Three Faces presenta THREEvial pursuit: una serie di articoli tra il serio e il faceto sulle tematiche più disparate! Il reale nelle Microfictions, un articolo di R. Cannarsa || Three Faces8 Aprile 2020Il reale nelle Microfictions di Rocco Cannarsa “ Considerato da critici e lettori una delle opere più importanti e influenti degli ultimi anni, tradotto in dodici lingue, pubblicato in Francia da Gallimard nel 2018, Microfictions è un’«opera-monstre», uno di quei libri che diventano imprescindibili, dei quali «si deve» parlare e che soprattutto «si deve» leggere, un’impresa letteraria e editoriale quasi folle che testimonia – se ancora ce ne fosse bisogno – come Régis Jauffret, forse ancor più dei grandissimi Emmanuel Carrère e Michel Houellebecq, sia ormai diventato «l’autore», che dalla Francia racconta al mondo i lati meno apparenti, meno accettabili, meno morali, quindi più veri dell’essere umano”. (Sinossi dell’edizione italiana di Microfictions) Mentre proponevo al Biagio la recensione di Microfictions di Régis Jauffret, e proprio mentre il pensiero stava divenendo parola, già me ne ero pentito. Immaginavo che la reazione provocata sarebbe stata di stupore, curiosità e, di conseguenza, entusiasmo. Tralasciando le altre proposte, di fatto, ha accettato al volo. Mea culpa, mi ritrovo a parlare di un libro lungo, triste e, per giunta, ostico. “Avviso ai lettori: maneggiate con prudenza, questo libro è materiale semplicemente incendiario”, recita la scritta rosso sangue che spicca dal candore bianco della copertina. Edito in Italia da Edizioni Clichy, che ci regala le meravigliose parole di apertura, questo libro è un’antologia di racconti che si maschera da romanzo o viceversa. Quando ne lessi qualche pagina al mio amico Marco, già in videochiamata seppur ancora non fossimo in tempo di quarantena, «è un pugno in un occhio» mi disse. Ci prese al volo. Questo libro è un pugno in un occhio, ma un pugno da ko. Mille pagine, cinquecento racconti. Un colosso, un “mattone”. Non li ho letti tutti, sono sincero. È un libro la cui lettura procura dolore, e il mio sempre più lieve desiderio di autolesionismo mentale viene abbondantemente sfamato da poche pagine giornaliere. Questa non sarà una recensione, se lo fosse lascerebbe a desiderare, né un (non)-consiglio di lettura. È una riflessione su ciò che definiamo poetico. Se intendiamo questo termine come ciò “che è ricco di suggestione, di fascino” potremo dire che questo è un libro poetico. “Sono scappato in macchina. Mi sono fermato senza benzina in una periferia in costruzione. Accanto ai cantieri c’è un hotel bianco come un transatlantico, la cui cima si perde nel cielo sporco. Sono corso a chiedere alla reception una camera sopra le nuvole per buttarmi fuori bordo come un secchio di vergogna”. (tratto da Candy Crush Saga, Microfictions) L’interrogativo nasce quando accostiamo alla materia trattata nel libro lo stesso termine nell’accezione di “necessario al poeta, in quanto costituisce occasione di poesia”. Perché Jauffret racconta il dolore, racconta l’amarezza, i segreti, le perversioni, le eccitazioni, la voglia di fare del male, la debolezza-forza di non sopportarsi più. Dal punto di vista estetico le immagini crude che Microfictions ci getta in faccia assicurano l’efficacia artistica che ne garantisce l’elemento poetico. Se vi aggiungiamo la nitidezza magistrale dal talento letterario di Jauffret siamo costretti a subirne amplificato il forte impatto emotivo. “I bambini hanno riso. Anche se la loro madre è colpevole, non sopporto che le manchino di rispetto. Li ho spediti a finire la cena in giardino. «Siete fortunati, ormai c’è solo neve sciolta». Sono abituati ai maltrattamenti, la prospettiva di fare un pic-nic di notte non li ha colpiti più che vedere un paio di ceffoni pronti a colpirli in faccia. Mi sono dimenticato di loro e mia moglie che non ha né visto né sentito credeva fossero a letto. Li ha ritrovati la mattina, stipati nel capanno degli attrezzi. «In stato di ipotermia»”. (tratto da Jean-Jacques Rousseau, Microfictions). E a questo punto viene da chiedersi: quanto l’esasperazione del tormento facilita l’empatia? Quanto più semplice diventa colpire il lettore? È un non-dilemma: è più facile creare pathos col dolore. La tensione, che ci fa vibrare, stridere, quelle corde sempre tese della nostra debolezza del tutto umana, e che fa portare i più coraggiosi alle lacrime. E la colpa è del metaforico masochismo che caratterizza quelle anime poetiche con l’attenzione perennemente destata verso il fuori, verso la vita, e con una spinta immaginativa forte quanto basta per trovare della bellezza anche nella sofferenza (letteraria, ovviamente). La scrittura? Il tono, il ritmo, lo stile? Che cosa dire… ti inghiotte, mangia, sbrana, e tu la preghi di fermarsi, finché davanti al suo reiterato rifiuto chiudi con decisione il libro, ritornando nella realtà del mondo, sperando, con tutta la forza che hai dentro, che non abbia nulla a che vedere con ciò che hai appena letto. Non sarei d’accordo con l’editore, che ne parla come: “ uno di quei libri che diventano imprescindibili, dei quali «si deve» parlare e che soprattutto «si deve» leggere” eppure eccomi qui a parlarne, perché è un’opera che non può passare inosservata, e non solo per le dimensioni. “Dopo che me ne ero andato mia moglie e Léon erano tornati in salotto. La madre aveva asciugato gli occhi del figlio promettendogli uomini, donne, animali fantastici, fiori prodigiosi, una stella che lui avrebbe tenuto come un palloncino con un filo lungo cento milioni di anni luce per mostrare a quel contabile in quali boschi si riscaldano i Léon. «Aveva rallentato il pianto, sembrava che le credesse». Lo aveva lasciato solo giusto il tempo di fare una doccia perché lui l’aveva innaffiata delle sue lacrime dalla testa ai piedi. Lui aveva scelto l’attimo in cui lei usciva fresca e profumata dal bagno per prenderla per le gambe, portarla in terrazza e saltare la balaustra come fosse una siepe. Lei si era gettata nel vuoto dietro di lui come se avesse scambiato l’aria con l’acqua e si fosse immaginata di poterlo salvare dall’annegamento”. (tratto da Canto Tibetano dei morti, Microfictions) Il progetto di Microfictions è francese per eccellenza, la “Commedia umana” del nuovo millennio. Tutto, o almeno gran parte, di quello che è lo struggente della quotidianità, ecco cos’è questo libro. Su Jauffret Le Magazine Littéraire scrive: «Lo sapevamo già, ma adesso è ufficiale: questo è il più grande scrittore vivente». Potrebbero avere ragione, ma c’è una parte di me che crede che trattare la vita a senso unico, trovandone letterarietà solo nel male, nel 2020 non sia abbastanza, potrebbe, anzi, iniziare ad essere definito “un vincere facile”. O forse, al contrario, è un lavoro lodevole, ché rintanati nelle nostre finte certezze, necessitiamo di chi guardi con occhio empatico ma critico, il male che, latente, tacito, boccheggiante eppure vivo, ci circonda. Share Tweet Share... Read more...QuaranThreevial N° 1: le 5 fasi della quarantena || Three Faces1 Aprile 2020QuaranThreevial N° 1 Le 5 fasi della quarantena di Three Faces Quarantena di Bladi Eccoci di nuovo qua, a vedere l’ennesimo buon proposito andare letteralmente a puttane. Sì, perché in realtà io questa cosa non la volevo fare. Io volevo farvi un pesce d’aprile. Sì, volevo farvi lo scherzone del secolo, ma il resto della redazione mi ha fatto giustamente notare che qualsiasi idea potessimo partorire, anche la più geniale e folle, non sarebbe stata niente a confronto della situazione assurda che stiamo vivendo, a meno che il pesce d’aprile non fosse legato proprio all’ormai tristemente noto Covid-19. E lì chiaramente ci siamo fermati, perché il rischio era quello di camminare sulle uova con un elefante sulle spalle. In quel momento ho capito che tutti i nostri peggiori incubi si stavano per avverare, che ormai era inevitabile: avremmo finito per fare un THREEvial sulla quarantena. Praticamente un QuaranThreevial. Certo non potevamo immaginare che questo sarebbe stato solo l’inizio. Già, perché pare che ce ne saranno altri. Quando? Non si sa. Su cosa? Non si sa. Perché? Non si sa. Ci sembrava insomma un buon modo di presentarli. Detto questo, vi assicuriamo che non vogliamo finire come tutti quelli che con la scusa di sentirsi solidali con il resto della comunità (falsi come una banconota da seimila lire) ci stanno sminuzzando le gonadi con le loro dirette/letture/concerti/tutorial/allenamenti/sketchcomici/opinionidacircolo/misonorottogiàicoglionimanonilcazzolepalleesonosoloametàlista, che poi in realtà l’unico motivo per cui c’hanno tutti ‘sto gran spirito di solidarietà è per pigliarsi ‘na manciata di mi piace in più di quelli che si sarebbero presi normalmente, pensando di inventarsi chissà che contenuto geniale. No, noi lo facciamo principalmente perché, avendo la fortuna d’averci un tetto sulla testa e non averci una cippa da fare segregati in casa mentre aspettiamo la disoccupazione, in qualche modo il tempo lo dobbiamo pure passare. Visto che noi siamo scrittori e scrittrici, in questo periodo di quarantena scriviamo, e poiché alcuni di noi stanno producendo come conigli in calore, il rischio è che tutto questo materiale si perda, quindi abbiamo dovuto trovare una soluzione. E che dovemo fa’… Per questo come introduzione, abbiamo deciso di redigere una sorta di Prontuario dello Scrittore in Quarantena, un vademecum per essere più chiari o, come dire, un compendio… oddio, insomma, ‘na cazzo di guida, ecco. Il motivo di questa scelta è molto semplice. Ci siamo resi conto infatti, sperimentandolo in prima persona, che in una situazione del genere lo scrittore deve obbligatoriamente affrontare delle fasi dalle quali potrebbe non uscire sano di mente. Noi vogliamo mettervi in guardia nel caso in questo periodo vi fosse venuta l’originale idea di diventare scrittori. E per fare questo, scoprirete che ci siamo avvalsi non solo di esperienze personali, ma anche di studi illustri e affidabili. Iniziamo dalla temibilissima Fase 1, ovvero superare la paura della pagina bianca, che per comodità chiameremo Sindrome di Cannarsa (Rocco per gli amici) e che ci viene sintetizzata in questo breve passaggio, tratto da un saggio di un giovane anonimo trovato su un sito a caso di cui manco ricordo il nome. Ma non perdiamoci in chiacchiere inutili. Il passaggio più o meno era così. “Ci ho messo mezza giornata per scrivere questa riga. Sono in quarantena da venti giorni e il tempo mi sembra volare ora che me ne sento padrone. Mi sveglio ogni mattina con le idee ben chiare sulla piacevole produttività incarnata dalla giornata imminente. Farò tante cose, troppe cose. Dio che giornata! E contemplo, bonario, il mio accanimento. È vero, ve lo assicuro, chi troppo vuole nulla stringe. Comprendo la mia schiavitù a un tempo che si nutre delle mie ambizioni, dei tentennamenti, delle indecisioni, inghiotte tutto il fottuto giorno, e mi lascia solo la noia. Oggi in mezza giornata, ho scritto questa riga”. Esticazzi, aggiungerei pure. Pare il monologo finale di Carlito’s Way. Ad ogni modo, passata l’ansiogena Fase 1, solitamente lo scrittore entra nella Fase 2, detta più comunemente Prima regola del termofancazzismo di Tio, che recita: “niente si crea, niente si distrugge, ma te datti pace”. Come sia arrivata una tale intuizione nella testa di questo luminare della fisica sociologica, ce lo spiega lo stesso dott. Niccolò D’Innocenti nel suo saggio Prendiamoci del tempo, che potete acquistare sulle nostre piattaforme online attraverso una modica donazione di euro 99,99 (Cairo a noi ci fa una pippa). “Devo essere sincero. Io di questa quarantena non è che mi posso troppo lamentare, soprattutto se faccio finta che nessuno là fuori stia morendo o soffrendo. Alla fine mi sono sempre lamentato di non avere tempo per dormire, di non avere tempo per leggere, di non avere tempo per scrivere, di non avere tempo di stare con la mia ragazza e soprattutto di non avere tempo di giocare ai videogiochi. Adesso ho il tempo! Non che poi abbia né letto né scritto, ma sto dormendo come mai e mi sto sfondando di videogiochi. A questo ci aggiungi che tempo per bere e fumare l’ho sempre trovato, ed ecco che salta fuori una vacanzina niente male. Faccio esercizi e mi tengo attivo con sfide a chi distoglie prima lo sguardo con la faccia di cazzo della mia dirimpettaia, rapporto mai fiorito, neanche in questi tempi di solidarietà a buon mercato. Tutto questo crollerà quando finirò da fumare, ahimè”. Per la serie: finché c’è fumo, c’è speranza. Questo però conduce lo scrittore a finire in uno stato mentale apparentemente assimilabile alla pigrizia (Fase 3), conosciuto in psichiatria come “indolenza da decreto segregante del sabato sera”, o più semplicemente Complesso di Francioni, in onore del primo soggetto in cui gli psichiatri hanno riscontrato questo tipo di disturbo psicosomatico. Per comprendere meglio l’evoluzione del fenomeno, gli studiosi si sono concentrati sulle ultime parole sensate a loro rilasciate dalla paziente stessa, Chiara Francioni. “Devo essere collassata sul divano per l’ennesima volta. Chissà da dove viene tutto ‘sto sonno? Mi tiro su, distendo i muscoli e fisso la parete, pensando a qualcosa da fare. Controllo le previsioni? No, chi cazzo se ne frega del tempo che fa fuori. Fuori. La parola riecheggia nella desolazione della stanza. All’improvviso mi sembra così strano che al di là della finestra ci sia un mondo che va avanti anche senza di me. Mi sento piccola e forse va anche bene, perché la casa è minuscola e meno spazio occupo, più ne resta per muovermi in libertà. Libertà. La parola riecheggia nella desolazione… e no, mo basta. Apro il vino e vaffanculo”. E poi fu il delirium tremens. Già, perché a questo punto è ormai evidente che lo scrittore (in questo caso, la scrittrice) è entrato nella Fase 4 del suo degrado artistico, la quale fase segue il celebre Teorema dell’alcolismo di Piccinni, ovvero “ogni corpo costretto per un numero x di giorni a contatto con Tiziana Caudullo in uno spazio ristretto riceve una spinta dal basso, anzi facciamo due spinte belle tonde dal basso verso l’alto, uguali per inutilità al peso delle azioni che lo stesso corpo farà pur di non comunicare con la suddetta Tiziana Caudullo, ovvero ubriacarsi male”. In seguito, ci spiega l’autore, il corpo in questione inizierà a comportarsi come se fosse realmente in grado di compiere alcune azioni complesse, tipo far di conto o suonare decentemente il basso. Eccovi uno stralcio dal diario personale dello scienziato Simone Piccinni, che ripercorre il suddetto esperimento. “Lunedì mattina, ore 9.00. Apro gli occhi bestemmiando. Quanto cazzo ho bevuto ieri? Oki + caffè. Il box da 5 litri di vino è a fine. Porco il clero, l’ho comprato venerdì pomeriggio… Fanculo. Mettiamo un po’ di musica. Ambient jazz? Dovrei iniziare a rimettere a posto la contabilità: ci starebbe. Ma… ha senso? Youtube suggerisce To have and to have not, versione di Lars Fredriksen and the bastards. Daje. Sai che? Fanculo la contabilità… Riprendo il basso e mi metto a studiare le tablature del pezzo. E vaffanculo. Tanto il mondo sta andando ai maiali, s’inculi la contabilità”. Ed ecco che si arriva quindi alla ovvia fase finale (per chi ci arriva) di questo percorso: la follia. Ci sono però opinioni discordanti sul come la follia si manifesti nel soggetto scrittore durante la Fase 5. Secondo la corrente bendinelliana, che si rifà agli esperimenti antropologici della controversa studiosa Benedetta Bendinelli, questa