttafuori dalla faccia stanca mi fa entrare nel supermercato. Mi passano sulla fronte ‘sto coso a ultravioletti per misurarmi la temperatura che fa venire un po’ di ansietta e sono dentro. Grazie a Dio sto bene e anche oggi è andata, non morirò di fame. E meno male che mi ero portata la lista, che quasi mi scordavo di comprare la carta igienica. Torno a casa, mi levo guanti e mascherina, che ormai faccia e mani si sono totalmente lessate, mi disinfetto, mi lavo, mi asciugo, mi stiro e mi rilasso e mentre smisto le buste mi accorgo che: a) alla fine non ho comprato praticamente un cazzo, e mi toccherà tornare a fare questa sceneggiata tra qualche giorno; b) il signore che sta qualche palazzo più in là ha praticamente finito di costruire la sua verandina e me ne compiaccio, dato che sto seguendo i lavori del cantiere da più di un mese, e sono curiosa di vedere come sarà il lavoro finito; c) la signora di sopra sta preparando un dolce, sento ‘sto odore di burro che mi entra dalla finestra e boh quasi quasi ne faccio uno anche io, che tanto non c’ho una sega da fa’; d) s’è messo a piovere col sole, e c’è questo buon odore di asfalto bagnato che mi ricorda l’estate e le cene con gli amic… ma vaffanculo è ora di aprire del vino. Share Tweet Share... Read more...Perù e Bolivia (pt. 2), un articolo di G. Levantini || Threevial Pursuit17 Aprile 2020Perù e Bolivia Tra terra e cielo di Gabriele Levantini Ingresso a Puno (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Eccoci a Puno, sulle rive del Titikaka. È un freddo cane, ma l’atmosfera della città è caliente, con musica dal vivo e bande in tutto il centro. Il lago è gigantesco e suddiviso in modo non del tutto chiaro tra Perù e Bolivia, perciò le sue acque sono terra di nessuno, specialmente di notte. Per questo motivo, in questo angolo di mondo fare il contrabbandiere è un mestiere come un altro, come ci spiegano quasi con una punta di orgoglio. Facciamo amicizia con un gruppo di connazionali, che viaggeranno con noi il giorno seguente. La mattina presto ci imbarchiamo per l’isola di Taquile, dove risiede una comunità quechua che vive ancora secondo il costume tradizionale. L’isola ci appare come un sogno, un paradiso privo di auto e di quasi tutto ciò che noi chiamiamo – impropriamente – progresso. Dopo circa un’ora di cammino arriviamo in uno dei piccoli nuclei abitati, dove veniamo accolti con uno spettacolo organizzato per noi, con tanto di canzoncine multilingue e danze. Risulta un po’ falso, ma è il compromesso che questo popolo ha trovato per guadagnarsi da vivere con condizioni un po’ meno dure dei propri padri. Quechua a Taquile (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Nonostante questo, abbiamo comunque modo di conoscere la popolazione e le sue tradizioni, rimaste più o meno immutate dal XVI secolo. Qui la proprietà privata è limitata, il lavoro è condiviso e ogni domenica le famiglie si riuniscono e riferiscono agli Anziani tutto ciò che è successo durante la settimana. Questi ultimi vengono eletti ogni anno e hanno il dovere di mantenere i sentieri e decidere dove i nuovi sposi dovranno costruire la loro casa. I terreni vengono distribuiti tra tutti gli abitanti, in modo che siano sufficienti per il sostentamento delle famiglie. Prima di sposarsi è obbligatorio il sirwinakui, cioè la convivenza, ma non esiste il divorzio. Nel caso in cui una donna rimanga incinta durante il sirwinakui è necessario sposarsi, perché non sono ammessi figli al di fuori del matrimonio. Nessuno straniero può sposarsi con un locale e vivere a Taquile, a meno che non impari lingua e tradizioni quechua-taquilegne, compresa la tecnica della maglia a cinque ferri con la quale gli uomini intessono splendidi tessuti, e gli Anziani non diano quindi il loro consenso. Un’arte fondamentale per questo popolo, perché il vestiario è rigidamente codificato e trasmette diverse informazioni sulla posizione sociale di chi lo porta. Stare a Taquile è come fare un viaggio nel tempo, chi vive qui rinuncia a quasi tutto, eppure a giudicare dai grandi sorrisi e dalle facce rilassate che si vedono ovunque, questo popolo ha la più grande ricchezza: la felicità. I quechua conoscono la civiltà, ma scelgono di non farne parte, con grande orgoglio e consapevolezza. Visitiamo infine le isole galleggianti degli Uros, popolazione che nel corso dei secoli si è fusa con gli Aymara. L’origine di questo popolo e la loro abitudine di vivere su isole artificiali sono in parte misteriose, ma qui in realtà il progresso ha avuto la meglio. Oggi giorno le Islas Flotantes non sono quasi più abitate stabilmente perché, essendo realizzate completamente con una pianta lacustre chiamata totora, devono essere mantenute continuamente e sostituite dopo appena qualche anno. Isole galleggianti degli Uros (Photo by Gabriele Levantini, Perù/Bolivia, agosto 2019) Gli Uros oramai fanno base a Puno e trascorrono solo parte del tempo su queste zattere vegetali alla deriva. In effetti, visto il livello di vita davvero misera che possono condurre qui, non riesco a dargli torto. Anche se il trasferimento sulla terraferma ha migliorato la loro condizione, non se la passano comunque troppo bene e quando regaliamo una barretta di cioccolato a una ragazzina, leggiamo nei suoi occhi una genuina gratitudine. A fine giornata rientriamo alla base e ci prepariamo per un’ulteriore lunga traversata in autobus. Il giorno successivo comincerà la parte più dura del nostro viaggio: attraverseremo la frontiera boliviana e faremo rotta verso Uyuni, da dove esploreremo il deserto del Salar. Il pullman percorre una strada molto panoramica, che ci regala gradevoli scorci del Titikaka, fino a Tiquina de San Pablo dove attraverseremo un piccolo ramo del lago. Scendiamo e ci fanno salire su un barcone molto simile a quelli con cui i disperati arrivano a Lampedusa. Nel frattempo caricano l’autobus su una grossa chiatta che si inclina e ondeggia spaventosamente, facendoci preoccupare non poco per la sorte dei nostri bagagli. Poco dopo arriviamo a Kasani dove c’è la frontiera col paraìso socialista del compañero presidente Morales, rappresentata da un arco lungo la strada. Dobbiamo scendere e farci fare due timbri, uno prima e uno dopo l’arco, perché la frontiera è teoricamente chiusa, anche se il gigantesco e chiassoso mercato internazionale che si svolge proprio sul confine non sembra preoccuparsene molto. Il pullman ci lascia a Copacabana, pittoresco villaggio dove mangiamo in un locale che assomiglia alle cantine messicane dei film, con tanto di mosche che ti si posano sul collo sudato, e capiamo immediatamente la differenza tra il Secondo Mondo del Perù e il Terzo Mondo della Bolivia. Se è vero che le riforme socialiste del presidente hanno migliorato la condizione delle classi più vulnerabili, bisogna anche ammettere che la strada dello sviluppo è ancora lunga per questo paese. Il Salar dall’Isola Incahuasi (Photo by Gabriele Levantini, Bolivia, agosto 2019) Il nostro viaggio continua per La Paz, città immensa e poverissima che si può descrivere in un solo modo: un vero casino. Non ha un centro vero e proprio, ma alcune zone di interesse storico sparpagliate in un mare di strade poverissime, che la sera diventano abbastanza pericolose. I murales patriottici che inneggiano al pueblo e al socialismo un po’ dappertutto non bastano a mantenere alto il morale della gente. Qui l’aria è meno festosa che in Perù. Nascondiamo le reflex e facciamo un buon giro in attesa dell’autobus notturno che ci porterà a Uyuni. Cerchiamo di riposare perché il deserto, con le sue escursioni termiche da +20 °C a -7°C sarà molto duro da affrontare in alloggi rurali basici. Arriviamo all’alba e lo spettacolo del sole che sorge al limitare del Salar ci ripaga delle molte ore di viaggio su strade disconnesse e avvolte da un buio difficilmente reperibile in Italia. Il villaggio di Uyuni sembra uscito da un film western, ma al posto dei cow-boys ci sono donne cholitas con grandi gonne polleras e bombette sulla testa. Esploriamo il villaggio in pochi minuti incappando nella dura opposizione alle fotografie dei commercianti che vendono feti essiccati di lama e altri oggetti rituali per chi segue la religione inca. Evito le foto e le botte che ne conseguirebbero e andiamo all’agenzia turistica dove ingaggeremo una guida. Alloggio rurale basico nel deserto (Photo by Gabriele Levantini, Bolivia, agosto 2019) In Bolivia, vizi borghesi come la fretta o la puntualità sono poco diffusi. Ne approfittiamo per scegliere cosa portare con noi nel deserto e lasciare il resto dei bagagli e poi ci mettiamo comodi su un vecchio divano nella sala d’attesa che sembra una comune hippie. Un tizio cucina qualcosa, altri dormono, qualcuno legge, c’è chi studia mappe, un ragazzo con la faccia sofferente scappa di corsa in bagno dove resterà a lungo. Noi invece facciamo nuove amicizie. Dopo un po’ di tempo e qualche mate, arrivano finalmente le guide e cominciano a dividerci: noi saremo guidati da Xavier, un tipo tutto matto che contribuirà a rendere il nostro viaggio un capolavoro, e divideremo il fuoristrada con due italiani e due spagnoli girovaghi che recupereremo a Colchani, ultimo avamposto dopo il villaggio, che i due hanno raggiunto autonomamente. Sarebbe troppo lungo raccontare per filo e per segno cosa abbiamo vissuto nei tre giorni trascorsi nel deserto, ma posso semplicemente dire che è stata una di quelle esperienze che cambiano la vita. Immaginate di attraversare prima un luogo perfettamente piatto e bianco, talmente irreale da farvi perdere il senso dell’orientamento, da rendere il mondo bidimensionale, e di essere sospesi proprio lì nel mezzo. E come un miraggio, in questa distesa, compare un’isola che sembra volare sull’orizzonte. È completamente ricoperta di cactus millenari, grandi come querce. Se riuscite, immaginate cosa può essere un tramonto in un posto simile. Provate a pensare di dormire nel silenzio più assoluto che riuscite a concepire, sotto una via lattea tanto vicina da poterla toccare. Oltre a essere maestoso, il deserto è anche ostile. È un luogo per le rocce e per le bestie e per affrontarlo gli esseri umani devono rendersi più simili a loro. Ci spogliamo d’ogni aggiunta mentale e, così facendo, ci sentiamo liberi e questa libertà ci dà un senso di vertigine e di felicità profonda. Non c’è riscaldamento per resistere sotto zero, ma solo coperte di alpaca che muovendoti nel buio producono scintille elettrostatiche, così tanti strati di coperte che ti sembra di essere sepolto. Di giorno è veramente caldo, ma di notte nel rifugio è talmente freddo che fa male anche togliersi i vestiti polverosi e infilare la calzamaglia. Prima di dormire devi spruzzarti addosso molto repellente extra-forte, per evitare che dal tetto in paglia e da terra arrivino le triatomine (chinche) a pungerti e farti ammalare. Tutto sembra dire all’uomo che qui non comanda lui. In questa cattedrale della natura, ci sentiamo in contatto con qualcosa di superiore e più elevato. Ci sentiamo finalmente vivi. Laguna Colorada (Photo by Gabriele Levantini, Bolivia, agosto 2019) Immaginate il paesaggio che muta ancora: distese surreali di rocce, mari di pietre vulcaniche, oceani di dune di sabbia morbida, monumenti creati dal vento e infine incredibili lagune di tutti i colori. I padroni di queste terre sono i fenicotteri, le volpi, le vizcachas. Pensate alle piste che si inerpicano pericolosamente tra le rocce, sui vulcani, sui monti, sempre più in alto fino al Paso del Inca e poi di nuovo giù, verso altre valli e campi geotermici. La follia di bagno all’alba in una pozza termale, mentre il ghiaccio copre ancora il terreno. La degna conclusione di questa avventura è la deviazione suggerita dalla guida per chiudere il viaggio: la Laguna Negra o Laguna Misteriosa, dove il deserto cede il posto a prati di muschio popolati da lama e da puma. Quando rientriamo, anche il villaggio ci sembra una metropoli. Siamo sfiniti e felici d’una felicità genuina. Xavier ripartirà la mattina dopo per rifare daccapo quel giro massacrante di centinaia di chilometri, su un fuoristrada scassato, in cui entra la polvere. Lancerà foglie di coca dal finestrino ogni volta che passerà nel luogo dove morì il suo collega, sperando di non essere il prossimo, pregherà quel Gesù la cui gigantografia campeggia sulla sua auto, e si raccomanderà a Pachamama. La sua è una vita molto difficile, ma i figli devono mangiare e i soldi sono davvero pochi. Eppure divide con noi la sua carne di lama e le sue foglie di coca. Con noi, ricchi europei in vacanza. Porto ancora sulla gamba destra un piccolo segno che mi ha lasciato il deserto: il morso di una volpe attraverso i pantaloni imbottiti. Guardo quella cicatrice ormai quasi completamente sbiadita – che mi costò non poche iniezioni al mio rientro in Italia – e ripenso a quei giorni così intensi. Mi ricorda che siamo piccole creature in questa meraviglia di mondo nel quale non riusciamo a trovare un equilibrio, sospesi tra la terra e il cielo. La volpe andina che mi morderà, Bolivia, agosto 2019 Laguna Negra (Photo by Gabriele Levantini, Bolivia, agosto 2019) Isola di Taquile, Perù, agosto 2019Capo Uros-Aymara, Perù, agosto 2019 Photos by Gabriele Levantini Share Tweet Share... Read more...Perù e Bolivia (pt. 1), un articolo di G. Levantini || Threevial Pursuit15 Aprile 2020Perù e Bolivia Tra terra e cielo di Gabriele Levantini La vetta del Monte Vinicunca (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) È un’ora indefinita della notte quando arriviamo a Lima, in Perù. Siamo stravolti da una lunga via crucis di voli charter, cambi e scali e ci concediamo qualche ora di sonno nell’albergo dell’aeroporto prima del prossimo volo per Cuzco, la mattina dopo. L’aereo scende senza fretta su una pista piuttosto essenziale, che si distende in una conca racchiusa tra montagne completamente ricoperte di case senza intonaco. Siamo finalmente arrivati. Attraversiamo le favelas dell’antica capitale inca, adagiata a tremila metri di altitudine come un guanto sulle montagne. Il nostro albergo si trova nel vivace quartiere San Blas, uno dei punti più alti del centro storico, patrimonio Unesco ricco di localini accoglienti e di ripidi e strettissimi vicoli in gran parte pericolosamente carrabili. L’ambiente ci fa subito sentire a nostro agio, ma i nostri corpi mediterranei ci fanno capire che quest’improvvisa altitudine non è di loro gradimento. Nessun problema: generose dosi di mate de coca fumante ci proteggeranno dal mal di montagna (soroche) per tutto il viaggio. Se ve lo state chiedendo: no, non dà la botta. È più o meno come un energy drink, ma dal gusto erbaceo da veri indios. Purtroppo il suo sapore rimane sconosciuto alla maggior parte degli europei, perché l’importazione di queste foglie è proibita indipendentemente dalla quantità. Una scelta davvero poco sensata, visto che la concentrazione di cocaina nella pianta è infinitesimale, non in grado di superare la barriera ematoencefalica umana. Quindi, a meno che non siate dei narcos e non disponiate di tonnellate di foglie e di basi nascoste nella foresta pluviale dove poterle lavorare, con tanto di peónes, operai, reagenti chimici ed energumeni armati, non potreste mai e poi mai ricavarvi una raglia di bamba da questo innocuo prodotto. Mercato di San Pedro a Cuzco (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Il mate è solo uno degli innumerevoli aspetti della cultura andina, e Cuzco costituisce un ottimo punto di partenza per scoprirli. Qui infatti la sovrapposizione tra il passato precolombiano e l’eredità spagnola è fisicamente visibile nei monumenti, oltre che nelle usanze. In questi luoghi i conquistadores, nonostante il feroce genocidio di cui si macchiarono, non riuscirono a cancellare del tutto la tradizione preesistente e, ancora oggi, le stesse persone che fanno l’Ofrenda alla dea Madre Terra Pachamama vanno pure a messa la domenica. Accompagnati da un costante fiatone che ci darà tregua solo dopo qualche giorno, esploriamo la città: dai suoi coloratissimi mercati per stomaci forti alle sue chiese in barocco andino, passando per le