ultima fase porta il soggetto a crisi paranoico-depressive, dette anche Crisi di Bates. Una parte dei suoi esperimenti è poi confluita in un romanzo autobiografico, che sta diventando un caso letterario mondiale e che s’intitola PSYCHOVID. Eccovi un breve stralcio. “Siamo qua da giorni. Qua, per me, è in mezzo alla campagna. Siamo vuol dire io e Carolina. Tutto bene, va tutto bene e non posso dire il contrario. Il sole batte sulla facciata di casa verso l’ora di pranzo e resta caldo fino a prima del tramonto. Il bosco è dietro l’angolo, per davvero. Fuori tutto occhei ma la casa mi spaventa. Mi spaventa la polvere: con la luce del pomeriggio la vedo ovunque. Mi spaventa lo scaldabagno, quel ribollire grasso dentro la pancia di metallo è un cattivo presagio. Mi spaventa Carolina, quando entra all’improvviso in bagno e si affaccia dalla tenda della doccia. Per tutto questo, e poco altro, ho pianto”. La Bendinelli è poi stata accusata di plagio e portata in tribunale, venendo però assolta, probabilmente per il fatto che a citarla in giudizio era stato per motivi ancora oscuri Al Bano, al quale la quarantena ha fatto peggio del previsto. Tornando a noi, alle tesi della Bendinelli si è sempre opposta la sua acerrima rivale Roberta Dell’Ali, la quale si dice certa di una diversa evoluzione della Fase 5, come da lei sperimentato in prima persona. L’abbiamo contattata via mail pochi giorni fa per chiederle di spiegarci in cinquecento battute (sennò ci veniva lungo il pezzo) le sue considerazioni riguardo all’evoluzione dei suoi studi. Dobbiamo dire che ci ha risposto con una notevole dose di calma, dignità e classe. Da: Roberta Dell’Ali 30 mar 2020, 16:37 AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAH!Lo so, avrei potuto farvi ridere o raccontarvi qualcosa, ma queste cinquecento battute le ho concesse all’urlo che da giorni spingo giù in gola: scusate, ma maggia sfuca’.Distinti saluti Insomma, sembra che gli studi procedano spediti. Un po’ troppo spediti. Ci sarebbe anche un’altra testimonianza, che rivela la strana involuzione metabolica in un soggetto di nome Andrea Biagioni, il quale avrebbe subito nel corso della quarantena un precoce invecchiamento. Pare infatti che il fantomatico Biagioni (nessuno sa se sia realmente esistito o se sia il frutto dell’ennesima fake news di cattivo gusto), dopo aver superato con successo le prime quattro fasi, abbia iniziato a passare tutto il giorno alla finestra ora guardando con nostalgia il cantiere sotto casa, ora facendosi delatore di runner, ora cantando con fervore l’inno di Mameli fino al soffocamento, e infine pare abbia iniziato a inveire come un ossesso contro bambini invisibili, gridando loro di smetterla di giocare a calcio nel suo cortile e colpevoli, a suo dire, di non rispettare il modulo MM della grande nazionale ungherese degli anni ’50. Nel verbale redatto dagli agenti accorsi sul posto, si legge che “il soggetto veniva prelevato dalla propria abitazione nel rispetto delle norme igienico-sanitarie in atto, mentre continuava a inveire contro un certo Ferenc Puskás”. Non sappiamo se questa storia, ormai diventata virale in rete come Il curioso caso di Biagio, sia reale o meno. Quello che possiamo dirvi è che noi continueremo a indagare, e continueremo senza sosta a studiare e riferire con i nostri QuaranThreevial quanto venuto a nostra conoscenza riguardo l’impatto di questa quarantena sulle deboli menti di scrittori e scrittrici, o presunti tali tipo questo Biagio. Per il bene della comunità, prima che in comunità ci sbattano tutti quanti. Share Tweet Share... Read more...Il Regno della Paura, un articolo di S. Piccinni || Three Faces25 Marzo 2020Il Regno della Paura di Simone Piccinni Ho iniziato a scrivere questo pezzo a febbraio, ben prima che il Covid-19 diventasse l’argomento pubblico numero uno. Il pezzo parla di paura, e ne parla partendo da basi che ora sembrano lontane e astratte, essendo state soppiantate da un’altra fonte ben più basilare e immediata (maledetta indole procrastinatrice, mi fotte sempre…). Ma ho deciso di riportarvelo così com’era, almeno fino al punto in cui mi sono fermato, perché alla fin fine è proprio lì che voglio arrivare: la paura assume migliaia di forme ma condiziona il nostro vivere sempre alla stessa maniera. Maniera che però, a sua volta, assume migliaia di sfumature diverse. Questa che stiamo vivendo è solamente una di esse, sebbene sembri più forte e presente. Quindi niente, ci rivediamo in fondo alla pagina per le conclusioni… Nel bel mezzo della mia disordinatissima libreria c’è un piccola pila di libri non letti. Non che i libri non letti e parcheggiati in quel casino siano pochi, ma questa specifica pila conta solo qualche volume. Se ne sta lì come un totem. È sempre stata lì, nel suo preciso ordine, indifferente alle frequenti consultazioni e agli sporadici riordini. L’ultimo titolo, quello che chiude la pila, protegge col suo peso i sottostanti sigillando il piccolo parallelepipedo di carta come la merlatura di una torre. Questa specie di orpello architettonico non è un libro come gli altri, almeno per me. Mi guarda da più o meno tredici anni. E io osservo lui, incrociando lo sguardo con le orbite vuote del teschietto punk stampato sulla costola, con un misto di fascino e senso di colpa. Il libro è Kingdom of Fear di Hunter S. Thompson, uno dei miei miti assoluti, e temo sia destinato a rimanere lì ancora a lungo (N.d.A: in realtà è stato inglobato dalle file retrostanti due giorni or sono. La smania da attività di questo periodo ha colpito alla fine anche la libreria, che ora appare fottutamente ordinata e asettica. Sigh). Sebbene non lo abbia mai letto lo ritengo una enorme fonte d’ispirazione. “Com’è possibile?” chiederete voi. Perché ormai, intimamente, racchiude un pensiero. E ‘sticazzi se questo pensiero è nato da una serie di coincidenze invece che dalle parole e dai concetti scritti lì dentro. In estrema e brutale sintesi, eccovelo: “Tutto ruota attorno alla Paura”. Hunter S. Thompson, autore di Kingdom of Fear Ma vediamo di spiegare meglio. La riflessione nasce non dall’elemento più palese – l’evocativo titolo “Il Regno della Paura” – bensì dal motivo per cui non l’ho mai letto. Lo comprai in una libreria di Sydney nel lontano 2007 insieme a Fear and loathing in Las Vegas, sempre di Thompson, e a Trainspotting di Welsh, tutti e tre in lingua originale. Gli ultimi due li conoscevo praticamente a memoria, avendoli letti svariate volte in italiano. Kingdom of fear no, non essendo mai stato pubblicato in Italia. Ma lì per lì ero convinto di padroneggiare l’inglese alla perfezione, dopo tre mesi di permanenza in Australia e altri tre a Londra. Mi sbagliavo tremendamente: dopo aver affrontato a fatica i due testi già conosciuti fui preso dallo sconforto. Decisi di rimandare la lettura del terzo a data da destinarsi per la paura di non cogliere al meglio l’opera di Thompson. Sarebbe stata una mancanza di rispetto imperdonabile nei suoi confronti. Non me la sentii… Una volta tornato in Italia, buttai il libro da qualche parte e me ne dimenticai. Col tempo e l‘inutilizzo, poi, le mie capacità linguistiche si sono gradualmente impoverite, peggiorando la situazione e rendendo la sfida quasi impossibile. E lui ora sta lì, da tredici anni, a fissarmi e a ricordarmi quel momento di pavidità. Per la paura di non capirlo approfonditamente mi sono privato del tutto della possibilità di leggerlo. Questo aneddoto può sembrarvi una cazzata insulsa, lo so. Nulla mi vieta di prendere un vocabolario d’inglese e riprovarci. Ma non lo farò, almeno per ora. Perché al momento, per me, ha più importanza come promemoria che come sfida. La paura è un istinto innato, comune a tutti gli esseri viventi e fondamentale per la sopravvivenza. È normale che ci sia. Il problema è che noi umani, nel corso della storia, gli abbiamo dato una sfilza di sfumature e significati tutt’altro che naturali, trasformandola nell’elemento che, a mio modo di vedere, ci condiziona maggiormente. E lo fa costantemente, sia nella sfera privata che in quella sociale. Ci condiziona personalmente nelle piccole cose, come nel caso che vi ho appena raccontato. Ma non solo: la paura influisce ogni volta che facciamo qualcosa o che prendiamo una scelta, modificando la nostra vita e il nostro futuro. Ci condiziona da piccoli quando seguiamo il branco anche in ciò che non ci piace per la paura di essere emarginati e rimanere soli. O quando da adolescenti ci impedisce di approcciare una ragazza per il timore del rifiuto o della figura di merda con gli amici. Ci condiziona quando scegliamo un percorso di studi che non sentiamo nostro perché magari quello preferito non garantisce la certezza di trovare un lavoro. O quando ci fossilizziamo in un ambiente lavorativo di merda o in una professione che non ci piace perché “almeno questo c’è”. Ci condiziona nelle relazioni con gli altri, facendoci smussare opinioni e pensieri per non creare contrasti oppure rendendoci diffidenti e sospettosi. Ci condiziona quando giriamo la testa di fronte a un torto o un’ingiustizia perché opporsi potrebbe causare delle conseguenze. Quando rispettiamo una regola che non reputiamo giusta per non subire punizioni. Influenza il nostro modo di comunicare, le parole che diciamo o non diciamo, con chi parliamo con interesse e chi invece ignoriamo. Se tra A e B scegliamo A, frequentemente, è per esclusione di B: questo perché entrambe suscitano una sottile paura, ma B magari ne fa di più. La paura profonda e istintiva, quella per la sopravvivenza e il pericolo reale, in noi umani ha perso di centralità, rimpiazzata da quella verso il giudizio degli altri o verso la perdita dei propri privilegi, comodità o situazione. Ed è qui che nasce il problema vero: la nostra manovrabilità. L’umanità è composta da tante piccole società, composte a loro volta di diverse etnie, culture e gruppi di persone. Ognuna ulteriormente composta di tante singole personalità. Queste personalità sono ulteriormente suddivise in insiemi diversi in base a convinzioni, credi, ecc.ecc. Insomma, siamo un casino incredibile. Ma dobbiamo convivere, quindi ci organizziamo. E nella maggior parte dei sistemi scegliamo dei rappresentanti, che sono persone come noi, nel bene e nel male. Sono persone, se prese singolarmente, ma il ruolo e la posizione le trasforma in istituzioni, ponendole su un altro livello, in una posizione di controllo e supremazia. Ora, mettiamo caso per assurdo che una di queste istituzioni ci prenda gusto e voglia mantenere la posizione ottenuta, avendone magari tratto qualche beneficio nel mentre che non vuole perdere. Per assurdo, eh… Bene, come fare? Ma con la paura, ça va sans dir. Quando abbiamo paura cerchiamo protezione, è naturale. E in un contesto socialmente avanzato a chi ci rivolgiamo quando abbiamo paura? Alle istituzioni. Quindi se io, istituzione, voglio rafforzare la mia posizione e, putacaso, ho accesso o influenza sui mezzi di comunicazione e sulla divulgazione delle informazioni… beh, ho un jolly incredibile: mi basterà creare un’emergenza, un nemico o un pericolo e tutti invocheranno il mio intervento e la mia difesa. Logico no? Magari suona pure familiare, qui in Italia… Nulla unisce e compatta di più una comunità di un nemico comune, di qualcuno o qualcosa che minaccia i nostri orticelli e i nostri interessi. Nulla fortifica di più la nostra posizione dell’essere percepito come necessario, tanto più se vengo percepito come difensore nei confronti di qualcosa di alieno. E se io, istituzione, capisco e padroneggio questo meccanismo, ho vinto. Ho lo strumento chiave: posso accendere o spegnere il terrore nella gente. E chi è terrorizzato, nella maggior parte dei casi, non ragiona: cerca un rifugio e dimentica tutto. Quindi anche se faccio il resto del mio lavoro di rappresentante mediocremente o dolosamente, preoccupandomi più dei miei interessi personali che di quelli di chi devo rappresentare, e la gente inizia a lamentarsi e a chieder conto delle mie mancanze mi basterà girare la chiave del terrore e questi magicamente correranno a nascondersi dietro la mia sottana, sorvolando su tutto in cambio di un’illusoria impressione di sicurezza. Bene, qui mi sono fermato. L’intenzione originaria, a questo punto, era quella di fare un excursus storico sull’evoluzione dell’influenza della paura nel nostro sviluppo. Credo però che questo perda un po’ d’interesse rispetto alla situazione attuale. Ora come ora il giochino è sotto gli occhi di tutti, sebbene complicato dalle varie campane che orientano questo sentimento. Abbiamo un nemico comune, il virus, e da quello dobbiamo proteggerci. Quindi ben vengano, nel senso comune, le misure restrittive: rimaniamo tutti tranquilli in casa (almeno, chi una casa ce l’ha… sennò resti fuori dai giochi e vieni pure multato, che è uno schifo totale, ma è un altro discorso troppo lungo per essere affrontato qui), stringiamoci virtualmente e incrociamo le dita. Avreste mai pensato di poter arrivare a questo? Avreste accettato qualcosa di simile senza la paura del virus? Non credo. Ma in questo specifico contesto è normale, ci sta. La paura del nemico invisibile è un qualcosa di ancestrale e fortissimo, che spinge a un’unità quasi impareggiabile nella nostra specie. Ora però, grazie a questa inedita unione, si sta verificando un altro fenomeno interessante (che si rifà a uno degli ultimi spunti lanciati nella bozza): la caccia all’untore, al diverso. Ci si accanisce contro chi non segue le regole come noi, mettendoci a rischio. Non dico che non ci siano delle piccole sacche di irresponsabili, ma forse non sono quelle realmente determinanti. Sono facili da individuare e ci tranquillizzano, danno un volto al nemico. Ma questo è fuorviante, e potrebbe tranquillamente essere uno specchietto per le allodole piazzato ad hoc (o casuale, il succo non cambia). Mi spiego: la gente reclusa si annoia. In questi frangenti c’è chi guarda film, chi impara a fare la pasta a mano, chi fa corsi online di origami… ma tanti sono lì a fissare le pareti e a meditare. E da queste elucubrazioni potrebbero venir fuori domande profonde, non superficiali. Domande che potrebbero mettere in crisi il nostro sistema produttivo capitalistico (probabilmente vi sovviene a questo punto la questione del mantenere aperte o meno le attività produttive per limitare la diffusione del virus e le resistenze di Confindustria. Bene. Cosa spinge Confindustria a mettersi di traverso in una situazione del genere? La paura che le fabbriche non riaprano. Paura, siamo sempre lì…). Cosa sta succedendo quindi? Negli ambienti decisionali si discute, cercando di far collimare tutti i vari interessi con l’ovvia paura della popolazione. Ma in questo caso gli attori in ballo sono tantissimi, quindi il dibattito può andare avanti a vita, se mantenuto su questo piano. Cosa fare quindi? Distogliere, distrarre, appoggiandoci nel mentre a soluzioni raffazzonate e di facciata. E tutti a puntare il dito contro chi esce, contro chi va a correre per non impazzire nella reclusione, contro chi agisce in proprio (e non parlo di chi fa feste condominiali, ma di chi va a correre da solo rispettando tutte le varie norme sanitarie). Magicamente la paura generale si sposta da un argomento sensibile socio-politicamente, come la produzione e il conseguente transito di persone e merci, per focalizzarsi su qualcosa più alla portata come, ad esempio, un nostro pari che non segue le regole. Questo a cosa porta? Che la potenzialità intellettiva delle gran maggior parte di noi viene