innumerevoli testimonianze precolombiane. Proviamo anche la carne di alpaca e io, sotto lo sguardo disgustato della mia compagna, anche il mitico cuy, la cavia peruviana arrosto che nella cattedrale di Cuzco fa bella mostra di sé nell’affresco dell’Ultima Cena. Infine facciamo anche una doverosa foto alla Pietra dei Dodici Angoli, che fa tanto I Diari della Motocicletta. Come in tutte le città peruviane, a Cuzco nonostante la povertà si respira un’aria di allegria e ottimismo che ci contagia subito. La seconda tappa del nostro viaggio è la Valle Sacra, che per l’Impero Inca fu una specie di produttiva Pianura Padana, però sacra. La esploriamo in auto con una guida che ci fa anche da autista e che nel frattempo ci racconta la sua vita. Dividiamo il viaggio con delle ragazze italiane che staranno con noi per qualche giorno. È bello conoscere nuova gente quando si fanno viaggi di questo tipo, perché qua nessuno si porta dietro etichette e sovrastrutture, e così avvocatesse di Roma e cassiere di Milano diventano semplicemente viaggiatrici, alla ricerca delle stesse cose che cerchiamo noi e il resto dell’umanità, da sempre. I racconti della guida, sulla sua vita non proprio facile, ci colpiscono molto e ci mostrano il vero volto di questo popolo: sempre sorridente nonostante tutto. Nel paesaggio dolce della valle, amplissimi campi coltivati sono raramente interrotti da minuscoli villaggi con case di fango (casa de adobe) senza pavimentazione, dalle cui porte spalancate si intravedono galline e bambini. Grandi slogan elettorali e i simboli politici, che generalmente contengono figure di Inca arrabbiati, sono dipinti direttamente sui muri delle case. Contadine nella Valle Sacra (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Quello che colpisce è la mancanza di qualsiasi genere di servizio di cui questa gente possa godere: oltre alle case, si vedono solo pochi microscopici empori o bettole che servono da bere all’aperto. Nei luoghi in cui la fermata dei turisti è più probabile ci sono anticuchadas improvvisati per la strada – non importa quanti vaccini abbiate fatto in vita vostra, non mangiate mai a questi banchetti! – e bagni pubblici che ancora oggi compaiono negli incubi della mia compagna, ma che più tardi, in Bolivia, ci sembreranno lussuosi. È triste pensare che questi contadini resteranno rinchiusi nei loro tuguri a non far niente per tutta la stagione delle piogge, tra qualche mese. Solo i cani randagi che si aggirano come scheletri per le strade saranno più sfortunati. I siti archeologici che visitiamo lungo il percorso sono di una bellezza irreale e ci parlano di una cultura aliena rispetto alla nostra. Ogni rovina ci narra la storia di questo popolo incredibile e di come i nostri avi lo massacrarono. La guida ci lascia infine a Ollantaytambo, delizioso villaggio nato intorno a una maestosa fortezza costruita dal re Pachacutec. Da qui, mentre il severo volto di roccia del dio Wiracochan ci controlla dalla montagna, facciamo la pittoresca esperienza di prendere un tuk-tuk o mototaxi che ci accompagnerà a prendere il treno della linea turistica per Aguas Calientes, campo base di Machu Picchu. Dal treno vediamo la valle diventare via via una gola mentre la ferrovia corre lungo il letto del Rio Urubamba, appoggiato al fianco della secca Cordillera. Grandi avvoltoi volteggiano in cielo. Mentre avanziamo a nord-est, lentamente il paesaggio muta e ciò che prima era arido si fa di un verde sempre più intenso. La vegetazione lentamente conquista la sierra spingendosi più in alto, in un climax che termina ad Aguas Calientes, immersa in una rigogliosa giungla di montagna. Il treno si ferma letteralmente sulle porte degli alberghi e noi scendiamo godendoci l’aria fredda e umida dell’imbrunire. Il villaggio è una piccola babele piena di vita, circondata da ripidi picchi seminascosti dalla foschia. Qua gringos e locali fanno fiesta fino a notte fonda e l’atmosfera gioiosa spingerebbe a trattenersi di più in quest’angolo di mondo perduto tra le Ande. Anche noi facciamo fiesta tra messicani ubriachi e giovani francesi, ma ci ritiriamo presto perché il sito archeologico è immenso e vogliamo arrivare il prima possibile. La mattina prendiamo il primo pullman, largo più o meno come la strada che dovrà percorrere, e dopo quaranta minuti di ripidi tornanti, affrontati con assoluto sprezzo della vita, siamo davanti all’ingresso del parco. Sono circa le 6 del mattino e sta albeggiando, quando ringraziamo tutti gli dèi di essere ancora vivi e varchiamo i cancelli. Abbiamo appuntamento con una guida del sito archeologico tra circa quattro ore, perciò decidiamo di fare due brevi trekking verso due miradores immersi nella fitta giungla di montagna che circonda il sito, per poter avere una visione d’insieme della città sacra. Machu Picchu (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Saliamo su sentieri oppressi dalla vegetazione, mentre i versi dei pappagalli ci accompagnano. Le piante crescono letteralmente una sopra l’altra, in qualunque direzione: spuntano dal suolo, si arrampicano sui tronchi, scendendo dalle chiome degli alberi, con forme e colori di una forza straordinaria. La bellezza di questo paesaggio, completamente diverso da quelli visti finora, ci colpisce al cuore. Uno dei due percorsi conduce a Intipunku, la Puerta del Sol, dalla quale condividiamo la stessa veduta degli antichi pellegrini Inca: in basso, in lontananza, la città sacra a forma di condor è adagiata sulla vetta della montagna. Tutt’intorno ripidissime e inaccessibili montagne che un tempo furono Apu, dèi. Di solito, le cose troppo decantate alla fine deludono, ma non in questo caso. Posso dire che chi parla di questo luogo come dell’ottava meraviglia del mondo antico non pecca d’esagerazione. Alla fine di questa esperienza ci sentiamo come se fossimo saliti verso il cielo, ma dobbiamo andare ancora più in alto. Così, salutiamo le nostre temporanee compagne di viaggio e facciamo nuovamente rotta verso Cuzco. La meta successiva sarà il monte Vinicunca, o Montaña de Siete Colores (5.200 metri), che noi scaleremo. Quechua al campo base del Vinicunca (Photo by Gabriele Levantini, Perù, agosto 2019) Il percorso che seguiremo noi consiste in un dislivello di circa mille metri e si compone di tratti pianeggianti e lievi salite, prima dell’attacco finale, molto ripido. Alle nostre latitudini si tratterebbe di una cosa ragionevole, ma così in alto effettivamente è un po’ una follia. Nonostante questo, decidiamo di unirci a uno dei gruppi che alle tre e mezza di notte partono per essere al campo base alle prime luci dell’alba, accompagnati da una guida quechua. Questa popolazione nativa, dispersa su tutta la Cordillera, è ciò che resta del grande impero Inca. Quando scendiamo dal pulmino, i loro volti scuri e rugosi senza età osservano noi e gli altri turisti, offrendoci il noleggio di un cavallo fino all’attacco della salita. Non so chi sia più magro, se loro o quelle povere bestie. Rifiutiamo l’offerta e cominciamo a salire. In questi casi, è molto importante mantenere un passo lento e costante, restare concentrati ed evitare di mangiare e di bere. Le foglie di coca che stiamo masticando hanno un gusto orribile, ma sono necessarie quanto gli incoraggiamenti della nostra guida che, diversamente da noi, sembra un’allegra capretta di montagna che saltella qua e là. Buon per lui. Il paesaggio è completamente desertico, ad eccezione di piccole piante secche che spuntano dal terreno roccioso con non so che coraggio. Il paesaggio è solenne: tutt’intorno da vette altissime ci osservano ghiacciai che brillano nell’alba, ai bordi del sentiero piccoli cumuli di pietre, detti apachetas, chiedono a Pachamama protezione lungo la strada. La guida ci mette sulle mani un po’ di agua de florida e ci dice di respirarne a fondo l’aroma. Si tratta essenzialmente di un profumo, del tutto simile a quello che ci spruzziamo addosso noi prima di uscire di casa, ma per loro è un’acqua sciamanica nelle cui presunte proprietà ripongono grandi aspettative. Fatto sta che effettivamente sembra aiutarci un poco contro il mal de altura. Dopo un po’ alcuni dei nostri compagni stanno male e sono costretti a fermarsi, e poco prima dell’arrivo comincia ad avere malessere anche la mia compagna. Con una forza di volontà straordinaria e grandi sniffate di agua de florida, riesce comunque a completare il percorso, compresa la devastante salita finale, fino alla vetta. Una volta in cima si ha una visione iconica dell’incredibile cresta arcobaleno di questa montagna e all’orizzonte la Valle Rossa, Palcoyo. Ci sembra veramente di essere arrivati alla casa degli dèi e la nausea che ho pagato dopo è un prezzo ragionevole per una simile meraviglia. È tempo di ritornare sulla terra e incontrare i veri figli di quegli dèi che abitano le montagne. Ripartiamo per incontrare una comunità Quechua e una Uros-Aymara. Ci aspetta un viaggio in pullman della durata di un giorno, composto da varie tappe, che ci porterà fino alla città di Puno, sul Lago Titikaka. Miniere di sale di Maras, Perù, agosto 2019 Valle Sacra, Perù, agosto 2019Mate de coca in bustine, Perù, agosto 2019 Photos by Gabriele Levantini Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N°2: Utopica Vecchiaia. Un articolo di R. Dell’Ali13 Aprile 2020QuaranThreevial N°2: Utopica Vecchiaia di Roberta Dell’Ali Vecchiaia di Chimù Quando avevo circa dieci anni volevo fare la giornalista. La maestra Maria Concetta assecondava quelle mie innocenti velleità e un giorno, dopo averci spiegato l’ascesa del fascismo nei termini più adatti per dei bimbi di quinta elementare, mi assegnò la stesura di un articolo. Fu in quell’occasione che feci la mia prima intervista. «Ciao nonna! Senti, ma tu te lo ricordi Mussolini?» Nonna Enza era una signora molto composta e di poche parole, esprimeva quasi tutti i suoi sentimenti tramite la preparazione di succulente pietanze e aveva un enorme quantitativo di rosari e libricini di preghiera stipati in un angolo della cucina. «Sì, me lo ricordo». Lei si sforzava sempre di parlarmi in italiano. «E com’era?» «Era piccolo piccolo e passava sempre sul ferry boat» – nonna Enza aveva questa cosa strana, una volta ogni tanto usava parole inglesi tipo “ferry boat”. Credo fosse un residuo della sua vita da immigrata negli U.S. – «mi ricordo che quando eravamo bambine avevamo tutte una tunichetta nera, come il tuo grembiulino di scuola, annonna, e un fiocco grosso al collo. A volte ci mettevamo tutti in fila al lungomare di Ortigia e aspettavamo che il duce passasse sul ferry boat per il saluto». Mi capita spesso di immaginarmi da vecchia. Vestiti scuri, uno chignon bianchissimo e la pelle raggrumata attorno agli occhi. La vecchiaia è l’unico momento della mia vita futura per il quale so immaginare un luogo e un modo. Sono convinta che la passerò a casa mia, in Sicilia, dove trascorrerò le sere d’estate seduta su una sedia che piazzerò davanti alla porta di casa. Saremo io, Rebecca, Federica, Claudio e Leo, ci ritroveremo ricurvi e stanchi a parlare dei nostri nipoti e a lamentarci dei nostri acciacchi. Berremo vino e mangeremo dolci di nascosto ai nostri figli, ormai adulti. Mia nipote sarà una bimba sveglia e, mi auguro, estremamente curiosa. Le racconterò tutto, non farò censure, forse a volte indorerò la pillola. Instaurerò un sincero rapporto di confidenza e quando mi chiederà degli anni venti le dirò che mi sentivo semplicemente impotente. «Nonna! Ti ricordi il Covid-19?» mi dirà un pomeriggio mentre sceglie la caramella dal cassetto aperto della credenza in salotto. «Sì, me lo ricordo» risponderò, prendendo una caramella Mou anche per me. «E com’è andata, nonna? Oggi la maestra ha detto che eravate tutti chiusi a casa. È vero?» «Sì e no, annonna. Stava a casa chi la casa ce l’aveva». Mia nipote mi guarderà interrogativa, non capirà il senso delle mie parole e scartando la seconda caramella mi chiederà che cosa intenda dire con “chi la casa ce l’aveva”. Mi soffermerò un attimo e sarò felice che mia nipote non capisca le mie parole, ma per amor dell’onestà e del senso storico le spiegherò la mia affermazione. «Vedi gioia mia, prima, quando la nonna era giovane, il mondo non era così come lo vedi tu adesso». Forse dicendo queste parole avrò nostalgia del fiore della gioventù, ma farò finta di niente e continuerò la mia risposta: «Il diritto non era equo e inviolabile per chiunque come oggi. Molta gente viveva in condizioni disumane, fuggendo dalla guerra e vedendosi rifiutata la possibilità di una vita degna». Cercherò di non scendere nel particolare per non urtare la sensibilità di una bambina che non ha idea di come potesse essere l’umanità nel 2020. Nella mia testa un po’ svagata, però, riemergerà tutto. Risalirà vivida la faccia di Gianni, il barbone mio amico che ai mercatini di Natale in via S. Giuseppe mi regalava due anelli sottili di ottone. Penserò al mio rientro a Bologna alla fine della quarantena e al momento in cui l’ho rivisto e l’ho trovato vivo e ci siamo abbracciati, anche se Gianni nel mentre aveva perso tutto e tutti e non era più lo stesso. Ricorderò anche Sevi, una ragazza di Lesbo che avrò smesso di sentire da molti anni, e mi tornerà in mente quella volta che nel marzo 2020 – quando ancora esisteva Messenger – lei mi scriveva: «Except from the fact that ten days ago the fascists burned down a school which was operating in One Happy Family facilities – in a very symbolic move that hit all of us – in the last days we are talking just about Corona, so all the conversations about refugees are frozen». Ripenserò a quel periodo in cui era solo delirio nel mondo e, con un po’ di onestà, la reclusione a casa era la miglior condizione di grazia. Mi si bagneranno gli occhi, ma sarò veloce ad asciugarli perché non vorrò far vedere a mia nipote che piango, anche se forse dovrei fare proprio il contrario. «Non capisco, nonna Roberta». Mia nipote ignara della bruttura del passato, continuerà a guardarmi dubbiosa e a ciucciare la sua caramella alla fragola, aspettando che io le risponda qualcosa. Cercherò di spiegarle la complessità che il 2020 ha racchiuso e le dirò che la democrazia spietata di quel virus ha concesso alle persone di riscattarsi. Le dirò che in quel momento l’idea di comunità si è imposta come unica reale alternativa e che per la prima volta, dopo millenni di deprecabili reiterazioni storiche, l’umanità ha compiuto un passo avanti decisivo. Racconterò a mia nipote di come all’improvviso le persone abbiano smesso di giudicarsi a vicenda e di come ognuno si sia assunto le proprie responsabilità, senza additare l’altro in quanto untore o problema sociale. Andrò a ripescare perle nella mia memoria stanca e le citerò Sofocle: «Perciò nessuno che sia ospite, come ora sei tu, manderei via senza aiutarlo; perché so bene che sono un uomo, e che del domani nulla è in potere mio più che tuo». Le spiegherò che l’umanità è stata lenta, ma che alla fine s’è lasciata illuminare. Share Tweet Share... Read more...Il reale nelle Microfictions, un articolo di R. Cannarsa || Threevial Pursuit8 Aprile 2020Il reale nelle Microfictions di Rocco Cannarsa “ Considerato da critici e lettori una delle opere più importanti e influenti degli ultimi anni, tradotto in dodici lingue, pubblicato in Francia da Gallimard nel 2018, Microfictions è un’«opera-monstre», uno di quei libri che diventano imprescindibili, dei quali «si deve» parlare e che soprattutto «si deve» leggere, un’impresa letteraria e editoriale quasi folle che testimonia – se ancora ce ne fosse bisogno – come Régis Jauffret, forse ancor più dei grandissimi Emmanuel Carrère e Michel Houellebecq, sia ormai diventato «l’autore», che dalla Francia racconta al mondo i lati meno apparenti, meno accettabili, meno morali, quindi più veri dell’essere umano”. (Sinossi dell’edizione italiana di Microfictions) Mentre proponevo al Biagio la recensione di Microfictions di Régis Jauffret, e proprio mentre il pensiero stava divenendo parola, già me ne ero pentito. Immaginavo che la reazione provocata sarebbe stata di stupore, curiosità e, di conseguenza, entusiasmo. Tralasciando le altre proposte, di fatto, ha accettato al volo. Mea culpa, mi ritrovo a parlare di un libro lungo, triste e, per giunta, ostico. “Avviso ai lettori: maneggiate con prudenza, questo libro è materiale semplicemente incendiario”, recita la scritta rosso sangue che spicca dal candore bianco della copertina. Edito in Italia da Edizioni Clichy, che ci regala le meravigliose parole di apertura, questo libro è un’antologia di racconti che si maschera da romanzo o viceversa. Quando ne lessi qualche pagina al mio amico Marco, già in videochiamata seppur ancora non fossimo in tempo di quarantena, «è un pugno in un occhio» mi disse. Ci prese al volo. Questo libro è un pugno in un occhio, ma un pugno da ko. Mille pagine, cinquecento racconti. Un colosso, un “mattone”. Non li ho letti tutti, sono sincero. È un libro la cui lettura procura dolore, e il mio sempre più lieve desiderio di autolesionismo mentale viene abbondantemente sfamato da poche pagine giornaliere. Questa non sarà una recensione, se lo fosse lascerebbe a desiderare, né un (non)-consiglio di lettura. È una riflessione su ciò che definiamo poetico. Se intendiamo questo termine come ciò “che è ricco di suggestione, di fascino” potremo dire che questo è un libro poetico. “Sono scappato in macchina. Mi sono fermato senza benzina in una periferia in costruzione. Accanto ai cantieri c’è un hotel bianco come un transatlantico, la cui cima si perde nel cielo sporco. Sono corso a chiedere alla reception una camera sopra le nuvole per buttarmi fuori bordo come un secchio di vergogna”. (tratto da Candy Crush Saga, Microfictions) L’interrogativo nasce quando accostiamo alla materia trattata nel libro lo stesso termine nell’accezione di “necessario al poeta, in quanto costituisce occasione di poesia”. Perché Jauffret racconta il dolore, racconta l’amarezza, i segreti, le perversioni, le eccitazioni, la voglia di fare del male, la debolezza-forza di non sopportarsi più. Dal punto di vista estetico le immagini crude che Microfictions ci getta in faccia assicurano l’efficacia artistica che ne garantisce l’elemento poetico. Se vi aggiungiamo la nitidezza magistrale dal talento letterario di Jauffret siamo costretti a subirne amplificato il forte impatto emotivo. “I bambini hanno riso. Anche se la loro madre è colpevole, non sopporto che le manchino di rispetto. Li ho spediti a finire la cena in giardino. «Siete fortunati, ormai c’è solo neve sciolta». Sono abituati ai maltrattamenti, la prospettiva di fare un pic-nic di notte non li ha colpiti più che vedere un paio di ceffoni pronti a colpirli in faccia. Mi sono dimenticato di loro e mia moglie che non ha né visto né sentito credeva fossero a letto. Li ha ritrovati la mattina, stipati nel capanno degli attrezzi. «In stato di ipotermia»”. (tratto da Jean-Jacques Rousseau, Microfictions). E a questo punto viene da chiedersi: quanto l’esasperazione del tormento facilita l’empatia? Quanto più semplice diventa colpire il lettore? È un non-dilemma: è più facile creare pathos col dolore. La tensione, che ci fa vibrare, stridere, quelle corde sempre tese della nostra debolezza del tutto umana, e che fa portare i più coraggiosi alle lacrime. E la colpa è del metaforico masochismo che caratterizza quelle anime poetiche con l’attenzione perennemente destata verso il fuori, verso la vita, e con una spinta immaginativa forte quanto basta per trovare della bellezza anche nella sofferenza (letteraria, ovviamente). La scrittura? Il tono, il ritmo, lo stile? Che cosa dire… ti inghiotte, mangia, sbrana, e tu la preghi di fermarsi, finché davanti al suo reiterato rifiuto chiudi con decisione il libro, ritornando nella realtà del mondo, sperando, con tutta la forza che hai dentro, che non abbia nulla a che vedere con ciò che hai appena letto. Non sarei d’accordo con l’editore, che ne parla come: “ uno di quei libri che diventano imprescindibili, dei quali «si deve» parlare e che soprattutto «si deve» leggere” eppure eccomi qui a parlarne, perché è un’opera che non può passare inosservata, e non solo per le dimensioni. “Dopo che me ne ero andato mia moglie e Léon erano tornati in salotto. La madre aveva asciugato gli occhi del figlio promettendogli uomini, donne, animali fantastici, fiori prodigiosi, una stella che lui avrebbe tenuto come un palloncino con un filo lungo cento milioni di anni luce per mostrare a quel contabile in quali boschi si riscaldano i Léon. «Aveva rallentato il pianto, sembrava che le credesse». Lo aveva lasciato solo giusto il tempo di fare una doccia perché lui l’aveva innaffiata delle sue lacrime dalla testa ai piedi. Lui aveva scelto l’attimo in cui lei usciva fresca e profumata dal bagno per prenderla per le gambe, portarla in terrazza e saltare la balaustra come fosse una siepe. Lei si era gettata nel vuoto dietro di lui come se avesse scambiato l’aria con l’acqua e si fosse immaginata di poterlo salvare dall’annegamento”. (tratto da Canto Tibetano dei morti, Microfictions) Il progetto di Microfictions è francese per eccellenza, la “Commedia umana” del nuovo millennio. Tutto, o almeno gran parte, di quello che è lo struggente della quotidianità, ecco cos’è questo libro. Su Jauffret Le Magazine Littéraire scrive: «Lo sapevamo già, ma adesso è ufficiale: questo è il più grande scrittore vivente». Potrebbero avere ragione, ma c’è una parte di me che crede che trattare la vita a senso unico, trovandone letterarietà solo nel male, nel 2020 non sia abbastanza, potrebbe, anzi, iniziare ad essere definito “un vincere facile”. O forse, al contrario, è un lavoro lodevole, ché rintanati nelle nostre finte certezze, necessitiamo di chi guardi con occhio empatico ma critico, il male che, latente, tacito, boccheggiante eppure vivo, ci circonda. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N° 1: le 5 fasi della quarantena || Threevial Pursuit1 Aprile 2020QuaranThreevial N° 1 Le 5 fasi della quarantena di Three Faces Quarantena di Bladi Eccoci di nuovo qua, a vedere l’ennesimo buon proposito andare letteralmente a puttane. Sì, perché in realtà io questa cosa non la volevo fare. Io volevo farvi un pesce d’aprile. Sì, volevo farvi lo scherzone del secolo, ma il resto della redazione mi ha fatto giustamente notare che qualsiasi idea potessimo partorire, anche la più geniale e folle, non sarebbe stata niente a confronto della situazione assurda che stiamo vivendo, a meno che il pesce d’aprile non fosse legato proprio all’ormai tristemente noto Covid-19. E lì chiaramente ci siamo fermati, perché il rischio era quello di camminare sulle uova con un elefante sulle spalle. In quel momento ho capito che tutti i nostri peggiori incubi si stavano per avverare, che ormai era inevitabile: avremmo finito per fare un THREEvial sulla quarantena. Praticamente un QuaranThreevial. Certo non potevamo immaginare che questo sarebbe stato solo l’inizio. Già, perché pare che ce ne saranno altri. Quando? Non si sa. Su cosa? Non si sa. Perché? Non si sa. Ci sembrava insomma un buon modo di presentarli. Detto questo, vi assicuriamo che non vogliamo finire come tutti quelli che con la scusa di sentirsi solidali con il resto della comunità (falsi come una banconota da seimila lire) ci stanno sminuzzando le gonadi con le loro dirette/letture/concerti/tutorial/allenamenti/sketchcomici/opinionidacircolo/misonorottogiàicoglionimanonilcazzolepalleesonosoloametàlista, che poi in realtà l’unico motivo per cui c’hanno tutti ‘sto gran spirito di solidarietà è per pigliarsi ‘na manciata di mi piace in più di quelli che si sarebbero presi normalmente, pensando di inventarsi chissà che contenuto geniale. No, noi lo facciamo principalmente perché, avendo la fortuna d’averci un tetto sulla testa e non averci una cippa da fare segregati in casa mentre aspettiamo la disoccupazione, in qualche modo il tempo lo dobbiamo pure passare. Visto che noi siamo scrittori e scrittrici, in questo periodo di quarantena scriviamo, e poiché alcuni di noi stanno producendo come conigli in calore, il rischio è che tutto questo materiale si perda, quindi abbiamo dovuto trovare una soluzione. E che dovemo fa’… Per questo come introduzione, abbiamo deciso di redigere una sorta di Prontuario dello Scrittore in Quarantena, un vademecum per essere più chiari o, come dire, un compendio… oddio, insomma, ‘na cazzo di guida, ecco. Il motivo di questa scelta è molto semplice. Ci siamo resi conto infatti, sperimentandolo in prima persona, che in una situazione del genere lo scrittore deve obbligatoriamente affrontare delle fasi dalle quali potrebbe non uscire sano di mente. Noi vogliamo mettervi in guardia nel caso in questo periodo vi fosse venuta l’originale idea di diventare scrittori. E per fare questo, scoprirete che ci siamo avvalsi non solo di esperienze personali, ma anche di studi illustri e affidabili. Iniziamo dalla temibilissima Fase 1, ovvero superare la paura della pagina bianca, che per comodità chiameremo Sindrome di Cannarsa (Rocco per gli amici) e che ci viene sintetizzata in questo breve passaggio, tratto da un saggio di un giovane anonimo trovato su un sito a caso di cui manco ricordo il nome. Ma non perdiamoci in chiacchiere inutili. Il passaggio più o meno era così. “Ci ho messo mezza giornata per scrivere questa riga. Sono in quarantena da venti giorni e il tempo mi sembra volare ora che me ne sento padrone. Mi sveglio ogni mattina con le idee ben chiare sulla piacevole produttività incarnata dalla giornata imminente. Farò tante cose, troppe cose. Dio che giornata! E contemplo, bonario, il mio accanimento. È vero, ve lo assicuro, chi troppo vuole nulla stringe. Comprendo la mia schiavitù a un tempo che si nutre delle mie ambizioni, dei tentennamenti, delle indecisioni, inghiotte tutto il fottuto giorno, e mi lascia solo la noia. Oggi in mezza giornata, ho scritto questa riga”. Esticazzi, aggiungerei pure. Pare il monologo finale di Carlito’s Way. Ad ogni modo, passata l’ansiogena Fase 1, solitamente lo scrittore entra nella Fase 2, detta più comunemente Prima regola del termofancazzismo di Tio, che recita: “niente si crea, niente si distrugge, ma te datti pace”. Come sia arrivata una tale intuizione nella testa di questo luminare della fisica sociologica, ce lo spiega lo stesso dott. Niccolò D’Innocenti nel suo saggio Prendiamoci del tempo, che potete acquistare sulle nostre piattaforme online attraverso una modica donazione di euro 99,99 (Cairo a noi ci fa una pippa). “Devo essere sincero. Io di questa quarantena non è che mi posso troppo lamentare, soprattutto se faccio finta che nessuno là fuori stia morendo o soffrendo. Alla fine mi sono sempre lamentato di non avere tempo per dormire, di non avere tempo per leggere, di non avere tempo per scrivere, di non avere tempo di stare con la mia ragazza e soprattutto di non avere tempo di giocare ai videogiochi. Adesso ho il tempo! Non che poi abbia né letto né scritto, ma sto dormendo come mai e mi sto sfondando di videogiochi. A questo ci aggiungi che tempo per bere e fumare l’ho sempre trovato, ed ecco che salta fuori una vacanzina niente male. Faccio esercizi e mi tengo attivo con sfide a chi distoglie prima lo sguardo con la faccia di cazzo della mia dirimpettaia, rapporto mai fiorito, neanche in questi tempi di solidarietà a buon mercato. Tutto questo crollerà quando finirò da fumare, ahimè”. Per la serie: finché c’è fumo, c’è speranza. Questo però conduce lo scrittore a finire in uno stato mentale apparentemente assimilabile alla pigrizia (Fase 3), conosciuto in psichiatria come “indolenza da decreto segregante del sabato sera”, o più semplicemente Complesso di Francioni, in onore del primo soggetto in cui gli psichiatri hanno riscontrato questo tipo di disturbo psicosomatico. Per comprendere meglio l’evoluzione del fenomeno, gli studiosi si sono concentrati sulle ultime parole sensate a loro rilasciate dalla paziente stessa, Chiara Francioni. “Devo essere collassata sul divano per l’ennesima volta. Chissà da dove viene tutto ‘sto sonno? Mi tiro su, distendo i muscoli e fisso la parete, pensando a qualcosa da fare. Controllo le previsioni? No, chi cazzo se ne frega del tempo che fa fuori. Fuori. La parola riecheggia nella desolazione della stanza. All’improvviso mi sembra così strano che al di là della finestra ci sia un mondo che va avanti anche senza di me. Mi sento piccola e forse va anche bene, perché la casa è minuscola e meno spazio occupo, più ne resta per muovermi in libertà. Libertà. La parola riecheggia nella desolazione… e no, mo basta. Apro il vino e vaffanculo”. E poi fu il delirium tremens. Già, perché a questo punto è ormai evidente che lo scrittore (in questo caso, la scrittrice) è entrato nella Fase 4 del suo degrado artistico, la quale fase segue il celebre Teorema dell’alcolismo di Piccinni, ovvero “ogni corpo costretto per un numero x di giorni a contatto con Tiziana Caudullo in uno spazio ristretto riceve una spinta dal basso, anzi facciamo due spinte belle tonde dal basso verso l’alto, uguali per inutilità al peso delle azioni che lo stesso corpo farà pur di non comunicare con la suddetta Tiziana Caudullo, ovvero ubriacarsi male”. In seguito, ci spiega l’autore, il corpo in questione inizierà a comportarsi come se fosse realmente in grado di compiere alcune azioni complesse, tipo far di conto o suonare decentemente il basso. Eccovi uno stralcio dal diario personale dello scienziato Simone Piccinni, che ripercorre il suddetto esperimento. “Lunedì mattina, ore 9.00. Apro gli occhi bestemmiando. Quanto cazzo ho bevuto ieri? Oki + caffè. Il box da 5 litri di vino è a fine. Porco il clero, l’ho comprato venerdì pomeriggio… Fanculo. Mettiamo un po’ di musica. Ambient jazz? Dovrei iniziare a rimettere a posto la contabilità: ci starebbe. Ma… ha senso? Youtube suggerisce To have and to have not, versione di Lars Fredriksen and the bastards. Daje. Sai che? Fanculo la contabilità… Riprendo il basso e mi metto a studiare le tablature del pezzo. E vaffanculo. Tanto il mondo sta andando ai maiali, s’inculi la contabilità”. Ed ecco che si arriva quindi alla ovvia fase finale (per chi ci arriva) di questo percorso: la follia. Ci sono però opinioni discordanti sul come la follia si manifesti nel soggetto scrittore durante la Fase 5. Secondo la corrente bendinelliana, che si rifà agli esperimenti antropologici della controversa studiosa Benedetta Bendinelli, questa ultima fase porta il soggetto a crisi paranoico-depressive, dette anche Crisi di Bates. Una parte dei suoi esperimenti è poi confluita in un romanzo autobiografico, che sta diventando un caso letterario mondiale e che s’intitola PSYCHOVID. Eccovi un breve stralcio. “Siamo qua da giorni. Qua, per me, è in mezzo alla campagna. Siamo vuol dire io e Carolina. Tutto bene, va tutto bene e non posso dire il contrario. Il sole batte sulla facciata di casa verso l’ora di pranzo e resta caldo fino a prima del tramonto. Il bosco è dietro l’angolo, per davvero. Fuori tutto occhei ma la casa mi spaventa. Mi spaventa la polvere: con la luce del pomeriggio la vedo ovunque. Mi spaventa lo scaldabagno, quel ribollire grasso dentro la pancia di metallo è un cattivo presagio. Mi spaventa Carolina, quando entra all’improvviso in bagno e si affaccia dalla tenda della doccia. Per tutto questo, e poco altro, ho pianto”. La Bendinelli è poi stata accusata di plagio e portata in tribunale, venendo però assolta, probabilmente per il fatto che a citarla in giudizio era stato per motivi ancora oscuri Al Bano, al quale la quarantena ha fatto peggio del previsto. Tornando a noi, alle tesi della Bendinelli si è sempre opposta la sua acerrima rivale Roberta Dell’Ali, la quale si dice certa di una diversa evoluzione della Fase 5, come da lei sperimentato in prima persona. L’abbiamo contattata via mail pochi giorni fa per chiederle di spiegarci in cinquecento battute (sennò ci veniva lungo il pezzo) le sue considerazioni riguardo all’evoluzione dei suoi studi. Dobbiamo dire che ci ha risposto con una notevole dose di calma, dignità e classe. Da: Roberta Dell’Ali 30 mar 2020, 16:37 AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAH!Lo so, avrei potuto farvi ridere o raccontarvi qualcosa, ma