distolta dall’analisi della nostra precedente condizione (e dalla possibilità di ideare alternative) per essere incanalata in un’insulsa guerra tra poveri che lascia tutto esattamente così com’è. E il sistema vince un’altra volta. Per la paura. Paura del vicino, potenziale untore; paura per il fallimento delle aziende, quindi della disoccupazione; paura del futuro in generale, immutabile simulacro del nostro ieri invece che potenziale nuovo e differente inizio. Questo è: paura. Sempre e solo paura. Ma di che tipo è? È una paura che ti spinge a trovare soluzioni? Oppure ti induce a cercare colpevoli e difensori? Non è una domanda banale, ora come ora, anche se lo sembra. Abbiamo delle impellenze molto più forti in questo momento storico: abbiamo avvelenato e distrutto il nostro pianeta, portandolo quasi al collasso, mettendo in discussione la nostra stessa presenza futura. Questa paura ci sta pian piano arrivando, sebbene calmierata dalle allucinanti dichiarazioni di alcuni criminali (Trump e Bolsonaro, giusto per citarne un paio come esempio, li considero criminali a tutti gli effetti) che lavorano solo per gli interessi dei pochi che su questa distruzione traggono profitto. Quella è la paura ‘sana’. La nostra casa è in fiamme, e quando il fuoco ci raggiungerà nemmeno le istituzioni potranno salvarci se non ci attiviamo prima e iniziamo a fare le giuste richieste. Per cui ok, rimaniamo in casa e confidiamo nel comparto scientifico e nelle soluzioni che ci presenterà per uscire da questa situazione. Ma al contempo iniziamo a sfruttare questo periodo di reclusione per analizzare la nostra realtà e a immaginare alternative, invece di invocare la militarizzazione contro le cazzate di pochi. Pensiamo a cosa non va, cercando di non farci condizionare troppo dai nostri consueti schemi. Cerchiamo di immaginare il mondo per come lo vorremo alla fine di questa emergenza. Se riusciamo a farlo questi giorni non saranno sprecati e, soprattutto, non dovremo pagarne le conseguenze per altri decenni, continuando a sguazzare in una società ingiusta e fallata, oltre che nell’insoddisfazione personale. Quella che abbiamo di fronte è un’occasione enorme per cambiare il nostro modo di stare al mondo: spero solo la paura di abbandonare il vecchio modello non blocchi la ricerca di uno nuovo e migliore futuro. Share Tweet Share... Read more...JoJo Rabbit: Hitler, play with me! Un articolo di A. Maglione || Three Faces18 Marzo 2020JoJo Rabbit: Hitler, play with me! di Alessia Maglione Ah la Seconda Guerra Mondiale! Uno degli avvenimenti più trattati, studiati, su cui si è scritto, discusso, straparlato all’infinito, con cui ci hanno martoriato a scuola e su cui continuano a marciare tanti pseudo-intellettuali. Oggi però vorrei parlarvi di un film uscito poco tempo fa, Jojo Rabbit di Taika Waititi che parla sì, di nazismo e compagnia cantante, ma in un’ottica che non vi aspettereste mai. Perché vi dico questo? Perché Jojo Rabbit non è il “solito” dramma sulla Seconda Guerra Mondiale. Non è una pellicola storica, né tratta le classiche vicende di un tedesco che ama il nazismo ed odia gli ebrei. Ok, è vero, ci sono tutti questi elementi, ma nel film c’è anche di più. È una commedia che con sottile ironia e un ottimo cast riesce a interpretare con leggerezza quella che era la disastrosa situazione della Germania del 1944, quando i Russi e gli Alleati stavano ormai per mettersi la guerra in tasca. E come lo fa? Raccontandoci la storia di un bambino di dieci anni, Johannes Betzler, (al suo primo esordio come attore, tra l’altro) timido, impacciato e grande fan del nazismo con tanto di poster del Führer appesi nella sua cameretta a mo’ delle odierne rockstar, e con un solo obiettivo: diventare un uomo nel campo estivo della Gioventù hitleriana. E sa che può farcela, perché dalla sua ha un fantastico amico immaginario: Adolf Hitler. Il film è liberamente ispirato al libro di Christine Leunens, Il cielo in gabbia, basato anch’esso su una storia vera che l’autrice racconta così: «Una donna francese mi ha raccontato che durante la guerra la sua famiglia aveva dato rifugio a un ebreo polacco e che si era innamorata di lui. Ho provato a immaginare che cosa sarebbe potuto accadere se quella nascosta fosse stata una ragazza ebrea e a trovarla un ragazzo austriaco membro della Gioventù hitleriana, a cui anni di propaganda avevano insegnato a odiare gli ebrei». Jojo infatti non è assolutamente propenso a uccidere, né a essere crudele (per questo motivo verrà soprannominato Rabbit, “coniglio”), ma nonostante ciò non vede l’ora di poter far parte della Hitler-Jugend, come se fosse un gioco, una delle cose più fighe che un bambino di dieci anni potesse fare all’epoca: portare una divisa piena di distintivi, lanciare granate, maneggiare coltelli e addestrarsi nei boschi. In fondo, cosa c’è di più bello, quando si è bambini, di poter far parte di un gruppo? L’autrice del libro è però molto chiara con il regista: «Il libro è mio, ma il film deve essere tuo». Questo perché diciamocelo, un film preso paro paro da un libro, a volte rischia di essere quasi deludente. Per ovviare a questo, Taika riesce invece a creare la risata anche dove c’è il dramma, dandoci infatti la mazzata in petto proprio quando non ce lo aspettiamo. «Sapevo di non voler fare un dramma puro e semplice sull’odio e il pregiudizio. Quando qualcosa mi sembra un po’ troppo semplice, mi piace portarci il caos. Ho sempre creduto che la commedia fosse il modo migliore per far sentire più a suo agio il pubblico. In Jojo Rabbit coinvolgo il pubblico con la risata, e quando ha abbassato la guardia inizio a inserirci questo carico di dramma che in questo modo colpisce maggiormente». Nel film si ride molto, ma si riflette anche. Si pensa al concetto di amore, accettazione, apertura mentale. Questo perché Jojo, come ogni nazista convinto che si rispetti, deve odiare e combattere gli ebrei, strani mostri-vampiri che leggono nella mente e puzzano di cavoletti di Bruxelles. Ma quando il bambino scoprirà che in realtà la madre sta nascondendo proprio una ragazza ebrea nella sua soffitta, tutto il mondo in cui crede verrà stravolto finché non sarà stesso lui a dire che, in fondo, gli ebrei “non sono poi così male”. È incredibile dunque pensare a come sia facile vedere e pensare con gli occhi e la mente di qualcun altro, e quanto sia difficile cambiare le proprie idee quando si fa parte di un gruppo che ci contagia e ci spinge a omologarci. E come possiamo biasimare Jojo se, in un periodo nel quale la propaganda nazista era ovunque in Germania, il modello positivo da cui trae ispirazione è un Hitler immaginario? Un Hitler, a proposito, interpretato dal regista stesso e reso ancora più goffo e ridicolo di quanto fatto da Charlie Chaplin ne Il grande dittatore. Non a caso mi è venuto in mente questo paragone: Chaplin e Hitler nacquero nello stesso anno, nella stessa settimana dello stesso mese, aprile del 1889 ed è anche per questo che la sua parodia, rimasta nella storia, non è assolutamente casuale. Nel suo film Chaplin porta i gesti del dittatore fino all’esasperazione: i suoi discorsi politici sono senza senso, il suo tono di voce e i suoi incontrollati eccessi d’ira vengono scimmiottati da uno degli attori più brillanti di tutti i tempi. Allo stesso modo Taika, anche se con fare più leggero, rende Hitler un grande amico con cui giocare e passare le proprie giornate, a cui chiedere consiglio e con cui mangiare unicorni. Perché ciò che viene visto con gli occhi di un bambino, non può mai essere crudele. Lo stesso Taika ha affermato: «Mi sono sentito strano anche se il personaggio del mio film non è cattivo, ha il cervello di un bambino di dieci anni perché viene fuori dalla testa di Jojo. Si è trattato comunque di un momento triste, urlavo al gruppo di lavoro sul set vestito da Hitler, sembravo Charlie Chaplin ne Il Grande Dittatore». Essendo la madre di origini ebraiche, il regista si sarà preso una bella rivincita nell’interpretare il dittatore a modo suo. Egli stesso ha affermato di non aver fatto alcuna ricerca su di lui. D’altronde tutti sappiamo che tipo fosse quell’Hitler, e dunque voleva solamente crearne una sua interpretazione personale. E mentre la madre Elsa è impegnata a fare “quello che può” contro l’avanzata dell’ignoranza nazista e con un padre al fronte di cui non si hanno notizie, Jojo dovrà iniziare a fare i conti con la realtà della guerra, a tratti terribile, ma nel film anche surreale ed esilarante al tempo stesso. Basti pensare ai membri della Gestapo che ripetono Heil Hitler all’infinito per salutarsi o al comandante Klenzendorf che butta i suoi soldati in piscina per prepararli a un “possibile combattimento in acqua”. Insomma, possiamo dire che Taika Waititi non abbia scoperto l’acqua calda, perché come ho detto all’inizio, di film sul nazismo ne sono stati girati a valanghe. Dunque cosa lo distingue da tutti gli altri, e cosa gli ha permesso di vincere il Golden Globe? Non vi resta che guardarlo per scoprirlo. E vi assicuro che una volta visto non potrete fare a meno di rivederlo e di consigliarlo a qualcuno, almeno una volta. www.pressreader.com/italy/corriere-della-sera-la-lettura/20191117/282132113275816 www.youtube.com/watch?v=7UYT7sofcR8 www.cinematographe.it/news/jojo-rabbit-taika-waititi-imabarazzato-ruolo-hitler Share Tweet Share... Read more...Sanremo ’20: l’altra faccia del talento, un articolo di R. Cipro || Three Faces11 Marzo 2020Sanremo ’20: l’altra faccia del talento di Rossella Cipro Il tempo passa, le cose cambiano. Ricordo quando, da bambina, Sanremo era un evento. In famiglia, ogni sera, si guardava la musica. Tutti insieme si cantava, una volta imparate a memoria le canzoni. Ricordo che mi sarebbe piaciuto guardarlo prima dell’avvento del nuovo secolo, per capire com’era, se era diverso o se è sempre stato la stessa storia. Tra tutto io ricordo Dolcenera. Ricordo ritmi travolgenti e musica orecchiabile. Ricordo testi interessanti, scene emozionanti, a tratti commoventi. Ricordo il duetto di Ficarra e Picone sulla Sicilia, gli interventi seri e le frecciatine politiche. Ricordo colpi di scena, la lettera di un operaio, un uomo appeso al corrimano di uno dei soppalchi. Ricordo Vessicchio e Riccardo Cocciante. Ricordo che poi il tempo è passato, quella bambina è cresciuta e ha smesso di guardare Sanremo. Dopo anni, nel 2020, Amadeus arriva a condurre il Settantesimo Festival della Canzone Italiana. Confesso che era il mio conduttore preferito all’Eredità, ideata e condotta da lui dal 2002 al 2006, e che l’ho poi rivalutato scoprendo che dirigeva un programma talmente imbarazzante che – ho controllato – non figura neanche più nella sua carriera televisiva. Ciononostante, ho sempre stimato quell’uomo, e questa era la sua rivalsa, ne ero certa! Ma nessuna rosa è senza spine e nessun uomo è senza peccato. Così Amadeus fa un passo indietro e si tira addosso la pioggia di critiche del popolo femminista che urla al boicottaggio. Non che non fossi arrabbiata. Certo che lo ero. Nessuno si deve permettere di pensare che una donna è donna solo se sa stare un passo indietro rispetto all’uomo. Lui lo ha fatto e io ci sono rimasta male. Nonostante ciò ha superato l’aspettativa della percentuale di ascolti, che si è rivelato il più alto dal 1999, ed è successo proprio perché ci siamo rimasti male. La curiosità mi ha sovrastata e così mi sono approcciata in modo diverso a questo evento, e l’ho guardato. Mi sono detta che se volevo capire quell’uomo, Amadeus, dovevo guardarlo mentre realizzava il suo sogno, mentre realizzava il sogno di ogni conduttore televisivo. L’ho visto così felice! Forse un po’ impacciato a volte, non sempre a suo agio e non sempre pronto a fronteggiare l’imprevisto, ma era naturale. Quel modo naturalmente inconscio che abbiamo tutti di comportarci, quando abbiamo una responsabilità sulle spalle e la consapevolezza di aver raggiunto l’obiettivo, di aver vinto; e siamo talmente contenti che, come un assetato che regge finalmente un bicchiere colmo d’acqua, con mani tremanti, rischiamo di eccitarci talmente tanto da riversare tutta l’acqua a terra, e restare all’asciutto, con i morsi della sete. Come quando siamo pieni di passioni e queste escono senza che alcuna maschera riesca a controllarle. Photo by Ansa/Riccardo Antimani Alla fine però in soccorso del nostro Amadeus è arrivato lui, il vero protagonista di questo Sanremo 2020: Rosario Tindaro Fiorello. Entra in scena e stravolge, coinvolge, riavvolge. Il conduttore sembra lui, l’Ariston è tutto suo. Se la balla e se la canta e a ogni pausa, in qualsiasi momento di morte tra una canzone e l’altra, compare e intrattiene. Ed è molto bravo a farlo. Ha lanciato frecciatine a destra e a manca a partire dalle critiche ad Amadeus, alle sardine, alla Rai e soprattutto al pubblico. Con “La classica canzone di Sanremo” ha detto tutto, e non c’era altro da dire. Una brano sul tipo di canzone che a Sanremo vince sempre: apolitico, senza critica, che parla d’amore e di sentimento. E infatti, per restare su questa linea, la censura del videomessaggio di Roger Waters, che doveva andare in onda nel corso della prima serata, prima dell’intervento toccante di Rula Jebrael, giornalista e scrittrice palestinese, è stata vista come una limitazione di libera espressione. Non voglio addentrarmi molto nell’argomento, o perderei il punto. Ma c’è chi dice che sia stato a causa dell’orientamento filopalestinese di Roger, altri che era una questione di tempistiche e di scaletta. A voi le considerazioni. Io in fondo voglio solo far emergere le differenze tra un festival della canzone e un karaoke al Red Garter. Sì, perchè, tra tante belle voci, tanta tecnica e tanto ritmo, ciò che è rimasto nella mente dalle gente è “la musica, e il resto scompare”. O quasi. Perché poi a restare è la tutina di Achille Lauro e tutti i capi usati nella sua sfilata. È Miss Keta e il suo duetto con Elettra. Imbarazzante, dico davvero. È il passo indietro di Bugo e non il testo di Junior Cally o Levante. Alla fine comunque ha vinto Diodato con la classica canzone italiana, e ha trionfato Fiorello e hanno avuto la loro ultima falsa gloria i Ricchi e Poveri. Non c’era contenuto sociale, se non la questione del femminicidio che è stata sottolineata e rivangata per tutte e cinque le serate. Il fatto ha raggiunto il culmine con la comparsa in scena di sette artiste italiane: Fiorella Mannoia, Alessandra Amoroso, Giorgia, Gianna Nannini, Elisa e Laura Pausini hanno presentato il loro concerto “Una, nessuna e centomila”, un’idea per raccogliere fondi per la campagna contro la violenza sulle donne. La cosa che mi ha sorpreso è che non hanno cantato nemmeno una canzone. Hanno pronunciato una frase a testa. Era così triste e scontato, che ha perso il suo senso e ha preso una forma che è la stessa che abbiamo dato all’amore: quella di un gioco per bambini, un gioco semplice e sconsiderato. Un gioco che però è pericoloso, ma questo nessuno vuole saperlo, nessuno vuole ammettere quanto dolore genera un amore che diviene ossessione. Per questo quelle donne non hanno cantato in pubblico, perché al pubblico non era permesso scoprire la gravità della violenza perpetrata verso un altro essere umano, sopratutto se è una donna, che è indifesa, nuda, senza armi per fronteggiare l’enorme esercito della tradizione secolare, quella solita, quella patriarcale, che lascia impronte indelebili nell’istruzione, nel lavoro e nella società. Per questo alcune donne ritagliano il loro spazio, lontano dal coro. Ma non è di questo che voglio parlare. Era del talento che volevo scrivere. O meglio, della mancanza di talento e dei vuoti senza senso, dei silenzi imbarazzanti, delle voci che non suonano, delle note che si alzano per coprirle, del coro che cerca di salvare l’altra faccia del talento. Quel talento che non vedi ma che attecchisce, che va di moda e che attira l’attenzione. Quel talento che non è altro che un idolo, un simbolo, una figura, un gesto caratterizzante, un nuovo disco in uscita e un tour nazionale in partenza, un sacco di soldi da guadagnare. Nessun brivido ha attraversato la mia pelle ascoltando le loro voci, perché non stavano cantando. Nessuna sensazione ti pervade se le ascolti a occhi chiusi. La musica di questo talento esiste solo in funzione dello spettacolo che figurativamente riesce a mettere in scena. Puoi anche cantare in modo pessimo, ma se sei un uomo con trucco e tutina aderente, o una donna con tette enormi e un vestito aderente, quindi, se metti un vestito aderente, allora tutti dimenticheranno la tua voce e ricorderanno solo la tua immagine, e forse qualche nota, ma nient’altro. Ovviamente scherzo sul vestito aderente. O almeno, lo intendevo come una metafora, per dire che se dai spettacolo e rompi la consuetudine di quello che si presenta agli occhi, che sono gli organi con cui per primi ci approcciamo allo spettacolo della creazione e dell’arte, tutto il resto viene percepito in secondo luogo. Ecco perché ha vinto Diodato, perché non stonava con le aspettative delle persone, non era né più né meno di quello che doveva essere: la classica canzone di Sanremo. La classifica ufficiale è giusta e tiene conto del suono, della voce e delle parole, ma ciò che ricordiamo non è la classifica, né le belle parole, né Amadeus. Per questo, alla fine, Sanremo 2020 lo ha vinto Achille Lauro. Share Tweet Share... Read more...Patrick George Zaki ve lo ricordate? Un articolo di R. Dell’Ali || Three Faces4 Marzo 2020Patrick George Zaki ve lo ricordate? di Roberta Dell’Ali Ciao belli de mamma, come ve la passate? State in para per il Coronavirus o ve ne state fottendo? Pensate alle vostre tragedie personali o siete preoccupati per la borsa che scende a picco? Vi rode il culo che la potenziale pandemia abbia bloccato svariate cose della vostra vita o siete felici di potervela grattare (la pancia eh) senza dover dare giustificazioni? A me, personalmente, rode un sacco. Mind the gap between the train and the platform In questo momento sono in veranda, fumo una sigaretta e mi chiedo come esaudire il proposito che circa due settimane fa mi ero data per questo THREEvial Pursuit, ossia scrivere sulla vicenda Zaki. Andrea, per la precisione, ha detto: «Sarebbe giusto avere un pezzo su Patrick» ed era il 17 febbraio. Solo tre giorni dopo sarebbe arrivata la questione Coronavirus, prepotente, a invadere i media e le bacheche e i post, che fino al 20 febbraio erano ancora dominati da uno straziante Giulio Regeni che abbraccia Zaki. Dal mio punto di vista le due vicende sono estremamente intrecciate. CALMI! Non sto per avanzare una teoria complottista. È solo che sono stata a Bologna fino al 18 febbraio e, in quei giorni, sono andata alle manifestazioni per Zaki. Poi sono andata a Milano, dove sarei dovuta restare un mese per un corso di digital marketing (lo so, può creare dei sospetti sulla genuinità della mia persona, ma io questo non creto). Ho fatto i primi due giorni di lezione e, nel mentre, confabulavo tra me e me su come/cosa potessi scrivere riguardo Zaki. Comunque sia, il 20 febbraio, dalla sera alla mattina, la potenziale epidemia del Coronavirus è arrivata in Italia ed è entrata nelle conversazioni e negli smartphone di chiunque: che il mood fosse moriremo tutti o ma sei scemo è solo un’influenza, cambia poco. A Rogoredo i treni per Bologna erano stati cancellati, riuscire a tornare è stato abbastanza rocambolesco. Flashmob per Zaki (Bologna 2020) Il lunedì seguente non sono tornata a Milano, la mia vita si è riorganizzata a guisa di ordinanze e la riflessione su Zaki è continuata attraverso un’attenzione mediatica drasticamente diminuita. Di trend e di appeal Per quanto mi costi dirlo, una buona parte della riflessione alla base di questo articolo parte proprio dalla roba di digital marketing milanese (che continuo a fare su Skype: una cosa da matti, credetemi). A seguito di una serie di lezioni con professionisti del settore ho acquisito alcune nuove consapevolezze rispetto all’intorno della mia individualità. La prima, di rilevanza relativa, è di ordine linguistico e si basa sul fatto che il mondo del digitale sembra avere la necessità di esprimersi con termini urticanti come “vision”, “business model”, “experience”, “design thinking” e menate varie (capisco che suona meno figo, ma perché devi dire main activity o team work, se puoi serenamente dire “attività principale” e “lavoro di gruppo”?). La seconda consapevolezza venuta a galla è un pelo più seria e riguarda l’approccio di una come me, che del marketing non sa una cippa, ad alcuni concetti cardine di questo strampalato universo. Parlo di cose come trend e appeal. Qui potrei far partire lo spiegone della vita, ma ammetto di non esserne capace e mi limito a riportare una esplicativa conversazione avvenuta qualche giorno fa. «Hey Robe’, ricordi quel lavoro che t’avevo fatto vedere l’altra volta? Poi l’ho mandato e m’hanno detto che l’intro è pallosa. Adesso l’ho fatto più ritmico ed esaltante, ma non so, ho la sensazione che stiamo andando nella direzione sbagliata. Guardalo un po’». «Ma come?! L’intro ci piaceva un sacco! Però dai, questo è effettivamente più accattivante e dinamico. In che senso “stiamo andando nella direzione sbagliata”? Non ti seguo». «Sì okay, ma io volevo fare una cosa calma. Sono anni che mi dicono questo e quello e quell’altro, mi aspettavo solo una maggiore sensibilità narrativa!» «Calmino compa’, io sono qui da giorni a sentire quanto sia importante l’appeal del prodotto. È il 2020, l’attenzione è minima, il capitalismo ha trionfato ed esistono mezzi di diffusione per cui non puoi mai dimenticarti dell’appeal» [auch, ma l’ho detto veramente?] «Maddai, questo appeal molto commerciale sta fallendo, sono evidenti tutti i limiti di questo sistema. Non sarebbe male che la gente ritornasse a cercare lo stimolo da sé: guarda anche ora che sta succedendo. Tutti questi titoloni, servirebbe più calma nel narrare le cose». La conversazione non la riporto tutta ovviamente, anche perché ha poi divagato, com’è normale che sia. Però sì, è evidente che i principi della comunicazione si siano adattati alla nuova tecnologia che trova forza proprio nei concetti di appeal e trend. In un certo senso mi vien da dire che è sempre stato così. D’altro canto la velocità e continuità con cui avviene il rimescolamento delle carte impone la subalternità, sostanzialmente arbitraria, di alcune questioni rispetto ad altre. Questo ragionamento è lo stesso che sottostà a un’affermazione diffusissima sui social ultimamente, che più o meno fa così. «Ci stiamo agitando tanto per il Coronavirus, quando il cambiamento climatico fa morti da un sacco di tempo e nessuno se ne è preoccupato in questo modo». Già, nulla di più vero. Le urgenze nel mondo sono molte e simultanee. Penso alla guerra turco-siriana con bombardamenti, esodi e morti à gogo. E penso ovviamente al quasi silenzio sceso su Zaki, ancora in carcere. Regeni, Zaki e tutti gli altri “Patrick George Zaky, studente del master internazionale Erasmus Mundus ‘Gemma’ in Women’s and Gender Studies, è stato arrestato la scorsa settimana dalla polizia egiziana. Il 22 febbraio è stata fissata l’udienza in cui si deciderà per un suo eventuale rilascio. In qualità di rappresentati degli studenti e delle studentesse dell’Università di Bologna lanciamo un appello a tutta la comunità dell’Alma Mater, alla cittadinanza e a tutti coloro che vogliono far sentire la propria vicinanza.Lunedì 17 febbraio alle 18:00, ci ritroveremo davanti al Rettorato, in via Zamboni 33, per poi spostarci verso Piazza Maggiore. Per manifestare la nostra solidarietà a Patrick e chiedere con forza che i suoi diritti vengano rispettati e che possa tornare al più presto a frequentare le aule universitarie.” Le righe qui sopra sono un copia incolla dall’evento Facebook che, appunto, il 17 febbraio invitava la comunità meticcia bolognese al corteo di solidarietà a Patrick Zaki. La partecipazione a livello numerico è stata buona, ma i toni del lungo serpente umano non hanno corrisposto alla presenza fisica. A esser sinceri sono stati un po’ mogi, poco convinti e convincenti. Arrivati in piazza Maggiore il problema più grosso è stato la dispersione acustica, che è culminata in un’intonazione pallida di Imagine, del buon Lennon. Non è durato molto il tutto, alla fine si è librato un coro moderatamente arrabbiato: PatrickLibero! ParickLibero! PatrickLibero! Mentre di lunedì sera, rimbombava dal basso la libertà negata di Zaki, sotto una finestra del primo piano del palazzo comunale, spiccava ancora uno striscione appeso lì ormai da qualche anno: un pezzo di stoffa giallo, un po’ sbiadito, che chiede, urlando in grassetto “Verità per Giulio Regeni”. Finito il corteo, io e un po’ di amici siamo passati a uno spritz molesto e riflessivo: Regeni, Zaki, quanti altri? La realtà dell’Egitto è complessa e insidiosa. Qualcuno mi chiede cosa ne penso, in particolare del fatto che Zaki non sia un cittadino italiano e, nonostante ciò, ci sia molto movimento. Non ricordo cosa rispondo con esattezza, ma tiriamo in ballo tutto: l’entità dei diritti umani, la loro violazione, la necessità di proteggerli, arriviamo alla questione Unibo e Zaki, Cambridge e Regeni. Qualche settimana fa, prima che il caso Zaki esistesse, Pif è andato a riprendere la bici di Giulio Regeni a Cambridge e ne ha approfittato per sondare un po’ il terreno. Gli studenti dell’università inglese alla domanda «Do you know the story of Giulio Regeni?», rispondevano mediamente «No, I’m sorry». Agghiacciante, non vi pare? All’inizio c’era il suo nome su una bacheca, che adesso è vuota. C’era anche un memoriale, very small, in biblioteca, un piccolo tavolo con candele e un libro della commemorazione sopra: non c’è più nemmeno quello. Comunque esiste una Giulio Regeni Room e, in programma, erano fissati un paio di eventi commemorativi, uno organizzato da Amnesty e l’altro dall’università. Stando a quanto detto da una studentessa italiana, che Pif ha incontrato casualmente a Cambridge e che conosceva Regeni, quella di Giulio «è una cosa molto controversa e loro [gli inglesi] il controverso tendono un po’ a nasconderlo». Pif, durante la trasferta, avrebbe voluto incontrare la professoressa che ha mandato Giulio Regeni in Egitto e che non ha aiutato la magistratura italiana nelle indagini. La professoressa Maha Mahfouz Abdel Rahman comunque non c’era e l’incontro non è stato possibile. Il 9 febbraio, di domenica sera, c’è stato a Bologna in piazza Maggiore un primo presidio organizzato da Amnesty International e da Unibo. Poca gente in realtà, un cerchio di uno o due centinaia di persone, gli amici di Zaki e la sua professoressa. La promessa è stata: «Non ti lasceremo solo». Gli spritz continuano ad arrivare, la chiacchiera procede e finiamo a parlare di tutti gli altri, tutti coloro che si trovano in condizioni simili a quelle di Zaki, che non hanno nome per noi, ma che certamente esistono e subiscono le conseguenze di una vita sotto dittatura. Eclissi di lune e di soli Quando, il 17 febbraio, ho googlato sulla barra di ricerca “Patrick Zaki”, è venuta giù una cascata di notizie, mille articoli e innumerevoli aggiornamenti. Ad oggi, i comunicati risalgono mediamente a tre giorni fa, sono pochi ed è chiaro che l’attenzione mediatica si è spostata su altro. M’era venuto in mente di ripercorrere la vicenda di Zaki dall’inizio, dal 7 febbraio, quando all’arrivo all’aereoporto de Il Cairo è stato sottoposto a diciassette ore di interrogatorio e torture, alle ultime notizie, che ci riferiscono un trasferimento alla prigione di Mansoura. Solo dopo una settimana i genitori hanno ottenuto il permesso di vederlo. Pare che Patrick stia bene anche se non ha la libertà di andare al bagno quando gli serve né di leggere i suoi libri. Ma non lo farò, non lo ritengo necessario quanto ricordare le accuse che pendono su Patrick: “diffusione di notizie false”, “incitamento alla protesta” e “istigazione alla violenza e ai crimini terroristici”. Ha scritto dei post su Facebook e studia a Bologna, il corso di studi è “Women’s and Gender Studies”. Inoltre è gay: niente di grave a pensarci, eppure la dittatura è un luogo oscuro dove non è concesso a un individuo di essere. Non so se avete presente quell’estratto da un telegiornale egiziano che ha girato per un po’, dove il presentatore si è soffermato sulla definizione di omosessuale. Mi sono chiesta se davvero fosse una cosa così lontana dalla coscienza comune la libertà sessuale, tanto da meritare una spiegazione live. Comunque, secondo Suleiman Wahdan, il vicepresidente del Parlamento egiziano, se Patrick avesse diffuso notizie false sull’Europa, questa avrebbe proceduto all’arresto, come è successo in Egitto. Anche questo io non creto. Cioè non avremmo più posto nelle carceri di qualunque stato europeo. Al di qua del mar Mediterraneo, nel bene e nel male, il diritto all’espressione esiste. Non so bene quale sia l’intento di tutte queste parole che ho scritto. Potrebbe trattarsi delle perenni eclissi di urgenze mediatiche che si succedono: per cui prima c’era Patrick, oggi c’è il Coronavirus e domani chi lo sa. Potrebbe trattarsi anche della stortura insita nella nostra percezione dell’universo circostante, per cui le cose sembrano avere davvero valore finché sono in prima pagina. Il trend e l’appeal delle notizie dovrebbero far riferimento non al numero di click, ma alla necessità di informare su fatti cogenti e attuali, di rendere il lettore/spettatore cosciente del suo intorno, fornendogli i dati necessari per trarre le giuste conclusioni. Alla fine, però, in questa società perennemente immatura dove è difficile sapere cosa si farà da grandi anche quando grandi già si è, io cosa voglio lo so. Io voglio Patrick libero, governi giusti, cittadini coscienti e un’informazione che trasmetta le storture connaturate agli eventi, senza aggiungerne altre decidendo beceramente cosa sia degno e cosa no. Ma si sa, l’erba voglio cresce solo nel giardino del re. Share Tweet Share... Read more...I nuovi mostri, un articolo (horror) di B. Bendinelli || Three Faces26 Febbraio 2020I nuovi mostri (Quando l’horror è a casa nostra) di Benedetta Bendinelli Cosa ti spaventa di più, un virus mortale o uno sconosciuto in casa? Probabilmente una combinazione delle due cose, tradotta nella condivisione forzata di uno spazio che chiamiamo casa. Un virus mortale e uno spazio promiscuo in fondo hanno molto in comune. In entrambi i casi l’aria diventa pesante, portatrice di sconforto e di malattia. Lo spazio a disposizione che pian piano si riduce è un focolaio di paranoie e batteri. Tra un Corona Virus e un Corona Fabrizio in casa, probabilmente non sapremmo chi scegliere. Del resto il contesto sociale e politico in cui navighiamo adesso è un chiaro esempio di come sia diventato insopportabile per l’uomo il dover mettere a disposizione degli altri il proprio nido, le proprie cose, il proprio porto sicuro. Quello che ci terrorizza oggi è qualcosa di invisibile, qualcosa di evanescente come un fantasma, spettrale come il più terrificante dei boogeyman; e la paura