queste cinquecento battute le ho concesse all’urlo che da giorni spingo giù in gola: scusate, ma maggia sfuca’.Distinti saluti Insomma, sembra che gli studi procedano spediti. Un po’ troppo spediti. Ci sarebbe anche un’altra testimonianza, che rivela la strana involuzione metabolica in un soggetto di nome Andrea Biagioni, il quale avrebbe subito nel corso della quarantena un precoce invecchiamento. Pare infatti che il fantomatico Biagioni (nessuno sa se sia realmente esistito o se sia il frutto dell’ennesima fake news di cattivo gusto), dopo aver superato con successo le prime quattro fasi, abbia iniziato a passare tutto il giorno alla finestra ora guardando con nostalgia il cantiere sotto casa, ora facendosi delatore di runner, ora cantando con fervore l’inno di Mameli fino al soffocamento, e infine pare abbia iniziato a inveire come un ossesso contro bambini invisibili, gridando loro di smetterla di giocare a calcio nel suo cortile e colpevoli, a suo dire, di non rispettare il modulo MM della grande nazionale ungherese degli anni ’50. Nel verbale redatto dagli agenti accorsi sul posto, si legge che “il soggetto veniva prelevato dalla propria abitazione nel rispetto delle norme igienico-sanitarie in atto, mentre continuava a inveire contro un certo Ferenc Puskás”. Non sappiamo se questa storia, ormai diventata virale in rete come Il curioso caso di Biagio, sia reale o meno. Quello che possiamo dirvi è che noi continueremo a indagare, e continueremo senza sosta a studiare e riferire con i nostri QuaranThreevial quanto venuto a nostra conoscenza riguardo l’impatto di questa quarantena sulle deboli menti di scrittori e scrittrici, o presunti tali tipo questo Biagio. Per il bene della comunità, prima che in comunità ci sbattano tutti quanti. Share Tweet Share... Read more...Il Regno della Paura, un articolo di S. Piccinni || Threevial Pursuit25 Marzo 2020Il Regno della Paura di Simone Piccinni Ho iniziato a scrivere questo pezzo a febbraio, ben prima che il Covid-19 diventasse l’argomento pubblico numero uno. Il pezzo parla di paura, e ne parla partendo da basi che ora sembrano lontane e astratte, essendo state soppiantate da un’altra fonte ben più basilare e immediata (maledetta indole procrastinatrice, mi fotte sempre…). Ma ho deciso di riportarvelo così com’era, almeno fino al punto in cui mi sono fermato, perché alla fin fine è proprio lì che voglio arrivare: la paura assume migliaia di forme ma condiziona il nostro vivere sempre alla stessa maniera. Maniera che però, a sua volta, assume migliaia di sfumature diverse. Questa che stiamo vivendo è solamente una di esse, sebbene sembri più forte e presente. Quindi niente, ci rivediamo in fondo alla pagina per le conclusioni… Nel bel mezzo della mia disordinatissima libreria c’è un piccola pila di libri non letti. Non che i libri non letti e parcheggiati in quel casino siano pochi, ma questa specifica pila conta solo qualche volume. Se ne sta lì come un totem. È sempre stata lì, nel suo preciso ordine, indifferente alle frequenti consultazioni e agli sporadici riordini. L’ultimo titolo, quello che chiude la pila, protegge col suo peso i sottostanti sigillando il piccolo parallelepipedo di carta come la merlatura di una torre. Questa specie di orpello architettonico non è un libro come gli altri, almeno per me. Mi guarda da più o meno tredici anni. E io osservo lui, incrociando lo sguardo con le orbite vuote del teschietto punk stampato sulla costola, con un misto di fascino e senso di colpa. Il libro è Kingdom of Fear di Hunter S. Thompson, uno dei miei miti assoluti, e temo sia destinato a rimanere lì ancora a lungo (N.d.A: in realtà è stato inglobato dalle file retrostanti due giorni or sono. La smania da attività di questo periodo ha colpito alla fine anche la libreria, che ora appare fottutamente ordinata e asettica. Sigh). Sebbene non lo abbia mai letto lo ritengo una enorme fonte d’ispirazione. “Com’è possibile?” chiederete voi. Perché ormai, intimamente, racchiude un pensiero. E ‘sticazzi se questo pensiero è nato da una serie di coincidenze invece che dalle parole e dai concetti scritti lì dentro. In estrema e brutale sintesi, eccovelo: “Tutto ruota attorno alla Paura”. Hunter S. Thompson, autore di Kingdom of Fear Ma vediamo di spiegare meglio. La riflessione nasce non dall’elemento più palese – l’evocativo titolo “Il Regno della Paura” – bensì dal motivo per cui non l’ho mai letto. Lo comprai in una libreria di Sydney nel lontano 2007 insieme a Fear and loathing in Las Vegas, sempre di Thompson, e a Trainspotting di Welsh, tutti e tre in lingua originale. Gli ultimi due li conoscevo praticamente a memoria, avendoli letti svariate volte in italiano. Kingdom of fear no, non essendo mai stato pubblicato in Italia. Ma lì per lì ero convinto di padroneggiare l’inglese alla perfezione, dopo tre mesi di permanenza in Australia e altri tre a Londra. Mi sbagliavo tremendamente: dopo aver affrontato a fatica i due testi già conosciuti fui preso dallo sconforto. Decisi di rimandare la lettura del terzo a data da destinarsi per la paura di non cogliere al meglio l’opera di Thompson. Sarebbe stata una mancanza di rispetto imperdonabile nei suoi confronti. Non me la sentii… Una volta tornato in Italia, buttai il libro da qualche parte e me ne dimenticai. Col tempo e l‘inutilizzo, poi, le mie capacità linguistiche si sono gradualmente impoverite, peggiorando la situazione e rendendo la sfida quasi impossibile. E lui ora sta lì, da tredici anni, a fissarmi e a ricordarmi quel momento di pavidità. Per la paura di non capirlo approfonditamente mi sono privato del tutto della possibilità di leggerlo. Questo aneddoto può sembrarvi una cazzata insulsa, lo so. Nulla mi vieta di prendere un vocabolario d’inglese e riprovarci. Ma non lo farò, almeno per ora. Perché al momento, per me, ha più importanza come promemoria che come sfida. La paura è un istinto innato, comune a tutti gli esseri viventi e fondamentale per la sopravvivenza. È normale che ci sia. Il problema è che noi umani, nel corso della storia, gli abbiamo dato una sfilza di sfumature e significati tutt’altro che naturali, trasformandola nell’elemento che, a mio modo di vedere, ci condiziona maggiormente. E lo fa costantemente, sia nella sfera privata che in quella sociale. Ci condiziona personalmente nelle piccole cose, come nel caso che vi ho appena raccontato. Ma non solo: la paura influisce ogni volta che facciamo qualcosa o che prendiamo una scelta, modificando la nostra vita e il nostro futuro. Ci condiziona da piccoli quando seguiamo il branco anche in ciò che non ci piace per la paura di essere emarginati e rimanere soli. O quando da adolescenti ci impedisce di approcciare una ragazza per il timore del rifiuto o della figura di merda con gli amici. Ci condiziona quando scegliamo un percorso di studi che non sentiamo nostro perché magari quello preferito non garantisce la certezza di trovare un lavoro. O quando ci fossilizziamo in un ambiente lavorativo di merda o in una professione che non ci piace perché “almeno questo c’è”. Ci condiziona nelle relazioni con gli altri, facendoci smussare opinioni e pensieri per non creare contrasti oppure rendendoci diffidenti e sospettosi. Ci condiziona quando giriamo la testa di fronte a un torto o un’ingiustizia perché opporsi potrebbe causare delle conseguenze. Quando rispettiamo una regola che non reputiamo giusta per non subire punizioni. Influenza il nostro modo di comunicare, le parole che diciamo o non diciamo, con chi parliamo con interesse e chi invece ignoriamo. Se tra A e B scegliamo A, frequentemente, è per esclusione di B: questo perché entrambe suscitano una sottile paura, ma B magari ne fa di più. La paura profonda e istintiva, quella per la sopravvivenza e il pericolo reale, in noi umani ha perso di centralità, rimpiazzata da quella verso il giudizio degli altri o verso la perdita dei propri privilegi, comodità o situazione. Ed è qui che nasce il problema vero: la nostra manovrabilità. L’umanità è composta da tante piccole società, composte a loro volta di diverse etnie, culture e gruppi di persone. Ognuna ulteriormente composta di tante singole personalità. Queste personalità sono ulteriormente suddivise in insiemi diversi in base a convinzioni, credi, ecc.ecc. Insomma, siamo un casino incredibile. Ma dobbiamo convivere, quindi ci organizziamo. E nella maggior parte dei sistemi scegliamo dei rappresentanti, che sono persone come noi, nel bene e nel male. Sono persone, se prese singolarmente, ma il ruolo e la posizione le trasforma in istituzioni, ponendole su un altro livello, in una posizione di controllo e supremazia. Ora, mettiamo caso per assurdo che una di queste istituzioni ci prenda gusto e voglia mantenere la posizione ottenuta, avendone magari tratto qualche beneficio nel mentre che non vuole perdere. Per assurdo, eh… Bene, come fare? Ma con la paura, ça va sans dir. Quando abbiamo paura cerchiamo protezione, è naturale. E in un contesto socialmente avanzato a chi ci rivolgiamo quando abbiamo paura? Alle istituzioni. Quindi se io, istituzione, voglio rafforzare la mia posizione e, putacaso, ho accesso o influenza sui mezzi di comunicazione e sulla divulgazione delle informazioni… beh, ho un jolly incredibile: mi basterà creare un’emergenza, un nemico o un pericolo e tutti invocheranno il mio intervento e la mia difesa. Logico no? Magari suona pure familiare, qui in Italia… Nulla unisce e compatta di più una comunità di un nemico comune, di qualcuno o qualcosa che minaccia i nostri orticelli e i nostri interessi. Nulla fortifica di più la nostra posizione dell’essere percepito come necessario, tanto più se vengo percepito come difensore nei confronti di qualcosa di alieno. E se io, istituzione, capisco e padroneggio questo meccanismo, ho vinto. Ho lo strumento chiave: posso accendere o spegnere il terrore nella gente. E chi è terrorizzato, nella maggior parte dei casi, non ragiona: cerca un rifugio e dimentica tutto. Quindi anche se faccio il resto del mio lavoro di rappresentante mediocremente o dolosamente, preoccupandomi più dei miei interessi personali che di quelli di chi devo rappresentare, e la gente inizia a lamentarsi e a chieder conto delle mie mancanze mi basterà girare la chiave del terrore e questi magicamente correranno a nascondersi dietro la mia sottana, sorvolando su tutto in cambio di un’illusoria impressione di sicurezza. Bene, qui mi sono fermato. L’intenzione originaria, a questo punto, era quella di fare un excursus storico sull’evoluzione dell’influenza della paura nel nostro sviluppo. Credo però che questo perda un po’ d’interesse rispetto alla situazione attuale. Ora come ora il giochino è sotto gli occhi di tutti, sebbene complicato dalle varie campane che orientano questo sentimento. Abbiamo un nemico comune, il virus, e da quello dobbiamo proteggerci. Quindi ben vengano, nel senso comune, le misure restrittive: rimaniamo tutti tranquilli in casa (almeno, chi una casa ce l’ha… sennò resti fuori dai giochi e vieni pure multato, che è uno schifo totale, ma è un altro discorso troppo lungo per essere affrontato qui), stringiamoci virtualmente e incrociamo le dita. Avreste mai pensato di poter arrivare a questo? Avreste accettato qualcosa di simile senza la paura del virus? Non credo. Ma in questo specifico contesto è normale, ci sta. La paura del nemico invisibile è un qualcosa di ancestrale e fortissimo, che spinge a un’unità quasi impareggiabile nella nostra specie. Ora però, grazie a questa inedita unione, si sta verificando un altro fenomeno interessante (che si rifà a uno degli ultimi spunti lanciati nella bozza): la caccia all’untore, al diverso. Ci si accanisce contro chi non segue le regole come noi, mettendoci a rischio. Non dico che non ci siano delle piccole sacche di irresponsabili, ma forse non sono quelle realmente determinanti. Sono facili da individuare e ci tranquillizzano, danno un volto al nemico. Ma questo è fuorviante, e potrebbe tranquillamente essere uno specchietto per le allodole piazzato ad hoc (o casuale, il succo non cambia). Mi spiego: la gente reclusa si annoia. In questi frangenti c’è chi guarda film, chi impara a fare la pasta a mano, chi fa corsi online di origami… ma tanti sono lì a fissare le pareti e a meditare. E da queste elucubrazioni potrebbero venir fuori domande profonde, non superficiali. Domande che potrebbero mettere in crisi il nostro sistema produttivo capitalistico (probabilmente vi sovviene a questo punto la questione del mantenere aperte o meno le attività produttive per limitare la diffusione del virus e le resistenze di Confindustria. Bene. Cosa spinge Confindustria a mettersi di traverso in una situazione del genere? La paura che le fabbriche non riaprano. Paura, siamo sempre lì…). Cosa sta succedendo quindi? Negli ambienti decisionali si discute, cercando di far collimare tutti i vari interessi con l’ovvia paura della popolazione. Ma in questo caso gli attori in ballo sono tantissimi, quindi il dibattito può andare avanti a vita, se mantenuto su questo piano. Cosa fare quindi? Distogliere, distrarre, appoggiandoci nel mentre a soluzioni raffazzonate e di facciata. E tutti a puntare il dito contro chi esce, contro chi va a correre per non impazzire nella reclusione, contro chi agisce in proprio (e non parlo di chi fa feste condominiali, ma di chi va a correre da solo rispettando tutte le varie norme sanitarie). Magicamente la paura generale si sposta da un argomento sensibile socio-politicamente, come la produzione e il conseguente transito di persone e merci, per focalizzarsi su qualcosa più alla portata come, ad esempio, un nostro pari che non segue le regole. Questo a cosa porta? Che la potenzialità intellettiva delle gran maggior parte di noi viene distolta dall’analisi della nostra precedente condizione (e dalla possibilità di ideare alternative) per essere incanalata in un’insulsa guerra tra poveri che lascia tutto esattamente così com’è. E il sistema vince un’altra volta. Per la paura. Paura del vicino, potenziale untore; paura per il fallimento delle aziende, quindi della disoccupazione; paura del futuro in generale, immutabile simulacro del nostro ieri invece che potenziale nuovo e differente inizio. Questo è: paura. Sempre e solo paura. Ma di che tipo è? È una paura che ti spinge a trovare soluzioni? Oppure ti induce a cercare colpevoli e difensori? Non è una domanda banale, ora come ora, anche se lo sembra. Abbiamo delle impellenze molto più forti in questo momento storico: abbiamo avvelenato e distrutto il nostro pianeta, portandolo quasi al collasso, mettendo in discussione la nostra stessa presenza futura. Questa paura ci sta pian piano arrivando, sebbene calmierata dalle allucinanti dichiarazioni di alcuni criminali (Trump e Bolsonaro, giusto per citarne un paio come esempio, li considero criminali a tutti gli effetti) che lavorano solo per gli interessi dei pochi che su questa distruzione traggono profitto. Quella è la paura ‘sana’. La nostra casa è in fiamme, e quando il fuoco ci raggiungerà nemmeno le istituzioni potranno salvarci se non ci attiviamo prima e iniziamo a fare le giuste richieste. Per cui ok, rimaniamo in casa e confidiamo nel comparto scientifico e nelle soluzioni che ci presenterà per uscire da questa situazione. Ma al contempo iniziamo a sfruttare questo periodo di reclusione per analizzare la nostra realtà e a immaginare alternative, invece di invocare la militarizzazione contro le cazzate di pochi. Pensiamo a cosa non va, cercando di non farci condizionare troppo dai nostri consueti schemi. Cerchiamo di immaginare il mondo per come lo vorremo alla fine di questa emergenza. Se riusciamo a farlo questi giorni non saranno sprecati e, soprattutto, non dovremo pagarne le conseguenze per altri decenni, continuando a sguazzare in una società ingiusta e fallata, oltre che nell’insoddisfazione personale. Quella che abbiamo di fronte è un’occasione enorme per cambiare il nostro modo di stare al mondo: spero solo la paura di abbandonare il vecchio modello non blocchi la ricerca di uno nuovo e migliore futuro. Share Tweet Share... Read more...JoJo Rabbit: Hitler, play with me! Un articolo di A. Maglione || Threevial Pursuit18 Marzo 2020JoJo Rabbit: Hitler, play with me! di Alessia Maglione Ah la Seconda Guerra Mondiale! Uno degli avvenimenti più trattati, studiati, su cui si è scritto, discusso, straparlato all’infinito, con cui ci hanno martoriato a scuola e su cui continuano a marciare tanti pseudo-intellettuali. Oggi però vorrei parlarvi di un film uscito poco tempo fa, Jojo Rabbit di Taika Waititi che parla sì, di nazismo e compagnia cantante, ma in un’ottica che non vi aspettereste mai. Perché vi dico questo? Perché Jojo Rabbit non è il “solito” dramma sulla Seconda Guerra Mondiale. Non è una pellicola storica, né tratta le classiche vicende di un tedesco che ama il nazismo ed odia gli ebrei. Ok, è vero, ci sono tutti questi elementi, ma nel film c’è anche di più. È una commedia che con sottile ironia e un ottimo cast riesce a interpretare con leggerezza quella che era la disastrosa situazione della Germania del 1944, quando i Russi e gli Alleati stavano ormai per mettersi la guerra in tasca. E come lo fa? Raccontandoci la storia di un bambino di dieci anni, Johannes Betzler, (al suo primo esordio come attore, tra l’altro) timido, impacciato e grande fan del nazismo con tanto di poster del Führer appesi nella sua cameretta a mo’ delle odierne rockstar, e con un solo obiettivo: diventare un uomo nel campo estivo della Gioventù hitleriana. E sa che può farcela, perché dalla sua ha un fantastico amico immaginario: Adolf Hitler. Il film è liberamente ispirato al libro di Christine Leunens, Il cielo in gabbia, basato anch’esso su una storia vera che l’autrice racconta così: «Una donna francese mi ha raccontato che durante la guerra la sua famiglia aveva dato rifugio a un ebreo polacco e che si era innamorata di lui. Ho provato a immaginare che cosa sarebbe potuto accadere se quella nascosta fosse stata una ragazza ebrea e a trovarla un ragazzo austriaco membro della Gioventù hitleriana, a cui anni di propaganda avevano insegnato a odiare gli ebrei». Jojo infatti non è assolutamente propenso a uccidere, né a essere crudele (per questo motivo verrà soprannominato Rabbit, “coniglio”), ma nonostante ciò non vede l’ora di poter far parte della Hitler-Jugend, come se fosse un gioco, una delle cose più fighe che un bambino di dieci anni potesse fare all’epoca: portare una divisa piena di distintivi, lanciare granate, maneggiare coltelli e addestrarsi nei boschi. In fondo, cosa c’è di più bello, quando si è bambini, di poter far parte di un gruppo? L’autrice del libro è però molto chiara con il regista: «Il libro è mio, ma il film deve essere tuo». Questo perché diciamocelo, un film preso paro paro da un libro, a volte rischia di essere quasi deludente. Per ovviare a questo, Taika riesce invece a creare la risata anche dove c’è il dramma, dandoci infatti la mazzata in petto proprio quando non ce lo aspettiamo. «Sapevo di non voler fare un dramma puro e semplice sull’odio e il pregiudizio. Quando qualcosa mi sembra un po’ troppo semplice, mi piace portarci il caos. Ho sempre creduto che la commedia fosse il modo migliore per far sentire più a suo agio il pubblico. In Jojo Rabbit coinvolgo il pubblico con la risata, e quando ha abbassato la guardia inizio a inserirci questo carico di dramma che in questo modo colpisce maggiormente». Nel film si ride molto, ma si riflette anche. Si pensa al concetto di amore, accettazione, apertura mentale. Questo perché Jojo, come ogni nazista convinto che si rispetti, deve odiare e combattere gli ebrei, strani mostri-vampiri che leggono nella mente e puzzano di cavoletti di Bruxelles. Ma quando il bambino scoprirà che in realtà la madre sta nascondendo proprio una ragazza ebrea nella sua soffitta, tutto il mondo in cui crede verrà stravolto finché non sarà stesso lui a dire che, in fondo, gli ebrei “non sono poi così male”. È incredibile dunque pensare a come sia facile vedere e pensare con gli occhi e la mente di qualcun altro, e quanto sia difficile cambiare le proprie idee quando si fa parte di un gruppo che ci contagia e ci spinge a omologarci. E come possiamo biasimare Jojo se, in un periodo nel quale la propaganda nazista era ovunque in Germania, il modello positivo da cui trae ispirazione è un Hitler immaginario? Un Hitler, a proposito, interpretato dal regista stesso e reso ancora più goffo e ridicolo di quanto fatto da Charlie Chaplin ne Il grande dittatore. Non a caso mi è venuto in mente questo paragone: Chaplin e Hitler nacquero nello stesso anno, nella stessa settimana dello stesso mese, aprile del 1889 ed è anche per questo che la sua parodia, rimasta nella storia, non è assolutamente casuale. Nel suo film Chaplin porta i gesti del dittatore fino all’esasperazione: i suoi discorsi politici sono senza senso, il suo tono di voce e i suoi incontrollati eccessi d’ira vengono scimmiottati da uno degli attori più brillanti di tutti i tempi. Allo stesso modo Taika, anche se con fare più leggero, rende Hitler un grande amico con cui giocare e passare le proprie giornate, a cui chiedere consiglio e con cui mangiare unicorni. Perché ciò che viene visto con gli occhi di un bambino, non può mai essere crudele. Lo stesso Taika ha affermato: «Mi sono sentito strano anche se il personaggio del mio film non è cattivo, ha il cervello di un bambino di dieci anni perché viene fuori dalla testa di Jojo. Si è trattato comunque di un momento triste, urlavo al gruppo di lavoro sul set vestito da Hitler, sembravo Charlie Chaplin ne Il Grande Dittatore». Essendo la madre di origini ebraiche, il regista si sarà preso una bella rivincita nell’interpretare il dittatore a modo suo. Egli stesso ha affermato di non aver fatto alcuna ricerca su di lui. D’altronde tutti sappiamo che tipo fosse quell’Hitler, e dunque voleva solamente crearne una sua interpretazione personale. E mentre la madre Elsa è impegnata a fare “quello che può” contro l’avanzata dell’ignoranza nazista e con un padre al fronte di cui non si hanno notizie, Jojo dovrà iniziare a fare i conti con la realtà della guerra, a tratti terribile, ma nel film anche surreale ed esilarante al tempo stesso. Basti pensare ai membri della Gestapo che ripetono Heil Hitler all’infinito per salutarsi o al comandante Klenzendorf che butta i suoi soldati in piscina per prepararli a un “possibile combattimento in acqua”. Insomma, possiamo dire che Taika Waititi non abbia scoperto l’acqua calda, perché come ho detto all’inizio, di film sul nazismo ne sono stati girati a valanghe. Dunque cosa lo distingue da tutti gli altri, e cosa gli ha permesso di vincere il Golden Globe? Non vi resta che guardarlo per scoprirlo. E vi assicuro che una volta visto non potrete fare a meno di rivederlo e di consigliarlo a qualcuno, almeno una volta. www.pressreader.com/italy/corriere-della-sera-la-lettura/20191117/282132113275816 www.youtube.com/watch?v=7UYT7sofcR8 www.cinematographe.it/news/jojo-rabbit-taika-waititi-imabarazzato-ruolo-hitler Share Tweet Share... Read more...Sanremo ’20: l’altra faccia del talento, un articolo di R. Cipro || Threevial Pursuit11 Marzo 2020Sanremo ’20: l’altra faccia del talento di Rossella Cipro Il tempo passa, le cose cambiano. Ricordo quando, da bambina, Sanremo era un evento. In famiglia, ogni sera, si guardava la musica. Tutti insieme si cantava, una volta imparate a memoria le canzoni. Ricordo che mi sarebbe piaciuto guardarlo prima dell’avvento del nuovo secolo, per capire com’era, se era diverso o se è sempre stato la stessa storia. Tra tutto io ricordo Dolcenera. Ricordo ritmi travolgenti e musica orecchiabile. Ricordo testi interessanti, scene emozionanti, a tratti commoventi. Ricordo il duetto di Ficarra e Picone sulla Sicilia, gli interventi seri e le frecciatine politiche. Ricordo colpi di scena, la lettera di un operaio, un uomo appeso al corrimano di uno dei soppalchi. Ricordo Vessicchio e Riccardo Cocciante. Ricordo che poi il tempo è passato, quella bambina è cresciuta e ha smesso di guardare Sanremo. Dopo anni, nel 2020, Amadeus arriva a condurre il Settantesimo Festival della Canzone Italiana. Confesso che era il mio conduttore preferito all’Eredità, ideata e condotta da lui dal 2002 al 2006, e che l’ho poi rivalutato scoprendo che dirigeva un programma talmente imbarazzante che – ho controllato – non figura neanche più nella sua carriera televisiva. Ciononostante, ho sempre stimato quell’uomo, e questa era la sua rivalsa, ne ero certa! Ma nessuna rosa è senza spine e nessun uomo è senza peccato. Così Amadeus fa un passo indietro e si tira addosso la pioggia di critiche del popolo femminista che urla al boicottaggio. Non che non fossi arrabbiata. Certo che lo ero. Nessuno si deve permettere di pensare che una donna è donna solo se sa stare un passo indietro rispetto all’uomo. Lui lo ha fatto e io ci sono rimasta male. Nonostante ciò ha superato l’aspettativa della percentuale di ascolti, che si è rivelato il più alto dal 1999, ed è successo proprio perché ci siamo rimasti male. La curiosità mi ha sovrastata e così mi sono approcciata in modo diverso a questo evento, e l’ho guardato. Mi sono detta che se volevo capire quell’uomo, Amadeus, dovevo guardarlo mentre realizzava il suo sogno, mentre realizzava il sogno di ogni conduttore televisivo. L’ho visto così felice! Forse un po’ impacciato a volte, non sempre a suo agio e non sempre pronto a fronteggiare l’imprevisto, ma era naturale. Quel modo naturalmente inconscio che abbiamo tutti di comportarci, quando abbiamo una responsabilità sulle spalle e la consapevolezza di aver raggiunto l’obiettivo, di aver vinto; e siamo talmente contenti che, come un assetato che regge finalmente un bicchiere colmo d’acqua, con mani tremanti, rischiamo di eccitarci talmente tanto da riversare tutta l’acqua a terra, e restare all’asciutto, con i morsi della sete. Come quando siamo pieni di passioni e queste escono senza che alcuna maschera riesca a controllarle. Photo by Ansa/Riccardo Antimani Alla fine però in soccorso del nostro Amadeus è arrivato lui, il vero protagonista di questo Sanremo 2020: Rosario Tindaro Fiorello. Entra in scena e stravolge, coinvolge, riavvolge. Il conduttore sembra lui, l’Ariston è tutto suo. Se la balla e se la canta e a ogni pausa, in qualsiasi momento di morte tra una canzone e l’altra, compare e intrattiene. Ed è molto bravo a farlo. Ha lanciato frecciatine a destra e a manca a partire dalle critiche ad Amadeus, alle sardine, alla Rai e soprattutto al pubblico. Con “La classica canzone di Sanremo” ha detto tutto, e non c’era altro da dire. Una brano sul tipo di canzone che a Sanremo vince sempre: apolitico, senza critica, che parla d’amore e di sentimento. E infatti, per restare su questa linea, la censura del videomessaggio di Roger Waters, che doveva andare in onda nel corso della prima serata, prima dell’intervento toccante di Rula Jebrael, giornalista e scrittrice palestinese, è stata vista come una limitazione di libera espressione. Non voglio addentrarmi molto nell’argomento, o perderei il punto. Ma c’è chi dice che sia stato a causa dell’orientamento filopalestinese di Roger, altri che era una questione di tempistiche e di scaletta. A voi le considerazioni. Io in fondo voglio solo far emergere le differenze tra un festival della canzone e un karaoke al Red Garter. Sì, perchè, tra tante belle voci, tanta tecnica e tanto ritmo, ciò che è rimasto nella mente dalle gente è “la musica, e il resto scompare”. O quasi. Perché poi a restare è la tutina di Achille Lauro e tutti i capi usati nella sua sfilata. È Miss Keta e il suo duetto con Elettra. Imbarazzante, dico davvero. È il passo indietro di Bugo e non il testo di Junior Cally o Levante. Alla fine comunque ha vinto Diodato con la classica canzone italiana, e ha trionfato Fiorello e hanno avuto la loro ultima falsa gloria i Ricchi e Poveri. Non c’era contenuto sociale, se non la questione del femminicidio che è stata sottolineata e rivangata per tutte e cinque le serate. Il fatto ha raggiunto il culmine con la comparsa in scena di sette artiste italiane: Fiorella Mannoia, Alessandra Amoroso, Giorgia, Gianna Nannini, Elisa e Laura Pausini hanno presentato il loro concerto “Una, nessuna e centomila”, un’idea per raccogliere fondi per la campagna contro la violenza sulle donne. La cosa che mi ha sorpreso è che non hanno cantato nemmeno una canzone. Hanno pronunciato una frase a testa. Era così triste e scontato, che ha perso il suo senso e ha preso una forma che è la stessa che abbiamo dato all’amore: quella di un gioco per bambini, un gioco semplice e sconsiderato. Un gioco che però è pericoloso, ma questo nessuno vuole saperlo, nessuno vuole ammettere quanto dolore genera un amore che diviene ossessione. Per questo quelle donne non hanno cantato in pubblico, perché al pubblico non era permesso scoprire la gravità della violenza perpetrata verso un altro essere umano, sopratutto se è una donna, che è indifesa, nuda, senza armi per fronteggiare l’enorme esercito della tradizione secolare, quella solita, quella patriarcale, che lascia impronte indelebili nell’istruzione, nel lavoro e nella società. Per questo alcune donne ritagliano il loro spazio, lontano dal coro. Ma non è di questo che voglio parlare. Era del talento che volevo scrivere. O meglio, della mancanza di talento e dei vuoti senza senso, dei silenzi imbarazzanti, delle voci che non suonano, delle note che si alzano per coprirle, del coro che cerca di salvare l’altra faccia del talento. Quel talento che non vedi ma che attecchisce, che va di moda e che attira l’attenzione. Quel talento che non è altro che un idolo, un simbolo, una figura, un gesto caratterizzante, un nuovo disco in uscita e un tour nazionale in partenza, un sacco di soldi da guadagnare. Nessun brivido ha attraversato la mia pelle ascoltando le loro voci, perché non stavano cantando. Nessuna sensazione ti pervade se le ascolti a occhi chiusi. La musica di questo talento esiste solo in funzione dello spettacolo che figurativamente riesce a mettere in scena. Puoi anche cantare in modo pessimo, ma se sei un uomo con trucco e tutina aderente, o una donna con tette enormi e un vestito aderente, quindi, se metti un vestito aderente, allora tutti dimenticheranno la tua voce e ricorderanno solo la tua immagine, e forse qualche nota, ma nient’altro. Ovviamente scherzo sul vestito aderente. O almeno, lo intendevo come una metafora, per dire che se dai spettacolo e rompi la consuetudine di quello che si presenta agli occhi, che sono gli organi con cui per primi ci approcciamo allo spettacolo della creazione e dell’arte, tutto il resto viene percepito in secondo luogo. Ecco perché ha vinto Diodato, perché non stonava con le aspettative delle persone, non era né più né meno di quello che doveva essere: la classica canzone di Sanremo. La classifica ufficiale è giusta e tiene conto del suono, della voce e delle parole, ma ciò che ricordiamo non è la classifica, né le belle parole, né Amadeus. Per questo, alla fine, Sanremo 2020 lo ha vinto Achille Lauro. Share Tweet Share... Read more...Patrick Zaki ve lo ricordate? Un articolo di R. Dell’Ali || Threevial Pursuit4 Marzo 2020Patrick George Zaki ve lo ricordate? di Roberta Dell’Ali Ciao belli de mamma, come ve la passate? State in para per il Coronavirus o ve ne state fottendo? Pensate alle vostre tragedie personali o siete preoccupati per la borsa che scende a picco? Vi rode il culo che la potenziale pandemia abbia bloccato svariate cose della vostra vita o siete felici di potervela grattare (la pancia eh) senza dover dare giustificazioni? A me, personalmente, rode un sacco. Mind the gap between the train and the platform In questo momento sono in veranda, fumo una sigaretta e mi chiedo come esaudire il proposito che circa due settimane fa mi ero data per questo THREEvial Pursuit, ossia scrivere sulla vicenda Zaki. Andrea, per la precisione, ha detto: «Sarebbe giusto avere un pezzo su Patrick» ed era il 17 febbraio. Solo tre giorni dopo sarebbe arrivata la questione Coronavirus, prepotente, a invadere i media e le bacheche e i post, che fino al 20 febbraio erano ancora dominati da uno straziante