non è più paura ma è più simile al fastidio. Volendo abbozzare una grossolana analogia si pensi che l’immigrazione (o la ‘migrazione’ se parliamo al presente) sia la sottocategoria cinematografica chiamata “home invasion”, dove il fenomeno storico è un film e il genere è l’horror. Siamo molto lontani dalla tradizionale espressione del terrore alla Lucio Fulci o da quella ancor più teatrale di Romero. Profondo Rosso ci fa sorridere, l’Esorcista sembra nato apposta per diventare un meme. E così, seguendo il flusso sanguigno del genere, sono cambiate le paure, le ansie, le reazioni. Il caro vecchio zombie – o il più classico gatto nero – è stato sostituito prima da entità sconosciute e malefiche (penso ai primi duemila con The Blair Witch Project e Paranomal Activity) e poi da qualcosa di più tangibile, di più ‘disturbante’ (traducendo alla lettera un aggettivo caro alla critica inglese) come l’intrusione non gradita di sconosciuti (vedi The Strangers, You’re Next o la più recente versione di Funny Games). In un certo senso la paura – quella cinematografica – ha smussato gli angoli, ha nascosto molto sangue e ha abbassato la voce. Non tanto per rendersi più presentabile quanto più per assecondare una tendenza generale a una psicosi silenziosa – perché se tutto è stato detto e tutto è stato fatto allora anche il linguaggio dell’horror dovrà trovare nuovi strumenti di comunicazione. Possiamo dunque relegare una categoria alla sua sola espressione estetica? L’horror è soltanto sangue e violenza oppure può camuffarsi sotto altri panni all’apparenza più candidi? I nostri nonni temevano i vampiri e le streghe. I nostri genitori gli incontri ravvicinati del terzo tipo. A noi viene un infarto se qualcuno viene a bussare alla porta (o a suonare il citofono). L’orrore moderno è un vaso di Pandora senza fine, un contenitore di paranoie scintillanti, tutto attrae e tutto spaventa. In questo modo la narrazione dell’horror ha trovato canali di comunicazione che prima non esistevano. Ha scovato terreno fertile dove un tempo il seme della paura non riusciva a germogliare. Penso a Midsommar, con i suoi prati verdi e le corone di fiori. E poi penso al pluri inflazionato Parasite, che è un ottimo esemplare ibrido che raccoglie varie sfumature di genere: dalla commedia al dramma e poi dal thriller fin quasi all’horror – con tutte le sue variazioni sul tema. Il film di Bong Joon-ho racconta molto bene la dinamica dell’invasione di campo – subita o perpetuata – e riesce in maniera elegante, ma sempre disturbante, a generare una nuova forma di tensione che si distacca da quella classica, immortalando quella che oggi come oggi sembra essere la paura più grande: l’intrusione. Parasite parla anche di frustrazione sociale, di una guerra afasica tra successo e fallimento. Racconta molto altro ancora con un quadro in scala 1:1000, perché la casa – con le nostre quattro mura – non è altro che un piccolo universo. Ma di questo ne abbiamo già ampiamente parlato. Infatti ancora prima di Parasite, nel 2018, Time Share (Tempo Compartido) ha raccontato una vicenda familiare dai risvolti terrificanti, proponendo una storia inquieta che fa sorridere e a tratti terrorizza. Sebastián Hoffman, scrittore e regista del film, è un brillante autore messicano che aveva già calpestato i tappeti dei maggiori festival indie internazionali, primo tra tutti il Sundance Festival dove nel 2013 debutta con Halley. Dopo il primo horror dai confini ben delineati, Hoffman cambia tonalità e registro, e con Time Share sembra quasi di partecipare a un party psichedelico dove i corridoi labirintici conducono a infinite porte colorate dietro le quali si nascondono oscuri scenari e misteriosi segnali; ricorda un più loquace Gaspar Noè che strizza l’occhio a J.C. Ballard. Eva e Pedro sono una giovane coppia in vacanza e insieme al loro figlio approdano all’Everfield, un gigantesco complesso di multiproprietà appena acquisito da quella che appare essere una spietata società americana. La tranquillità dei tre è immediatamente sconvolta dall’arrivo di un’altra famiglia che sembra aver prenotato lo stesso appartamento. L’errore del resort viene preso alla leggera e così i responsabili dell’accoglienza propongono alle due famiglie di condividere lo spazio, una soluzione che se accettata dai clienti comporterà succosi vantaggi. Abel, il padre portavoce della seconda famiglia, sembra accogliere di buon grado la proposta. Al contrario Pedro si adopera subito per risolvere la questione e mantenere l’utilizzo esclusivo della proprietà. Le differenze tra i due nuclei familiari sono subito palesate. Da una parte Eva e Pedro dalla più giovane frangia borghese, mentre dall’altra ci sono i ‘sempliciotti’ (e più numerosi) guidati dallo scamiciato Abel. Lo scontro di classe al centro della storia si trasforma subito in un’intricata matassa nera (o meglio: noir), anticipata anche da un prologo enigmatico che mostra un‘altra coppia chiaramente traumatizzata. Le due famiglie sono dunque costrette alla convivenza e alla condivisione di abitudini e attività vacanziere che illuminano a piena luce le profonde discrepanze tra le parti. Pedro teme una sorta di contagio da parte degli altri che potrebbero – secondo lui – abbassare il livello IQ del figlio; li disprezza e si fa disprezzare da tutti. La diffidenza di Pedro verso quella che – secondo i suoi parametri – può essere definita clientela di serie B, va oltre la sottostima di una categoria sociale (la classe operaia? Il popolo oppiato?) e oltrepassa il pregiudizio fino a raggiungere la consistenza acida della paura, quella vera e propria. Abel infatti si insinua di prepotenza dentro i fatti di Pedro. Lo costringe a un entusiasmo fasullo mentre lo scenario intorno a loro esplode in un vortice di cocktail, cene, giochi di ruolo e piscine sovraffollate. La nausea che sentiamo è un fastidio generato da tutti i partecipanti a questo gioco al massacro, un massacro silenzioso che utilizza come arma di distruzione di massa la spersonificazione e l’annichilimento delle umane espressioni, riducendo ogni gesto e ogni intenzione a un sistema ben calibrato di acquisizione dati. Pedro sembra essere l’unico a rendersi conto delle reali intenzioni del mostro Everfield ma una parallela microstoria smaschera finalmente i sotterfugi dell’azienda, gestita da un insolito RJ Mitte (il ragazzo dalle mille colazioni di Breaking Bad) che mira alla manipolazione mentale sia dei clienti che dello staff. Gloria e Andres vivono e lavorano da anni nel complesso di multiproprietà. Il loro matrimonio è ora messo in crisi non soltanto dalla noia e dalla subdola prigionia ma anche dalla loro diversa ambizione. Mentre a Gloria viene offerta una posizione rilevante all’interno dell’azienda, Andres resta bloccato all’angolo con scarse possibilità di crescita. Un’altra guerra fredda che esplode, altri corpi che si lacerano sotto schegge di sogni infranti e fallimenti che si aprono come piaghe infette. La paura, di nuovo, non è un mostro dagli occhi rossi ma una soffocante sensazione, uno spirito che soffia sul collo e sussurra parole inquietanti. Le stesse parole che pronuncia il responsabile delle vendite (RJ Mitte) durante una speech motivazionale per i nuovi assunti. Nella loro mente dipingeremo un quadro che non rappresenta chi sono, ma chi diventeranno. La generazione dei trentenni di oggi, forse più della altre, ha convissuto con questo mostro sotto il letto per notti intere, per anni e anni, per poi rendersi conto che l’orrore dell’arrivismo è solo uno spauracchio e il fallimento è una cantilena che ronza negli orecchi di tutti. La paura non fa paura – anche in questo film – la paura da fastidio, è qualcosa d’ingombrante, come una preoccupazione o una fobia cronica. Il classico registro narrativo ed estetico dell’horror vuole che sia un’entità oppure un particolare personaggio ‘cattivo’ a sterminare corpi e menti. Eppure esistono centinaia di altre umane circostanze che possono essere definite orrorifiche. L’impiegato, l’avvocato, il medico e il banchiere e poi il matrimonio, la vacanza, la casa al mare e il mutuo da pagare sono stati e sono ancora pugnali conficcati nelle orecchie. Sono lame sottili che lavorano sotto pelle fino a lasciare soltanto polvere di ossa e cenere di speranze. Andres e Pedro in qualche modo sono i paladini di una giustizia umana, una giustizia che vorrebbe vedere autenticità e libertà a governare la vita. Eppure sono colpevoli anche loro – lo sono tutti in questa storia – di eccessiva manipolazione delle proprie e altrui intenzioni. Tornando a noi: casa nostra non si tocca e chi lo fa rischia grosso. Questo è l’orrore che vediamo in molte storie contemporanee. E anche in Time Share il mostro non è uno soltanto ma sono tutti e sono addirittura coloro che abitano la propria dimora. Questo è un film vasto, che ficca il naso in ogni angolo della casa, in ogni tasca e nei più segreti anfratti della personalità. L’ansia che provoca il luogo / non-luogo delle multiproprietà, propagandato anche da una pubblicità stomachevole, si unisce infine a quello che è stato il primo trigger point del film: la condivisione. Il furto dell’intimità casalinga, la perdita della proprietà e (perché no) dell’identità, sono tutti temi cari al nostro vissuto e al nostro presente. E se una volta la chiave di lettura cinematografica di queste tematiche era perlopiù drammatica, adesso tutto può trasformarsi in una vicenda dai risvolti macabri. Come un vero e proprio horror, dove anche Il giardino dei ciliegi sarebbe un bagno di sangue. Share Tweet Share... Read more...Parasite: smells like poor spirits, un articolo di C. Francioni || Three Faces19 Febbraio 2020Parasite: smells like poor spirits di Chiara Francioni Parasite di Bong Joon-hu Parasite è l’ultima fatica di Bong Joon-hu, talentuoso cineasta sudcoreano già noto in occidente per la regia di Snowpiercer (forse il suo lavoro più conosciuto dal grande pubblico), e grazie al clamoroso successo guadagnato ha di fatto segnato la ribalta internazionale della cultura hallyu, oltre che un evidente miglioramento in fatto di gusto collettivo. A ogni modo, di tutta l’aurea mistica che circonda questo gioiello della settima arte, devo però confessare che è stato il titolo a conquistare, per primo, l’inespugnabile fortezza del mio interesse: Parasite. Mi sono infatti domandata: chi sono i parassiti di cui vuol parlarci Bong Joon-hu? Lo spaccato di realtà oggetto della satira sociale di cui andiamo discorrendo è quello della contemporanea Corea del Sud, terra non troppo distante dalla schizofrenica tirannide di Kim Jong-un e allo stesso tempo esempio di modernità e caccia sfrenata al progresso. Così, sullo sfondo di un tessuto sociale che ricorda molto quello occidentale, al punto da rendere tutto piuttosto familiare, assistiamo alla messa in scena di una macabra commedia, destinata a trasmutare in tragedia, attraversando in pratica tutti gli stadi della drammaturgia shakespeariana. Tutto comincia all’interno di un seminterrato situato nel cuore avvizzito di un quartiere popolare. Qui vivono i Kim: famiglia composta da un padre e una madre ormai da tempo disoccupati e da due figli incapaci di avere la meglio sul rigido sistema di reclutamento universitario. Sono poveri, privi di mezzi di riscatto, ma carichi di risentimento per l’ingiustizia sociale di cui si sentono vittime. Ci spostiamo quindi sulla vetta di una bella collina, dove si erige la prestigiosa villa dei Park, gioiello dell’architettura moderna. Il capofamiglia è un ricco uomo d’affari che può agevolmente permettersi di mantenere la giovane e bella moglie nullafacente e i due figli, il più piccolo dei quali connotato da una traboccante vivacità infantile che preoccupa i genitori, spaventanti da qualsiasi comportamento possa definirsi “sopra le righe”. Una delle scene iniziali di Parasite In estrema sintesi: poveri, da un lato, e ricchi dall’altro, rappresentati in modo essenziale in quella che sembra essere l’anticamera di un’inevitabile lotta di classe. La contrapposizione tra le due fazioni viene esasperata anche grazie al simbolismo della geometria. I Kim, infatti, vivono sotto il livello del mare, mentre i Park lo dominano dall’alto. E allo stesso modo le abitazioni delle due famiglie ne raccontano lo status sociale: l’indigenza dei Kim è rappresentata da spazi stretti e consumati, mentre il benessere dei Park è reso evidente dalla loro villa open space, attraverso la quale i suoi abitanti possono dimostrare al mondo di apprezzare l’arte, a prescindere dell’effettiva conoscenza del suo linguaggio. I poveri di questa storia non sono però dei disperati, sono invece animati da un forte spirito di rivalsa che riescono a tradurre in un arguto piano, ordito ai danni dei ricchi, grazie al quale finiscono per infiltrarsi nel loro tessuto domestico, facendosi tutti quanti assumere sotto mentite spoglie come collaboratori domestici dei Park. È quindi il momento della massima di comune esperienza, già sfruttata dagli autori sin dai tempi della commedia classica (il servus callidus plautino ti dice qualcosa?), secondo cui i poveri sono disgraziati ma scaltri e l’audacia di un buon piano risulta spesso essere più redditizia di soldoni sonanti. È il piano il protagonista di questa fase della narrazione, in cui tutto fila liscio in favore dei Kim, che sanno sfruttare intelligentemente le fobie e le ossessioni della classe dirigente, come la preoccupazione per il giudizio altrui, l’ipocondria e l’ossessione per il controllo. All’estremo opposto della scaltrezza dei Kim, c’è invece l’eccessiva ingenuità dei Park, tipica di chi non ha mai dovuto davvero difendersi dal prossimo in vita propria. Significativa in tal senso è la scena in cui il piccolo di casa fa notare alla madre che tutti i nuovi collaboratori domestici hanno il medesimo odore, senza che la donna ne tragga alcuna indizio. Anche l’odore è un tema importante in questo contesto. Viene infatti più volte sottolineato che i poveri hanno un cattivo odore, proprio come chi prende la metropolitana (dirà a un certo punto il Signor Park). Mi domando se, a questo punto, ci siano elementi sufficienti per provare a dare la risposta alla domanda di cui si diceva poc’anzi, che probabilmente adesso starà stressando anche le tue meningi: chi sono i “parasite” in questa storia? Sono forse i poveri, incarnati dai Kim, che sottovalutano i ricchi definendoli superficiali e naif? E che, trovandosi arresi, cercano di trarre giovamento dall’altrui benessere? O sono i ricchi stessi, rappresentati dai Park, che mal sopportano i poveri, giudicandoli sguaiati e impregnati di cattivo odore? In definitiva, con il loro stile di vita, consumano le opportunità di riscatto dei disperati, costringendoli a stagnare in un perpetuo stato di indigenza. Entrambe le risposte sono possibili, ma nessuna delle due mi sembra soddisfacente: troppo scontate e di certo questo aggettivo non si addice a Bong Joon-ho. *** spoiler alert *** Se non hai visto Parasite, potresti voler rimandare la lettura di questa seconda parte dell’articolo a dopo la visione. Se vuoi proseguire ugualmente, sei il benvenuto. Da qui in poi la storia entra nel vivo e il precario equilibrio raggiunto dai Kim, irrimediabilmente destinato a crollare sin dalla sua genesi, inizia a vacillare quando gli astuti impostori scoprono che la casa in cui si sono infiltrati nasconde un oscuro segreto. Per scovarlo, i protagonisti dovranno scendere nuovamente in basso (la geometria che ritorna) e introdursi in uno spazio ancora più angusto del loro