Giulio Regeni che abbraccia Zaki. Dal mio punto di vista le due vicende sono estremamente intrecciate. CALMI! Non sto per avanzare una teoria complottista. È solo che sono stata a Bologna fino al 18 febbraio e, in quei giorni, sono andata alle manifestazioni per Zaki. Poi sono andata a Milano, dove sarei dovuta restare un mese per un corso di digital marketing (lo so, può creare dei sospetti sulla genuinità della mia persona, ma io questo non creto). Ho fatto i primi due giorni di lezione e, nel mentre, confabulavo tra me e me su come/cosa potessi scrivere riguardo Zaki. Comunque sia, il 20 febbraio, dalla sera alla mattina, la potenziale epidemia del Coronavirus è arrivata in Italia ed è entrata nelle conversazioni e negli smartphone di chiunque: che il mood fosse moriremo tutti o ma sei scemo è solo un’influenza, cambia poco. A Rogoredo i treni per Bologna erano stati cancellati, riuscire a tornare è stato abbastanza rocambolesco. Flashmob per Zaki (Bologna 2020) Il lunedì seguente non sono tornata a Milano, la mia vita si è riorganizzata a guisa di ordinanze e la riflessione su Zaki è continuata attraverso un’attenzione mediatica drasticamente diminuita. Di trend e di appeal Per quanto mi costi dirlo, una buona parte della riflessione alla base di questo articolo parte proprio dalla roba di digital marketing milanese (che continuo a fare su Skype: una cosa da matti, credetemi). A seguito di una serie di lezioni con professionisti del settore ho acquisito alcune nuove consapevolezze rispetto all’intorno della mia individualità. La prima, di rilevanza relativa, è di ordine linguistico e si basa sul fatto che il mondo del digitale sembra avere la necessità di esprimersi con termini urticanti come “vision”, “business model”, “experience”, “design thinking” e menate varie (capisco che suona meno figo, ma perché devi dire main activity o team work, se puoi serenamente dire “attività principale” e “lavoro di gruppo”?). La seconda consapevolezza venuta a galla è un pelo più seria e riguarda l’approccio di una come me, che del marketing non sa una cippa, ad alcuni concetti cardine di questo strampalato universo. Parlo di cose come trend e appeal. Qui potrei far partire lo spiegone della vita, ma ammetto di non esserne capace e mi limito a riportare una esplicativa conversazione avvenuta qualche giorno fa. «Hey Robe’, ricordi quel lavoro che t’avevo fatto vedere l’altra volta? Poi l’ho mandato e m’hanno detto che l’intro è pallosa. Adesso l’ho fatto più ritmico ed esaltante, ma non so, ho la sensazione che stiamo andando nella direzione sbagliata. Guardalo un po’». «Ma come?! L’intro ci piaceva un sacco! Però dai, questo è effettivamente più accattivante e dinamico. In che senso “stiamo andando nella direzione sbagliata”? Non ti seguo». «Sì okay, ma io volevo fare una cosa calma. Sono anni che mi dicono questo e quello e quell’altro, mi aspettavo solo una maggiore sensibilità narrativa!» «Calmino compa’, io sono qui da giorni a sentire quanto sia importante l’appeal del prodotto. È il 2020, l’attenzione è minima, il capitalismo ha trionfato ed esistono mezzi di diffusione per cui non puoi mai dimenticarti dell’appeal» [auch, ma l’ho detto veramente?] «Maddai, questo appeal molto commerciale sta fallendo, sono evidenti tutti i limiti di questo sistema. Non sarebbe male che la gente ritornasse a cercare lo stimolo da sé: guarda anche ora che sta succedendo. Tutti questi titoloni, servirebbe più calma nel narrare le cose». La conversazione non la riporto tutta ovviamente, anche perché ha poi divagato, com’è normale che sia. Però sì, è evidente che i principi della comunicazione si siano adattati alla nuova tecnologia che trova forza proprio nei concetti di appeal e trend. In un certo senso mi vien da dire che è sempre stato così. D’altro canto la velocità e continuità con cui avviene il rimescolamento delle carte impone la subalternità, sostanzialmente arbitraria, di alcune questioni rispetto ad altre. Questo ragionamento è lo stesso che sottostà a un’affermazione diffusissima sui social ultimamente, che più o meno fa così. «Ci stiamo agitando tanto per il Coronavirus, quando il cambiamento climatico fa morti da un sacco di tempo e nessuno se ne è preoccupato in questo modo». Già, nulla di più vero. Le urgenze nel mondo sono molte e simultanee. Penso alla guerra turco-siriana con bombardamenti, esodi e morti à gogo. E penso ovviamente al quasi silenzio sceso su Zaki, ancora in carcere. Regeni, Zaki e tutti gli altri “Patrick George Zaky, studente del master internazionale Erasmus Mundus ‘Gemma’ in Women’s and Gender Studies, è stato arrestato la scorsa settimana dalla polizia egiziana. Il 22 febbraio è stata fissata l’udienza in cui si deciderà per un suo eventuale rilascio. In qualità di rappresentati degli studenti e delle studentesse dell’Università di Bologna lanciamo un appello a tutta la comunità dell’Alma Mater, alla cittadinanza e a tutti coloro che vogliono far sentire la propria vicinanza.Lunedì 17 febbraio alle 18:00, ci ritroveremo davanti al Rettorato, in via Zamboni 33, per poi spostarci verso Piazza Maggiore. Per manifestare la nostra solidarietà a Patrick e chiedere con forza che i suoi diritti vengano rispettati e che possa tornare al più presto a frequentare le aule universitarie.” Le righe qui sopra sono un copia incolla dall’evento Facebook che, appunto, il 17 febbraio invitava la comunità meticcia bolognese al corteo di solidarietà a Patrick Zaki. La partecipazione a livello numerico è stata buona, ma i toni del lungo serpente umano non hanno corrisposto alla presenza fisica. A esser sinceri sono stati un po’ mogi, poco convinti e convincenti. Arrivati in piazza Maggiore il problema più grosso è stato la dispersione acustica, che è culminata in un’intonazione pallida di Imagine, del buon Lennon. Non è durato molto il tutto, alla fine si è librato un coro moderatamente arrabbiato: PatrickLibero! ParickLibero! PatrickLibero! Mentre di lunedì sera, rimbombava dal basso la libertà negata di Zaki, sotto una finestra del primo piano del palazzo comunale, spiccava ancora uno striscione appeso lì ormai da qualche anno: un pezzo di stoffa giallo, un po’ sbiadito, che chiede, urlando in grassetto “Verità per Giulio Regeni”. Finito il corteo, io e un po’ di amici siamo passati a uno spritz molesto e riflessivo: Regeni, Zaki, quanti altri? La realtà dell’Egitto è complessa e insidiosa. Qualcuno mi chiede cosa ne penso, in particolare del fatto che Zaki non sia un cittadino italiano e, nonostante ciò, ci sia molto movimento. Non ricordo cosa rispondo con esattezza, ma tiriamo in ballo tutto: l’entità dei diritti umani, la loro violazione, la necessità di proteggerli, arriviamo alla questione Unibo e Zaki, Cambridge e Regeni. Qualche settimana fa, prima che il caso Zaki esistesse, Pif è andato a riprendere la bici di Giulio Regeni a Cambridge e ne ha approfittato per sondare un po’ il terreno. Gli studenti dell’università inglese alla domanda «Do you know the story of Giulio Regeni?», rispondevano mediamente «No, I’m sorry». Agghiacciante, non vi pare? All’inizio c’era il suo nome su una bacheca, che adesso è vuota. C’era anche un memoriale, very small, in biblioteca, un piccolo tavolo con candele e un libro della commemorazione sopra: non c’è più nemmeno quello. Comunque esiste una Giulio Regeni Room e, in programma, erano fissati un paio di eventi commemorativi, uno organizzato da Amnesty e l’altro dall’università. Stando a quanto detto da una studentessa italiana, che Pif ha incontrato casualmente a Cambridge e che conosceva Regeni, quella di Giulio «è una cosa molto controversa e loro [gli inglesi] il controverso tendono un po’ a nasconderlo». Pif, durante la trasferta, avrebbe voluto incontrare la professoressa che ha mandato Giulio Regeni in Egitto e che non ha aiutato la magistratura italiana nelle indagini. La professoressa Maha Mahfouz Abdel Rahman comunque non c’era e l’incontro non è stato possibile. Il 9 febbraio, di domenica sera, c’è stato a Bologna in piazza Maggiore un primo presidio organizzato da Amnesty International e da Unibo. Poca gente in realtà, un cerchio di uno o due centinaia di persone, gli amici di Zaki e la sua professoressa. La promessa è stata: «Non ti lasceremo solo». Gli spritz continuano ad arrivare, la chiacchiera procede e finiamo a parlare di tutti gli altri, tutti coloro che si trovano in condizioni simili a quelle di Zaki, che non hanno nome per noi, ma che certamente esistono e subiscono le conseguenze di una vita sotto dittatura. Eclissi di lune e di soli Quando, il 17 febbraio, ho googlato sulla barra di ricerca “Patrick Zaki”, è venuta giù una cascata di notizie, mille articoli e innumerevoli aggiornamenti. Ad oggi, i comunicati risalgono mediamente a tre giorni fa, sono pochi ed è chiaro che l’attenzione mediatica si è spostata su altro. M’era venuto in mente di ripercorrere la vicenda di Zaki dall’inizio, dal 7 febbraio, quando all’arrivo all’aereoporto de Il Cairo è stato sottoposto a diciassette ore di interrogatorio e torture, alle ultime notizie, che ci riferiscono un trasferimento alla prigione di Mansoura. Solo dopo una settimana i genitori hanno ottenuto il permesso di vederlo. Pare che Patrick stia bene anche se non ha la libertà di andare al bagno quando gli serve né di leggere i suoi libri. Ma non lo farò, non lo ritengo necessario quanto ricordare le accuse che pendono su Patrick: “diffusione di notizie false”, “incitamento alla protesta” e “istigazione alla violenza e ai crimini terroristici”. Ha scritto dei post su Facebook e studia a Bologna, il corso di studi è “Women’s and Gender Studies”. Inoltre è gay: niente di grave a pensarci, eppure la dittatura è un luogo oscuro dove non è concesso a un individuo di essere. Non so se avete presente quell’estratto da un telegiornale egiziano che ha girato per un po’, dove il presentatore si è soffermato sulla definizione di omosessuale. Mi sono chiesta se davvero fosse una cosa così lontana dalla coscienza comune la libertà sessuale, tanto da meritare una spiegazione live. Comunque, secondo Suleiman Wahdan, il vicepresidente del Parlamento egiziano, se Patrick avesse diffuso notizie false sull’Europa, questa avrebbe proceduto all’arresto, come è successo in Egitto. Anche questo io non creto. Cioè non avremmo più posto nelle carceri di qualunque stato europeo. Al di qua del mar Mediterraneo, nel bene e nel male, il diritto all’espressione esiste. Non so bene quale sia l’intento di tutte queste parole che ho scritto. Potrebbe trattarsi delle perenni eclissi di urgenze mediatiche che si succedono: per cui prima c’era Patrick, oggi c’è il Coronavirus e domani chi lo sa. Potrebbe trattarsi anche della stortura insita nella nostra percezione dell’universo circostante, per cui le cose sembrano avere davvero valore finché sono in prima pagina. Il trend e l’appeal delle notizie dovrebbero far riferimento non al numero di click, ma alla necessità di informare su fatti cogenti e attuali, di rendere il lettore/spettatore cosciente del suo intorno, fornendogli i dati necessari per trarre le giuste conclusioni. Alla fine, però, in questa società perennemente immatura dove è difficile sapere cosa si farà da grandi anche quando grandi già si è, io cosa voglio lo so. Io voglio Patrick libero, governi giusti, cittadini coscienti e un’informazione che trasmetta le storture connaturate agli eventi, senza aggiungerne altre decidendo beceramente cosa sia degno e cosa no. Ma si sa, l’erba voglio cresce solo nel giardino del re. Share Tweet Share... Read more...I nuovi mostri, un articolo (horror) di B. Bendinelli || Threevial Pursuit26 Febbraio 2020I nuovi mostri (Quando l’horror è a casa nostra) di Benedetta Bendinelli Cosa ti spaventa di più, un virus mortale o uno sconosciuto in casa? Probabilmente una combinazione delle due cose, tradotta nella condivisione forzata di uno spazio che chiamiamo casa. Un virus mortale e uno spazio promiscuo in fondo hanno molto in comune. In entrambi i casi l’aria diventa pesante, portatrice di sconforto e di malattia. Lo spazio a disposizione che pian piano si riduce è un focolaio di paranoie e batteri. Tra un Corona Virus e un Corona Fabrizio in casa, probabilmente non sapremmo chi scegliere. Del resto il contesto sociale e politico in cui navighiamo adesso è un chiaro esempio di come sia diventato insopportabile per l’uomo il dover mettere a disposizione degli altri il proprio nido, le proprie cose, il proprio porto sicuro. Quello che ci terrorizza oggi è qualcosa di invisibile, qualcosa di evanescente come un fantasma, spettrale come il più terrificante dei boogeyman; e la paura non è più paura ma è più simile al fastidio. Volendo abbozzare una grossolana analogia si pensi che l’immigrazione (o la ‘migrazione’ se parliamo al presente) sia la sottocategoria cinematografica chiamata “home invasion”, dove il fenomeno storico è un film e il genere è l’horror. Siamo molto lontani dalla tradizionale espressione del terrore alla Lucio Fulci o da quella ancor più teatrale di Romero. Profondo Rosso ci fa sorridere, l’Esorcista sembra nato apposta per diventare un meme. E così, seguendo il flusso sanguigno del genere, sono cambiate le paure, le ansie, le reazioni. Il caro vecchio zombie – o il più classico gatto nero – è stato sostituito prima da entità sconosciute e malefiche (penso ai primi duemila con The Blair Witch Project e Paranomal Activity) e poi da qualcosa di più tangibile, di più ‘disturbante’ (traducendo alla lettera un aggettivo caro alla critica inglese) come l’intrusione non gradita di sconosciuti (vedi The Strangers, You’re Next o la più recente versione di Funny Games). In un certo senso la paura – quella cinematografica – ha smussato gli angoli, ha nascosto molto sangue e ha abbassato la voce. Non tanto per rendersi più presentabile quanto più per assecondare una tendenza generale a una psicosi silenziosa – perché se tutto è stato detto e tutto è stato fatto allora anche il linguaggio dell’horror dovrà trovare nuovi strumenti di comunicazione. Possiamo dunque relegare una categoria alla sua sola espressione estetica? L’horror è soltanto sangue e violenza oppure può camuffarsi sotto altri panni all’apparenza più candidi? I nostri nonni temevano i vampiri e le streghe. I nostri genitori gli incontri ravvicinati del terzo tipo. A noi viene un infarto se qualcuno viene a bussare alla porta (o a suonare il citofono). L’orrore moderno è un vaso di Pandora senza fine, un contenitore di paranoie scintillanti, tutto attrae e tutto spaventa. In questo modo la narrazione dell’horror ha trovato canali di comunicazione che prima non esistevano. Ha scovato terreno fertile dove un tempo il seme della paura non riusciva a germogliare. Penso a Midsommar, con i suoi prati verdi e le corone di fiori. E poi penso al pluri inflazionato Parasite, che è un ottimo esemplare ibrido che raccoglie varie sfumature di genere: dalla commedia al dramma e poi dal thriller fin quasi all’horror – con tutte le sue variazioni sul tema. Il film di Bong Joon-ho racconta molto bene la dinamica dell’invasione di campo – subita o perpetuata – e riesce in maniera elegante, ma sempre disturbante, a generare una nuova forma di tensione che si distacca da quella classica, immortalando quella che oggi come oggi sembra essere la paura più grande: l’intrusione. Parasite parla anche di frustrazione sociale, di una guerra afasica tra successo e fallimento. Racconta molto altro ancora con un quadro in scala 1:1000, perché la casa – con le nostre quattro mura – non è altro che un piccolo universo. Ma di questo ne abbiamo già ampiamente parlato. Infatti ancora prima di Parasite, nel 2018, Time Share (Tempo Compartido) ha raccontato una vicenda familiare dai risvolti terrificanti, proponendo una storia inquieta che fa sorridere e a tratti terrorizza. Sebastián Hoffman, scrittore e regista del film, è un brillante autore messicano che aveva già calpestato i tappeti dei maggiori festival indie internazionali, primo tra tutti il Sundance Festival dove nel 2013 debutta con Halley. Dopo il primo horror dai confini ben delineati, Hoffman cambia tonalità e