seminterrato: lo scantinato che l’architetto, in preda al terrore paranoico condiviso da molti connazionali e legato alla minaccia di un’imminente invasione militare, ha cautelativamente realizzato sotto le fondamenta della sua opera d’arte. All’interno vive un uomo, nascostosi lì anni prima nell’intento di sfuggire agli strozzini grazie all’aiuto della moglie, ossia la ex domestica dei Park, fatta ingiustamente licenziare proprio dai Kim nell’ambito del loro geniale piano. In uno scenario di matrice marxista questo potrebbe assurgere a snodo fondamentale: il momento solenne in cui emerge, nella sua ineluttabile necessità, la volontà di rivoluzione, spingendo gli oppressi a unire le forze per sovvertire l’ordine sociale ed economico. Eppure, nell’impianto narrativo di Parasite non accade niente di simile. Piuttosto, in seguito al ritorno della ex domestica, intenzionata, insieme al marito, a rivendicare la precaria sicurezza che la vita alle spalle dei Park aveva donato alla sua famiglia, la trama subisce un netto twist. Si assiste, infatti, a una inaspettata e sanguinaria guerra tra poveri, che avanza in un brutale susseguirsi di attacchi e controffensive senza che i ricchi ne abbiano mai effettiva contezza. L’obiettivo?Guadagnarsi il ruolo esclusivo di intruso, evitando che il proprio segreto venga rilevato ai Park. La tensione inizia a crescere, dando vita a un climax fatto di macabro sarcasmo, a tratti sconfinante nel grottesco, capace di strappare risatine ma anche qualche respiro. Non si assiste, dunque, al profetizzato avvento dei prolet dell’epopea orwelliana, bensì alla degenerante espressione dell’istinto di sopravvivenza che porta i Kim a difendere, con le unghie e con i denti (e non solo) lo status fraudolentemente guadagnatosi. Una lotta che non può non comportare costi per entrambe entrambe le fazioni, e che darà il colpo di grazia al sofisticato piano architettato dai protagonisti. Sono proprio le parole che il padre impostore rivolge al figlio a farci capire quanto tutto questo sia tristemente vero. “Sai qual è l’unico tipo di piano che non può fallire? Nessun piano … Se fai dei piani la vita non va mai nella direzione sperata. Se non lo fai, niente può andare storto”. Tutto è quindi dovuto, per lo più, al caso: i ricchi sono ricchi principalmente per contingenza, così come i poveri sono poveri per la stessa motivazione. Quest’ultimi sono infatti costretti, loro malgrado, a subire l’eterno ritorno della loro sventura, mettendo da parte il rancore verso i benestanti che, in fin dei conti, non necessariamente sono la vera causa della loro sofferenza. Una rabbia che finisce per essere sfogata verso chi è più facile da fronteggiare, ossia i propri simili. Tuttavia, non sono i poveri i nostri parassiti, o almeno non lo sono più dei ricchi che sulle spalle dei poveri costruiscono ville imponenti. Pertanto il vero parassita di questa storia, talmente rilevante da guadagnarsi addirittura una menzione d’onore nel titolo, deve per forza essere un altro. Locandina di Parasite Il parassita non può che essere la deriva decadente del capitalismo. Tutto torna, in effetti, e non potrebbe essere più lampante (soprattutto se hai familiarità con la filmografia di Jong Boon-hu). La lettura dell’ordine sociale che ha imperato tra le menti illuminate degli intellettuali a partire dalla fine del XVII secolo, basata proprio sul principio di contrapposizione tra classi emerso in tutto il suo splendore con la rivoluzione illuministica dei francesi, trova qui il suo collasso. Non ci sono più strategie volte al trionfo della giustizia sociale e alla massificazione del benessere, ma solo un basilare bisogno di sopravvivere. L’impeto che muove gli oppressi è quello dell’autoconservazione: l’assetato bisogno di prendersi quello che il destino, terribile demiurgo, ha negato loro, donandolo ai ricchi senza che questi abbiano fatto niente di speciale per meritare cotanta abbondanza. Ma lo stesso concetto di povertà deve essere riletto: non miseria, bensì mancanza relativa di risorse. Quello stato che non è tipico delle popolazioni che abitano le zone più disagiate del pianeta, bensì di chi si trova, spesso suo malgrado, alla base della piramide sociale del nostro progredito mondo moderno: primi tra tutti i disoccupati. La velenosa infezione innescata dall’estremizzazione dei capi saldi del capitalismo e della società consumistica, ha tragicamente riscritto il dna della lotta di classe. Le risorse a cui si aspira non sono più solo quelle necessarie a soddisfare i bisogni primari, ma anche e soprattutto quelle indispensabili per accaparrarsi i bisogni indotti. Il nemico, quindi, non è più solo chi di tali risorse ne ha in abbondanza, ma anche colui che, trovandosi nella medesima condizione di indigenza, si pone come pericoloso rivale nella corsa all’oro farlocco del XXI secolo. Un parassita, la deriva capitalistica, che ha trasformato le menti e che continua a crescere, ben oltre quelli che sarebbero potuti esserne i naturali confini, e che rischia di trasformare la società nello stato di natura che Hobbes aveva invece contrapposto a essa. O almeno così sembra volerci dire Bong Joon-hu. Triste? Sì. Evitabile? Mi auguro. Ma non è questa la sede per proporre strategie volte ad assicurare un’equa redistribuzione della ricchezza. Qui si parla di arte, di finzione, insomma. E infatti probabilmente ci fingiamo intellettuali, speculando sul significato profondo di un film. Certo è che se un messaggio deve passare è meglio che sia quello più edificante. Ad esempio non vorrei che di tutto questo pezzo vi arrivasse solo la considerazione che i poveri puzzano. E, a proposito di messaggi, chiuderei con il più recente dei moniti lanciati da Bong Joon-ho che, di ritorno in patria dopo l’esperienza losangelina degli Oscar, ha salutato gli acclamanti giornalisti così. “I’ll diligently wash my hands from now on and partecipate in this movement to defeat coronavirus”. Sempre satirico, sempre sul pezzo, semplicemente geniale. Precisazione da snob: ho visto Parasite in lingua originale con i sottotitoli in inglese, pertanto il virgolettato è frutto di quella che oserei definire come la mia umile traduzione non letterale. Ma il senso è quello. Share Tweet Share... Read more...Bluagata: l’urlo della Generation Y, un articolo di A. Biagioni || Three Faces12 Febbraio 2020Bluagata: l’urlo della Generation Y di Andrea Biagioni Sono le undici di una fredda mattina dicembrina. Il cielo è terso, l’aria pungente. Sarà che mancano appena due giorni a Natale, ma questo lunedì mi appare lento, languido nei movimenti e negli occhi svogliati delle persone che mi sfilano davanti mentre aspetto il secondo caffè della giornata. In verità, non è solo il caffè che sto aspettando. Tra qualche minuto salirò su un’auto che mi porterà a Villa Basilica: un passo dalla Collodi di Pinocchio, poco più di una decina di chilometri dal bivio che separa Gragnano dal centro di San Martino in Colle e al centro del quale sorge una roverella di circa seicento anni. Ha il tronco largo quanto l’abbraccio di quattro persone e una chioma medusea, selvaggia e tortuosa che sembra abbracciare a sua volta tutto l’ambiente circostante. Sarà per questa sua forma inquietante e attraente, semplicemente diversa, che in tempi oscuri il popolo ha immaginato i suoi rami come lo scenario ideale per la celebrazione di sabba infernali, creando così il mito della Quercia delle Streghe. Non sto divagando per spirito di supponenza. Questa non è una digressione fine a sé stessa. Questa quercia ha un forte legame con ciò a cui sto per partecipare. È lei infatti che si staglia sullo sfondo di ogni concerto dei Bluagata. È sotto di essa che la band ha girato il video Mother / Ghost, primo singolo tratto dall’Ep The Disguises of Evil. Tra poche ore invece saremo sul set per le riprese del secondo video, Father / Poison. Dico saremo, perché inspiegabilmente mi ci sono ritrovato coinvolto anche io in questa storia. Dovrò infatti interpretare la figura tirannica del padre padrone. O perlomeno della sua ombra, come verrò a scoprire più avanti. Non so come sia loro venuta in mente questa follia. Non so se sia nata per gioco o cos’altro. So solo che un giorno ho ricevuto un vocale su Whatsapp, in cui mi si annunciava che sarei stato il loro antagonista in Father / Poison. Io, che ho due soldi di regia e uno di recitazione. In ogni caso, non potevo dire di no. Un po’ perché il mio ego già si scaldava all’idea. Un po’ perché sono affascinato dal progetto musicale di questi cinque soggetti che conosco da quasi una vita. Con alcuni di loro sono cresciuto. Con Folco e Alessia per esempio, rispettivamente chitarrista e cantante della band, ho condiviso sogni e ferite, successi e delusioni, risate, lacrime e sangue, ma soprattutto idee. Federico invece l’ho visto letteralmente crescere, da bambino che era, come uomo e come batterista. Con Lorenzo, bassista da strapazzo, è stata una bella giostra di bevute e partite viste al pub, deliranti lezioni universitarie e scambi intellettuali, cinematografici e musicali di non poco valore. Margherita, l’altra cantante, l’ho conosciuta in realtà appena due anni fa, ma se mi dicessero che è sempre stata lì, risponderei che è la verità. Eppure il fascino che mi attrae verso la musica, le parole e in generale verso l’idea che si annida nel profondo animale del progetto Bluagata non è legato a un sentimento di parte. Non li ascolto, perché sono amici e quindi li devo ascoltare. Non mi piacciono, perché devono piacermi, anzi. Sono sempre stato critico quando ho potuto, forse più critico di altri sia ora che in passato, e proprio perché sono miei fratelli e mie sorelle, conosco e apprezzo la loro intelligenza e quindi pretendo da loro più di quanto pretenderei da altri. Per questo, se sono qui oggi per fare un pezzo della loro strada, non lo faccio perché lo devo fare. Lo faccio perché sono curioso. Anche se ne abbiamo parlato in lungo e in largo, ci sono ancora molti aspetti che devo capire e che loro non possono spiegarmi perché fa parte del lato ineffabile della creazione. C’è qualcosa all’interno di esso che nemmeno l’artista riesce a definire, perché spesso è l’artista stesso a esserne inconsapevole. Io voglio capire l’inconscio del loro processo creativo e posso farlo solo entrandoci dentro. Come un’ombra appunto. Intanto siamo arrivati a Villa Basilica. Ci presentiamo finalmente sul luogo del misfatto. Ci accoglie in casa sua mauchi, regista del video e curatore grafico e fotografico del progetto. È uno di quei personaggi su cui potrei scrivere un intero THREEvial. Lo vedi e hai l’impressione di trovarti davanti all’archetipo del visionario. Ad attenderci c’è anche Teresa, che non è solo una make up artist perché due mani come quelle, capaci di tirar fuori da un volto l’inespresso dell’anima di chi quel volto possiede, sono il frutto di un genio degno dell’arte pittorica. Iniziamo il briefing. Io ascolto e nel frattempo non posso fare a meno di analizzare il percorso che li ha portati tutti fin qui. Mi rendo conto che quello che i Bluagata hanno deciso di affrontare è qualcosa di diverso, di non scontato. Sinceramente, neppure io che li conosco da vent’anni o quasi, avrei mai sospettato che fossero così pazzi da spingersi fino a questo: a cercare di emergere dalla massa, non facendo niente di quello che ci si aspetterebbe da una band nel panorama musicale italiano, dove l’originalità è solo una facciata sotto cui si nasconde l’usato sicuro. Perché se da quel panorama escludiamo il cantautorato, questo paese è musicalmente parlando la terra dei wannabes. Siamo invasi da wannabes wannabes del grunge, wannabes dell’hip hop, wannabes del metal e dell’hardcore, wannabes dell’elettronica e della trap. Non a caso siamo la terra delle cover band. Invece, i Bluagata hanno fatto una scelta complessa. Non hanno scelto un genere. Hanno preso le influenze e conoscenze musicali di ognuno dei propri componenti e la loro voglia di sperimentare, miscelandole. Non si fa punk o metal, non si fa pop o britpop, non si fa elettronica, non si fa cantautorato. Hanno scelto un non genere, che può essere solo loro e dove si può fare tutto, che rischia di voler dire niente se si incastrano male i pezzi che si hanno a disposizione. Mentre il briefing si conclude e s’inizia ad allestire il set, mi scopro a pensare proprio a questo, ovvero al fatto che in fondo l’arte sta tutta nella capacità dell’artista di trovare i giusti incastri. E ciò che mi stupisce dei Bluagata è la cura e la lucida consapevolezza nel posizionare i tasselli del loro personalissimo e immenso puzzle. I primi due lavori in studio, ovvero Sabba e The Disguises of Evil, le canzoni al loro interno, i video che le personificano, i live, la presenza scenica della band all’interno di essi, sembrano frammenti di un quadro complesso che pezzo dopo pezzo svelano ognuno un dettaglio, una parte del tutto: sia essa un oggetto, un volto o una scena. Sono quelle porzioni che nella ricostruzione di un puzzle si completano e si mettono per il momento da parte, in attesa che altre se ne formino e si possa finalmente arrivare al punto finale di collegarle tra loro per poter ammirare l’opera compiuta. Il progetto Bluagata è un elogio alla lentezza, alla pazienza in un’epoca in cui il mercato ha reso la frenetica corsa verso il successo il fulcro della creazione artistica, depotenziandone il messaggio. Invece, nei testi di questa band (e se una classe della scuola media “Convenevole da Prato” li sta studiando, un motivo ci sarà) il messaggio non solo c’è, ma ti prende pure a schiaffi, anche quando la musica ti fa ballare. Le loro parole sono allo stesso tempo un atto di accusa e di ribellione. L’ho capito ascoltando Church / Revenge, terzo brano di The Disguises of Evil. Ripensando al secondo verso di questa canzone, mi sembra di riuscire a cogliere quell’ineffabile che muove il motore interiore di questi artisti e di cui probabilmente anche i Bluagata stessi sono inconsapevoli. “I never thought my beauty’d be like a stone for you” canta Alessia. Sin dalla prima volta che l’ho ascoltata, quella frase me ne ha rammentata un’altra. Vandalism: beautiful as a rock in a cop’s face. Era l’adesivo che ha campeggiato per anni sulla chitarra di Kurt Cobain, mio primo amore musicale. In quella frase più che l’invito alla sassaiola, era sintetizzato il malessere di un’intera generazione, l’allora Generation X, contro un sistema autoritario che aveva deciso di mettere ai margini della società chiunque avesse una propria identità: un’identità diversa da quella comunemente accettata e consentita. Quel verso di Church / Revenge ha la medesima potenza espressiva. In esso c’è tutta la rabbia di una donna svilita dal bigottismo di un’istituzione morale che di morale ha ben poco, e che si riallaccia al concept del precedente album Sabba, dove ogni canzone era dedicata a una donna processata e condannata dall’Inquisizione e da una società oscurantista, che appare più simile alla nostra di quanto immaginiamo. È la stessa rabbia che proviamo in decine di milioni di fronte allo schiavismo legalizzato del mercato globale e che Worth / Slave esprime con puntale ferocia. È la voglia di smascherare le debolezze e le prepotenze che manovrano le azioni e i sentimenti di figure che siamo abituati a considerare benevole, ma che celano sotto la veste del proprio ruolo sociale la negatività frustrata della propria inettitudine e una perfida o indolente soddisfazione nel vedere i propri figli fallire così come loro stessi hanno fallito (Mother / Ghost e Father / Poison). Infine, è il disprezzo del masochismo che la razza umana perpetra su se stessa, cercando quasi ossessivamente il modo più lento e doloroso di annientarsi e di annientare l’ambiente che la circonda (Freedom / Treason). In definitiva, il processo concettuale dei Bluagata è il perseguimento di una rivoluzione intesa nel senso primordiale del termine, ovvero come capovolgimento di un sistema sociale malato che un manipolo di tiranni di bassa lega vuole farci credere essere ben congeniato, giusto e immutabile. E vuole pure convincerci che se c’è qualcosa di sbagliato al suo interno, quel qualcosa siamo noi perché non siamo abbastanza “devoti alla causa”. Invece noi non siamo altro che una generazione stuprata. Una generazione resa schiava e vittima dalla cecità di chi prima di noi ha lasciato dietro di sé solo macerie sociali, non mantenendo le promesse fatte. In un’espressione, noi siamo la Generation Y (anche se adesso vogliono schifosamente chiamarci Millennials). Ora capisco perché i Bluagata hanno deciso di affrontare un simile percorso. Soprattutto, capisco perché hanno pensato che fosse arrivato il momento di abbattere i generi, sia musicalmente che concettualmente parlando: perché sono stanchi e incazzati, come tutti noi. E questo li ha resi ambiziosi. Chi ha davvero grandi ambizioni, non accetta compromessi. O si fa alla sua maniera o niente. Gloria o fallimento. Non esiste nient’altro, nessuna via di mezzo. Non so fin dove arriveranno, se riusciranno a soddisfare queste ambizioni, ma comunque vada almeno ci avranno provato. Avranno provato a essere l’urlo di una generazione. E ci vuole coraggio per questo. Per il resto, io non sento di avere altro da dirvi. Ho scritto fin troppo. È tempo di riprese per me, adesso. Non pretendo né di convincervi dei miei deliri né di influenzarvi. Ascoltate, vedete e giudicate voi. Non sono io che devo spiegarvi qualcosa, siete voi che dovete comprendere. Io sono solo un’ombra. E adesso si va in scena. Father / Poison Share Tweet Share... Read more...La meditazione ai tempi dell’Ikea, un articolo di S. Natali || Three Faces5 Febbraio 2020La meditazione ai tempi dell’Ikea di Sara Natali Una sera sono stata a un incontro sulla meditazione con un lama (maestro) buddhista, al quale eravamo invitati a porre delle domande. Poiché nessuno osava rompere il ghiaccio, ho alzato la mano e ho chiesto: «Cosa fare con la rabbia durante e/o dopo la meditazione?» Devo premettere che io e la meditazione ci conosciamo da appena due anni: sono quindi un’utente inesperta di questa pratica e, dopo una full immersion durante il mio ultimo viaggio in Oriente, sono ormai alcuni mesi che l’ho accantonata. Una delle ragioni di questa decisione è proprio la sensazione di rabbia che spesso nasceva in me dopo la pratica. Ogni volta che mi sedevo a meditare, infatti, speravo di calmare la mente – badate bene, dico proprio “sperare” – perché so che non dovremmo “volere” qualcosa meditando, ma al contrario essere neutri: non riuscendo a esserlo credo che, inconsciamente, io ritenga meno grave “sperare” che “volere” la calma. Spesso mi accadeva di cominciare la meditazione con una buona attitudine positiva e finivo spossata, nervosa e frustrata; e poiché giudicavo queste sensazioni inappropriate, mi arrabbiavo. Quindi ho lasciato da parte la meditazione per un po’, dicendomi che forse per il momento non era cosa per me. Ecco perché, quando mi è stato proposto di partecipare a questo incontro, mi sono detta che sarebbe stata l’occasione buona per avere una risposta da qualcuno che se ne intende. Devo ammettere che la sera stessa ero un po’ scettica, temevo che non avrei ottenuto granché da questo lama, non più di quanto posso aver ottenuto in passato da altri esperti meditatori, guru o guide spirituali. E infatti, come volevasi dimostrare, alla mia domanda, il lama replica sfoderando i cavalli di battaglia della filosofia buddhista come: La rabbia è un riflesso dell’ego e l’ego è il tuo nemico.Non dare importanza alla rabbia, ma focalizzati sull’oggetto della tua meditazione.Ci vuole pazienza e molta pratica.Ci vuole molta, molta pratica.I risultati positivi che tutti sperano ottenere dalla meditazione si ottengono dopo anni e anni di pratica.La rabbia è un sentimento malvagio che inoltre distrugge il karma buono, quindi non ti conviene nutrire la tua rabbia.Per sconfiggere la rabbia, e quindi l’ego bisogna praticare l’amore compassionevole. A questo punto la prima cosa che mi è sorta spontanea pensare è stata un molto shanti: “Grazie al cazzo”, ma anche: “Ok, benissimo, questo è quello che teoricamente dovremmo fare, e ne afferro completamente la giustezza; ma mi scusi signor lama, per la maggior parte di noi esseri umani questa rabbia, per quanto sbagliata possa essere, è pur sempre presente, e trovo molto riduttivo incollarle sopra una grossa etichetta rossa con su scritto ‘CATTIVA’ e riporla nello scomparto Cose Brutte dell’Ego. Personalmente credo che già l’atto stesso di definire una cosa come “giusta” o “sbagliata” provochi nell’individuo che si sta adoperando per star meglio con sé stesso e con il mondo, un sentimento di frustrazione e di colpevolezza, perché non soltanto si trova a constatare che la rabbia c’è e resta lì, ma che oltretutto è sbagliata. Inoltre, a questo individuo, consapevole di avere un problema con la rabbia che magari ne soffre pure, gli rincarano la dose dicendogli che oltretutto si sta sputtanando il karma. Non vedo come questo approccio possa generare un progresso positivo nella mente dello sventurato. Per questo ce l’ho un po’ con il pensiero buddhista, perché fa sembrare facile e scontato ciò che per la maggior parte di noi occidentali non lo è affatto. Già ci aveva provato qualcun altro dicendoci di porgere l’altra guancia a colui che reca l’offesa e onestamente non ha fatto una bella fine. Non dico che l’amore, il distacco dall’ego e accettare la realtà così com’è sia sbagliato o impossibile da mettere in pratica. Anzi, penso che sia giusto e nobile, anche se personalmente sento di essere “umana troppo umana” per riuscire nell’intento. Cari miei Lama, so che a voi sembrerà strano, ma per la stragrande maggioranza della popolazione mondiale i sentimenti brutti e cattivi ci sono, e in genere sono il riflesso di qualcosa di più profondo, quindi penso che valga la pena indagarci un po’ sopra piuttosto che ignorarli. In parole povere, l’insegnamento buddhista è molto saggio e molto bello, ma difficile da applicare per un principiante, o un principiante particolarmente nervoso. Poco tempo fa mi sono ritrovata a leggere un libro che per me è stato liberatorio. Lo scrittore è Fabrice Midal, un filosofo francese, e il libro s’intitola Foutez vous la paix! che è un modo colorito di dire “datevi pace”. In questo libro Midal, che pratica e insegna meditazione da più di vent’anni, sdrammatizza questa pratica riducendola alla semplicità assoluta che è: “Sii ciò che sei in questo preciso istante in questo posto, senza controllare niente e senza giudicare niente”. La meditazione, secondo Midal non deve essere vista come un magico strumento con effetti calmanti, o un antidolorifico. Oggigiorno siamo così schiavi dell’iperproduttività, della velocità, del multitasking, che ci aspettiamo che anche la meditazione ci dia dei risultati immediati. Solo che la meditazione non si basa sul trasformare, ma sull’accogliere, e in primis bisogna accogliere noi stessi. Ecco perché storco il naso quando la si vuole inserire in uno schema fatto di regole, tempistiche e traguardi. La meditazione non dovrebbe aggiungere né togliere niente a quello che già c’è. Tutte cose che, a conti fatti, saggi, guru e lama sanno sicuramente meglio di me. Ma allora perché, sebbene essi ci forniscano gli strumenti, spesso non si riesce ad afferrarne il mistero? La risposta che sto per darvi è personale e ci sono arrivata gradualmente: perché non c’è un’unica via. Crediamo che coloro che sono arrivati in fondo al mistero dell’esistenza (oggetto ultimo di riflessione e meditazione) ne detengano anche la chiave, che da semplici esseri terreni quali siamo riduciamo al segreto della felicità. Cerchiamo, io per prima, di trovare una logica in un qualcosa che trascende ogni logica. Cerchiamo fuori di noi conferme a verità che ci appartengono già, ma che non abbiamo il coraggio di accogliere come nostre. Allora deleghiamo qualcuno o qualcosa di più autorevole per farlo al nostro posto, per approvare o smentire le nostre idee, per guidare le nostre prossime azioni. E quando queste autorità falliscono, quando qualcosa non funziona, allora sorge la frustrazione, e poi la rabbia. Ma la rabbia altro non è che la paura mascherata; la paura di accorgersi che in questo percorso interiore siamo soli e responsabili delle nostre scelte e della nostra felicità. Quando ci se ne rende conto per la prima volta si apre un baratro di terrore e senso di libertà. Prendiamo questo esempio: ogni essere umano deve montare un mobile; ognuno ha in dotazione i pezzi, tanti, tantissimi, e alcuni veramente piccoli e astrusi, e l’immagine del modello finito, ma niente istruzioni. La faccenda sembra complicata ma tu non vuoi arrenderti davanti alle difficoltà, e decidi quindi di cominciare a montarlo a occhio. Dopo innumerevoli tentativi, i risultati non ti soddisfano per niente: il mobile non assomiglia affatto all’immagine finale. Ti chiedi se sei in possesso dei pezzi giusti, o se tu non stia piuttosto saltando qualche passaggio. Decidi di sbirciare quelli vicino a te per vedere a che punto sono: stessa identica situazione. D’un tratto capisci: il tuo mobile, così come quello degli altri, non potrà mai assomigliare all’immagine compiuta, perché i pezzi sono sempre diversi e le istruzioni non esistono. Ogni essere umano ha la responsabilità di creare il suo mobile, e la scelta dei pezzi da utilizzare degli incastri spetta solo a lui. In fondo, se penso a cosa posso imparare da questa famosa rabbia è di non accettare che siano gli altri a dirmi cosa sia meglio o peggio per me, perché nessuno è me eccetto me, ed è proprio laggiù in fondo la vera saggezza. Share Tweet Share... Read more...Sardine: roba da millennials, un articolo di R. Dell’Ali || Three Faces29 Gennaio 2020Sardine: roba da millennials di Roberta Dell’Ali Annunciazio’ annunciazio’ Signori e signori, ragazzi e ragazze, bambini di tutte le età: l’Emilia non s’è legata. Voglio un B-O-A-T-O! Cos’è, voi lo davate per scontato? No, perché qui noi ci stavamo cagando sotto. Noi, piccolo esercito di fuorisede, ospiti di mamma Bolo, sempre buona e sempre casa. Il 26 gennaio è stata una domenica pesantissima per noi, pigra e misantropa, comunemente chiamata pigiamenica, tutta votata al distrarsi da quello che stava accadendo fuori: le regionali, elezioni per cui noi – domiciliati a Bologna, ma non residenti – non avremmo potuto votare, elezioni per cui noi siamo scesi comunque in piazza a manifestare. Sapevamo di non avere il potere di cambiare materialmente le sorti, ma sappiamo di fare parte di questa città che ci fa respirare e che respira tramite noi, studenti che ne riempiono le vie e ne fanno vociare i portici la notte. L’intera giornata di domenica è passata in una paranoia così densa da indurci, di sera, a impastare e sfornare pizze, poi abbiamo giocato con Cards Against Humanity, che almeno fa ridere, e atteso trepidanti che Mentana arrivasse e ci dicesse qualcosa con tutti quei suoi sondaggisti, opinionisti e giornalisti. Dalle 23.00 alle 2.15 ho tenuto gli occhi fissi sul piccolo schermo del mio computer. Ma ti immagini che schifo se domani apri gli occhi e Bologna è leghista? La domanda è rimbombata in loop per ore, fino a quando hanno annunciato la terza previsione con un margine di errore minimo e hanno dichiarato la vittoria di Bonaccini; saranno state le tre meno un quarto quando ho sentito tutto il mio corpo cedere e crollare su sé stesso. Mi sono ritrovata la mattina dopo accasciata sul letto, tutta storta, col pc ancora sulle gambe e completamente avviluppata nel mio morbido plaid rosso cinigliato. Il timore più grande era quello di svegliarmi e sentirmi come era già successo nel lontano 2016, quando stavo a Londra e, un giorno di giugno, il sole s’è alzato coperto dalle nuvole e da un bel “sì” alla Brexit. Avevo paura di ritrovarmi di nuovo spiazzata e incredula, ma qui in Emilia Romagna, nel 2020, per fortuna, splende ancora il sole e il cielo del lunedì mattina è terso. Anche se, certo, la vittoria di Bonaccini il problema lo argina ma non lo risolve. Gli unici commenti che mi sento di fare sulla vicenda elettiva li lascio alla citazione di due messaggi ricevuti durante la nottata su Ziribipi, uno storico gruppo WhatsApp creato qualche anno fa dal primo nucleo d’amici bolognesi, giusto per non sottovalutare le alte percentuali a destra. Abbiamo prima l’amico MarcoBelliCapelli che così si pronuncia sulle elezioni della regione a nord. «Festa per l’Emilia ma lutto nazionale, piccio’! Siamo costretti a festeggiare il nulla». Poi c’è il mitico GioGi di Palieimmu che commenta alacremente: «Calabria, welcome to 1994 again». Entrambi secondo me c’hanno ragione, ma tra il nulla da festeggiare e Silvione immortale qualcosa di nuovo c’è. Parlo delle Sardine, le hanno messe in ballo sia Mentana che Ziribipi. La domanda più ovvia da farsi è quanto c’entrino loro con la vittoria di Bonaccini in Emilia: un onesto “abbastanza” mi sembra la risposta più appropriata. Credo, comunque, che non sia questo il dato essenziale riguardo ‘sti pesciolini qui. Bentornati in mare aperto Il 19 gennaio, dopo essermi ingozzata come un babbuino in osteria (vellutata di zucca con cuore di burrata e poi le dee Lasagne, che dio benedica e protegga le sfogline sempre!) io, la mia amica Prior e le nostre panze tonde tonde, siamo andate in piazza VIII Agosto, ché c’erano le Sardine. Alla prima manifestazione delle Sardine, avvenuta come è ben noto a Bologna il 14 novembre, io non ero presente. Infatti stavo in un altro corteo, quello che intendeva andare al PalaDozza, dove la candidatura della Bergonzoni veniva lanciata dal leader della Lega e la cui capienza (cinquemilacinquecentosettanta posti) era l’indice della sfida proposta da Sartori in piazza Maggiore: essere solo seimila sardine. Comunque il corteo nel quale mi muovevo non ha potuto fare molto altro che cantare, accendere qualche fumogeno colorato per far scena e camminare per ore: il Paladozza era completamente circondato da digossini, un numero così impressionante da spingere me e Ada, gloriosa Ada, a farci un selfie con la Digos che si stendeva dietro a perdita d’occhio. C’è stata una scena quel giorno che mi ha fatto tanto ridere e tanto bene: in pratica stavo aspettando un po’ di gente amica che usava il bagno in un bar di via Pitralata e me ne stavo appoggiata al muro, fumando una sigaretta. Nel mentre il corteo di giovani baldanzosi continuava a fluirmi davanti, fino a esaurirsi nella sua coda, cioè un plotone di agenti in tenuta antisommossa che se la chiacchierava e ghignava. Guardavamo questa sfilata armata io e una signora abbastanza in là con gli anni, che stava affacciata dal suo balconcino al primo piano. Lei continuava a guardare me e poi la Digos, poi ha fischiato in direzione degli agenti: «Fate i bravi, mi raccomando, ché son ragaSSi! Bravi ragaSSi!». Così gli ha detto e se n’è rientrata. Non so, ma ho sentito l’appoggio della signora, ho sentito il suo affetto e la sua preoccupazione per me, per noi, che non avremmo votato ma che siamo parte di questa città. Che