registro, e con Time Share sembra quasi di partecipare a un party psichedelico dove i corridoi labirintici conducono a infinite porte colorate dietro le quali si nascondono oscuri scenari e misteriosi segnali; ricorda un più loquace Gaspar Noè che strizza l’occhio a J.C. Ballard. Eva e Pedro sono una giovane coppia in vacanza e insieme al loro figlio approdano all’Everfield, un gigantesco complesso di multiproprietà appena acquisito da quella che appare essere una spietata società americana. La tranquillità dei tre è immediatamente sconvolta dall’arrivo di un’altra famiglia che sembra aver prenotato lo stesso appartamento. L’errore del resort viene preso alla leggera e così i responsabili dell’accoglienza propongono alle due famiglie di condividere lo spazio, una soluzione che se accettata dai clienti comporterà succosi vantaggi. Abel, il padre portavoce della seconda famiglia, sembra accogliere di buon grado la proposta. Al contrario Pedro si adopera subito per risolvere la questione e mantenere l’utilizzo esclusivo della proprietà. Le differenze tra i due nuclei familiari sono subito palesate. Da una parte Eva e Pedro dalla più giovane frangia borghese, mentre dall’altra ci sono i ‘sempliciotti’ (e più numerosi) guidati dallo scamiciato Abel. Lo scontro di classe al centro della storia si trasforma subito in un’intricata matassa nera (o meglio: noir), anticipata anche da un prologo enigmatico che mostra un‘altra coppia chiaramente traumatizzata. Le due famiglie sono dunque costrette alla convivenza e alla condivisione di abitudini e attività vacanziere che illuminano a piena luce le profonde discrepanze tra le parti. Pedro teme una sorta di contagio da parte degli altri che potrebbero – secondo lui – abbassare il livello IQ del figlio; li disprezza e si fa disprezzare da tutti. La diffidenza di Pedro verso quella che – secondo i suoi parametri – può essere definita clientela di serie B, va oltre la sottostima di una categoria sociale (la classe operaia? Il popolo oppiato?) e oltrepassa il pregiudizio fino a raggiungere la consistenza acida della paura, quella vera e propria. Abel infatti si insinua di prepotenza dentro i fatti di Pedro. Lo costringe a un entusiasmo fasullo mentre lo scenario intorno a loro esplode in un vortice di cocktail, cene, giochi di ruolo e piscine sovraffollate. La nausea che sentiamo è un fastidio generato da tutti i partecipanti a questo gioco al massacro, un massacro silenzioso che utilizza come arma di distruzione di massa la spersonificazione e l’annichilimento delle umane espressioni, riducendo ogni gesto e ogni intenzione a un sistema ben calibrato di acquisizione dati. Pedro sembra essere l’unico a rendersi conto delle reali intenzioni del mostro Everfield ma una parallela microstoria smaschera finalmente i sotterfugi dell’azienda, gestita da un insolito RJ Mitte (il ragazzo dalle mille colazioni di Breaking Bad) che mira alla manipolazione mentale sia dei clienti che dello staff. Gloria e Andres vivono e lavorano da anni nel complesso di multiproprietà. Il loro matrimonio è ora messo in crisi non soltanto dalla noia e dalla subdola prigionia ma anche dalla loro diversa ambizione. Mentre a Gloria viene offerta una posizione rilevante all’interno dell’azienda, Andres resta bloccato all’angolo con scarse possibilità di crescita. Un’altra guerra fredda che esplode, altri corpi che si lacerano sotto schegge di sogni infranti e fallimenti che si aprono come piaghe infette. La paura, di nuovo, non è un mostro dagli occhi rossi ma una soffocante sensazione, uno spirito che soffia sul collo e sussurra parole inquietanti. Le stesse parole che pronuncia il responsabile delle vendite (RJ Mitte) durante una speech motivazionale per i nuovi assunti. Nella loro mente dipingeremo un quadro che non rappresenta chi sono, ma chi diventeranno. La generazione dei trentenni di oggi, forse più della altre, ha convissuto con questo mostro sotto il letto per notti intere, per anni e anni, per poi rendersi conto che l’orrore dell’arrivismo è solo uno spauracchio e il fallimento è una cantilena che ronza negli orecchi di tutti. La paura non fa paura – anche in questo film – la paura da fastidio, è qualcosa d’ingombrante, come una preoccupazione o una fobia cronica. Il classico registro narrativo ed estetico dell’horror vuole che sia un’entità oppure un particolare personaggio ‘cattivo’ a sterminare corpi e menti. Eppure esistono centinaia di altre umane circostanze che possono essere definite orrorifiche. L’impiegato, l’avvocato, il medico e il banchiere e poi il matrimonio, la vacanza, la casa al mare e il mutuo da pagare sono stati e sono ancora pugnali conficcati nelle orecchie. Sono lame sottili che lavorano sotto pelle fino a lasciare soltanto polvere di ossa e cenere di speranze. Andres e Pedro in qualche modo sono i paladini di una giustizia umana, una giustizia che vorrebbe vedere autenticità e libertà a governare la vita. Eppure sono colpevoli anche loro – lo sono tutti in questa storia – di eccessiva manipolazione delle proprie e altrui intenzioni. Tornando a noi: casa nostra non si tocca e chi lo fa rischia grosso. Questo è l’orrore che vediamo in molte storie contemporanee. E anche in Time Share il mostro non è uno soltanto ma sono tutti e sono addirittura coloro che abitano la propria dimora. Questo è un film vasto, che ficca il naso in ogni angolo della casa, in ogni tasca e nei più segreti anfratti della personalità. L’ansia che provoca il luogo / non-luogo delle multiproprietà, propagandato anche da una pubblicità stomachevole, si unisce infine a quello che è stato il primo trigger point del film: la condivisione. Il furto dell’intimità casalinga, la perdita della proprietà e (perché no) dell’identità, sono tutti temi cari al nostro vissuto e al nostro presente. E se una volta la chiave di lettura cinematografica di queste tematiche era perlopiù drammatica, adesso tutto può trasformarsi in una vicenda dai risvolti macabri. Come un vero e proprio horror, dove anche Il giardino dei ciliegi sarebbe un bagno di sangue. Share Tweet Share... Read more...Parasite: smells like poor spirits, un articolo di C. Francioni || Threevial Pursuit19 Febbraio 2020Parasite: smells like poor spirits di Chiara Francioni Parasite di Bong Joon-hu Parasite è l’ultima fatica di Bong Joon-hu, talentuoso cineasta sudcoreano già noto in occidente per la regia di Snowpiercer (forse il suo lavoro più conosciuto dal grande pubblico), e grazie al clamoroso successo guadagnato ha di fatto segnato la ribalta internazionale della cultura hallyu, oltre che un evidente miglioramento in fatto di gusto collettivo. A ogni modo, di tutta l’aurea mistica che circonda questo gioiello della settima arte, devo però confessare che è stato il titolo a conquistare, per primo, l’inespugnabile fortezza del mio interesse: Parasite. Mi sono infatti domandata: chi sono i parassiti di cui vuol parlarci Bong Joon-hu? Lo spaccato di realtà oggetto della satira sociale di cui andiamo discorrendo è quello della contemporanea Corea del Sud, terra non troppo distante dalla schizofrenica tirannide di Kim Jong-un e allo stesso tempo esempio di modernità e caccia sfrenata al progresso. Così, sullo sfondo di un tessuto sociale che ricorda molto quello occidentale, al punto da rendere tutto piuttosto familiare, assistiamo alla messa in scena di una macabra commedia, destinata a trasmutare in tragedia, attraversando in pratica tutti gli stadi della drammaturgia shakespeariana. Tutto comincia all’interno di un seminterrato situato nel cuore avvizzito di un quartiere popolare. Qui vivono i Kim: famiglia composta da un padre e una madre ormai da tempo disoccupati e da due figli incapaci di avere la meglio sul rigido sistema di reclutamento universitario. Sono poveri, privi di mezzi di riscatto, ma carichi di risentimento per l’ingiustizia sociale di cui si sentono vittime. Ci spostiamo quindi sulla vetta di una bella collina, dove si erige la prestigiosa villa dei Park, gioiello dell’architettura moderna. Il capofamiglia è un ricco uomo d’affari che può agevolmente permettersi di mantenere la giovane e bella moglie nullafacente e i due figli, il più piccolo dei quali connotato da una traboccante vivacità infantile che preoccupa i genitori, spaventanti da qualsiasi comportamento possa definirsi “sopra le righe”. Una delle scene iniziali di Parasite In estrema sintesi: poveri, da un lato, e ricchi dall’altro, rappresentati in modo essenziale in quella che sembra essere l’anticamera di un’inevitabile lotta di classe. La contrapposizione tra le due fazioni viene esasperata anche grazie al simbolismo della geometria. I Kim, infatti, vivono sotto il livello del mare, mentre i Park lo dominano dall’alto. E allo stesso modo le abitazioni delle due famiglie ne raccontano lo status sociale: l’indigenza dei Kim è rappresentata da spazi stretti e consumati, mentre il benessere dei Park è reso evidente dalla loro villa open space, attraverso la quale i suoi abitanti possono dimostrare al mondo di apprezzare l’arte, a prescindere dell’effettiva conoscenza del suo linguaggio. I poveri di questa storia non sono però dei disperati, sono invece animati da un forte spirito di rivalsa che riescono a tradurre in un arguto piano, ordito ai danni dei ricchi, grazie al quale finiscono per infiltrarsi nel loro tessuto domestico, facendosi tutti quanti assumere sotto mentite spoglie come collaboratori domestici dei Park. È quindi il momento della massima di comune esperienza, già sfruttata dagli autori sin dai tempi della commedia classica (il servus callidus plautino ti dice qualcosa?), secondo cui i poveri sono disgraziati ma scaltri e l’audacia di un buon piano risulta spesso essere più redditizia di soldoni sonanti. È il piano il protagonista di questa fase della narrazione, in cui tutto fila liscio in favore dei Kim, che sanno sfruttare intelligentemente le fobie e le ossessioni della classe dirigente, come la preoccupazione per il giudizio altrui, l’ipocondria e l’ossessione per il controllo. All’estremo opposto della scaltrezza dei Kim, c’è invece l’eccessiva ingenuità dei Park, tipica di chi non ha mai dovuto davvero difendersi dal prossimo in vita propria. Significativa in tal senso è la scena in cui il piccolo di casa fa notare alla madre che tutti i nuovi collaboratori domestici hanno il medesimo odore, senza che la donna ne tragga alcuna indizio. Anche l’odore è un tema importante in questo contesto. Viene infatti più volte sottolineato che i poveri hanno un cattivo odore, proprio come chi prende la metropolitana (dirà a un certo punto il Signor Park). Mi domando se, a questo punto, ci siano elementi sufficienti per provare a dare la risposta alla domanda di cui si diceva poc’anzi, che probabilmente adesso starà stressando anche le tue meningi: chi sono i “parasite” in questa storia? Sono forse i poveri, incarnati dai Kim, che sottovalutano i ricchi definendoli superficiali e naif? E che, trovandosi arresi, cercano di trarre giovamento dall’altrui benessere? O sono i ricchi stessi, rappresentati dai Park, che mal sopportano i poveri, giudicandoli sguaiati e impregnati di cattivo odore? In definitiva, con il loro stile di vita, consumano le opportunità di riscatto dei disperati, costringendoli a stagnare in un perpetuo stato di indigenza. Entrambe le risposte sono possibili, ma nessuna delle due mi sembra soddisfacente: troppo scontate e di certo questo aggettivo non si addice a Bong Joon-ho. *** spoiler alert *** Se non hai visto Parasite, potresti voler rimandare la lettura di questa seconda parte dell’articolo a dopo la visione. Se vuoi proseguire ugualmente, sei il benvenuto. Da qui in poi la storia entra nel vivo e il precario equilibrio raggiunto dai Kim, irrimediabilmente destinato a crollare sin dalla sua genesi, inizia a vacillare quando gli astuti impostori scoprono che la casa in cui si sono infiltrati nasconde un oscuro segreto. Per scovarlo, i protagonisti dovranno scendere nuovamente in basso (la geometria che ritorna) e introdursi in uno spazio ancora più angusto del loro seminterrato: lo scantinato che l’architetto, in preda al terrore paranoico condiviso da molti connazionali e legato alla minaccia di un’imminente invasione militare, ha cautelativamente realizzato sotto le fondamenta della sua opera d’arte. All’interno vive un uomo, nascostosi lì anni prima nell’intento di sfuggire agli strozzini grazie all’aiuto della moglie, ossia la ex domestica dei Park, fatta ingiustamente licenziare proprio dai Kim nell’ambito del loro geniale piano. In uno scenario di matrice marxista questo potrebbe assurgere a snodo fondamentale: il momento solenne in cui emerge, nella sua ineluttabile necessità, la volontà di rivoluzione, spingendo gli oppressi a unire le forze per sovvertire l’ordine sociale ed economico. Eppure, nell’impianto narrativo di Parasite non accade niente di simile. Piuttosto, in seguito al ritorno della ex domestica, intenzionata, insieme al marito, a rivendicare la precaria sicurezza che la vita alle spalle dei Park aveva donato alla sua famiglia, la trama subisce un netto twist. Si assiste, infatti, a una inaspettata e sanguinaria guerra tra poveri, che avanza in un brutale susseguirsi di attacchi e controffensive senza che i ricchi ne abbiano mai effettiva contezza. L’obiettivo?Guadagnarsi il ruolo esclusivo di intruso, evitando che il proprio segreto venga rilevato ai Park. La tensione inizia a crescere, dando vita a un climax fatto di macabro sarcasmo, a tratti sconfinante nel grottesco, capace di strappare risatine ma anche qualche respiro. Non si assiste, dunque, al profetizzato avvento dei prolet dell’epopea orwelliana, bensì alla degenerante espressione dell’istinto di sopravvivenza che porta i Kim a difendere, con le unghie e con i denti (e non solo) lo status fraudolentemente guadagnatosi. Una lotta che non può non comportare costi per entrambe entrambe le fazioni, e che darà il colpo di grazia al sofisticato piano architettato dai protagonisti. Sono proprio le parole che il padre impostore rivolge al figlio a farci capire quanto tutto questo sia tristemente vero. “Sai qual è l’unico tipo di piano che non può fallire? Nessun piano … Se fai dei piani la vita non va mai nella direzione sperata. Se non lo fai, niente può andare storto”. Tutto è quindi dovuto, per lo più, al caso: i ricchi sono ricchi principalmente per contingenza, così come i poveri sono poveri per la stessa motivazione. Quest’ultimi sono infatti costretti, loro malgrado, a subire l’eterno ritorno della loro sventura, mettendo da parte il rancore verso i benestanti che, in fin dei conti, non necessariamente sono la vera causa della loro sofferenza. Una rabbia che finisce per essere sfogata verso chi è più facile da fronteggiare, ossia i propri simili. Tuttavia, non sono i poveri i nostri parassiti, o almeno non lo sono più dei ricchi che sulle spalle dei poveri costruiscono ville imponenti. Pertanto il vero parassita di questa storia, talmente rilevante da guadagnarsi addirittura una menzione d’onore nel titolo, deve per forza essere un altro. Locandina di Parasite Il parassita non può che essere la deriva decadente del capitalismo. Tutto torna, in effetti, e non potrebbe essere più lampante (soprattutto se hai familiarità con la filmografia di Jong Boon-hu). La lettura dell’ordine sociale che ha imperato tra le menti illuminate degli intellettuali a partire dalla fine del XVII secolo, basata proprio sul principio di contrapposizione tra classi emerso in tutto il suo splendore con la rivoluzione illuministica dei francesi, trova qui il suo collasso. Non ci sono più strategie volte al trionfo della giustizia sociale e alla massificazione del benessere, ma solo un basilare bisogno di sopravvivere. L’impeto che muove gli oppressi è quello dell’autoconservazione: l’assetato bisogno di prendersi quello che il destino, terribile demiurgo, ha negato loro, donandolo ai ricchi senza che questi abbiano fatto niente di speciale per meritare cotanta abbondanza. Ma lo stesso concetto di povertà deve essere riletto: non miseria, bensì mancanza relativa di risorse. Quello stato che non è tipico delle popolazioni che abitano le zone più disagiate del pianeta, bensì di chi si trova, spesso suo malgrado, alla base della piramide sociale del nostro progredito mondo moderno: primi tra tutti i disoccupati. La velenosa infezione innescata dall’estremizzazione dei capi saldi del capitalismo e della società consumistica, ha tragicamente riscritto il dna della lotta di classe. Le risorse a cui si aspira non sono più solo quelle necessarie a soddisfare i bisogni primari, ma anche e soprattutto quelle indispensabili per accaparrarsi i bisogni indotti. Il nemico, quindi, non è più solo chi di tali risorse ne ha in abbondanza, ma anche colui che, trovandosi nella medesima condizione di indigenza, si pone come pericoloso rivale nella corsa all’oro farlocco del XXI secolo. Un parassita, la deriva capitalistica, che ha trasformato le menti e che continua a crescere, ben oltre quelli che sarebbero potuti esserne i naturali confini, e che rischia di trasformare la società nello stato di natura che Hobbes aveva invece contrapposto a essa. O almeno così sembra volerci dire Bong Joon-hu. Triste? Sì. Evitabile? Mi auguro. Ma non è questa la sede per proporre strategie volte ad assicurare un’equa redistribuzione della ricchezza. Qui si parla di arte, di finzione, insomma. E infatti probabilmente ci fingiamo intellettuali, speculando sul significato profondo di un film. Certo è che se un messaggio deve passare è meglio che sia quello più edificante. Ad esempio non vorrei che di tutto questo pezzo vi arrivasse solo la considerazione che i poveri puzzano. E, a proposito di messaggi, chiuderei con il più recente dei moniti lanciati da Bong Joon-ho che, di ritorno in patria dopo l’esperienza losangelina degli Oscar, ha salutato gli acclamanti giornalisti così. “I’ll diligently wash my hands from now on and partecipate in this movement to defeat coronavirus”. Sempre satirico, sempre sul pezzo, semplicemente geniale. Precisazione da snob: ho visto Parasite in lingua originale con i sottotitoli in inglese, pertanto il virgolettato è frutto di quella che oserei definire come la mia umile traduzione non letterale. Ma il senso è quello. Share Tweet Share... Read more...Bluagata: l’urlo della Generation Y, un articolo di A. Biagioni || Threevial Pursuit12 Febbraio 2020Bluagata: l’urlo della Generation Y di Andrea Biagioni Sono le undici di una fredda mattina dicembrina. Il cielo è terso, l’aria pungente. Sarà che mancano appena due giorni a Natale, ma questo lunedì mi appare lento, languido nei movimenti e negli occhi svogliati delle persone che mi sfilano davanti mentre aspetto il secondo caffè della giornata. In verità, non è solo il caffè che sto aspettando. Tra qualche minuto salirò su un’auto che mi porterà a Villa Basilica: un passo dalla Collodi di Pinocchio, poco più di una decina di chilometri dal bivio che separa Gragnano dal centro di San Martino in Colle e al centro del quale sorge una roverella di circa seicento anni. Ha il tronco largo quanto l’abbraccio di quattro persone e una chioma medusea, selvaggia e tortuosa che sembra abbracciare a sua volta tutto l’ambiente circostante. Sarà per questa sua forma inquietante e attraente, semplicemente diversa, che in tempi oscuri il popolo ha immaginato i suoi rami come lo scenario ideale per la celebrazione di sabba infernali, creando così il mito della Quercia delle Streghe. Non sto divagando per spirito di supponenza. Questa non è una digressione fine a sé stessa. Questa quercia ha un forte legame con ciò a cui sto per partecipare. È lei infatti che si staglia sullo sfondo di ogni concerto dei Bluagata. È sotto di essa che la band ha girato il video Mother / Ghost, primo singolo tratto dall’Ep The Disguises of Evil. Tra poche ore invece saremo sul set per le riprese del secondo video, Father / Poison. Dico saremo, perché inspiegabilmente mi ci sono ritrovato coinvolto anche io in questa storia. Dovrò infatti interpretare la figura tirannica del padre padrone. O perlomeno della sua ombra, come verrò a scoprire più avanti. Non so come sia loro venuta in mente questa follia. Non so se sia nata per gioco o cos’altro. So solo che un giorno ho ricevuto un vocale su Whatsapp, in cui mi si annunciava che sarei stato il loro antagonista in Father / Poison. Io, che ho due soldi di regia e uno di recitazione. In ogni caso, non potevo dire di no. Un po’ perché il mio ego già si scaldava all’idea. Un po’ perché sono affascinato dal progetto musicale di questi cinque soggetti che conosco da quasi una vita. Con alcuni di loro sono cresciuto. Con Folco e Alessia per esempio, rispettivamente chitarrista e cantante della band, ho condiviso sogni e ferite, successi e delusioni, risate, lacrime e sangue, ma soprattutto idee. Federico invece l’ho visto letteralmente crescere, da bambino che era, come uomo e come batterista. Con Lorenzo, bassista da strapazzo, è stata una bella giostra di bevute e partite viste al pub, deliranti lezioni universitarie e scambi intellettuali, cinematografici e musicali di non poco valore. Margherita, l’altra cantante, l’ho conosciuta in realtà appena due anni fa, ma se mi dicessero che è sempre stata lì, risponderei che è la verità. Eppure il fascino che mi attrae verso la musica, le parole e in generale verso l’idea che si annida nel profondo animale del progetto Bluagata non è legato a un sentimento di parte. Non li ascolto, perché sono amici e quindi li devo ascoltare. Non mi piacciono, perché devono piacermi, anzi. Sono sempre stato critico quando ho potuto, forse più critico di altri sia ora che in passato, e proprio perché sono miei fratelli e mie sorelle, conosco e apprezzo la loro intelligenza e quindi pretendo da loro più di quanto pretenderei da altri. Per questo, se sono qui oggi per fare un pezzo della loro strada, non lo faccio perché lo devo fare. Lo faccio perché sono curioso. Anche se ne abbiamo parlato in lungo e in largo, ci sono ancora molti aspetti che devo capire e che loro non possono spiegarmi perché fa parte del lato ineffabile della creazione. C’è qualcosa all’interno di esso che nemmeno l’artista riesce a definire, perché spesso è l’artista stesso a esserne inconsapevole. Io voglio capire l’inconscio del loro processo creativo e posso farlo solo entrandoci dentro. Come un’ombra appunto. Intanto siamo arrivati a Villa Basilica. Ci presentiamo finalmente sul luogo del misfatto. Ci accoglie in casa sua mauchi, regista del video e curatore grafico e fotografico del progetto. È uno di quei personaggi su cui potrei scrivere un intero THREEvial. Lo vedi e hai l’impressione di trovarti davanti all’archetipo del visionario. Ad attenderci c’è anche Teresa, che non è solo una make up artist perché due mani come quelle, capaci di tirar fuori da un volto l’inespresso dell’anima di chi quel volto possiede, sono il frutto di un genio degno dell’arte pittorica. Iniziamo il briefing. Io ascolto e nel frattempo non posso fare a meno di analizzare il percorso che li ha portati tutti fin qui. Mi rendo conto che quello che i Bluagata hanno deciso di affrontare è qualcosa di diverso, di non scontato. Sinceramente, neppure io che li conosco da vent’anni o quasi, avrei mai sospettato che fossero così pazzi da spingersi fino a questo: a cercare di emergere dalla massa, non facendo niente di quello che ci si aspetterebbe da una band nel panorama musicale italiano, dove l’originalità è solo una facciata sotto cui si nasconde l’usato sicuro. Perché se da quel panorama escludiamo il cantautorato, questo paese è musicalmente parlando la terra dei wannabes. Siamo invasi da wannabes wannabes del grunge, wannabes dell’hip hop, wannabes del metal e dell’hardcore, wannabes dell’elettronica e della trap. Non a caso siamo la terra delle cover band. Invece, i Bluagata hanno fatto una scelta complessa. Non hanno scelto un genere. Hanno preso le influenze e conoscenze musicali di ognuno dei propri componenti e la loro voglia di sperimentare, miscelandole. Non si fa punk o metal, non si fa pop o britpop, non si fa elettronica, non si fa cantautorato. Hanno scelto un non genere, che può essere solo loro e dove si può fare tutto, che rischia di voler dire niente se si incastrano male i pezzi che si hanno a disposizione. Mentre il briefing si conclude e s’inizia ad allestire il set, mi scopro a pensare proprio a questo, ovvero al fatto che in fondo l’arte sta tutta nella capacità dell’artista di trovare i giusti incastri. E ciò che mi stupisce dei Bluagata è la cura e la lucida consapevolezza nel posizionare i tasselli del loro personalissimo e immenso puzzle. I primi due lavori in studio, ovvero Sabba e The Disguises of Evil, le canzoni al loro interno, i video che le personificano, i live, la presenza scenica della band all’interno di essi, sembrano frammenti di un quadro complesso che pezzo dopo pezzo svelano ognuno un dettaglio, una parte del tutto: sia essa un oggetto, un volto o una scena. Sono quelle porzioni che nella ricostruzione di un puzzle si completano e si mettono per il momento da parte, in attesa che altre se ne formino e si possa finalmente arrivare al punto finale di collegarle tra loro per poter ammirare l’opera compiuta. Il progetto Bluagata è un elogio alla lentezza, alla pazienza in un’epoca in cui il mercato ha reso la frenetica corsa verso il successo il fulcro della creazione artistica, depotenziandone il messaggio. Invece, nei testi di questa band (e se una classe della scuola media “Convenevole da Prato” li sta studiando, un motivo ci sarà) il messaggio non solo c’è, ma ti prende pure a schiaffi, anche quando la musica ti fa ballare. Le loro parole sono allo stesso tempo un atto di accusa e di ribellione. L’ho capito ascoltando Church / Revenge, terzo brano di The Disguises of Evil. Ripensando al secondo verso di questa canzone, mi sembra di riuscire a cogliere quell’ineffabile che muove il motore interiore di questi artisti e di cui probabilmente anche i Bluagata stessi sono inconsapevoli. “I never thought my beauty’d be like a stone for you” canta Alessia. Sin dalla prima volta che l’ho ascoltata, quella frase me ne ha rammentata un’altra. Vandalism: beautiful as a rock in a cop’s face. Era l’adesivo che ha campeggiato per anni sulla chitarra di Kurt Cobain, mio primo amore musicale. In quella frase più che l’invito alla sassaiola, era sintetizzato il malessere di un’intera generazione, l’allora Generation X, contro un sistema autoritario che aveva deciso di mettere ai margini della società chiunque avesse una propria identità: un’identità diversa da quella comunemente accettata e consentita. Quel verso di Church / Revenge ha la medesima potenza espressiva. In esso c’è tutta la rabbia di una donna svilita dal bigottismo di un’istituzione morale che di morale ha ben poco, e che si riallaccia al concept del precedente album Sabba, dove ogni canzone era dedicata a una donna processata e condannata dall’Inquisizione e da una società oscurantista, che appare più simile alla nostra di quanto immaginiamo. È la stessa rabbia che proviamo in decine di milioni di fronte allo schiavismo legalizzato del mercato globale e che Worth / Slave esprime con puntale ferocia. È la voglia di smascherare le debolezze e le prepotenze che manovrano le azioni e i sentimenti di figure che siamo abituati a considerare benevole, ma che celano sotto la veste del proprio ruolo sociale la negatività frustrata della propria inettitudine e una perfida o indolente soddisfazione nel vedere i propri figli fallire così come loro stessi hanno fallito (Mother / Ghost e Father / Poison). Infine, è il disprezzo del masochismo che la razza umana perpetra su se stessa, cercando quasi ossessivamente il modo più lento e doloroso di annientarsi e di annientare l’ambiente che la circonda (Freedom / Treason). In definitiva, il processo concettuale dei Bluagata è il perseguimento di una rivoluzione intesa nel senso primordiale del termine, ovvero come capovolgimento di un sistema sociale malato che un manipolo di tiranni di bassa lega vuole farci credere essere ben congeniato, giusto e immutabile. E vuole pure convincerci che se c’è qualcosa di sbagliato al suo interno, quel qualcosa siamo noi perché non siamo abbastanza “devoti alla causa”. Invece noi non siamo altro che una generazione stuprata. Una generazione resa schiava e vittima dalla cecità di chi prima di noi ha lasciato dietro di sé solo macerie sociali, non mantenendo le promesse fatte. In un’espressione, noi siamo la Generation Y (anche se adesso vogliono schifosamente chiamarci Millennials). Ora capisco perché i Bluagata hanno deciso di affrontare un simile percorso. Soprattutto, capisco perché hanno pensato che fosse arrivato il momento di abbattere i generi, sia musicalmente che concettualmente parlando: perché sono stanchi e incazzati, come tutti noi. E questo li ha resi ambiziosi. Chi ha davvero grandi ambizioni, non accetta compromessi. O si fa alla sua maniera o niente. Gloria o fallimento. Non esiste nient’altro, nessuna via di mezzo. Non so fin dove arriveranno, se riusciranno a soddisfare queste ambizioni, ma comunque vada almeno ci avranno provato. Avranno provato a essere l’urlo di una generazione. E ci vuole coraggio per questo. Per il resto, io non sento di avere altro da dirvi. Ho scritto fin troppo. È tempo di riprese per me, adesso. Non pretendo né di convincervi dei miei deliri né di influenzarvi. Ascoltate, vedete e giudicate voi. Non sono io che devo spiegarvi qualcosa, siete voi che dovete comprendere. Io sono solo un’ombra. E adesso si va in scena. Father / Poison Share Tweet Share... Read more...La meditazione ai tempi dell’Ikea, un articolo di S. Natali || Threevial Pursuit5 Febbraio 2020La meditazione ai tempi dell’Ikea di Sara Natali Una sera sono stata a un incontro sulla meditazione con un lama (maestro) buddhista, al quale eravamo invitati a porre delle domande. Poiché nessuno osava rompere il ghiaccio, ho alzato la mano e ho chiesto: «Cosa fare con la rabbia durante e/o dopo la meditazione?» Devo premettere che io e la meditazione ci conosciamo da appena due anni: sono quindi un’utente inesperta di questa pratica e, dopo una full immersion durante il mio ultimo viaggio in Oriente, sono ormai alcuni mesi che l’ho accantonata. Una delle ragioni di questa decisione è proprio la sensazione di rabbia che spesso nasceva in me dopo la pratica. Ogni volta che mi sedevo a meditare, infatti, speravo di calmare la mente – badate bene, dico proprio “sperare” – perché so che non dovremmo “volere” qualcosa meditando, ma al contrario essere neutri: non riuscendo a esserlo credo che, inconsciamente, io ritenga meno grave “sperare” che “volere” la calma. Spesso mi accadeva di cominciare la meditazione con una buona attitudine positiva e finivo spossata, nervosa e frustrata; e poiché giudicavo queste sensazioni inappropriate, mi arrabbiavo. Quindi ho lasciato da parte la meditazione per un po’, dicendomi che forse per il momento non era cosa per me. Ecco perché, quando mi è stato proposto di partecipare a questo incontro, mi sono detta che sarebbe stata l’occasione buona per avere una risposta da qualcuno che se ne intende. Devo ammettere che la sera stessa ero un po’ scettica, temevo che non avrei ottenuto granché da questo lama, non più di quanto posso aver ottenuto in passato da altri esperti meditatori, guru o guide spirituali. E infatti, come volevasi dimostrare, alla mia domanda, il lama replica sfoderando i cavalli di battaglia della filosofia buddhista come: La rabbia è un riflesso dell’ego e l’ego è il tuo nemico.Non dare importanza alla rabbia, ma focalizzati sull’oggetto della tua meditazione.Ci vuole pazienza e molta pratica.Ci vuole molta, molta pratica.I risultati positivi che tutti sperano ottenere dalla meditazione si ottengono dopo anni e anni di pratica.La rabbia è un sentimento malvagio che inoltre distrugge il karma buono, quindi non ti conviene nutrire la tua rabbia.Per sconfiggere la rabbia, e quindi l’ego bisogna praticare l’amore compassionevole. A questo punto la prima cosa che mi è sorta spontanea pensare è stata un molto shanti: “Grazie al cazzo”, ma anche: “Ok, benissimo, questo è quello che teoricamen