non abbiamo possibilità di parola, ma l’obbligo di subire tutto. Come dicevo, il 19 gennaio io, Prior e la nostra squadra di fuorisede è sbucata da via Irnerio ed è arrivata in piazza intorno alle 15.30: stavolta non volevo proprio perdermela. Nonostante il pomeriggio fosse appena iniziato la piazza era già piena e, in giro, sembrava tutto un circo di pesci antropomorfi: c’erano un delirio di gente colorata a contrastare il grigiume celeste e sardine ovunque. Mentre iniziavamo l’operazione di sfondamento per sgusciare da qualche parte vicino al palco, mi guardavo intorno. i chiedevo se tutte quelle persone raccolte valessero qualcosa di buono davvero o se fossero lì solo per il concerto. La line-up faceva gola, diciamocelo. Ma davvero eravamo lì solo per la musica? No, non era la musica, ma la necessità di avere voce in un sistema livido e delirante che non lascia spazio a chiunque non parli la lingua della politica tradizionale (a tal proposito mi viene sempre in mente Propaganda Live: avete presente l’onorevole Barbazzi? Ecco, con scappellamento a sinistra!). Comunque l’attraversamento della pacifica marea umana è andato bene e, dopo un po’ di fatica e passaggi strettissimi, la posizione avanzata che speravamo di ottenere era stata raggiunta: una volta arrivata lì, ho cominciato a girare in un turbinio tutto strano di emozioni. A parte la banale questione di sentire la me sedicenne venire fuori con prepotenza a guisa di Modena City Ramblers, Afterhours e Marlene Kuntz, quel pomeriggio ho sentito qualcosa che non avevo mai conosciuto prima, ovvero la sensazione di fare parte di un intero. Una sensazione tanto viva da farmi essere avventata e spingermi, nel bel mezzo della faccenda, a mandare a Biagio un video della situazione, con allegato un messaggio che qui cito: ‘Oh Biagio, io sono qui e un pezzo ce lo scriverei’. Non avevo valutato quanto l’argomento fosse fuori dalle mie corde, totalmente persuasa che un senso così pieno di connessione non potesse non valere lo sforzo della comunicazione. Ed eccoci qui, ovviamente in merda con le parole, ma con la convinzione che davvero tutte le piazze italiane degli ultimi mesi andrebbero raccontate. Le piazze delle Sardine, dico, pesci meritevoli di aver risvegliato la voglia di esserci e aver ribilanciato la carica di odio avanzata con potenza nell’ultimo anno. Piazze variegate che vogliono dialogo, che forse non hanno una proposta politica avvincente, ma che concretamente intendono creare un linguaggio nuovo, attuale e capace di cogliere istanze diverse da quelle vigenti quarant’anni fa. La giornata in piazza VIII Agosto io l’ho trovata molto molto bella e, soprattutto, m’è sembrato che la sua realizzazione materiale non sia venuta meno da quanto i social (social sociali) sembravano raccontare: musica coinvolgente per tutte le età (dagli Skiantos a Marracash è simbolicamente potente il messaggio, no?), tanti interventi, molta poesia e una buona dose di comicità. In molti momenti mi sono commossa, un po’ perché c’ho la lacrima facile, un po’ perché ho trovato tanta bellezza nella riuscita di quella domenica; per esempio mentre migliaia di persone, tutte insieme in una fottuta piazza, ascoltavano un enorme Chaplin che così monologava. «Combattiamo per mantenere quelle promesse. Per abbattere i confini e le barriere. Combattiamo per eliminare l’avidità e l’odio. Un mondo ragionevole in cui la scienza ed il progresso diano a tutti gli uomini il benessere. Soldati! Nel nome della democrazia siate tutti uniti! » Bentornati in mare aperto. Così titolava l’evento delle sardine e, per come l’ho vista io, è stata una giornata di riflessione collettiva. S’è parlato di mafia, di integrazione, d’ecologia: temi solo sociali a quanto pare, non politici. Inoltre davvero quella piazza non è stata d’odio o contro qualcuno, a parte un coglioncello partito col «SalviniMmerda» prepotente e subito fermato perché proprio non era il caso: tutti i presenti erano concentrati ad ascoltare e ad esserci. A me sembra una grande svolta l’esserci, anche perché mi pare che stesse restando più nessuno a mantenere il focolare. Ma che ne so io del comunismo brutti scemi Se non vi secca, il racconto riguardante la domenica bolognese con le Sardine lo lascio un attimo da parte. Sì, perché vorrei invece inserirmi in una questione spinosa che, volenti o nolenti, le Sardine hanno rimesso in ballo: (rullo di tamburi..) i giovani e la politica! «Ah, voi giovani siete completamente disinteressati e inconsapevoli!» Quante volte l’ho sentito dire, davvero non saprei contarle. E forse è anche un po’ vero. Dico un po’ perché credo che la spiegazione dietro la situazione politica giovanile, senza bandiera e senza partito, sia sensibilmente più complicata di un semplice disinteresse o una superficiale inconsapevolezza. Ultimamente, per ragioni di ricerca e fascinazione personale, mi sono addentrata nella Bologna di fine anni Settanta: un giardino florido e magnifico infangato dall’ombra scura dell’eroina e della lotta armata. Qualche mese fa, mentre cercavo di svelare i meccanismi dell’editoria italiana a cavallo tra 1975 e il 1985, mi sono ritrovata a intervistare un editore sulla sessantacinquina, un signore originario di Carpi e studente del DAMS di Bologna nel 1977. Il buon M. mi ha raccontato cose superbe di giovani creativi e pieni di ideali, mi ha detto di una politica viva e partecipata che a un certo punto è sprofondata in una violenza paurosa e imperante. Riporto uno stralcio di intervista che commenta la deriva violenta della lotta politica e che trovo molto interessante. «La gente ha finito per chiudersi in casa, mettendo in moto quel meccanismo implosivo per cui le contraddizioni si sono risolte o con la violenza o con l’immersione nell’individualità. Allora dicevamo “il privato è politico”, ma quella situazione ha generato un altro paradosso, facendo diventare il privato il tuo mondo e la tua sfera di interessi. Così quelli che temevano la violenza si rifugiavano o nel privato o negli allucinogeni, costruendo uno spazio emotivo e personale che li proteggeva, ma che allo stesso tempo li isolava. Così la società contemporanea – una società in cui sorge un problema quando non si è né produttori né consumatori e in cui l’idea di mercato è l’unico motore dello sviluppo – risponde alla droga con l’espulsione sociale, alla violenza con la galera e all’immersione nel privato e nel personale con l’offerta di beni di consumo». Gli anni Ottanta, insomma, hanno avuto il grosso onere di far dimenticare, di allontanare quei giorni di scontro ideologico e di violenza. Direi che gli anni Ottanta ce l’hanno ben fatta, tanto che io sono nata in un mondo che il volto della politica lo conosce solo deformato. Io sono nel 1993: quattro anni dopo la caduta del muro e uno prima dell’ascesa al governo di Berlusconi. Sono nata mentre l’apoteosi dell’individualismo sbocciava. Tutto quello che voglio dire è che la mia assenza politica, la mia non scelta, la mia codardia e, se vogliamo, la mia ignoranza, forse non sono del tutto imputabili ai cinquantasette chilogrammi della mia persona. Pretendere partecipazione politica old style da una generazione nata sotto l’egida di una politica che è altro da sé stessa e cresciuta all’ombra di canale uno, sul sei, mi sembra un pelo ridicolo. Le Sardine sono state ampiamente criticate, in particolare per non essersi schierate: la neutralità è il grande peccato di quest’epoca, la mancanza di un partito è valutata grave carenza. Ma pensiamoci un po’ su, vi prego. Perché, nel bene e nel male, a partire da quell’inaspettatamente partecipato 14 novembre in piazza Maggiore, le Sardine hanno avuto il merito di ridare fisicità alla partecipazione e di parlare una lingua comprensibile anche per gli ultimi nati. Prima al telefono un vecchio amico ha detto una cosa che mi è piaciuta. « È possibile che delle sardine debba parlare solo gente di settantacinque anni?». No, effettivamente non è possibile e nemmeno giusto. L’accusa che ultimamente ho sentito muovere alle Sardine è anche quella di portare sul piatto temi sociali e mai politici. Mi chiedo, sono davvero tanto diversi o vicendevolmente controproducenti? Che senso ha parlare di tasse, decreti e leggi elettorali se poi la mafia non è un problema? Come faccio a scegliere un partito se tutto sta in mezzo? E, soprattutto, come minchia fate a darmi della comunista solo perché chiudere i porti mi sembra una stronzata? Io, che il comunismo non l’ho mai visto né conosciuto, se non sui libri perché in Russia è finita male, e che menomalechesilvioc’è. Rischio di generalizzare, me ne rendo conto. Mi servirebbe più spazio e più tempo, perciò vi invito a guardare questo video che hanno proiettato in piazza VIII Agosto dieci giorni fa e che, a me, m’ha fatto ridere e specchiare. All Photos by Graziano Marani Share Tweet Share... Read more...La Guerra dei trent’anni, un articolo di G. Bindi || Three Faces22 Gennaio 2020La Guerra dei trent’anni di Gianluca Bindi Luci svolazzanti, visi arrossati nell’era serale del sudore. Il buio, il fumo, il freddo e, in un angolo, anche l’alcol ingerito a partire dalle 2 di oggi pomeriggio. I fianchi delle ragazze mi serpeggiano in testa tramite le aperture oculari. L’odore di umido mi si appoggia in faccia, chiudo gli occhi per non incrociare quelli di altre persone. Wow, hanno messo i Green Day. A volte le discoteche rock sono peggio delle estati zoppicanti del reggaeton. Un disco rotto, mi ritrovo passivamente ad ascoltare una musica inceppata ai gusti e agli standard dei miei quattordici anni. Passivo perché realizzo che non ci si può ribellare a ciò che la vita ti propina davanti a occhi/orecchie/naso e quant’altro. Un po’ come non si può non subire i bagliori dell’ambulanza che sta soccorrendo un tizio che non è riuscito ad avere una bella serata. Oltre alla possibilità che i lampeggianti blu scatenino pure a me un attacco epilettico, realizzo d’un tratto, in un quadro più generale, che non posso oppormi a quello che è fuori di me. Me ne rattristo. Continuo a ballare in maniera automatica, con il giubbotto addosso e una botta strana che non va né giù né su, è costante, rimane lì ferma, esattamente a mezzo come l’ovosodo di Virzì. Ecco forse questa potrebbe essere una buona metafora per spiegare la modalità di esistenza in cui sono immerso. Infatti, la mia vita sembra un po’ diventata un ovosodo, un vagone in sosta su un binario morto della stazione di Borgo a Buggiano, che non va né a Firenze né a Viareggio. Rimane lì, fermo sulla rotaia. È come se sostasse per tempo indefinito sulle guide costruite apposta per permettergli il movimento, ma non facesse la cosa per cui in primo luogo è stato pensato: muoversi, appunto. Ed è grave, per quanto mi riguarda, soprattutto quando dovresti essere pronto per l’avvento imminente di una guerra. No, non la Terza Guerra Mondiale a cui Trump sembra tenere più della sua tinta di capelli, ma la mia personalissima Guerra dei trent’anni. Esatto: fra tre mesi avrò trent’anni e in questo momento mi sento leggermente impreparato a combatterli. Saranno ‘sti cazzo di Green Day che non mi vogliono proprio fare uscire i quattordici dalla testa; oppure, molto più verosimilmente, sarà il fatto che mi ritrovo a sbattere la fronte e i denti costantemente sul solito cazzo di muro, che sembra cambiare colori e fattezze, ma è sempre il solito cazzo di muro invalicabile che mi si para davanti nei momenti di stallo cosmico. Un muro a cui non posso oppormi e che, di conseguenza, mi fa posare gli occhi e le orecchie più del dovuto su una realtà che è diventata stantia. Movimenti sconnessi aritmici e inarmonici, lo sbattere delle palpebre, le spalle contuse con quelle di estranei con altre beghe in testa, a cui fanno finta di non dare attenzione almeno per una fottuta notte. Al contrario mio, evidentemente, perché pare che in questa notte maledetta mi sia partita la carrellata del decennio che sta per concludersi. Durante l’inverno di dieci anni fa fallivo l’ennesimo esame di una scelta universitaria a dir poco stupida, mi ribaltavo con la macchina a una rotonda, e allungavo le serate con fumate di gruppo sotto i portici a guardare la pioggia accompagnati dai Riders on the storm morrisoniani. Era proprio in quei frangenti che cercavo di stare nel momento, provando a percepirlo e riuscendo per un attimo a non pensarci troppo, a quel cazzo di momento, rovinandolo. Era l’alba del decennio, stavo per compiere 20 anni, e sentivo di poter fruire di una forza senza pari e di avere a portata di mano una serie di strade su cui utilizzarla dando forma ai miei futuri. Ero padrone dei miei destini, perché non ne avevo uno solo. Ne avevo molti e non volevo nemmeno sceglierne uno, perché poi dovrei per forza sceglierne uno, cazzo? Io li volevo tutti. Mi sentivo moltitudine ed ero affamato di avventure, di mostri e angeli. È stato anche il decennio delle carezze sottili, degli amori corti e infuocati, delle parole sussurrate piano all’orecchio, dei capelli scompigliati al mattino, dell’odore lunare di pelle leggermente sudata. Di vita che mi entrava senza sforzo in testa, senza per forza maledire i miei canali di senso. Non mi sentivo passivo nel ricevere tutto quel mondo, ma percepivo l’inebriante sensazione di averlo creato io stesso, di essere non più e non meno quello che mi ero meritato. L’aria era filtrata di Sole e giallo e arancione pesca. I sapori mi esplodevano in bocca e l’erba alta non mi irritava le gambe. Era anche il decennio del gelo, dei down bassi e disperati. Di quelli da non voler chiedere aiuto perché mi vergognavo di essere così inutile e schifoso al cazzo. I crateri che stavano forgiando la mia capacità di sopportazione e mi tempravano al mondo sono gli stessi che dieci anni dopo non mi fanno più sorprendere di nulla. La vita a (quasi) trent’anni è diventata l’infinita e pedissequa e ossessiva carrellata di cose già viste e sentite. Come i fottuti Green Day. Pensa a come ti sentiresti se per il resto del decennio vivessi la tua vita con i Green Day costantemente in sottofondo. Adesso, quasi all’alba dei trent’anni, i Green Day sono finiti. Non faccio più caso alla musica trascurabile da cui sono stati sostituiti. Forse dovrei concentrarmi su altre cose, tipo baccagliare qualsiasi essere dalle fattezze femminili mi passi di fianco, come fanno tutti gli altri, perché a trent’anni ci si sfoga senza sentimenti di sorta. Non penso che lo farò. Andrò passivamente a farmi investire dalla realtà da un’altra parte. A preoccuparmi su come armarmi per combattere ‘sta maledetta guerra e sfondare finalmente questo muro. O molto semplicemente andrò a letto, ché domani sarà una giornata in meno sul conto alla rovescia, realizzando quanto sia poco furbo combattere il tempo, guerra già ampiamente persa in partenza fin dalla nascita. Ma forse il giorno dopo aver compiuto trent’anni, mi accorgerò di essere esattamente quello che ne aveva ventinove appena un giorno prima. Forse il miglior modo di vincere la guerra dei trent’anni è non combatterla e andare avanti cercando di smuovere il vagone dal binario morto di Borgo a Buggiano con le proprie forze, un poco alla volta. E se proprio non si vuole muovere, provare a costruire nuovi binari. D’altronde, come salmodiava Giovanni Lindo Ferretti in uno degli incisi più taglienti della sua produzione musicale, l’unica cosa a cui puoi affidarti in questa casi è “l’instabilità che ci fa saldi ormai negli sradicamenti quotidiani”. Share Tweet Share... Read more... 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